Carín León sigue dejando en claro que la música mexicana no para de evolucionar. Con Muda, su nuevo álbum de estudio, la estrella nos presenta su material más ecléctico a la fecha. 

Desde hace unos años, León se ha regido por un concepto que cautivó la atención del público: la boca. Y ahora, con este nuevo material, el cantante sigue apostando por ese símbolo como concepto rector, pero ampliando su exploración hacia un universo sonoro, conceptual y creativo mucho más innovador, con la voz, la palabra y la interpretación a grandes niveles. 

Si bien el disco sigue el concepto que ha marcado en sus discos anteriores, también cierra una era para el cantautor, pues, además de que se trata del cierre simbólico de la boca, se presenta más seguro y poderoso como nunca antes. Plasma la experiencia de mudar de piel: reinvención y evolución artística en todo su esplendor. Muda va más allá de la música: marca una etapa de búsqueda y riesgo por encontrar nuevos caminos que lo saquen de su zona de confort, impulsado por el hambre de la curiosidad y su amor profundo por la música.

“En Muda buscamos otros sonidos y horizontes musicales, además de nuestro regional, para llevar el proyecto a otros países y a otros idiomas; ese fue el objetivo de este disco”, reveló Carín León. “El nombre del álbum hace referencia a Hermosillo, por la hache muda y, además, al concepto de la muda de piel. Además, todo esto tiene que ver con la boca, que todos mis discos venían hablando de esto — Colmillo de Leche, Bocha Chueca, Palabra de To’s —; todo tiene que ver con el concepto. Con Muda cerramos esta etapa”.

Como nunca antes, la portada del álbum nos deja ver la boca de Carín sin deformación alguna, a comparación de sus materiales anteriores. Abierta, frontal y desafiante, hace un guiño a su evolución como cantante; su transformación visual contundente. “La portada sigue la estética visual de mis discos anteriores, que eran pinturas al óleo”, comparte. “En Muda hicimos un óleo a partir de una foto real mía, lo que le da un efecto de deslave. Esta intervención le otorgó una crudeza visual que describe a la perfección lo que presento en el disco”.

Muda también nos deja escuchar su versatilidad musical en toda la extensión de la palabra. A través de 14 canciones, Carín León atraviesa géneros como el pop, big band, ska, blues, salsa, funk y música mexicana tradicional, ofreciendo uno de sus trabajos más arriesgados e interesantes hasta la fecha. Sin duda, sigue reafirmando su papel como una voz fundamental de la música mexicana contemporánea. 

Para Muda, Carín trabajó junto a un equipo de compositores integrado por Edgar Barrera, Spread Lof, Casta y Daniel Rondón, y la producción de Edgar Barrera y Casta. Este trabajo está regido por un tema universal: el amor, pasando por diversas de sus etapas como la devoción amorosa, la picardía, el despecho, el orgullo, la venganza y el dolor que lleva a los excesos.

La dirección creativa de todo el concepto de la producción estuvo bajo el cargo de Adriel Favela, quien dijo: “Más que una dirección creativa como tal, me atrevería a decir que fui un instrumento de canalización y de energía. La amistad que tengo con Carín me permitió sumergirme en un espacio profundamente íntimo. Bastó con ser sensibles y vibrar en la misma sintonía para darle orden y forma a las ideas que él ya tenía”.

Y agregó: “Existe un juego de palabras muy poderoso alrededor de la frase: ‘¿Quién dijo que la H es muda?’.’ A partir de ahí nace ‘Muda de Piel’, un concepto que representa el cierre de un ciclo: dejar atrás lo que fuimos para mostrarnos con una nueva piel. La estética del proyecto invita por completo a conocer no solo a Carín León como artista, sino también al ser humano detrás de él. Es una invitación desde el alma a entrar a su casa, a su tierra, a su origen; a comprender de dónde viene y qué lo ha formado”.

En este cierre y apertura de etapa, Carín León decidió aliarse con el legendario fotógrafo estadounidense Mike Miller, quien le dio su toque característico del streetstyle. “El simple hecho de tener la oportunidad de trabajar con un artista como Carín es una bendición. Carín y yo hicimos click desde un inicio, es todo un profesional. Agradezco mucho la confianza que me dio con mis propuestas. Espero tener más oportunidades de trabajar con Carín y su equipo”, compartió Mike Miller en exclusiva a ROLLING STONE en Español.

