Después de haber bajado el telón de su gira despedida en 2023, KISS ya tiene lista su próxima mutación: una serie de shows con avatares digitales que debutarían en Las Vegas en 2028, en lo que la propia banda describe más como una “experiencia” que como un concierto tradicional.
El proyecto —desarrollado junto a la compañía sueca Pophouse Entertainment, responsable del espectáculo ABBA Voyage— llevará al grupo a una nueva dimensión: versiones digitales hiperrealistas de sus integrantes, creadas a partir de captura de movimiento y tecnología de efectos visuales de primer nivel.
En el último tiempo, distintas experiencias empezaron a tensionar la idea tradicional de “presencia” en el escenario. En Argentina, por ejemplo, el proyecto Soda Stereo Ecos propuso una relectura del legado de Soda Stereo combinando músicos en vivo con la voz y la imagen de Gustavo Cerati. Algo similar —aunque desde otro ángulo— ocurre con Carl Palmer y su proyecto ELP Legacy, donde el baterista toca en vivo acompañado por proyecciones de Keith Emerson y Greg Lake, generando un cruce entre concierto y archivo histórico que busca mantener activa la identidad de Emerson, Lake & Palmer (se podrá experimentar el 29 de mayo en Buenos Aires).
Según Gene Simmons, el objetivo de los shows de avatares de KISS es ir más allá de la realidad virtual tradicional: “No será un show, será una experiencia”, capaz de involucrar todos los sentidos. En esa línea, el espectáculo no solo repasará los clásicos, sino que también incluirá material inédito. “Tenemos canciones nuevas listas”, adelantó Simmons, confirmando que la banda seguirá produciendo música incluso en esta nueva etapa digital.
Por su parte, Paul Stanley destacó el salto tecnológico respecto a intentos anteriores con hologramas: los avatares no serán caricaturas ni recreaciones estilizadas, sino representaciones fieles que permitirán que la banda “permanezca joven para siempre”.
El concepto ya tuvo un primer adelanto en el último show de KISS en el Madison Square Garden, donde aparecieron versiones digitales de la banda con estética casi superheroica. Pero lo que llegará en 2028 promete ser mucho más ambicioso: una especie de parque temático sensorial con fuego, efectos físicos y narrativa visual expandida. Cabe recordar que la banda vendió su catálogo, imagen y derechos por más de 300 millones de dólares.
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Con Mr. Nobody Against Putin, los directores David Borenstein y Pavel Talankin se adentran en un espacio poco visible: un aula rusa donde la propaganda forma parte de la rutina. Ganador del Óscar, el documental se construye a partir de material grabado durante más de dos años, lo que le permite observar no solo el discurso oficial, sino también sus efectos en quienes lo repiten y lo reciben.
En esta conversación, Borenstein habla sobre la naturaleza de la propaganda, el uso de imágenes dentro de sistemas de control, los dilemas éticos del rodaje y la transformación del protagonista en el centro de la historia.
Tu película se construye desde dentro de un aula rusa. ¿Cómo cambió esa cercanía tu comprensión de la propaganda?
Fue una cuestión de proximidad, pero también de tiempo. Recibía material casi todos los días durante dos años y medio, y tenía que verlo todo. Eso significó pasar cientos de horas observando clases de propaganda rusa.
Algo que me llamó mucho la atención es que este tipo de propaganda no parece diseñada para convencer a nadie de algo específico. Las clases son bastante rudimentarias, no construyen argumentos lógicos. Lo que hacen es repetir acciones absurdas y brutales una y otra vez, hasta que las personas pierden la capacidad de verse a sí mismas como agentes de cambio. Es una forma de desgaste: escuchas al Estado repetir lo mismo constantemente, y eso termina anulando cualquier posibilidad de reacción.
¿Cómo decidiste qué material era éticamente seguro incluir, considerando los riesgos para quienes aparecen?
No fue una decisión solo mía. La BBC estuvo involucrada desde muy temprano, y todo el material pasó por sus políticas editoriales. Revisaron la película cuadro por cuadro, analizando lo que decía cada persona y decidiendo qué podía mantenerse. La única persona que podía decir cosas que lo pusieran en riesgo era Pasha, porque teníamos un plan de salida para él.
¿Trabajar con material sensible o vulnerable cambió tu rol como director?
No diría que cambió directamente mi rol, pero sí la forma de trabajar. Pasha grababa todo lo que ocurría a su alrededor. No dirigía escenas ni seguía una estructura narrativa. La cámara era, literalmente, su mirada. En algunos momentos, esa cámara también funcionaba como los ojos del Estado. En las clases de propaganda, la presencia de la cámara recordaba a todos que estaban siendo observados, que debían cumplir con lo que se esperaba de ellos.
