Nuevos temas de los años 80 y 90 finalmente salen a la luz con Timeless el nuevo álbum de Prince que recopila canciones inéditas dejadas por el cantante después de fallecer 10 años atrás el 12 de abril de 2016.
Se anunció el junio pasado con el sencillo ‘Stone’, un tema que habla acerca de un amor que lo abandonó. Con sintetizadores, batería y guitarra eléctrica, rememora a los sonidos clásicos de la época. A la fecha de la redacción de este artículo, este tiene más de 500.000 reproducciones en servicios de streaming.
La leyenda, Prince Rogers Nelson, dejó su marca como ninguno antes. Nació en 1958 y creció en una familia musical en los años 60 y 70. Su talento inigualable lo llevó a explotar en popularidad con proyectos como Dirty Mind (1980), Controversy (1981), 1999 (1982) y Purple Rain (1984). Escribió para Chaka Khan, Sheena Easton y Sheila E. Incluso, compuso temas para Batman (1989), un proyecto pasional. Se rumorea que casi fue una colaboración con Michael Jackson; se supone que él interpretaría el papel del guasón y Jackson, Batman.
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En los años siguientes fue galardonado con lugares en múltiples halls of fame por sus contribuciones al rock, decenas de millones de discos vendidos a nivel mundial, siete Grammys y una reputación… complicada, pero nunca olvidada. Después de su muerte en la década pasada, los que gestionan sus obras han sacado un total de 4 álbumes póstumos, Piano and a Microphone (2018), Originals (2019), Welcome 2 America (2021) y, el más reciente, Timeless (2026).
CC: Cortesía
Actos de rebeldía como cambiar su nombre a un símbolo del amor para recuperar su independencia artística y muchos más hacen que se solidifique como una figura esencial para comprender el panorama musical de la época. Él representa una sensación de fabulosidad que destruye las normas de género; su inmensa discografía muestra su increíble habilidad no solo para crear éxitos y ritmos pegadizos, sino también para transmitir un mensaje, un propósito profundo que realmente lo diferenció de otros artistas. Era alguien que, incluso después de la muerte, sigue siendo inmortal.
CC: Cortesía
Lista de canciones:
- I Am You
- Tick Tick Bang
- Heaven
- I Wonder
- With This Tear
- Stone
- Calabama
- The Guilty Ones
- Bestest Friend
- How Come You Don’t Call Me Anymore? (Live)
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A lo largo de más de una década de trayectoria, The Warning ha construido y consolidado un camino propio, llevando su música más allá de fronteras y cosechando un reconocimiento internacional que no deja de crecer, evolucionar y sorprender. Las hermanas Villarreal —Daniela, Paulina y Alejandra— irrumpieron en la escena para dejar una huella profunda en el rock en español, convirtiendo sus ideales, experiencias y emociones en una conexión genuina con quienes las escuchan. Cada producción es el reflejo de esa esencia: una forma de transformar lo que sienten y viven en música capaz de trascender, emocionar y resonar mucho más allá del escenario.
Con el lanzamiento de su quinto álbum de estudio, Everything’s Falling, la agrupación alcanza un punto de madurez inquebrantable y contundente, marcado por el profundo conocimiento y la conexión que existe entre ellas. Su evolución trasciende lo estrictamente musical para adentrarse en un terreno más íntimo, personal y creativo, donde cada una explora y comparte sus propias experiencias, emociones y perspectivas. Porque, aunque las une el vínculo de ser hermanas, su música demuestra que también han aprendido a reconocerse y comprenderse como individuos, encontrando en cada canción un espacio para conectar desde miradas distintas, pero profundamente complementarias.
Con esta producción, The Warning se sumerge en una reflexión sobre su evolución, la resiliencia que las ha sostenido y las lecciones que han recogido a lo largo del camino. Everything’s Falling se convierte así en un retrato íntimo del momento que viven como hermanas y como banda: una etapa en la que han aprendido a entender que cada desafío, por difícil que parezca, también puede convertirse en un peldaño hacia algo más grande. Lejos de resistirse a lo incierto, las hermanas Villarreal lo abrazan y lo transforman, convirtiendo las experiencias de la vida en canciones poderosas, honestas y catárticas.
Lee aquí nuestra entrevista con Dany y Pau Villarreal de The Warning:
Chicas, están por presentar su quinto álbum de estudio, Everything’s Falling, un reflejo del momento en el que se encuentran en sus carreras. ¿Cómo definirían este instante?
Dany: Creo que nos encontramos en un momento de mucha reflexión. Creo que eso nos ayudó a crear este álbum. Cuando hicimos Keep Me Fed, lo hicimos en un momento personal, pero fue entre giras y componíamos un día con una gente y luego con otra. Todo fue mucho más caótico. Para este disco, nosotras ya sabíamos que queríamos dejar de girar; necesitábamos nuestro tiempo para meternos realmente en el proceso creativo, sin pensar en nada más. Lo grabamos en Monterrey, igual que Keep Me Fed. Parar esa parte de nuestra vida, que es estar de gira y es muy caótica porque nos pide mucha atención, nos dio el tiempo de respirar y realmente pensar qué queríamos hacer en este álbum. En el proceso, surgieron sentimientos y pensamientos que no sabíamos que teníamos, que estaban ahí esperando a salir en el momento adecuado. Esto fue lo que definió el álbum: reflexionar todo lo que habíamos vivido en los últimos años de gira. Además, lo mismo lo vivimos las tres, porque siempre estamos juntas; sin embargo, no nos habíamos dado cuenta de que teníamos diferentes sentimientos respecto a esas experiencias. Nos pusimos a describir nuestras experiencias, que son las mismas, de una manera tan diferente, que no pensábamos que como hermanas podríamos conocernos aún mejor, y eso que nos llevamos súper bien. Este proceso dio a luz diversos temas de este álbum, como cosas que teníamos guardadas y teníamos que expresar de diferente manera.
