En una decisión poco habitual dentro de su política migratoria cultural, pero enmarcada en un momento de creciente preocupación por el antisemitismo en Europa, el Reino Unido negó este martes la entrada a Kanye West (hoy conocido como Ye) debido a su historial de declaraciones antisemitas.

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La medida provocó, como consecuencia inmediata, la cancelación total del Wireless Festival, uno de los encuentros más relevantes de música urbana en el país, que había apostado por convertir a West en su única gran figura durante tres días consecutivos.

El argumento oficial remite al Ministerio del Interior británico. En palabras del primer ministro Keir Starmer, quien escribió a través de X que “Kanye West nunca debió haber sido invitado a encabezar Wireless”, la solicitud de ingreso del rapero fue rechazada bajo el criterio de que su presencia “no sería beneficiosa para el bien público”, una fórmula que el gobierno reserva para casos excepcionales.

Kanye West should never have been invited to headline Wireless.

This government stands firmly with the Jewish community, and we will not stop in our fight to confront and defeat the poison of antisemitism.

We will always take the action necessary to protect the public and…

— Keir Starmer (@Keir_Starmer) April 7, 2026

Sin margen real para sustituirlo a pocas semanas del evento, programado del 10 al 12 de julio de 2026, y en medio de la retirada de patrocinadores como Pepsi o PayPal, que incrementó el costo reputacional de mantenerlo en el cartel, Melvin Benn, director general de Festival Republic (coorganizadora del Festival junto a Live Nation), calificó los comentarios antisemitas pasados de West como “aberrantes”, pero pidió “ofrecer cierto perdón”.

“El Home Office ha rechazado la ETA (Autorización Electrónica de Viaje) de YE, prohibiéndole la entrada al Reino Unido. Como resultado, el festival Wireless queda cancelado y se reembolsará el importe a todos los poseedores de entradas”, informó la organización en un comunicado.

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Sin embargo, la decisión no es repentina. Durante años, el músico ha acumulado un historial de comentarios racistas, declaraciones antisemitas y elogios al nazismo, particularmente evidentes tras el lanzamiento de una canción titulada ‘Heil Hitler’. Este antecedente reactivó las críticas internacionales y elevó la presión en el Reino Unido.

En los días previos al veto, organizaciones representativas de la comunidad judía británica, como el Board of Deputies of British Jews y el Jewish Leadership Council, intensificaron sus críticas y pidieron abiertamente impedir su actuación. Phil Rosenberg, presidente del primero, fue contundente: “Es momento de que Wireless haga lo correcto y retire una invitación que nunca debió haber ofrecido. Puede que Kanye West esté en un camino hacia la salud y la recuperación; sinceramente esperamos que así sea. Pero el lugar para comprobarlo no es durante tres días en el escenario principal de Wireless”.

“We are immensely grateful for the support of those across the political spectrum and from other minority and faith communities. It should not be for the Jewish community alone to advocate for our safety; it is incumbent on the entire arts and culture sector, and civil society as… pic.twitter.com/dh8Ffs1zkQ

— Board of Deputies of British Jews (@BoardofDeputies) April 7, 2026

En enero, West publicó un anuncio en The Wall Street Journal en el que expresó arrepentimiento por sus comentarios antisemitas y los atribuyó a un trastorno bipolar tipo I no tratado, mismo que retomó y actualizó en referencia a la situación con Wireless, en un intento por revertir el rumbo de la situación.

Aseguró que buscaba llevar “unidad, paz y amor” a Londres y se mostró dispuesto a dialogar con la comunidad judía británica. “Sé que las palabras no son suficientes… tendré que demostrar el cambio con mis acciones”, afirmó. 

Pero el gesto llegó tarde. Para sus críticos, la oferta fue interpretada más como un intento de salvar su participación en el festival que como una transformación genuina. “No vamos a reunirnos con Kanye West con ese propósito”, respondieron líderes comunitarios.

Aunque inusual, no es la primera vez que el Reino Unido bloquea a un artista. En 2015, Tyler, the Creator fue vetado del país por cuatro años por la entonces ministra del Interior, Theresa May, debido al contenido de sus letras, consideradas homófobas, que “fomentan la violencia y la intolerancia hacia la homosexualidad” y “promueven el odio con posturas que buscan incitar a otros a cometer actos terroristas”.