Lo interesante fue tomar ese material, que originalmente funcionaba como una herramienta de control, y convertirlo en una herramienta de resistencia. Eso implicó construir la historia desde el montaje, porque no había una narrativa clara en las imágenes. Era un archivo enorme, con decenas de posibles personajes, y había que elegir cuáles seguir.
¿Cómo construiste esa estructura narrativa?
El proceso fue muy visual. Tenía un tablero en la sala de edición donde organizaba las escenas constantemente. La dificultad estaba en encontrar el material que encajara con la historia, porque todo era muy disperso. Pero al mismo tiempo, la historia era intuitiva: seguía la transformación de Pasha, de profesor atrapado en el sistema a alguien que encuentra su voz y termina convirtiéndose en una especie de codirector de la película. También es la historia de alguien que participa en un sistema dañino y luego intenta resistir desde dentro, a pesar de que la situación parece no tener salida.
¿El protagonista resiste el sistema o revela qué tan profundamente está integrado en la vida cotidiana?
Ambas cosas. Desde el principio, Pasha quería que sus colegas vieran la película años después, para reflexionar sobre su propia complicidad. La película muestra cómo personas que no necesariamente son malas pueden terminar participando en un sistema autoritario. Pero también muestra la posibilidad de resistencia, aunque sea limitada.
¿Ves la película como un acto de documentación o de desafío político?
Las dos cosas. Me interesa que las películas puedan ser varias cosas al mismo tiempo. Aquí hay elementos de thriller geopolítico, pero también de historia escolar, incluso con momentos ligeros. Me interesa ese contraste constante. Hay escenas que apuntan a la posibilidad de resistencia y otras que la cuestionan inmediatamente. El final también funciona así: hay una sensación de escape, pero al mismo tiempo queda la imagen de un aula vacía, recordando a los estudiantes que se quedan atrás. Nunca resolvimos del todo si la decisión de irse valía la pena.
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¿Dónde trazas el límite ético al filmar a niños dentro de un sistema de propaganda?
De nuevo, no fue una decisión individual. La BBC estableció las reglas desde el inicio. Eso implicó incluso cierta censura: no podíamos mostrar todo tal como era, especialmente a personas que no estaban de acuerdo con el régimen. También está el tema del consentimiento, que en este caso es muy complejo.
La película ha sido calificada como antipatriótica y traición en Rusia. Si afirmáramos que teníamos consentimiento explícito de algunos participantes, eso podría ponerlos en peligro. En ese contexto, la decisión fue confiar en el criterio editorial: mostrar lo que es necesario ver, incluso sin consentimiento formal.
¿Cómo evitar convertir el sufrimiento en espectáculo?
El espectáculo suele aparecer cuando las imágenes empujan en una sola dirección. Aquí intentamos evitarlo mostrando la tensión entre dos ideas: la complicidad y la condición de víctima. No hay una respuesta simple sobre cómo entender a las personas en Rusia dentro de este contexto. La película se mueve entre esas dos posiciones. Es importante tener empatía, pero también señalar la responsabilidad. La realidad está en ese punto intermedio.
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ZZ Top, la banda oriunda de Texas, cuyos integrantes ostentan las barbas más célebresde la historia del rock, vuelve a la Argentina después de 16 años. El concierto será en el Movistar Arena el 24 de noviembre en el marco de la gira The Big One! en la que prometen una noche llena de hits que fueron construyendo en las últimas cinco décadas.
Las entradas se ponen en venta el viernes 17 de abril, pero hay una preventa para clientes del Banco Galícia el día anterior en la web del estadio.
ZZ Top, conformado por Billy F Gibbons, Frank Beard y Elwood Francis, viene sosteniendo un ritmo de giras imparable. El propio Gibbons lo pone en palabras: “Estuvimos mucho tiempo de gira y cuanto más viajamos y tocamos, más sentimos que es nuestro lugar. La idea es seguir para adelante porque, a decir verdad, nos divertimos mucho y no hay motivo para parar. Es increíble poder conectar con un público que ya son tres generaciones distintas”.
La banda se comenzó a ensamblar en Houston, a fines de 1969,. Lo que siguió fue una carrera ejemplar: el álbum Tres Hombres (1973) los puso en el mapa con “La Grange”, y Eliminator (1983) los llevó a otra dimensión. Más de cincuenta años después, el sonido sigue siendo el mismo: guitarras poderosas, blues auténtico y una actitud inimitable.
En 2021 vivieron el momento más duro de su carrera cuando falleció Dusty Hill, bajista y fundador de la banda. Elwood Francis, que llevaba casi treinta años al lado de la banda como técnico de guitarras, tomó su lugar.
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El fenómeno de BTS vuelve a ocupar el centro de la escena global con un nuevo especial de Rolling Stone que reúne a todas sus ediciones internacionales en una cobertura sin precedentes.