Qué interesante que de una misma experiencia pueden salir diferentes sentimientos y opiniones…
Dany: ¡Justo! Muchas cosas fueron tipo: ‘¿Cómo? ¿Cuando empezamos la banda no sentiste eso, esto y esto?’. Fue muy loco ver que teníamos diferentes sentimientos de la misma experiencia. Nos conocimos de una manera mucho más íntima.
Pau: Nos hizo conectar mucho mejor porque ya tenemos un contexto diferente sobre la persona que te lo está contando. Con esto, se llenaron ciertos espacios de comunicación porque, al final, estamos viviendo la misma experiencia. Puede cambiar mucho porque cada quien procesa las cosas de manera diferente.
Dany: Las guardamos de manera diferente: algunas cosas son más fáciles de solar para una que para la otra. Todo este álbum salió de experiencias juntas e individuales.
Este disco nace a partir de las lecciones que han aprendido y los retos que han superado. ¿Cuál es la mayor lección que han aprendido a lo largo de su trayectoria y el reto, que en su momento, lo vieron como una pared difícil de derrumbar pero lograron salir adelante?
Pau: Creo que un reto muy fuerte, que parecía que no había forma de superarlo, es hacer lo que hacemos pero de una manera saludable. El que cada día de tu vida esté agendado con mil pendientes todos los días, como viajar, conciertos y mil cosas más, necesita tener un nivel de adaptabilidad muy grande. Se necesita estabilidad para ser músico y tener una banda. Creo que los primeros cinco años de iniciar la banda, nos pegó muy fuerte este cambio de estilo de vida y todo lo que requiere. Creo que nosotras tres somos las únicas en entender nuestros sentimientos; nuestro management lo puede vivir de cierta manera, pero hay cosas que nos pueden pedir a nosotras que ellos no. Si nosotras no estamos en un lugar, pues no salen porque nosotras somos la banda. Tuvimos que buscar un balance, desde comer, dormir y todos los hábitos que necesitábamos agarrar. Para mí, esto es algo que parecía imposible. Veía a otros artistas y decía: ‘¿Cómo lo haces? ¿Cómo sobrevives? ¿Cómo puedes tener una trayectoria de 10 años, girar y que no te pese?’. Esto ha sido un proceso muy lindo. Cada una tiene la forma de vivir esta vida saludablemente y a un paso normal, aunque todavía se sienta apresurado, pero lo haces más estable.
Dany: Para complementar lo que dijo Pau: uno de los retos más grandes es estar en todas las áreas del proyecto. Esto es difícil de manejar, pero lo hemos logrado. Aprendimos que la comunicación es la clave para todo. Sí, somos una banda que trabaja muchísimo para tener una mejor comunicación entre todos. Somos una familia que quiere hablar entre todos las cosas como son.
Pau: Antes, este tipo de conversaciones parecían imposibles. Todo el mundo trabaja tanto para que las cosas funcionen, que a veces sientes que no puedes llegar a decir: ‘Necesito dos días en casa para poder dar el show’. Te sientes muy egoísta. Antes de nuestra entrevista, estábamos teniendo una junta sobre las giras para el próximo año, y ver todas esas fechas, que se sienten tan lejos, pero no es así, te hacen considerar el tiempo, la cantidad y más. Estábamos viendo si nos tomábamos un mes para descansar, algo que antes, hace cinco años, no hubiera existido. Ese mes no hubiera sido parte de la conversación. Ha sido bonito averiguar como banda el cómo nos gusta abordar este tema, pero obvio seguir trabajando, porque es muy importante mantener el paso que tenemos. A nosotras sí nos gusta decirle a nuestro equipo que es muy válido decir: ‘Hoy no me siento bien. Haré mi chamba, pero, por favor, tenganme un poco más de paciencia’. Esto es algo muy válido que tratamos de inculcar poco a poco.
Es una conversación muy importante para seguir abriéndose en la industria: la salud mental. Siguiendo con Everything’s Falling, ¿cómo dirían que ha evolucionado su sonido con este disco ya terminado?
Dany: Más que el sonido, yo creo que la evolución ha sido mental. Antes teníamos en mente el concepto de que el rock tenía que escucharse de cierta manera. En este álbum nos dimos más libertad con nuestro sonido: las guitarras que sabemos tocar, los riffs que les ponemos a nuestras canciones y demás. Pensamos: ‘¿Cómo divertirnos y que aún así somos una banda de rock? Siendo una banda de rock, nuestras canciones serán de rock’. Creo que un ejemplo muy claro es ‘Kerosene’, donde pensamos más en el sentimiento y el sonido fue después. Justo esta mentalidad ha hecho que nuestro sonido evolucione de manera diferente a nuestros álbumes pasados.
Pau: Creo que ya no nos ponemos tantos peros al momento de escribir algo. Nosotras empezamos siendo niñas en esta industria, además en un género tan purista. A veces es muy cuadrado al momento de decidir qué se considera y que no. Nosotras siendo niñas teníamos críticas desde el principio. Obvio teníamos que hacer las cosas de cierta manera para que la gente nos tomara en serio y nos dieran oportunidades. Esto era un estándar al que teníamos que llegar, pero siendo más grandes y seguras de nuestras voces e ideas con logros que hemos realizado, dijimos: ‘We don’t have to take ourselves too seriously’. El rock es un género de libertad y rebelión, así que, ¿por qué no participaríamos de eso solo por darle a la gente lo que quiere ver? Nos pusimos de acuerdo en ser las personas más libres que podamos al momento de componer, de vestir, en el show y más. Lo principal fue pensar: ¿Cómo seríamos nosotras sin los estigmas? Creo que a este nivel llegamos en este álbum.