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Han pasado dos años desde que Mateo Sujatovich, mejor conocido artísticamente como Conociendo Rusia, lanzó su cuarto álbum de estudio Jet Love. El material nace como un manifiesto de amor a la música, su compañera más fiel durante años de constante tránsito, cuando el cantante vivía entre un destino y otro. Fue en ese ir y venir —muchas veces desde las alturas— donde el génesis del disco encontró sentido y dirección: una narrativa en la que el amor, la distancia y los viajes se convierten en los ejes que dan vida al álbum.

Desde entonces, Sujatovich ha sido galardonado por la visión que plasmó en el material. Sin embargo, siempre queda la duda de terceras personas sobre el qué vendrá después en la trayectoria del músico argentino. Y si bien, la música sigue siendo su fiel compañera, también hay momentos en la carrera de Conociendo Rusia en los que los signos de interrogación quedan como personajes principales. Aquí la gran pregunta para todos es: ¿Qué viene después?

En entrevista exclusiva con ROLLING STONE en Español, Conociendo Rusia habla sobre el impacto que tuvo Jet Love en su carrera, reflexiona sobre el momento en el que se encuentra actualmente y mucho más. Lee aquí la entrevista completa: 

Mateo, ya han pasado dos años desde Jet Love, el cual te ha dejado grandes reconocimientos. ¿Crees que fue el álbum que cambió el rumbo de tu carrera?

Creo que todos mis discos son importantes y me van haciendo crecer. El músico que soy es distinto al que empezó a hacer las canciones de Conociendo Rusia, y eso es porque hay discos que me hicieron seguir apostando y seguir empujando a hacer canciones. Jet Love y los otros tres los valoro mucho. 

¿Cuáles son tus perspectivas del mundo y de tu arte después de este álbum?

Del mundo, pues que es muy complicado. Ahora, está lleno de quilombos en todos lados. Por el lado del arte, está ahí para hablar de muchas cosas, como el amor y cualquier cosa que uno necesite expresar para hacer de la vida un lugar mejor. 

Pasa mucho con los artistas que mencionan que ya no conectan tanto con el álbum o la lírica de un álbum por el tiempo que ha pasado desde su lanzamiento. ¿Qué tanto conectas con la lírica de Jet Love? ¿Crees que ya eres otro artista?

Hay muchas canciones de ese disco que sigo tocando en vivo, entonces me conecto mucho con él. Creo que el tiempo pasa, pero lo que uno hizo, es lo que uno hizo. Por suerte, uno mira para adelante para seguir haciendo cosas nuevas y diferentes, pero no creo que me quede tan lejos. Por suerte, ninguno de los cuatro discos que he hecho me queda tan lejos para decir que ya no soy yo. Sí que voy en búsqueda de algo nuevo y de escribir cosas distintas porque el tiempo pasa y uno está en momentos diferentes. 

Desde ese momento has colaborado con muchos artistas, Miranda!, Jorge Drexler, Nathy Peluso, Mon Laferte, entre otros. ¿Qué tanto has aprendido de estas colaboraciones? ¿Tienes alguna experiencia que te haya marcado?

Te puedo decir que todos son artistas con los que me encantó trabajar. Trabajaron conmigo con mucho compañerismo y humildad, además de sensibilidad. Con todos tengo muy buena relación. Podría decir que con todos tengo una buena amistad. De hecho, en una reciente presentación en Ciudad de México tuve la fortuna de contar con Mon en el escenario. Ella es una artista con una agenda importante y difícil, entonces que se haya tomado el tiempo de venir, hacerse el make up y gastar todo el día para cantar una sola canción conmigo fue un gesto hermoso. 

Ya es algo que trasciende la música. 

Tal cual. 

Jet Love es del 2024, y en un momento donde la inmediatez rige la industria musical, ¿sientes alguna presión por lanzar algún material?

A esta altura me pasa algo: después de dos años de haber sacado un disco, me dan ganas de sacar otro. Quizás los tiempos actuales hacen que se espere que los discos salgan cada dos o un año y medio, pero mi proceso natural es diferente. Yo, al menos, necesito entre dos o tres años para tener ganas de escribir. Este es mi tiempo. Esto no se negocia. 