En esta ocasión, la banda surcoreana protagoniza una producción que no solo incluye una entrevista exclusiva en profundidad, sino también una serie de contenidos que exploran su presente artístico, su impacto cultural y el vínculo único que mantienen con su audiencia alrededor del mundo.
El especial, producido por Rolling Stone US, propone un retrato coral del grupo integrado por RM, Jin, Suga, J-Hope, Jimin, V y Jungkook. A través de conversaciones individuales y colectivas, el artículo profundiza en el momento actual de cada integrante —marcado por proyectos solistas, servicio militar y redefiniciones personales—, al mismo tiempo que traza una mirada sobre el futuro del grupo como unidad. La cobertura se completa con una producción fotográfica exclusiva, material detrás de escena y piezas audiovisuales pensadas para plataformas digitales.
En Argentina, parte de este contenido formará parte de la edición impresa de mayo de Rolling Stone Argentina, que llegará a los kioscos de revistas y luego a la web de Colecciones La Nación con una propuesta especial: una tapa doble, en la que una de sus portadas estará dedicada a BTS.
Créditos de la foto de apertura de esta nota:
Fotografía: Pak Bae
V: Chamarra Simone Rocha, camisa Ami, pantalones Maison Margiela, joyería Celine y Cartier.
SUGA: Chamarra Enfants Riches Déprimés, camisa SSSTEIN, joyería Werkstatt München.
JIN: Camisa Rick Owens, joyería Fred.
JUNG KOOK: Todo el outfit Calvin Klein Collection, brazalete Werkstatt München, reloj Hublot.
RM (OUTFIT BLANCO): Outfit Taekh, camisa Ann Demeulemeester.
RM (OUTFIT NEGRO): Outfit Rick Owens, zapatos Guidi, collar Werkstatt München.
JIMIN: Chamarra John Lawrence Sullivan, suéter Our Legacy, pantalones y joyería Dior.
J-HOPE: Chamarra Juun.J, camisa Post Archive Faction, reloj Audemars Piguet, anillos Louis Vuitton, collar SCHO.
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Hay algo profundamente honesto en la manera en la que Juanes habla de su presente. No hay artificio, no hay discurso prefabricado. Hay, más bien, una claridad que solo llega después de haber atravesado el desgaste, la duda y la reconstrucción. Su nuevo álbum, Juan Esteban, no es solo un título: es una declaración de identidad, una síntesis emocional de todo lo que ha sido, desde su infancia hasta hoy. “Juan Esteban de alguna manera es todo lo que ha tenido que pasar en mi carrera como Juanes, incluso antes como Equimosis y en toda mi infancia… es todo lo que yo soy de alguna manera”, explica, como quien finalmente logra nombrarse sin intermediarios.
Esa necesidad de volver al origen no es casual. De hecho, es casi una urgencia. Durante años, la maquinaria de la industria, el éxito y la exposición lo fueron alejando de ese centro creativo que lo definía. “Yo comencé con mucha inocencia y espontaneidad haciendo música, pero con el tiempo la tensión, el éxito y todo lo que pasó me fueron sacando de ese centro… llegué a un lugar muy triste donde comprometí mi arte”, confiesa.
Lo que sigue en su relato no es una narrativa romántica de crisis, sino una confesión directa sobre el desgaste: alcohol, depresión, desconexión total con la música. “Yo llegué a odiar algo que amaba demasiado… eso fue lo más duro”, dice. Y en esa caída, paradójicamente, encontró el punto de quiebre necesario. “Ahí fue cuando toqué fondo y entendí que tenía que volver a la esencia”.
Lo interesante es que ese proceso no fue inmediato. No hubo epifanía repentina ni redención instantánea. Fueron años, discos, intentos, búsquedas. “Esto ha sido un proceso de más de 16 años… desde 2010 hasta hoy, reconstruyéndome poco a poco”, explica. Y es en ese recorrido donde aparecen proyectos clave como MTV Unplugged, Loco de Amor, Origen o Vida Cotidiana, que funcionan como estaciones en ese regreso progresivo hacia sí mismo.
Hoy, en cambio, el tono es otro. Hay calma, pero también entusiasmo. “En este momento siento una plenitud artística y personal… nunca había hecho tanta música como ahora”, dice, con una convicción que no necesita adornos.
Ese presente creativo tiene mucho que ver con una idea que repite como mantra: madurar hacia la infancia. “Mi estado de WhatsApp es ‘madurando hacia la infancia’… porque siento que es muy importante recordar de dónde vengo”, cuenta. Y en esa frase se condensa gran parte del espíritu del disco: no se trata de nostalgia, sino de reconexión.