Dany: Este disco nos llevó a lugares muy bonitos e inesperados. Nos encanta la evolución que hemos tenido.
Creo que esto es parte de su habilidad de sorprender, una de sus grandes cualidades. Al ser tan auténticas, las personas que van a sus conciertos quedan enamorados de su música y performance.
Pau: La verdad es que ensayamos mucho para nuestros shows y damos la mejor experiencia que podemos. Sin embargo, también estamos conscientes de que no le podemos gustar a todo el mundo, es imposible que a todos les guste nuestra música, y eso es súper válido. Me gusta cuando a la gente no le gusta nuestra música y, cuando va a venos, dicen: ‘Eso fue un buen show’. Nosotras nos enfocamos en poder brindar una experiencia única en el en vivo.
En la escena del rock en español considero que hay falta de voces y proyectos femeninos, ¿cómo viven la experiencia de ser unas de las grandes exponentes en el género con falta de mujeres en el?
Pau: Creo que es algo que hemos vivido desde niñas. Esto es un concepto muy extraño, porque, nosotras en casa, cuando nos estaban enseñando sobre música, siempre había mujeres en lo que veíamos. Además, ensayabamos y teníamos la mejor representación, siempre. Yo veía a mis hermanas y siempre estaban ahí; siempre estuve rodeada de mujeres en el rock. Entonces, cuando empezamos a tocar en vivo, y a la gente no necesariamente le encantaba que estuviéramos ahí, fue algo muy extraño. Ahora, las cosas han mejorado: las personas ya tienen más apertura a estas nuevas voces y propuestas en el género. Creo que también se ve en los festivales: a quién están contratando, invitando y demás. En ocasiones sí me impacta muchísimo que, en pleno 2026, ves los lineups de festivales y no haya ninguna mujer. ¿Cómo estamos en esta etapa? Porque no es que falten; hay propuestas muy buenas y sobran. Yo no entiendo el afán de tener a la misma banda 10 veces en el mismo lineup; trae diferentes voces y propuestas. Ojalá con nuestra propuesta, el público sea más abierto. También que los que hacen los festivales vean que una banda de mujeres sí atrae público y sí entretiene. Creo que con eso, poco a poco, vamos a mejorar. Nosotras sí hacemos las cosas sabiendo que probablemente haya niñas pequeñas en el público a las que podremos inspirar y digan ‘yo también puedo’.
Este punto de la equidad en el género era importante platicar con ustedes porque ya tienen una proyección internacional, sobre todo en un género que porta muchos estigmas y prejuicios.
Pau: Claro. Nosotras sabemos que somos demasiado afortunadas con las oportunidades que nos han dado, sobre todo en la manera que podemos tomarlas. La manera en la que nosotras podemos aportar es dar un buen show para que la gente vea que las mujeres artistas mexicanas tenemos un espacio en la industria.
Son artistas que están poniendo el nombre de México en lo alto a nivel internacional. ¿Cómo viven su ascenso global con presentaciones en América, Europa y Asia?
Pau: La verdad es que a veces nos saca un poquito de onda. Es una locura y un sueño hecho realidad. Es muy lindo viajar a diferentes lados del mundo, donde, tal vez, esas personas no comparten nuestro idioma o cultura, pero sí el amor a la música y por nuestra música. Esto es algo muy bello y espacial, donde nos sentimos muy suertudas de poder participar. Al hacer esto, nosotras podemos abrir un poquito la mentalidad. Nosotras no pretendemos ser la representación exacta del rock mexicano y cómo se escucha, pero tal vez a alguien le abra la curiosidad de descubrir más.
Dany: También es lindo la curiosidad de las personas que nos van a ver esos sitios, para que después quieran vivir un concierto en México.
Pau: Los shows más grandes que hacemos siempre son en México. Tenemos una producción más grande y demás.
Dany: Y lo hacemos a propósito.
Pau: México es nuestro país y va a tener los mejores conciertos que demos. Nuestro país se merece esto. Nuestros fanáticos internacionales saben esto, entonces viajan a México y nos vienen a ver. Tienen una experiencia turística y cultural alrededor de nuestros shows. Poder ofrecer una ventana de curiosidad, para que vean lo bello que es nuestro país, es encantador.
¿Qué es lo que más disfrutan de su carrera en este momento?
Dany: Creo que en este momento, y siempre, una de las cosas que más me ha llamado la atención de lo que hacemos es la conexión con la gente. A través de la música se hacen conexiones tan impresionantes con gente que tal vez jamás vayamos a conocer, pero somos parte de sus vidas. Esto se me hace imposible pensar que hubiese sido de otra manera. Es una magia muy específica. Doy gracias todos los días porque me dedico a lo que me dedico. Esto le ha dado mucho fruto y amor a mi vida.
