Dave Mustaine volvió a sus días de garage con Metallica el domingo, cuando él y su banda Megadeth —que este jueves 30 de abril, y si sumamos el acústico en el Hotel Four Seasons, dará su 38.º show en Argentina— interpretaron dos temas que Mustaine ayudó a escribir y grabar durante su breve paso por su antigua banda.
En un show en Bogotá, Colombia, la noche del domingo (26 de abril), Megadeth tocó “The Mechanix” —una canción del célebre demo de Metallica No Life ’Til Leather, que Mustaine había escrito en una banda anterior— y “Ride the Lightning”, el tema que da título al segundo álbum de Metallica. Si bien “Ride the Lightning” fue completada y lanzada después de que terminara la corta etapa de Mustaine en Metallica, igualmente recibió crédito como coautor por los riffs de la canción. La presentación en Bogotá marcó la primera vez que Megadeth interpretó “Ride the Lightning” en vivo.
Videos filmados por fans muestran a la banda ejecutando una versión reverente de “Ride the Lightning”, con Mustaine cantando la letra e intercambiando partes del solo de Kirk Hammett con el guitarrista de Megadeth, Teemu Mäntysaari. Cabe destacar que los fans colombianos estaban tan entusiasmados de escuchar el tema que corearon el riff de guitarra inicial.
Megadeth grabó una versión de la canción para su decimoséptimo álbum homónimo —y, en apariencia, el último—, que fue número uno cuando salió en enero. Aunque Mustaine ha tenido una relación conflictiva, intermitente, con sus excompañeros de Metallica, la grabación surgió desde un lugar de genuina calidez. “Quería rendirle tributo a la banda”, le dijo Mustaine a Rolling Stone en octubre. “Y ahora que me estoy preparando para colgar la guitarra, quería asegurarme de que no quedara nada sin decir”.
En 2017, reflexionó sobre sus contribuciones a ambos temas en la entrevista Mi vida en 15 canciones de Rolling Stone. Explicó cómo escribió “The Mechanix” “mucho antes de estar en Metallica”, así como también cómo la transformaron en “The Four Horsemen” para su LP debut de 1983, Kill ’Em All; Megadeth volvió a grabar la canción en su forma original para su debut de 1985, Killing Is My Business… and Business Is Good!.
También contó cómo reconoció de inmediato sus aportes en “Ride the Lightning”. “Hay ciertos riffs que escuchás y simplemente sabés quién es el autor”, dijo. “Y no hablo solo de cuando escribo yo. Hay partes de ‘Ride the Lightning’, de ‘Leper Messiah’ y del primer disco, todo eso, en las que podés notar pequeños detalles que son similares a la forma de tocar la guitarra en Megadeth, porque sabés que hay un límite en lo que se puede hacer con un instrumento. Creo que hicieron un gran trabajo con eso”.
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En otro momento, registrar una frase como “Hey, it’s Taylor” habría parecido un simple gesto de branding dentro de la maquinaria legal de una superestrella. Hoy, sin embargo, con la irrupción de la IA (capaz de clonar timbres, gestos y presencias), Taylor Swift se ve obligada a replantear las reglas.
Y con justa razón. La imagen de la artista de Pensilvania, de 36 años, ha sido utilizada sin autorización en contenidos generados por IA, que van desde imitaciones hasta material pornográfico y deepfakes que se han difundido masivamente en internet. Incluso alcanzaron el terreno político. El fenómeno incluso se coló en el terreno político cuando, en la antesala de la Elección presidencial de Estados Unidos de 2024, Donald Trump compartió imágenes creadas con IA que sugerían falsamente que Taylor Swift le había dado su respaldo.
El viernes 24 de abril, su empresa TAS Rights Management presentó tres solicitudes de marca ante la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos, detectadas por el abogado especializado en propiedad intelectual Josh Gerben, de Gerben IP.
Dos de estas marcas buscan proteger fragmentos de su voz, específicamente dos frases con las que ella misma se presentaba en Spotify y Amazon Music al anunciar su último disco, The Life of a Showgirl, lanzado el pasado octubre, “Hey, it’s Taylor Swift” y “Hey, it’s Taylor”.
En la imagen se la ve de pie frente a un micrófono, con un body de lentejuelas en tonos azul y rosa, botas plateadas y una guitarra rosa en la mano. Se trata, además, de una de las postales utilizadas en la promoción del documental de Taylor Swift en Disney+.
“Intentar registrar la voz hablada de una celebridad es un uso nuevo del registro de marcas que aún no ha sido puesto a prueba en los tribunales”, señaló el abogado de propiedad intelectual Josh Gerben en una publicación de blog.