Esa reconexión también se manifiesta en la forma en la que crea. Juanes sigue siendo, ante todo, un músico obsesivo, casi compulsivo en su relación con el instrumento. “Yo toco guitarra prácticamente todo el día… estoy viendo televisión y estoy practicando, estoy en la sala improvisando, siempre estoy tocando”, dice. La música, más que una profesión, es un estado constante.
Y es ahí donde aparece uno de los conceptos más interesantes de su proceso: la música como canal. “Es como si uno fuera un canal… dependiendo del día, de lo que sientes, de la información que recibes, todo eso se transforma en canciones”, explica. En un mundo saturado de estímulos, esa sensibilidad se convierte tanto en motor creativo como en fuente de ansiedad.
En Juan Esteban, ese flujo se traduce en una mezcla orgánica de sonidos que atraviesan el continente. Desde la cumbia hasta el bambuco, pasando por el funk y el rock, el disco funciona como un mapa emocional de América Latina. “He descubierto que la cumbia es demasiado potente… desde México hasta la Patagonia está en todos lados”, dice. Y no lo plantea como una exploración externa, sino como algo que ya estaba en su ADN.
La producción del álbum también refleja ese regreso a lo esencial. Junto a Nico Cotton, Juanes apostó por una aproximación casi artesanal al sonido. “Vamos a la parte humana, manual, carpintería total del estudio… eso es lo que yo amo”, explica. Nada de shortcuts digitales: amplificadores reales, pedales, instrumentos tocados a mano. Un enfoque que no solo responde a una estética, sino a una filosofía.
La elección de Cotton no fue casual. Llegó en un momento inesperado, tras la imposibilidad de trabajar con su colaborador anterior. Pero la conexión fue inmediata. “Conectamos de una… vi su forma de trabajar y dije: este es el man con el que quiero trabajar”, recuerda.
Esa obsesión por el detalle se extiende incluso a los instrumentos. Uno de los descubrimientos clave del álbum fue el bajo Hofner, que aportó una textura específica al sonido. “Ese bajo sonaba increíble… para mí fue un gran descubrimiento”, cuenta con entusiasmo casi técnico.
Pero más allá de lo sonoro, Juan Esteban también es un disco profundamente colaborativo. Artistas como Bomba Estéreo, Mon Laferte, Conociendo Rusia o Vivir Quintana aparecen no como invitados estratégicos, sino como extensiones naturales del universo del álbum. “Me conecté con ellos naturalmente… hay algo muy especial en lo que cada uno representa”, explica.
En paralelo, hay otra capa menos visible pero igual de importante: la visual. Juanes no solo compone y produce, también dibuja. Y en este disco, decidió llevar esa faceta al frente. “Llevo más de 16 años pintando caras… y esta vez se convirtió en la portada del álbum”, cuenta. El resultado no es un capricho estético, sino otra forma de narrarse.
Al final, sin embargo, todo vuelve a la misma pregunta: ¿cuándo entendió realmente el alcance de su música? La respuesta no está en un estadio lleno ni en un premio. Está en las historias. “La gente me cuenta cosas muy profundas… que su mamá los llevaba al colegio con mis canciones, que se casaron con ellas… ahí es cuando uno entiende”, dice.
Y quizá ahí está la clave de todo. No en el hit, ni en la cifra, ni en la carrera. Sino en esa conexión invisible que atraviesa generaciones. Juanes lo resume sin rodeos: “Me siento afortunadísimo… porque esto realmente se ha conectado con la gente”.
Después de todo, Juan Esteban no es un regreso. Es, más bien, un reencuentro. Con la música, con la raíz, con el niño que alguna vez sintió —por primera vez— que ahí estaba todo.
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En un hecho sin precedentes, Donald Trump ha criticado al papa León XIV. El mandatario afirmó que, al ser el primer pontífice estadounidense de la historia, debería “dejar de complacer a la izquierda radical”. La indignación expresada por el presidente en sus redes sociales contra el líder de la Iglesia católica surge a raíz de las firmes declaraciones del pontífice sobre la guerra en Irán, en las que hizo un llamado al mundo a buscar la paz y la esperanza para poner fin a este crimen de odio.
“El papa Leo es débil en materia de delincuencia y pésimo en política exterior. Habla del “miedo” a la administración Trump, pero no menciona el miedo que la Iglesia Católica y todas las demás organizaciones cristianas sintieron durante la pandemia, cuando arrestaban a sacerdotes, ministros y a todo el mundo por celebrar misas, incluso al aire libre y manteniendo la distancia de seguridad”, declaró Trump a través de sus redes sociales.
En otra publicación, Trump no se hizo esperar para crear comentarios polémicos, pues realizó una imagen generada con inteligencia artificial donde se hace mostrar como una figura similar a Cristo, sanando a una persona enferma y rodeado de personas que lo admiran: enfermeros, militares y civiles. Posteriormente, eliminó la imágen de sus cuentas.