Muda incluye únicamente dos colaboraciones que tienden un puente entre Carín y Sudamérica, rindiendo homenaje a la riqueza tropical y al folclor de Colombia y Venezuela junto a dos de sus máximos exponentes: Juanes, ícono del pop y rock latino, y Rawayana, una de las agrupaciones más destacadas actualmente. 

Por ahora, ya puedes escuchar Muda en todas las plataformas de streaming musical.

Tracklist Muda:

1. Desde Que Te Tengo 

2. En La Misma Cama 

3. Ruca 

4. Carranga ft. Juanes 

5. Huyo 

6. Doliendo Bastante 

7. Bingo ft. Rawayana 

8. Tokio 

9. La Buena 

10. El Mejor 

11. Vuelve o Vete 

12. Sustancias y Bebidas 

13. Olvídate 

14. Ay Lupita

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Desde hace años, Gabriela Lena Frank se ha consolidado como una de las voces más importantes de la música clásica contemporánea en Estados Unidos. Hija de madre peruana y padre estadounidense, la compositora ha construido una trayectoria marcada por el diálogo entre la tradición académica occidental y las culturas latinoamericanas, una búsqueda que atraviesa gran parte de su obra sin caer nunca en el folclorismo superficial.

Esa sensibilidad encuentra uno de sus proyectos más ambiciosos en El último sueño de Frida y Diego, una ópera con libreto del dramaturgo ganador del Premio Pulitzer Nilo Cruz que imagina un encuentro imposible entre Frida Kahlo y Diego Rivera después de la muerte. Lejos de una biografía convencional, la obra utiliza elementos del Día de Muertos, la fantasía y la mitología clásica para explorar una relación marcada por el amor, las traiciones, la admiración mutua y el perdón.

Durante esta conversación, Frank habla sobre las decisiones creativas detrás de la ópera, la influencia del mito de Orfeo, la complejidad emocional de la relación entre Frida y Diego y la manera en que la música dialoga con las tradiciones culturales latinoamericanas.

La relación entre Frida Kahlo y Diego Rivera estuvo marcada por el amor, el dolor y la contradicción. ¿Cómo decidieron abordar esa historia?

Es una gran pregunta. Desde el principio teníamos muchísimo material disponible. En las primeras versiones del libreto aparecían personajes como León Trotsky y Cristina Kahlo. Pero rápidamente nos dimos cuenta de que esto no era Wagner; no teníamos varias noches para contar toda la historia. Había que tomar decisiones.

Nilo Cruz tenía muy claro que no quería hacer una biografía tradicional. Tampoco quería realizar una película biográfica trasladada a la ópera. Quería algo más arriesgado y más sorprendente. Buscaba revelar algo nuevo sobre ellos.

Por eso la obra no se concentra demasiado en la política. Ya existen innumerables libros, documentales y estudios sobre esa faceta de sus vidas. Lo que le interesaba era explorar la fantasía, el “qué pasaría si…”.

Frida murió tres años antes que Diego. Entonces nos preguntamos: ¿qué ocurriría si siguiera enfadada? ¿Qué pasaría si se negara a regresar durante el Día de Muertos para reencontrarse con él? Esa posibilidad nos pareció mucho más interesante.

La fantasía puede parecer libertad absoluta, pero en realidad exige una enorme honestidad emocional. Aunque la historia sea imaginaria, el público tiene que creerla. Tiene que sentirse real.

La obra incorpora elementos del mito de Orfeo y Eurídice. ¿Cómo surgió esa conexión?

Fue algo que apareció de manera orgánica. Cuando Nilo decidió que la historia estaría vinculada al Día de Muertos, no pensó inmediatamente en Orfeo y Eurídice. La relación surgió después.

Hay diferencias muy importantes. En el mito clásico es el hombre quien intenta recuperar a la mujer. Aquí sucede lo contrario: es Frida quien regresa desde el mundo de los muertos.

Además, ella viaja del reino de los muertos al de los vivos, mientras que en la tradición griega ocurre al revés. Sin embargo, ambas historias comparten algo fundamental: existe una regla que no puede romperse.

En Orfeo y Eurídice, él no puede mirar hacia atrás. En nuestra ópera, Frida recibe una advertencia muy clara: puede volver a ver a Diego, pero no puede tocarlo. La Reina del Inframundo le explica que si lo toca volverá a experimentar todo el dolor de su vida: el accidente, las enfermedades, las traiciones, las heridas emocionales. Por supuesto, Frida termina tocándolo. Lo abraza. Y cuando eso ocurre, toda esa experiencia dolorosa regresa de golpe. Ahí es donde la ópera encuentra uno de sus grandes momentos emocionales.