Sobre la nueva era de Conociendo Rusia: ¿ya hay algunos planes en mente para la próxima producción? Considero que tu nuevo sencillo, ‘Películas de acción’, tiene un pequeño guiño sonoro a tu álbum Cabildo y Juramento. ¿Es esta una nueva etapa?

No sé si sea una nueva era porque tengo mucho por componer y grabar un disco nuevo. Esta canción la saqué porque me gustó mucho cuando la compuse, pero no podría decir que es el puntapié de una nueva era, por el momento. Lo que estoy por sacar es más un signo de interrogación, más para ustedes que para mí, porque más o menos yo sé por dónde voy. Sin embargo, no he sacado nada en lo que pueda decir que es el camino. 

En planes a corto plano, no tenemos algo que nos adelante el futuro de Conociendo Rusia…

No lo sé, la verdad es que no sé. Por el momento no. Estoy trabajando, pero por el momento sin planes. 

También hemos escuchado a un Mateo más experimental, ¿qué otros géneros te gustaría meter en tu repertorio?

No pienso mucho en los géneros. Cuando compongo, no pienso mucho en los géneros que tengo por hacer. Solo hago canciones. Después, cuando voy a producir, veo por dónde las llevo. Para mí, el tema de los géneros, no es algo que me preocupe mucho. 

Es decir que tampoco piensas en el tema de colaboraciones…

Exacto. Cuando hago canciones, lo voy sintiendo. Pasa que naturalmente te vas encontrando con personas con las que te dan ganas de compartir, y directamente te juntas para componer, pero no es que yo piense con quiénes quiero hacer canciones. 

El año pasado realizaste un disco en vivo y una gira por toda Argentina. El material es de Buenos Aires y fusiona todas tus eras musicales, ¿crees que en este punto de tu carrera estás más cerca de tus raíces?

La verdad es que sí. Estoy muy conectado con mi ciudad y país. Estoy muy contento de vivir en Buenos Aires y de la música que se hace allá. Escucho mucha música de tango, de la cual estoy muy copado porque siempre me ha gustado, de hecho es lo que más escucho cuando voy en el auto. La verdad es que sí es un momento en el que estoy muy conectado con el lugar de donde vengo y de donde soy. 

He hablado contigo de la etapa antes de Jet Love, y ahora me contaste un poco sobre los dos años posteriores. Pero, ¿en qué etapa crees que estás ahora?

Estoy en un momento muy lindo. Tengo mucho trabajo. Hay muchos lugares del mundo en los que me están esperando para ir a cantar. Hay muchos teatros a los que puedo ir a cantar y llenarlos. Tengo mucha música nueva para componer. Es un muy buen momento para componer, disfrutar, hacer lo que más me gusta, vivir en mi ciudad y viajar por el mundo. La verdad es que tengo un buen pasar. 

¿Hay algo que estás priorizando ahora en tu trayectoria?

Creo que hay cosas en las que estoy más selectivo. Hay cosas que no volvería a hacer. También hay cosas que no he hecho. Pero la verdad es que me queda mucho trabajo por delante. Tengo 35 años, entonces tengo mucho por viajar y muchos discos por grabar. Hay muchas novedades que vienen. 

Me intrigó la parte de ‘cosas que no volvería a hacer’, ¿qué no volverías a hacer?

Ohhhh, me requemo si te digo que no volvería a hacer [Risas]. Quizás cuando empezás hay cosas que aceptas porque estás aprendiendo o porque todavía no entendés cuáles son los límites de algunas cosas. Creo que en este momento se delimitan mejor algunos límites.

Y algunos otros secretos…

Y algunos otros secretos… [Risas]. 

Para ir finalizando, ¿algo que nos quieras compartir sobre este signo de interrogación en el que te encuentras?

Sí, justo estoy en la hoja en blanco. Es para crear porque siempre hay cosas nuevas. Estoy en un muy lindo momento creativo y habrá cosas nuevas para mostrar pronto. Estoy descubriendo y conociendo, completando hojas en blanco.

Conociendo Rusia vence la distancia en Jet Love

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The Strokes lanzaron una nueva canción titulada “Going Shopping” a través de un formato inusual: cassettes enviados por correo a un grupo reducido de fans.

La acción formó parte de una campaña iniciada días antes, cuando la banda abrió una suscripción vía SMS solicitando datos personales, incluidas direcciones físicas, para recibir material exclusivo.