Y agregó Trump en su discurso: “Me cae mucho mejor su hermano Louis que él, porque Louis es un auténtico seguidor de MAGA. ¡Él lo entiende, y Leo no! No quiero un Papa que piense que está bien que Irán tenga armas nucleares. No quiero un Papa que piense que es terrible que Estados Unidos atacara a Venezuela, un país que enviaba enormes cantidades de drogas a Estados Unidos y, peor aún, que liberaba a asesinos, narcotraficantes y criminales en nuestro país. Y no quiero un Papa que critique al Presidente de los Estados Unidos porque estoy haciendo exactamente lo que me eligieron, por una aplastante mayoría, estableciendo cifras récord de delincuencia y creando el mejor mercado de valores de la historia”.
El mandatario también afirmó que gracias a él, el papa Leo se encuentra siendo el mayor representante de la Iglesia católica, pues lo eligieron pensando en que sería la mejor figura para lidiar con su gobierno por ser un papa estadounidense: “Si yo no estuviera en la Casa Blanca, Leo no estaría en el Vaticano. Desafortunadamente, la debilidad de Leo contra el crimen y contra las armas nucleares no me convence, ni tampoco el hecho de que se reúna con simpatizantes de Obama como David Axelrod, un perdedor de la izquierda, que es uno de los que querían que arrestaran a feligreses y clérigos”.
Y finalizó con: “Leo debería enmendar su papel como papa, usar el sentido común, dejar de complacer a la izquierda radical y concentrarse en ser un gran papa, no un político. ¡Le está haciendo mucho daño y, lo que es más importante, le está haciendo daño a la Iglesia Católica!”.
La respuesta de Trump se da luego de que el papa León XIV recriminara sus acciones contra Irán, pues “aniquilar a toda una civilización” por el estrecho de Ormuz no iba por el camino de la paz y el fin de la guerra que él profesa. El papa también se pronunció en sus redes sociales y dijo: “Dios no bendice ningún conflicto. Cualquiera que sea discípulo de Cristo, el Príncipe de la Paz, nunca está del lado de quienes una vez empuñaron la espada y hoy lanzan bombas. La acción militar no creará espacio para la libertad ni para tiempos de Paz, que solo llega de la paciente promoción de la convivencia y el diálogo entre los pueblos”.
No es la primera vez que el pontífice manda un mensaje contundente sobre el tema de la guerra que se vive entre estas regiones, pues días anteriores, también comunicó que: “Las guerras que manchan el presente con sangre son fruto de la idolatría del poder y del dinero. ¡No nos acostumbremos al clamor de las armas y a las imágenes de guerra! La paz no es solo un equilibrio de poder. Es la obra de corazones purificados, de quienes ven a los demás como hermanos y hermanas a proteger, no como enemigos a vencer”.
Además, según algunos medios italianos, el papa también aseguró que no tiene miedo alguno en la administración de Trump, y sin entrar en debate con el mandatario, la Iglesia tiene la obligación moral de ir contra la guerra. “No, no tengo miedo de la Administración Trump, ni a proclamar en voz alta el mensaje del Evangelio, que es para lo que creo que debo estar aquí, y por eso existe la Iglesia. No somos políticos, no vemos la política exterior desde la misma perspectiva, sino como constructores de paz. No creo que el mensaje del Evangelio deba ser tergiversado, como algunos están haciendo. Yo sigo hablando claro contra la guerra, tratando de promover la paz, el diálogo y el multilateralismo con los Estados para encontrar soluciones a los problemas. Demasiadas personas sufren hoy, demasiadas personas inocentes han sido asesinadas, y creo que alguien debe alzar la voz y decir que hay una mejor manera”, declaró el papa León XIV.
Por su parte, el presidente de la Conferencia Episcopal de Estados Unidos, el arzobispo Paul S. Coakley, dijo: “Estoy muy dolido por que el presidente haya decidido escribir palabras tan denigratorias sobre el Santo Padre. El papa León XIV no es un rival ni un político. Es el vicario de Cristo que habla desde la verdad del Evangelio y por el cuidado de las almas”.
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THE BIG STORY: After five weeks of trial in a Manhattan federal courtroom, the blockbuster antitrust lawsuit against Live Nation finally went to the jury, which must now wade through the massive case to decide if the concert giant broke the law.
At closing arguments, an attorney for dozens of states called Live Nation a “monopolistic bully” that had run roughshod over the live music industry and hurt fans. The company’s attorney said it was instead a “fierce competitor” that had played fair and succeeded simply by outperforming its rivals.
Which of those narratives will the jury believe? For now, the better question might be: How long will it take them to pick one?