Actualmente Frida Kahlo suele verse como un símbolo de independencia y autonomía. Sin embargo, su relación con Diego estuvo marcada por profundas tensiones emocionales. ¿Cómo abordaron esa contradicción?

Era muy importante no simplificarla. No queríamos convertir a ninguno de los dos en héroe o villano. Creo que todos tenemos algo de Diego y algo de Frida en nuestras propias relaciones. Ellos se amaban profundamente, pero también eran capaces de volver loco al otro. Había admiración, pasión, intereses políticos compartidos y una conexión artística extraordinaria. Pero también existían conflictos constantes. Además, eran celebridades. Eran figuras observadas permanentemente por el público. Fueron gigantes culturales incluso durante su propia vida.

La obra no evita el dolor. Frida habla de ese sufrimiento una y otra vez. Durante buena parte del primer acto insiste en que no quiere regresar. Se pregunta por qué tendría que volver a ver a Diego después de todo lo que ocurrió.

Hay una razón que termina haciéndola cambiar de opinión, aunque prefiero no revelarla porque forma parte de la experiencia de la obra. Lo que sí puedo decir es que la ópera también habla sobre el perdón. Y el perdón es algo que todos buscamos, ya sea dentro de nuestras familias, nuestras amistades o nuestras relaciones amorosas.

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El multiverso de la música urbana acaba de colonizar el tanque más icónico de Pixar. Bizarrap, el productor que pateó el tablero de la industria global desde su búnker de Ramos Mejía, suma un nuevo hito a su currículum de exportación: pondrá su voz en la versión en español de Toy Story 5 para Latinoamérica y España.

El argentino —que ya junta cuatro Latin Grammys, cuatro récords Guinness y mil millones de reproducciones en el bolsillo— dejará por un rato la música para convertirse en Santa de Jardín. ¿De qué va su personaje? Un juguete ecléctico, místico y ferozmente protector que lidera una trinchera de muñecos olvidados en el barro de un patio trasero. Una especie de forajido de plástico con el pulso de la calle.

El productor de gafas oscuras y su gorra característico no sólo suma su nombre a los créditos de Disney. Además protagonizará un encuentro cumbre para la cultura popular de esta década: Biza compartirá una escena clave con Benito Antonio Martínez Ocasio.

Sí, Bad Bunny —que ya había sido anunciado en el reparto— le prestará su flow a Pizza con Anteojos, un nuevo y delirante personaje. Ver a los dos reyes de la escena hispana cruzar diálogos en un living de animación promete ser uno de esos momentos más icónicos del año.

Toy Story 5 se estrena en los cines el jueves 17 de junio. Allí, los juguetes que marcaron la infancia de varias generaciones mostrarán un nuevo groove.

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Mientras la cuenta regresiva global empieza a mirar de reojo el próximo Mundial, Lollapalooza Argentina confirmó las fechas para su edición 2027 y activó el cronograma para una de las maratones musicales más esperadas del calendario.

La cita ya tiene fechas: 12, 13 y 14 de marzo de 2027. El Hipódromo de San Isidro volverá a transformarse en esa ciudad armada a base de cinco escenarios, muestras de arte, gastronomía y el cruce generacional que define el pulso del evento. DF Entertainment, C3 Presents y Perry Farrell ya pusieron las cartas sobre la mesa para iniciar la venta de abonos de un festival que en su última edición albergó los shows de Sabrina Carpenter, Tyler, The Creator, Chappell Roan, Deftones, Skrillex, Lorde y el regreso local de Paulo Londra.

La gran novedad de esta edición es LollaFAM, una instancia pensada específicamente para la hinchada más leal del festival. El miércoles 3 de junio a las 10 AM se abrirá un abono exclusivo para aquellos que ya tengan asistencia perfecta (o casi): el requisito es haber estado en al menos cinco ediciones de #LollaAR. Los beneficiados recibirán un código personal por mail entre el 1° y el 2 de junio, que les permitirá adquirir hasta dos abonos a valor Early Bird ($205.000 + service charge cada uno) a través de la Web de AllAccess.

Para el resto, el ritual sigue el camino conocido. Los codiciados Early Bird generales y la preventa exclusiva para clientes Santander Visa largarán el jueves 4 de junio a las 10 de la mañana, con el beneficio de financiar las entradas en hasta 6 cuotas sin interés. Una vez agotado ese cupo, se abrirá automáticamente la venta general con todos los medios de pago. Además, los usuarios de la app Mi Personal contarán con un 15% de descuento hasta agotar stock.