Según reportó Stereogum, solo unas 100 personas recibieron el cassette. El audio fue luego digitalizado y circuló rápidamente online. En paralelo, el tema tuvo su estreno en vivo durante un show, lo que confirmó su incorporación al repertorio actual del grupo. Y hoy ya se puede escuchar en las plataformas oficiales.

Musicalmente, “Going Shopping” continúa la línea estética de los últimos trabajos de la banda, con una producción más pulida y el uso de efectos sobre la voz de Julian Casablancas.

El lanzamiento funciona como anticipo de Reality Awaits, el próximo disco de estudio del grupo, confirmado para 2026. Será el séptimo álbum de la banda y el sucesor de The New Abnormal (2020).

La portada y la lista de temas de Reality Awaits:

1. Psycho Shit

2. Dine N’Dash

3. Lonely in the Future

4. Falling out of Love

5. Going to Babble On

6. Going Shopping

7. Liar’s Remorse

8. The Fruits of Conquest

9. Pros and Cons

Divididos: “Hoy el negocio es el odio”

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Apenas minutos antes de esta charla, el nombre de Randy Blythe aparece en las “noticias de hoy”. El apartado de contenido en tendencia que la red X cura para sus usuarios lo cita diciendo: “No te quedes como un vago apático que sólo se queja cuando todo se va a la mierda”. Estamos a principios de marzo en la sala de espera de una llamada vía Zoom con el cantante desde Richmond, Virginia, su ciudad de origen. Al ingresar, el eco de la frase sigue flotando en el aire, amplificado tras el exceso de decibeles de Into Oblivion, el duodécimo disco de Lamb of God, grupo de heavy metal que Blythe comanda hace treinta años.

El título (en español, Hacia el vacío) ofrece una mirada fatalista sobre una sociedad, un mundo y –en particular– un puñado de naciones en decadencia, desde un abordaje oblicuo en lo lírico, pero de un tono trágico evidente en la superficie. Es un colapso no muy diferente de lo que Blythe viene vociferando con LOG desde hace décadas. Pero, en la actual coyuntura, el mensaje aterriza de otra manera. Tomemos como ejemplo “Bully”, el tema que dice: “La venganza está en el aire./ Bailando con el diablo./ Ahora llega la cuenta./ Todo lo que conseguiste con engaños te va a volver”. Luego profundizaremos.

Con su leyenda personal y su feroz estampa en vivo y en estudio a cuestas, cualquiera pensaría que Blythe, de 55 años, es el peor de los ogros. Sin embargo, atiende a Rolling Stone de ostensible buen humor. Y eso que la entrevista es de las últimas entre una catarata de notas con medios de todo el planeta, y a horas de embarcarse en un tour que lo llevará por más de cincuenta ciudades. “Todavía tengo que pagar facturas, ir al médico, ir al dentista, hacer esto, hacer aquello. ¡No tuve ni tiempo de surfear!”, dice riendo.

“Para ser honesto, mi vida está bien. Tengo una buena carrera, un lugar donde vivir, dinero para pagar mis cuentas sin preocuparme, ¿sabés?”. Entonces, de a poco, corre la mirada hacia un lado y sus ojos celestes se afilan. “Pero el presente no es tan bueno. Hay mucha gente en el mundo sufriendo y, si quiero poder mirarme al espejo y considerarme un buen hombre, necesito salir de mi pequeña burbuja de comodidad, reconocer los problemas y la humanidad de las otras personas y dar lo mejor de mí para intentar hacer un cambio positivo”, dice y revolea una primera piña: “Al presidente Trump no le importa nada más que hacerse rico”.

Es otro descargo en una larga e incendiaria lista, típico del cantante; ya sea contra los premios a la música (“me importan tres carajos los Grammy”), la política (“Damas y caballeros, el Presidente de los Estados Unidos de América. ¡Saluden al Abusador Sexual en Jefe!”) o hasta amagues con postularse a ocupar la Oficina Oval (en 2012). Aunque esto último, aclara, “fue mayormente para hacer un punto sarcástico y satírico sobre el financiamiento de las campañas políticas”.