Deliberations started Friday (April 10), and it’s anybody’s guess how long they’ll go. Antitrust cases are often tried as bench trials that are decided by a judge; handling such a case via jury trial is relatively rare. That’s because they are immensely complicated disputes involving economic theories and legal complexity that are difficult for regular people to understand. Does your neighbor know how to define a “relevant antitrust market”?
These jurors are tasked with weighing weeks of testimony and reams of documents to reach such determinations, including competing academic analyses of the economics of live music. They’re staring at a verdict sheet that is many pages long, featuring multi-part questions that read like logic games on the LSAT.
For context, when the government tried a similar case against Google over the dominance of its search engine, the two-month bench trial wrapped up in November 2023. The judge — a legal expert aided by a team of clerks — did not issue his ruling until August 2024.
The jury won’t deliberate for nine months, or anything close to it. But they are dealing with an almost impossibly detailed case and, if they really want to understand it, they could be there for a while. Or they could give up and just go with their guts.
You’re reading The Legal Beat, a weekly newsletter about music law from Billboard Pro, offering you a one-stop cheat sheet of big new cases, important rulings and all the fun stuff in between. To get the newsletter in your inbox every Tuesday, subscribe here.
Other top stories this week…
— Attorneys for Sean “Diddy” Combs and federal prosecutors battled at an appeals court as he sought to overturn his 50-month sentence, with judges grilling both sides over “exceptionally difficult” legal questions about how much time the star deserved.
— A real-life showgirl who sued Taylor Swift for trademark infringement over The Life of a Showgirl asked a judge for a nationwide injunction barring Swift from selling merch tied to her record-smashing album while the case plays out in court — an extraordinary request that’s unlikely be granted.
— Roc Nation’s insurance company filed a lawsuit to prove that it doesn’t need to pay for CEO Desiree Perez’s ongoing lawsuit with her daughter, arguing that it has nothing to do with her corporate role at the helm of Jay-Z‘s company.
— The two attorneys who won a landmark ruling for songwriter Cyril Vetter on copyright termination sat down for a Q&A with Billboard — talking about the case, their client and a potential battle at the Supreme Court: “I like our argument better than I like theirs.”
— The Prince estate reached a settlement with singer Apollonia, ending their dispute over who owns legal rights to the name made famous by the movie Purple Rain.
— Bruce Springsteen‘s merch provider filed a lawsuit aimed at blocking counterfeit sales during the Land of Hopes and Dreams American Tour — starting with the Boss’ hometown show in New Jersey.
— Pooh Shiesty was denied release on bail after his bombshell arrest for allegedly barricading Gucci Mane in a Dallas recording studio and forcing the 1017 Records boss to sign a label deal release at gunpoint.
— Los Angeles prosecutors charged a 55-year-old woman named Michelle Dick with multiple felonies for allegedly stalking Lindsey Buckingham before assaulting the Fleetwood Mac singer in a recent attack.
— Irving Azoff’s Music Artists Coalition (MAC) threw its support behind Salt-N-Pepa (Cheryl “Salt” James and Sandra “Pepa” Denton) in their legal battle to win back control of their masters from Universal Music Group.
— A Taylor Swift fan can’t bring a class action against StubHub after her $14,000 Eras Tour tickets were voided on the day of the concert, a judge said, because she signed an arbitration agreement.
— StubHub agreed to pay $10 million to resolve accusations from the Federal Trade Commission that the ticket platform intentionally ignored new “junk fee” rules for the first few days they were in effect.
— Lil Baby’s hemp company sued a joint venture partner for allegedly tarnishing the rapper’s reputation by shipping illegal, contaminated cannabis products across the country.
— Maryland passed legislation to restrict when prosecutors can cite rap lyrics as criminal evidence against the artists who wrote them, becoming the third state to rein in the controversial practice.
Taylor Swift — the top winner in the history of the American Music Awards, with 40 trophies — leads the nominations for the 2026 AMAs with eight nods. Morgan Wallen, Olivia Dean, Sabrina Carpenter and sombr are runners-up with seven nods. Alex Warren and Lady Gaga each received six nods.
With eight nods, Swift is likely to pull even further ahead of the pack for most AMA wins. Michael Jackson is currently in second place with 24 wins, followed by Alabama with 23 and Whitney Houston with 21.
Justin Bieber, who has four nominations this year, is also in position to move up the all-time AMA leaderboard. He has won 18 awards. If he wins just one award this year, he’ll tie Kenny Rogers for the second-most wins among male artists. (MJ leads among men.)
Dean and sombr are competing in three categories — new artist of the year, song of the year, and breakthrough album of the year. The two fast-rising stars competed for best new artist at this year’s Grammys, with Dean winning. Other first-time AMA nominees include Warren, BigXthaPlug, KATSEYE, Leon Thomas, PinkPantheress, RAYE, Role Model, Sienna Spiro and Tate McRae.