Pau: Algo que yo disfruto, y cada vez lo hago más, es la libertad de expresión que tengo. Soy una persona muy creativa y tengo mil ideas todo el tiempo, entonces tener una banda con mis hermanas me da la posibilidad de ser escritora, instrumentista, productora, directora, estilista o maquillista. Me puedo expresar de tantas maneras y lo puedo compartir con el mundo. Tengo una plataforma para poder expresarme, algo que es increíble. No sé qué hubiera hecho si no tuviera este outlet. Esto es una bendición activa que tengo todos los días. Tengo la oportunidad de tener un equipo que me apoye, además de un público que está dispuesto a escucharme. Aquí soy Barbie. No hay nada que me detenga que no sea yo por no querer hacer las cosas. Me siento muy bendecida con mi vida.
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Para llegar a Insidious: Out Of The Further conviene recordar cómo terminamos entrando en esa dimensión oscura situada entre el mundo de los vivos y el de los muertos. En Insidious (2010), Dalton Lambert (Ty Simpkins) cae en un coma aparente después de proyectar su consciencia hacia el Más Allá, donde queda atrapado mientras varias entidades intentan ocupar su cuerpo. Su padre, Josh (Patrick Wilson), entra para rescatarlo, pero regresa poseído por la Novia de Negro y asesina a la médium Elise Rainier (Lin Shaye).
Insidious: Chapter 2 (2013) continúa inmediatamente después. Renai (Rose Byrne) descubre que su esposo ya no es él mismo, mientras Dalton, Specs (Leigh Whanell), Tucker (Angus Sampson) y el espíritu de Elise intentan liberar al verdadero Josh. Chapter 3 (2015) retrocede en el tiempo para contar cómo Elise abandona su retiro y ayuda a Quinn Brenner (Stefanie Scott), una adolescente perseguida por el Hombre que no puede respirar. Allí se consolida también su alianza con los investigadores paranormales Specs y Tucker.
The Last Key (2018) viaja todavía más atrás y obliga a Elise a regresar a la casa donde sufrió los abusos de su padre y tuvo sus primeros encuentros con los muertos. La médium se enfrenta a KeyFace y descubre que el trauma familiar puede abrir puertas tan peligrosas como cualquier ritual. Finalmente, The Red Door (2023) vuelve con los Lambert. Josh y Dalton han reprimido sus recuerdos, pero el joven reabre el acceso al Más Allá mediante sus pinturas y debe cerrar la puerta para reconciliarse con su padre y recuperar su propia historia.
La sexta película rompe con los Lambert y comienza un nuevo ciclo. Gemma (Amelia Eve de The Haunting Of Bly Manor) es una madre soltera y asistente dental que vive con su hija Maya (Island Austin) en la misma casa donde presenció la brutal muerte de su madre Ingrid (Laura Gordon de Late Night With The Devil), durante la infancia. Gemma cree que aquel episodio fue producto de la adicción y el deterioro mental, pero sus pesadillas revelan una herencia mucho más extraña: puede viajar al Más Allá y regresar con objetos, espíritus e incluso personas.
Ese poder atrae a Cyrus Lam (Sam Spruell), líder de un culto satánico que habita el Más Allá, cuyos tres perturbadores acólitos: Lester (Joseph Lopez), Edna (Robina Beard) y Patsy (Susan Gray) buscan asistir a su líder y convertir el mundo de los vivos en una extensión de su territorio (léase el apocalipsis).
Gemma y Maya son la clave para que Cyrus y los acólitos lleven a cabo su misión. Clare (Maisie Richardson-Sellers de Legends Of Tomorrow), una tatuadora y médium capaz de comunicarse con Elise entra a asistir a la atribulada Gemma que no sabe lo que está sucediendo, y Nick (Brandon Perea de Nope), el novio policía de Gemma, intenta protegerlas sin comprender inicialmente que la casa no está embrujada. Quien lleva la puerta consigo es Gemma.
James Wan y Leigh Whannell construyeron la saga como una variación de Poltergeist con una familia amenazada, un niño capaz de cruzar hacia otro plano, investigadores excéntricos y una médium convertida en guía. Esa influencia nunca desaparecerá, pero Jacob Chase, el director de Come Play, se distancia de la simple imitación y acerca la historia a los cómics de horror sobrenatural protagonizados por personajes como Swamp Thing, Constantine, Deadman, Phantom Stranger, Dr, Strange o Hellboy.
Más que la influencia de Wan, aquí se siente la de Whannell, durante años considerado como el “hermanito menor” rezagado de su antiguo colaborador. Pero películas como Upgrade, The Invisible Man y Wolf Man han demostrado, sin embargo, que posee una inteligencia narrativa superior a la de su supuesto mentor, ya que utiliza el género para pensar el cuerpo, la tecnología, la violencia y el trauma, mientras que Wan, el artífice de las sagas de Saw y The Conjuring, suele privilegiar la eficacia del espectáculo. Chase parece haber aprendido más de esa inquietud que del exceso de gore y los sobresaltos mecánicos de los universos de Wan.
Gemma y Clare no se limitan a soportar una casa embrujada. Poseen facultades, atraviesan dimensiones y aprenden a intervenir sobre las reglas que conectan ambos mundos. Out Of The Further funciona así como el relato de origen de unas heroínas sobrenaturales, pero Chase nunca permite que sus poderes eliminen el miedo. Viajar al Más Allá no las vuelve invulnerables; simplemente les permite comprender mejor aquello que desea despedazarlas.
Quienes teman visitar al odontólogo deberían considerar seriamente otra película. Chase aprovecha la profesión de Gemma para construir una secuencia de horror corporal alrededor de Lester, un anciano con los dientes podridos, una segunda dentadura y una boca de la que parecen salir residuos pertenecientes a varias pesadillas diferentes. La escena nos recuerda a Marathon Man y Little Shop Of Horrors, pero introduce el peligro desde el paciente y no desde quien sostiene los instrumentos. Aquí el sonido de una herramienta raspando una muela resulta más efectivo que diez apariciones detrás de una puerta.