Ciertamente el peso de las palabras, sin diluir, traspasa la pantalla. Lo hace con el histrionismo de un heredero de Henry Rollins; adusto en sus gestos y al mismo tiempo hiperconsciente y encendido. También parece fluir en él la ética de autogestión punk y renacentista de Rollins: publicó dos muy populares memorias, está trabajando en una novela, compuso música para el Ballet de Richmond (¡!) y es también un surfer recurrente, y un muy celebrado fotógrafo.

OK, entonces, ¿en qué quedamos? ¿Es Lamb of God una banda de metal? “Sí, ya lo acepté”, mientras se le dibuja una sonrisa cómplice. “Pero yo soy el punk-rocker de la banda metalera, y te digo que hay mucho punk-rock en mis compañeros”.

Para ser un punk que fundó una banda heavy en 1994, bastante bien le salió la jugada. Primero se llamaron Burn the Priest y grabaron un único disco que movió el avispero lo suficiente como para que Prosthetic, uno de los sellos más activos del nuevo metal de entonces (junto a Relapse o Southern Lord), les prestara atención. Siendo que Burn the Priest (quemar al sacerdote) les resultaba un nombre demasiado satánico aun para sus propios valores laicos, cambiaron a Lamb of God. Entre años de giras en camioneta, tugurios y tocar “por un plato de ramen y un colchón en el piso”, como describe Blythe, tanto él como el histórico guitarrista Mark Morton usaban los huecos entre shows para trabajar en restaurantes o reparando techos, mientras entraban y salían de la universidad.

Con su debut, A New American Gospel, lanzado en septiembre de 2000, Lamb of God reintrodujo el metal al nuevo milenio gracias a una mezcla de groove, tecnicismo y virulencia con carácter personal. Rompió la escena sonando como si miembros de Pantera se juntaran a hacer una ronda de shots con otros de Hatebreed e In Flames escuchando una playlist con Iron Maiden, Black Flag, Jesus Lizard y Discharge.

Y el contexto también ayudó. A principios de la década una corriente de nombres como Shadows Fall, As I Lay Dying, God Forbid o Killswitch Engage refrescaban la grilla de festivales de música pesada como Ozzfest, Wacken y Download. Se trataba de jóvenes con pasado hardcore que descubrieron que podían combinar esos ideales con el thrash yanqui y el metal quirúrgico de Suecia (diez años antes), para llevarlo todo hacia otras latitudes estéticas. En algunos círculos lo bautizaron metalcore, en otros Nueva Ola del Heavy Metal Americano. Lamb of God quedó desde entonces adosado a esa lista y también a un más expansivo Big Four junto a System of a Down, Slipknot y Avenged Sevenfold.

De ahí en más, por casi treinta años, no detuvieron la marcha. Desde 1999 cuentan con una formación estable entre Blythe, Morton, el bajista John Campbell y el otro guitarrista Willie Adler. El mayor movimiento tectónico se dio en 2019 con la partida del baterista Chris Adler, reemplazado por Art Cruz.

Millones de discos vendidos, estadios llenos, un legado sólido y, sí, varias nominaciones a los Grammy. Pero, increíblemente, lo que apenas desvió la trayectoria de la banda no fueron discusiones por el control creativo, divisiones de regalías o quiebres en las relaciones de sus miembros. De hecho, a día de hoy Blythe lleva quince años sobrio, Morton ocho, y si comparás la intimidad retratada en los múltiples documentales (hasta el más actual, Omens, de 2022), la dinámica parece cordial.

Un quiebre no menor se dio el 24 de mayo de 2010. Lamb of God daba un concierto en Praga. Durante un confuso y muy publicitado episodio, un fan intentó trepar al escenario y, luego de un empujón atribuido a Blythe, cayó de espalda al piso. Falleció un mes más tarde y el cantante fue detenido en República Checa por cinco semanas cuando regresó para tocar en 2012. Luego, un juicio por jurado lo declararía inocente. “Es una parte que me duele, que me tomo en serio y con la que tengo que convivir por el resto de mi vida”, comentó recientemente en el podcast Hardlore. Fue un delicado período de tres años que drenó por completo las finanzas del grupo y obligó a una pausa durante gran parte de 2013. La situación podría haberlos detonado, pero se exorcizó con la salida de la autobiografía Dark Days: Memories, y el séptimo disco de LOG, VII: Sturm und Drang en 2015.