La oferta de accesos vuelve a segmentarse para que cada asistente diseñe su propio fin de semana en San Isidro, sumando comodidades tecnológicas y de infraestructura:

3 Day Pass (General): El acceso clásico para las tres jornadas. Da derecho a recorrer todo el predio, los cinco escenarios, los sectores Espíritu Verde, Rock & Recycle, el patio gastronómico, el Beergarden (para mayores de 18) y el Kidzapalooza (los menores de 10 años entran gratis acompañados de un adulto con ticket).

3 Day Pass Plus: Un salto en comodidad. Suma el ingreso a un área de relax con sombra, red Wi-Fi dedicada, baños preferenciales, pantallas gigantes con la transmisión en vivo de los main stages, puestos exclusivos de hidratación y carga de cashless, además de lockers gratuitos.

3 Day Pass Lolla Lounge: La experiencia premium definitiva. Cuenta con una ubicación privilegiada con vista lateral a los escenarios principales, áreas de descanso, masajes, estaciones de glitter, atención personalizada y facilidades exclusivas para evitar cualquier tipo de fila.

Para esta edición, el festival profundiza la idea de resolver la experiencia de punta a punta. Por un lado, se mantendrán las opciones de estacionamiento (que se pueden adquirir en simultáneo con las entradas) y el Servicio de transporte oficial, un sistema de traslados pagos con rutas genéricas y puntos de encuentro diseñados para garantizar una vuelta segura y cómoda a casa cuando se apagan los amplificadores.

Por el otro, regresa Lolla Dine, el espacio que busca fusionar la música con la alta cocina dentro del predio. Se trata de un sector con vista panorámica, mesas reservadas y menú a la carta ideal para los que buscan un respiro gourmet en medio de la maratón de bandas (vale aclarar que el acceso a Lolla Dine requiere obligatoriamente tener la entrada al festival y es exclusivo para mayores de 18 años debido al expendio de bebidas alcohólicas).

En definitiva, se pone en marcha otra edición de un festival cuya identidad ya no depende únicamente de los nombres que figuren en el cartel.

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Euphoria llegó a su fin. La intensa serie dramática concluyó en HBO el domingo por la noche con el último episodio de la tercera temporada, que finalizó con la muerte del personaje de Zendaya, Rue, por una sobredosis accidental.

En un segmento detrás de cámaras que se emitió en HBO después del final, el creador Sam Levinson dijo: “Se sintió como un final honesto. El final honesto es que personas como Rue no lo logran… Creo que, al final, quería contar una historia honesta sobre la adicción. También quería contar una historia sobre el duelo y la angustia emocional que puede generar”.

Mientras Rue sufre una sobredosis, sueña con Fezco, personaje interpretado por Angus Cloud antes de su fallecimiento en 2023. La secuencia incluye imágenes inéditas de ambos actores. “Quería contar esta historia por Angus y por quienes no tuvieron una segunda oportunidad“, comentó Levinson en el vídeo.

Levinson también declaró al New York Times que la tercera temporada es el final oficial de la serie. “En cuanto a la historia que nos propusimos contar, que trata sobre la adicción y sus consecuencias, siento que este es el final“, afirmó.

Agregó que originalmente había escrito una “trayectoria diferente para el personaje de Rue“. La noticia del fallecimiento de Cloud influyó en la forma en que finalmente concibió la última temporada. Siempre me había preocupado mucho la prevalencia del fentanilo, y es algo que hemos abordado a lo largo de las temporadas. Pero tras su fallecimiento, tuve que replantear el guion y pensé: “Hoy en día no se puede contar una historia sobre la adicción sin mostrar sus consecuencias reales. La mayoría de la gente no tiene una segunda oportunidad“.

Levinson explicó que la historia de la serie es “trágica al final, pero también es la verdad“. “Si experimentas o consumes drogas hoy en día, es muy posible que te maten“.

A principios de este año, Levinson le dijo a Rolling Stone que quería mantener vivo al personaje de Cloud en la serie. “Mantener a Angus vivo en la historia fue como decir: si no pude controlarlo en la vida real, al menos puedo controlarlo en el trabajo”, explicó. “El duelo por Angus influyó profundamente en la temporada. Era alguien a quien quería mucho. Y alguien por quien luché con todas mis fuerzas. Mira, he lidiado con la adicción. La conozco bien. Así que siempre estás preparado, pero perder a Angus me impactó mucho y me enfureció por muchas razones”.