La influencia de Chris Cunningham es evidente. Algunos cuerpos, movimientos y rostros parecen salidos de los videos de Aphex Twin (por momentos, la película podría titularse Come To Daddy – The Movie). Sin embargo, esa imaginería bioindustrial, deforme y agresiva le concede una identidad propia a los demonios y evita que el Más Allá vuelva a sentirse como el mismo corredor oscuro recorrido durante cinco entregas.
La escena del fuerte construido con los cojines del sofá (no pregunten) transforma un juego infantil en un laberinto beige, estrecho e interminable. La referencia a la reciente Backrooms resulta también evidente, aunque Chase utiliza mejor el espacio liminal que aquella sobrevalorada película y no se conforma con mostrar pasillos vacíos, sino que convierte la imposibilidad de orientar el cuerpo en una amenaza contra la relación entre madre e hija.
Las pesadillas siguen la lógica onírica de A Nightmare On Elm Street; los demonios poseen algo de los cenobitas de Hellraiser (algunos son personajes recurrentes de las anteriores entregas) y los excéntricos vecinos nos recuerdan los momentos más eficaces de la mediocre Poltergeist II. Chase no esconde sus influencias, pero consigue que cada una participe en la construcción de un universo donde los muertos no solamente invaden la casa. Esperan que alguien los transporte hasta ella.
Amelia Eve sostiene el centro emocional sin reducir a Gemma a la madre traumatizada que debe salvar a su hija. Su verdadero miedo consiste en descubrir que puede repetir la historia de la mujer a quien juzgó durante años sin comprenderla. Island Austin evita la precocidad artificial habitual en el terror y establece con ella una relación creíble, mientras Richardson-Sellers le imprime a Clare una serenidad que contrasta con el caos que debe traducir.
El regreso de Lin Shaye siempre es bienvenido. Elise murió en la primera entrega, pero se ha convertido en la verdadera continuidad de la franquicia: Una figura capaz de desplazarse por su mitología incluso después de la muerte. Aquí funciona como mentora y guía desde el Más Allá y encuentra en Clare una intermediaria para intervenir en el mundo físico. Se extraña, sin embargo, a Specs y Tucker, los investigadores que equilibraban la gravedad de Elise con humor y torpeza.
La cinta introduce explicaciones, planes y reglas que enturbian una historia que funcionaba mejor cuando confiaba en sus imágenes. Una demostración con trozos de naranja intenta aclarar el procedimiento para detener a Lester y consigue exactamente lo contrario. Los efectos digitales tampoco alcanzan siempre la fuerza del maquillaje, las prótesis y los espacios físicos. Pero aun con ese desenlace recargado, Insidious: Out Of The Further es, junto con la primera, una de las mejores entregas de la saga. Chase comprende que una franquicia no sobrevive repitiendo familias perseguidas por el mismo demonio detrás de otra puerta roja. Había que entrar nuevamente en el Más Allá, pero esta vez para encontrar allí otra posibilidad para el género, nuevos personajes y pesadillas capaces de regresar con nosotros.
P.D. No se pierdan la escena postcréditos que hará rechinar los dientes.
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Todos los alumnos y alumnas de La Universidad del Perreo ya pueden disfrutar de su primera lección para la cual Wisin ha convocado a la artista que les abrió las puertas a las mujeres dentro del reggaetón: Ivy Queen. La “Caballota” aporta toda su experticia en ‘Hasta abajo’, una canción que cuenta con ese beat clásico del género que, en efecto, invita a perrear hasta el suelo.
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Un par de días antes del lanzamiento, el cantante compartió una conversación de WhatsApp en la que invitaba a Ivy Queen a ser parte del “profesorado” de su nueva institución educativa. “Estoy haciendo el proyecto de La Universidad del Perreo”, se escucha en un audio. “Definitivamente no hubiera una Universidad del Perreo si no está la Caballota, la reina, la que le abrió las puertas a todas las mujeres para que pudieran hacer cosas grandes hoy. Sin ti no tuviera sentido”.
La artista, también en un audio, le responde: “Gracias por pensar en mí para algo que es nuestra historia. Usted sabe que cuando se habla de perreo, cuando se habla de reggaetón y de todo lo que costó abrir camino, yo tengo cicatrices, millas y capítulos escritos. Si vamos a hablar de La Universidad del Perreo, vamos a hacerlo como se supone: con flow, con calle, con fundamentos, con respeto por cada uno de los que pusieron ladrillos”
Tras una campaña de expectativa sobre lo que trataría este nuevo proyecto de Wisin, el boricua reveló que será un álbum que contará con otros artistas que han sido fundamentales para el desarrollo del género urbano. Además de la “Caballota”, el disco contará con colaboraciones con Trébol Clan, Franco el Gorila, Jowell, Randy, Don Chezina, Jory Boy, Kapo y más.
La Universidad del Perreo estará disponible a partir del 4 de septiembre.
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BMG said on Friday (Aug. 28) that its revenue for the first six months of the year rose 5% to 444 million euros ($518.7 million) due to growth in recorded music streaming subscriptions.
The German-owned music company said its earnings before interest, tax, depreciation and amortization (EBITDA) rose 4% to 127 million euros ($148.4 million), for a 29% EBITDA margin. Adjusted operating EBITDA also hit 127 million euros, having risen 42% since 2023, the company said.