Teyana Taylor is a first-time AMA nominee this year for best female R&B artist. She is on a serious awards roll this year. She received an Oscar nomination (and Golden Globe win) for best supporting actress for One Battle After Another, a Grammy nod for best R&B album for Escape Room, and will be honored at Billboard Women in Music 2026 later this month with the Visionary Award.
Also crossing over from the big screen, the singing voices of HUNTR/X (EJAE, Audrey Nuna and REI AMI) are nominated in three categories — song of the year, best vocal performance, and best pop song — for their megahit “Golden” from KPop Demon Hunters. The trio will also be honored at Billboard Women in Music, as our Women of the Year.
The 52nd American Music Awards are set to kick off summer with host Queen Latifah live from MGM Grand Garden Arena in Las Vegas, the largest venue in the show’s history, on Memorial Day (Monday, May 25). The show will air on CBS and stream on Paramount+.
Fan voting is now open via VoteAMAs.com and the @AMAs Instagram profile in all award categories. Voting closes Friday, May 8, at 11:59 a.m. PT, with the exception of social song of the year and tour of the year, which will remain open through the first 30 minutes of the AMAs broadcast.
The 52nd American Music Awards nominees are based on key fan interactions, including streaming, album and song sales, radio airplay and tour grosses. These measurements are tracked by Billboard and Luminate, and cover the data tracking eligibility period of March 21, 2025 through March 26, 2026.
The American Music Awards, the world’s largest fan-voted award show, was created by legendary producer Dick Clark and first awarded in 1974. Tickets are now available on AXS.
Here’s the complete list of nominees for the 2026 American Music Awards, with nominees in each category listed in alphabetical order by first name. We also have two bonuses for you – a list of all artists with three or more nominations this year and a list of top AMA winners of all time (1974–2025).
The American Music Awards are produced by Dick Clark Productions, which is owned by Penske Media Eldridge, a joint venture between Eldridge Industries and Billboard parent company Penske Media.
In 2026, PSYCHIC FEVER continued expanding its overseas reach, taking on new challenges on a global scale. The group has been steadily building up a wealth of experience, putting on its first North American tour in 2025 and performing at SXSW 2025 in Austin, Texas. Building on the enthusiastic response it has received, it is planning on releasing a new album this July.
Billboard JAPAN talked to JIMMY and WEESA while they were in London.
PSYCHIC FEVER had a fan meeting in London in July 2025, right? What about your London fans made an impression on you?
JIMMY: The reason we were able to come to London is that a lot of overseas listeners got to hear “Just Like Dat feat. JP THE WAVY” thanks to social media. When we performed for the first time in London, we had fans singing along to “Just Like Dat feat. JP THE WAVY.” But what got me really hyped was that fans had also listened to the songs we released after “Just Like Dat feat. JP THE WAVY” and they were singing along as we performed them. The buzz wasn’t just a one-time thing, they really liked PSYCHIC FEVER and were following along with our releases, which made me so happy.
WEESA: The first time we came to Europe, you could feel this powerful energy coming off the fans. They were dancing and singing to our songs even more energetically than we were. Seeing those fans, I welled up with love for performing in Europe. I feel like we’ve been influenced by our European fans, both in our music and the way we perform.
You’ve played in a lot of different countries. What differences have you found in the fans?
WEESA: The songs that get the audience pumped are different depending on the country. Each country has its own sound, and the music that resonates with people depends on the country, so the parts of the shows that get the crowd going in one country are totally different than another country.
JIMMY: In America, the audience really gets into “Just Like Dat feat. JP THE WAVY” and the songs with the 2000s and late 1990s feel that inspired us. In London and the rest of Europe, “Highlights,” which is performed by us and REN, went viral before “Just Like Dat feat. JP THE WAVY.” It has an electronic sound, and it feels like a huge number of the fans are into that kind of genre.
You’re building up a lot of experience with the aim of going global, and I’m sure you’ve had your struggles, but has there been anything that’s made you especially happy or left a lasting impression?
JIMMY: We moved to Thailand soon after our debut, lived there for about six months, and continued to use it as our base for roughly two years. While things didn’t go exactly as we’d hoped, one great thing was that we were able to use that experience as a starting point to perform in all kinds of overseas locations. I’m also really glad that we’ve been able to serve as a gateway for people to become interested in the whole LDH family, both groups that came before us and newer ones. I love that people aren’t just digging us, but other groups too.
I think one of PSYCHIC FEVER’s strengths is that, even though you’re young, you’ve got a message that you convey through your music. Are there any tricks to keeping that steady core?
JIMMY: When we debuted, we didn’t have a really strong concept like “this is the kind of style we’re going for.” We built up our confidence through our overseas experience and the reactions of our fans. So all seven of us were on different pages, but people said that was one of the things that made us great. Those differences are what got people interested in us. Those reactions really resonated with us, which is why we’re able to share our message. The more we get from our fans, the more we want to give back. I think that automatically feeds into the strength of our team.