Zendaya ya había insinuado que la tercera temporada sería la última de Euphoria. Durante una entrevista en el programa The Drew Barrymore Show en abril, Barrymore le preguntó directamente si esta sería la última temporada, a lo que Zendaya respondió: “Creo que sí“. Añadió: “Ese cierre llegará“.

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Este verano, Ondalinda abre un nuevo capítulo lejos de las selvas de Careyes y aterriza en el Mediterráneo con The Summer Rendez-Vous, una serie de encuentros íntimos y cuidadosamente curados que marcarán el inicio de su primera residencia oficial en Ibiza. Más que un festival, se trata de una extensión de su universo: experiencias diseñadas para conectar música, comunidad, bienestar y lujo en algunos de los escenarios más exclusivos de la isla. 

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Durante diez días, Ondalinda desplegará una programación que mezcla cenas performáticas, conversaciones sobre regeneración y fiestas sobre el mar, reafirmando su identidad como una comunidad global donde lo espiritual y lo estético conviven bajo una misma narrativa. En esta nueva era, el concepto de “Rendez-Vous” nace como un punto de encuentro entre grandes festivales donde habrá reuniones más pequeñas, inmersivas y profundamente personales.

La experiencia comenzará el 28 de junio con el Soho House Dinner Party en Soho Farmhouse, una cena privada limitada a solo 80 invitados. Bajo un formato íntimo y reflexivo, el encuentro reunirá al emprendedor y desarrollador regenerativo Tony Cho junto al inversionista y agricultor Christian Jochnick para conversar sobre cómo la agricultura regenerativa y el diseño consciente están redefiniendo el futuro de las ciudades y las comunidades. La noche cerrará con la música de Happie, artista que combina soul contemporáneo, electrónica orgánica y vulnerabilidad emocional en un live set pensado para acompañar el espíritu de la isla.

Al día siguiente, el 29 de junio, llegará uno de los momentos centrales del programa: The Garden of Earthly Delights, una experiencia inmersiva inspirada en la célebre obra de Hieronymus Bosch. Atzaró se transformará en un jardín de placer, tentación e inocencia donde figuras etéreas vestidas de encaje, música en vivo y una gran mesa comunal de frutas, vino y cocina farm-to-table darán vida a una noche que promete evolucionar desde la contemplación hacia el desenfreno elegante.

La música será protagonista con un lineup encabezado por YAMAGUCCI, el productor y DJ israelí-japonés reconocido por sus atmósferas hipnóticas y su rara presencia en Ibiza. La velada también contará con un live performance de Isadora y un especial back-to-back entre Brunnä y Anastacia. Otro punto importante y que continúa con una tradición en Ondalinda es el vestuario, que también forma parte de la experiencia. Los asistentes podrán elegir entre convertirse en seres etéreos de blancos celestiales, frutas prohibidas llenas de color o figuras wicked envueltas en cuero y siluetas provocadoras.

El cierre llegará el 3 de julio con The Sunset Boat Party, una celebración marítima limitada a 60 personas a bordo de dos embarcaciones de madera navegando por una cala secreta del Mediterráneo. Entre cocteles, gastronomía isleña y música en vivo, Ondalinda propone una experiencia donde el tiempo parece detenerse mientras el sol cae sobre el mar. Y, si las aguas lo permiten, incluso acompañados por delfines.

Más allá de las fiestas, Ondalinda mantiene intacta su dimensión espiritual y de bienestar. Primal Moves, una sesión gratuita para los asistentes de cualquiera de los eventos principales, ofrecerá un espacio para reconectar cuerpo y mente dentro de una villa privada. A esto se suman almuerzos, cenas y encuentros distribuidos en algunos de los lugares más emblemáticos de Ibiza, todos articulados por una nueva red de concierge de lujo que incluye villas privadas, yates, reservas exclusivas y experiencias personalizadas alrededor de la isla.

Con esta residencia de verano, el festival no abandona su esencia, simplemente cambia de paisaje. La comunidad que alguna vez encontró en Careyes un refugio entre selva, ritual y electrónica sofisticada ahora mira hacia Ibiza para continuar expandiendo una filosofía donde la música funciona como ritual, el lujo como experiencia sensorial y la conexión humana como centro de todo, porque para Ondalinda, incluso en el corazón del Mediterráneo, la fiesta sigue siendo un acto de transformación.

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