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BMG acquired some 14 publishing and recorded music assets in the first six months of the year, making this its biggest investment in music rights during the company’s history. BMG, which in April announced plans to acquire Concord in a deal that includes $1.16 billion in cash, said it has invested $1.8 billion in music rights catalogs since 2021 through parent company Bertelsmann’s Boost program.
“Our first-half results reflect the strength of the business we have built over the past several years,” BMG CEO Thomas Coesfeld said in a statement. “We have become a more focused, more profitable, digital-first business — one that is better able to invest in artists, songwriters, and music rights for the long term. Sustained organic growth, record profitability, and our highest-ever first half investment in music rights give us a strong foundation for the opportunities ahead.”
Acquisitions this year included rights from Jelly Roll, Fuji Music Group (which includes works associated with John Lee Hooker, Hal David, and Chess Records), Snap! co-founder Luca Anzilotti and Jet.
Coesfeld said BMG is using artificial intelligence “at scale across BMG to better serve our clients and rights-holders by connecting music with the right audiences, deepening fan engagement, driving revenue opportunities, and improving productivity.”
BMG uses AI and data to sharpen its marketing, fan-focused strategies and to better monetize its catalog by identifying the best audiences to target. AI is also used to create and deliver “Motion Art for Apple Music.”
Across its recorded music, publishing and catalog, BMG represents more than three million songs and recordings including Tina Turner, Jason Aldean, Jelly Roll and Paul Simon. For the first six months of the year, catalog performance was led by “Blue” by young kai, “What Is Love” by Haddaway, and “Lost On You” by LP.
BMG reiterated that its acquisition of Concord is on track pending regulatory approval. The ultimate combined company would be 67% owned by Bertelsmann, BMG’s parent company, and 33% owned by affiliates of Great Mountain Partners, a private markets investment firm that has long invested in Concord through a fund that manages money from Michigan Retirement Systems and Great Mountain’s management team
“Together with Concord, we will have greater scale, broader capabilities, and increased capacity to invest in artists and songwriters, strengthen the support we provide creators and partners and create greater long-term value from music rights,” Coesfeld said.
Billboard used an average six-month U.S. dollar to Euro conversion rate of 1.1682224299.
BLINKs, JENNIE is your fallen angel.
The South Korea-born, New Zealand-raised BLACKPINK star steps out on her own for Fallen Angel, the three-track digital EP that dropped as the clock struck midnight.
It’s a collection that comes “from a very personal place with the truest self-expression,” reads an announcement, posted just last week by Odd Atelier, the singer-actress’ own company and label. “A gift from JENNIE, with love.”
The gift, well, it’s unwrapped and available for streaming below. The title from Fallen Angel arrives with an official music video, a fairytale that could be inspired by the work of Tim Burton. It’s a balancing act of light and dark, of bonfires and flowers. Of butterflies and bad dreams. Poetry and pain. JENNIE is the connecting tissue. “Thorns may be the sharpest, fiercest thing on this earth,” we learn in the spoken word outro. “And yet, they bloom into the world’s most beautiful roses.”
The clip culminates in a fiery finale. But fear not, no one was set ablaze. A disclaimer accompanying the music video assures that all fire depicted in it was created using VFX (CG), and that “all scenes involving minors were filmed in a safe environment under appropriate supervision.” Good to know.
At the top, as a child is boxed in on a stage of warped little houses, we learn that “human greed has made them grow so heavy.” As the camera pulls back, we see a surreal foggy landscape, backed by domineering skyscrapers. Those bent dwellings have eyes. “But little one, close your eyes like I do,” that narrator explains, in Korean. “We can still fly. Free as can be.”
Fallen Angel collects the title track, plus “Heaven,” which the K-pop icon debuted last month when she headlined the final night of Open’er Festival in Gdynia, Poland; and “Less Than a Lover.”
“It’s a song I wrote thinking about summer,” she told the audience before performing “Less Than A Lover.” “It feels really special to share new music with this many people.” She added: “I really can’t wait to share this new music with you soon.”
Stream Fallen Angel below.
After 10 years and fifth album releases, DMA’S finally have a No. 1.
The Australian alternative rock trio opens at the top of the latest ARIA Albums Chart (published Friday, Aug. 28) with DMA’S, their fifth studio album.
It’s the band’s first ever No. 1 on the national chart, after successive near-misses. And just the second homegrown album to top the tally this year after Karnivool’s In Verses (via Cymatic Records/Sony Music), following its release in February.
“Congratulations to DMA’S on a career best chart performance, taking the number one spot with their self-titled album no less,” comment ARIA CEO Annabelle Herd. “This is just another achievement in a string of incredible work over more than a decade and we couldn’t be more thrilled to welcome them to the top of the ARIA Chart.”
DMA’S is notable, for several reasons. That fastest possible chart start follows close chances with 2023’s How Many Dreams, which opened and peaked at No. 2 on the ARIA Chart (and No. 3 on the Official U.K. Albums Chart). And its predecessor, 2020’s The Glow, which also peaked at No. 2 in Australia (and No. 4 in the United Kingdom). The Aussies will learn of their U.K. chart debut later Friday.
As previously reported, it’s the band’s first release through a new deal with Wonderlick and Sony Music, one that introduces the trio into the major label machine for the first time. Their previous albums, going back to their debut full-length collection Hill’s End, which this year celebrates its 10th anniversary, were independently released through I Oh You, part of the Mushroom Group.
Also, it’s the first of the DMA’S albums to be self-recorded. Bandmates Johnny Took (acoustic guitar, backing vocals), Matt Mason (lead guitar) and Tommy O’Dell (lead vocals) cut the new effort in their studio in Sydney’s Glebe, a space that was established by local rock’n’roll legend Col Joye, and hosted sessions with David Bowie, Bruce Springsteen and the Bee Gees.