So as you were building up that, you were also working on your new album, DIFFERENT. What was the creation process like?
WEESA: JIMMY and I wrote lyrics for the first time, and we all talked about what to do from the very start, creating the album from the ground up. A lot of people took part in the album’s creation, so reflecting everyone’s ideas and creating a finished work was really hard, but we were able to pack in even more than our first album, so I think it’s going to come out well.
JIMMY: On our EPs, we’ve tried our hands at hip-hop, R&B, and electronic music. We built up a lot of experience through the process, and I think that’s created the foundation for DIFFERENT. We all have our differences, and that shapes our identity and is one of our strengths. I’ve come to feel that really strongly during the time we’ve been working on the album. This is our first time deciding on a solid concept and creating an album, so it took a lot of time, but we worked hard to create something that would resonate with people around the world.
So there’s a connection between the title of the album, DIFFERENT, and the identities of the group’s seven members?
WEESA: We named the album DIFFERENT to share the message that being different is a good thing. That being different has value. I think there’s also a lot of significance in the fact that we’re releasing this album from London, which is a melting pot of races.
I’m looking forward to the album release. This year, you’ve got a Japanese tour coming up, as well as overseas shows. What kind of hopes do you have for five years down the road?
JIMMY: I’d like to do an arena-sized show. Today, even. My main goal is to perform for a lot of people. Whether the venue is big or small, what we do is the same, but if we want to be seen by a lot of people, we need to perform at venues with capacities in the tens of thousands. I go all out in every performance to get ready for that, but I’d like to further improve my performances.
Changing gears a little, what foods have you liked in London?
JIMMY: I’m constantly eating fish and chips.
WEESA: London has lived up to its reputation for having great meat.
JIMMY: I had meat yesterday.
WEESA: Like steak! There’s this one restaurant I’d love to go to, so I hope I have the chance. There are a lot of delicious restaurants in London.
I’ve heard you really like London, JIMMY.
JIMMY: London is a great place for learning English, and I like the fashion, so every time I come here I go to the shops and vintage clothing stores around Brick Lane. I’ve been all around the world, and London is my favorite place to go shopping. Recently, there have been a lot of new young street fashion brands coming out, and people around me have been talking about how great London’s street fashion is.
Also, London’s kind of like Japan in a few ways. There are a lot of people who really value older culture and their roots. Even young people will talk about how they’ve gone with a certain look because of the roots of that fashion. I don’t know if I’d exactly call it craftsmanship, but there’s a certain mentality that’s a lot like Japan.
Yeah, Brits do tend to go really deep. I understand why creators like the UK so much.
JIMMY: British stuff is cool. If I could live anywhere, I’d live in London.
I’m looking forward to hearing about PSYCHIC FEVER playing here in London and whipping up a frenzy in the near future.
This interview by Tomoko Moore first appeared on Billboard Japan
Avenged Sevenfold are returning to Australia for the first time in over a decade. The California heavy metal band announced a four-city East Coast arena run, along with a New Zealand date, set for October 2026.
Coheed and Cambria and Melbourne alt-metal outfit Thornhill will serve as support across all shows.
The tour opens at Sydney’s Qudos Bank Arena on Oct. 16, followed by Brisbane Entertainment Centre on Oct. 18, Rod Laver Arena in Melbourne on Oct. 20, and Spark Arena in Auckland on Oct. 23.
Members of the band’s Deathbats Club and Deathbats Rewards Ticketpass programs have priority access, with an artist presale opening Wednesday, April 15 at 10 a.m. local. General tickets go on sale Friday, April 17 at 11 a.m. local via livenationentertainment.com.
Avenged Sevenfold last performed in Australia in March 2014, co-headlining Soundwave Festival alongside Green Day, with sideshows at Melbourne’s Festival Hall and Sydney’s Luna Park in support of their 2013 album Hail to the King. The upcoming run marks their first standalone Australian headline dates since then.
Since that visit, the band has released two more albums: 2016’s The Stage and 2023’s Life Is But a Dream…, the latter of which they are continuing to promote.
Hail to the King topped the Billboard 200 upon its release, as did 2010’s Nightmare — the band’s first No. 1 on the chart. The Stage reached No. 4 on the Billboard 200 in 2016, while Life Is But a Dream… peaked at No. 13 in 2023. Throughout their career, the band has placed multiple singles at the top of the Mainstream Rock chart, including “Hail to the King” and “Shepherd of Fire.”
Formed in Huntington Beach, California in 1999, Avenged Sevenfold built their following through a metalcore foundation before broadening into mainstream heavy metal and later progressive rock. Their catalog has sold more than 8 million records worldwide.