A decir verdad, Into Oblivion no rompe con ninguna matriz previa. Es un disco consistente para los estándares del grupo. Morton hace poco confesó que concretar en 2024 la gira del vigésimo aniversario de Ashes of the Awake, el tercer disco, terminó informando gran parte de su nuevo arsenal de riffs. No tanto por emular la era formativa de la banda, sino más bien por capturar algo de las influencias de aquellos años (sobre todo el metal nórdico de At the Gates y The Haunted). El disco cuenta nuevamente con la presencia del productor Josh Wilbur, bautizado como el sexto Lamb of God por Blythe: “Constantemente está probando algo diferente. Con los años, creció tanto como productor como nosotros crecimos como artistas”.

Into Oblivion le permitió al cantante darle el gusto a su niño punk interior. Grabó las voces en el estudio Total Access, donde en los ochenta se incubaron discos punk icónicos de Hüsker Dü, Descendents y Minutemen, y también de los reyes del doom Saint Vitus. “No es un estudio particularmente lujoso, pero la historia se siente. A Steve, el dueño del estudio, y a su yerno los volví locos pidiendo que me contaran viejas anécdotas de punk-rock, de Black Flag y Descendents”, dice.

En el nuevo disco, “Blunt Force Blues” es Lamb of God clásico, de la era As the Palace Burns, mientras que “Parasocial Christ” se mueve hacia el crossover de Suicidal Tendencies, y tanto “A Thousand Years” como “Devise/Destroy” se revelan con tempos más progresivos donde Lamb of God se permite coquetear con el industrial. Y, claro, todos los sonidos están envueltos por el estado de ansiedad, enojo y confusión que gruñen las letras.

“Durante los últimos diez años, creo, ha habido una aceleración del egocentrismo y una idea mitológica de que Estados Unidos puede volver a algún tipo de estado aislacionista donde solo dependamos de nosotros mismos, lo cual es un disparate total”, explica. Acto seguido cuestiona el intervencionismo de Trump en Venezuela, Irán y también el respaldo financiero al gobierno de Javier Milei. “No puede ser que hayan girado 40.000 millones de dólares a Argentina y en Estados Unidos todavía no tengamos cobertura médica estatal”. Y se defiende: “Pero no tengo nada en contra del pueblo argentino en absoluto. Me encanta ir a tocar allí, amo su comida y amo a la gente. Es un lugar hermoso con mucha historia y cultura. ¡Y son el público que más fuerte canta en Sudamérica!”.

En términos políticos e ideológicos, y pese a que la voz de su líder es la que está al frente, no todos los que integran Lamb of God piensan igual. Hay un disenso equilibrado: funcionan de forma democrática, según Blythe. “Lamb of God no es un grupo monolítico con un solo pensamiento. Todos tenemos visiones diferentes sobre cosas diferentes”, explica. “Si bien somos una unidad familiar muy rara, hablamos. Aprendimos a funcionar como un grupo de seres humanos y amigos. No gritamos ni discutimos ni nada de esa mierda porque somos adultos, hombres maduros. Así es como salimos adelante”.

Curiosamente esta vez Blythe integró a sus letras guiños en español, como en “Sepsis”, donde explica que simplemente se inspiró en sus amigos chicanos, y “El Vacío”, una traducción de Cruz, en la que invoca a Hunter Thompson y a su fallecido amigo Dave Brockie, de los metaleros satíricos GWAR. “Sepsis” tiene referencias al esoterismo mexicano y el culto a la Santa Muerte, la deidad protectora de los desposeídos y aquellos en situación de vulnerabilidad. El existencialismo es un tema que ya había explorado en “Memento Mori” de 2020. “Creo que a medida que envejezco miro más y más mi propia mortalidad y pienso mucho en la muerte”, explica Blythe. Todo ocurre en simultáneo con el crecimiento exponencial de los raids de ICE contra los inmigrantes en territorio estadounidense y el impacto global de la música en español.

“Hay una oscuridad incómoda en profundizar y escribir sobre esos temas. Y me pasa factura emocionalmente a medida que envejezco porque quiero que las cosas mejoren. Realmente lo deseo”, me dice preocupado. Luego sonríe: “Igual espero vivir mucho tiempo. Quiero llegar a los cien años con Lamb of God, pero… nunca se sabe qué pasará”.

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