Speaking ahead of the new release, Mason told Billboard that an ARIA No. 1 was on his mind. “I’d be lying if I said that wasn’t a part of it,” he said, a nod to their new major label route.
Since their arrival with Hill’s End (which cracked the ARIA Top 10, peaking at No. 8), DMA’S have amassed over 535 million streams. In Australia, their breakthrough came with the 2016 cover of Cher’s ‘90s dance hit “Believe.” Their version came out on top of triple j’s inaugural Hottest 100 “Live A Version” countdown in 2023, and they won the ARIA Award for best group in the same year.
DMA’S will support their new chart leader with an east coast tour of Australia this November and December.
In other chart news, Tasmanian artist Miss Kaninna bags a top 10 with her debut mixtape, BLACKPRINT, new at No. 8, while Aussie singer and songwriter Vera Blue starts at No. 12 with Modern Rituals. Over on the ARIA Singles Chart, Ella Langley returns to the summit with “Choosin’ Texas,” up 2-1 for its 11th non-consecutive week at the top. Female artists or groups have now led the national singles chart for every week since early August 2025, ARIA reports.
Billboard’s Friday Music Guide serves as a handy guide to New Music Friday’s most essential releases each week — the key music that everyone will be talking about today, and that will be dominating playlists this weekend and beyond.
Last week, we featured Sam Smith, Stella Lefty, Weezer and more.
This week, Olivia Rodrigo shares a previously-released-CD-exclusive song digitally; Alex Warren releases his second album; JENNIE’s three-track EP arrives; and Rod Wave drops his mega 24-track seventh album, Don’t Look Down… plus much more. Check out all of this week’s picks below:
Olivia Rodrigo, “Serena Joy”
Days before headlining her very own inaugural Daisy Chain Fields festival in Irvine, Calif., superstar Olivia Rodrigo dropped a new song (which was originally cut from her third album, this June’s You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love) that will surely make its way into her setlist. “Serena Joy” — named after the antagonist from Margaret Atwood’s The Handmaid’s Tale novel — is expectedly inspired by the character’s complexities. And while the dystopian-sounding song ends with Rodrigo repeating “everything is just fine,” it’s unclear if she means it — or just wants to believe it. — LYNDSEY HAVENS
Alex Warren, WILDCHILD
Alex Warren’s second album swiftly follows last year’s You’ll Be Alright, Kid that included his breakout hit and Hot 100 No. 1 “Ordinary.” And while WILDCHILD does include some downtempo pop ballads (“Fine Place To Die,” “I Miss You More”), his signature soaring vocals are best highlighted on the album’s more punchy uptempo songs (“Fever Dream,” “Emerald Eyes”). As the project’s title implies, Warren is living it up a bit more this time around — or should I say, getting a bit wild by his standards — and as a result, sneaks in a final few summer smashes. — L.H.
JENNIE, Fallen Angel
Imagine the bite of “like JENNIE” only stripped down and ethereal — that’s “Heaven.” JENNIE sounds entirely self-assured on the song, even if she’s singing of a toxic relationship: “If not crazy, then what fun would it be?” The song accompanies the acoustic-led title track and previously-released single “Less than a Lover.” Fallen Angel is JENNIE’s first solo project since the release of her solo debut with last year’s full-length Ruby. — L.H.
Rod Wave, Don’t Look Down
The prolific rapper-singer-songwriter puts all three to their best use across his new album, tapping R&B singer-songwriter Summer Joy, R&B artist Luv Von, Irish singer-songwriter Aimee Carty and Australian indie-folk artist Hazlett as the project’s only features. Don’t Look Down is Rod Wave’s seventh album, having only released his debut full-length (Ghetto Gospel) in 2019. — L.H.
Billy Strings, So Much for Goodbyes
As Eric Renner Brown writes of the bluegrass virtuoso’s new album, it is “a profound meditation on grief inspired by the recent death of his mother.” As Strings shared himself in a statement along with the album’s announcement, he made the record to honor her: “To notice and embrace this very significant period of grief in my life and make art from it. To turn my heartbreak into songs while using my guitar as a coping mechanism as I always have. It’s always been there for me to lean on through the hard times, and I figure it always will… until it’s my time to say goodbye.” Read Billboard‘s tracks ranked here.
flowerovlove feat. Willow, “girls will be girls”
Rising indie-pop singer floweroflove shares her debut album, Mini Skirt Warrior, led by focus track “girls will be girls” with the project’s sole feature Willow. While the uptempo song is the album’s 12th and final, it’s also one of its standouts alongside previously-released singles like “American Wedding” and “I’m your first.” — L.H.
Alabama Shakes, I Must Be Dreaming
Grammy-winning bluesy rock band Alabama Shakes is back — and with its first album in over a decade. I Must Be Dreaming is the act’s first full-length since its breakout second album Sound & Color, which debuted atop the Billboard 200 upon its 2015 release. Previously-released single “Another Life” remains a standout for vocalist Brittany Howard’s urgent vocals, as does “Waist Deep.” The band is currently on tour through the end of September, with a date at Radio City Music Hall Sept. 2. — L.H.
Better late than never. More than six months after the 2026 Grammy Awards, where Jelly Roll insisted he would state his political views within the following week, he finally did so loudly and unequivocally during his last night guest hosting Jimmy Kimmel Live, ABC’s late-night talkshow.
Jelly Roll has been a headline-grabbing machine this week, from his sweet words about the late Dolly Parton to the backlash from MAGA and America’s network of conservative media when he roasted Donald Trump, more than once. During his monologue on Thursday evening (Aug. 27), Roll took the conversation even further.
Flashback to the Grammys on Feb. 1, a night when he won three golden gramophones. Backstage, Jelly told the press room that he was ready, willing and able to share his thoughts on the state of politics in his homeland.
“I have a lot to say about it and I’m going to in the next week. And everybody’s going to hear exactly what I have to say in the most loud and clear way I’ve ever spoken in my life. I look forward to it,” he said.
He prefaced that, in his own self-deprecating way, by saying that “people shouldn’t care to hear about my opinion, I’m a dumb redneck.” Then came nothing but silence.
“Can I get something off my chest,” he said on Kimmel. “For the last six months, I’ve watched people decide who I am, what I am, what I believe, what I support and what I don’t support. And I felt that even more this week, just because I told a couple of jokes. And honestly, this goes back further for me, y’all.”
This goes back to February this year, and the Grammys, a night where his dreams came true. “It was the single greatest moment and greatest honor of my career. I got called on that stage. I got handed my award that I’ve been dreaming about since I was a child. And immediately after, I was asked to make what I felt at the time was a political stands. I fumbled my words.”
Looking back, “I don’t necessarily regret asking for more time before I spoke. I wish more people took more time before they spoke. But I do wish I had found the words to express my heart just a little bit sooner. But I was afraid that anything I was going to say was going to be immediately taken as a political statement.” He continued, “Ironically, by trying so hard not to make a political statement, I became one. I spent my entire career trying not to belong to a political party. Partly because until March of this year, I wasn’t allowed to vote. But now that I have that right, it’s one I plan to exercise this coming November.”
This Nov. 3 is, of course, the midterm elections. Jelly Roll didn’t reveal which political party he registered with, but stressed he represents “those without representation… I’ve always tried to be a voice for the voiceless…I try to speak for the unspoken for. And that night at the Grammys, I had an opportunity to speak up for people who were scared, hurting and felt like nobody was speaking for them. I had a microphone and I didn’t use it the right way.” Choking back tears, he added, “My daddy always told me it is never too late to do the right thing.
“Human dignity isn’t Republican nor Democrat. Compassion isn’t left wing and mercy isn’t right wing. Pain and healing knows no partisanship. Hurting hearts are more important than poll numbers and there are no boundaries or borders for broken families.”
Roll admitted on Kimmel that he was a “man of second chances,” calling coming from his broken past, coming back and winning a Grammy “the American dream.”
He also stressed that he would shake the hand of any sitting president and his shaking Trump’s hand did not imply an endorsement, it simply showed respect for the office of the president.
Earlier in the week, Jelly quipped that he’d “lost an entire Donald Trump” when describing his own 300-pound weight loss and at one point joked, “Mr. President, from one fat pig to another, take it from me that physical fitness is very important.”
Later, after the right-wing raised a collective angry fist, he remarked: “We can debate whether this president is mentally fit, but I think we can all agree he is certainly not physically fit,” before introducing a parody commercial for a fake weight-loss drug called “Donjaro.”
Proving that his “fat-on-fat” jokes hit a soft spot, Florida Rep. Jimmy Patronis went on to say that, because of the singer teased Trump about his girth, Jelly Roll is unwelcome in the Florida Panhandle.
“I have joked all week all week long on this show about how I’m a convicted felon who was given the opportunity to change his life. And the fact is, that wasn’t a joke y’all,” he remarked on Thursday night. Jelly is on a roll. He’s living the dream. The American dream. “It can’t just be for people like me,” he insisted. “The American dream should be for everybody.”
Watch Jelly Roll’s monologue below.
The Empress of Soul is cutting back on her live load.
Gladys Knight, the 82-year-old R&B powerhouse, admits the time has come to focus on the next phase of her career, and wind back on concerts and touring.
“After much soul searching I’ve decided that I will be easing into fewer performances while focusing on transitioning into the next stage of my career and life moving forward,” she writes in a social media post.
“I’ll be spending more time on projects with my husband and visiting with my grandbabies and am looking forward to this new era.”
Knight’s decision comes after some performances that didn’t hit her high standards. Last month, Knight and Smokey Robinson performed at the Hollywood Bowl. While Robinson appeared to have not lost a step, Knight wasn’t her typical self.
“She relied heavily on her three back-up singers, who even took lead parts on occasion. She didn’t introduce them, or any of her six musicians, or speak to the audience in any meaningful way beyond banalities like ‘you’re so beautiful.’ She never mentioned Robinson,” Billboard’s Paul Grein reported from the scene. Sadly, Knight “barely got through this show, and only by leaning heavily on her backup singers. Artists need to know when it’s time to bow out gracefully.”
As the leader of Gladys Knight And The Pips, the legendary singer helped shape the sound of Motown in the 60’s and 70’s: “Midnight Train to Georgia” was a No. 1 hit and instant classic, but the soul act’s run extended long after that 1973 hit.
In recent years, Knight has been a regular on the awards circuit. She was saluted by the Recording Academy in 2024 with the Lifetime Achievement Award, and the previous year received the National Medals of Arts, the United States’ highest award given to artists and their patrons. Kennedy Center Honors came in 2022. Knight, along with her backing group, The Pips, was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1996.
“I’d like to take a moment, in advance, to thank all my fans over this last three quarters of a century for making a little girl’s dream come true and supporting her every step of the way,” her post continues.
“I am immensely grateful to all of you and send my eternal love back to you. I hope to see your smiling faces out and about and on the road. God bless all of you and hope to see you soon.”
See Gladys Knight’s post here.