“Históricamente, los cantantes se han apoyado en la ley de derechos de autor para proteger su música grabada”, añadió Josh Gerben. “Pero las tecnologías de IA ahora permiten generar contenido completamente nuevo que imita la voz de un artista sin copiar una grabación existente, creando un vacío que las marcas podrían ayudar a cubrir.”
“Al registrar frases específicas asociadas a su voz, Taylor Swift podría no solo impugnar reproducciones idénticas, sino también imitaciones ‘confusamente similares’, un criterio clave en el derecho de marcas.”
Sin embargo, no es la primera personalidad que toma medidas frente a la IA. Anteriormente, Matthew McConaughey ya había avanzado por ese camino al registrar expresiones y materiales asociados a su figura, incluido el inolvidable “Alright, alright, alright!” que arrastra desde Dazed and Confused, convirtiendo lo que antes era una frase icónica en un activo legal.
Taylor Swift ha construido su carrera alrededor del control, desde sus grabaciones hasta su narrativa pública. Posee más de 50 marcas registradas vinculadas a su nombre, títulos de álbumes y letras clave de sus canciones. Pero nada como esto había ocurrido antes. Quizá, porque en la era de la IA, proteger lo que haces ya no es suficiente. También hay que proteger lo que eres, o al menos lo que otros pueden llegar a fabricar a partir de eso.
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Con más de 15 años de carrera, Laura Tobón aprendió a moverse dentro de una industria que exige precisión, imagen y control. A decir lo correcto, en el momento correcto, bajo estructuras que no siempre dejan espacio para la duda o la espontaneidad. Durante ese tiempo, su trabajo pasó por algunos de los escenarios más visibles de la televisión colombiana, donde la exposición nunca se detiene, y la libertad se reduce. Pero lo que empezó como una trayectoria dentro de ese sistema, terminó convirtiéndose en una búsqueda constante de nuevos retos y formatos. Entre sets de televisión, rutinas marcadas por el teleprompter, decisiones postergadas y una necesidad cada vez más clara de hacer algo propio, su recorrido empezó a girar hacia un lugar menos predecible, en el que la conversación pesa más que el guion y la autenticidad deja de ser un discurso aspiracional para convertirse en método de trabajo.
Hoy, como una de las creadoras de contenido más importantes de Latinoamérica, Laura Tobón sabe que ninguna cifra sostiene por sí sola una trayectoria. En Cuixmala, México, durante su encuentro con ROLLING STONE en Español, reflexiona sobre carrera y vida personal desde una certeza más valiosa: la autenticidad.
El camino no empezó en la televisión, sino mucho antes, en una versión de sí misma que evitaba el centro de atención. “En el colegio yo era demasiado introvertida, muy tímida. Me daba pena hablar en público. Cada vez que tenía una exposición me temblaban las piernas, la voz… hacía el oso siempre”, recuerda. Ese temor no desapareció de un día para otro, pero sí empezó a transformarse cuando la exposición dejó de ser una amenaza y se volvió práctica.
El cambio llegó casi sin aviso. A los 17 años, alguien la detuvo en la calle y le propuso hacer un comercial. “Yo dije que sí, sin pensar mucho, y ahí empecé”, cuenta. La exposición dejó de ser un evento aislado y se volvió rutina: cámaras, equipos, gente mirando. “Más que hablar en público, era el miedo a sentir la mirada de las personas encima mío”. La repetición hizo su parte. Cada grabación empujaba ese límite un poco más. “Tan pronto empecé a permitir que otras personas me miraran, fue ahí cuando empecé a perder el miedo”. Al graduarse, la decisión ya estaba tomada. “Me gustaba tanto, pero a la vez era tan aterrador, que dije: ‘Voy a estudiarlo, y me voy a volver la mejor’”.
Antes de consolidarse en televisión, su interés apuntaba hacia el periodismo. “Me gustaba mucho la radio”, dice, recordando un espacio donde la voz tenía un peso distinto. Ese interés se reconfiguró con el descubrimiento del entretenimiento como lenguaje. Programas como Fashion Police y el universo de E! Entertainment Television le mostraron otra manera de narrar lo cultural, más ligera en tono y amplia en alcance. En paralelo, referentes locales como Andrea Serna, Adriana Arboleda y Claudia Bahamón, ampliaban la idea de lo que significaba ocupar la pantalla con criterio y presencia. “Yo decía, ‘Además de lindas, son inteligentes, son fuertes, son líderes’; yo quería ser así”.
“No soy la mejor presentadora del país. Hay mujeres muy talentosas”, recalca. “Lo que estoy haciendo es ser yo misma. Por eso el show lleva mi nombre”.
Con ese cruce de referencias, Tobón definió una aspiración que desde el inicio tuvo escala internacional. “Siempre lo soñé más internacional”, resalta. Ese impulso encontró una primera forma concreta en 2011, cuando participó en el concurso Chica E! Colombia. El video que presentó, grabado en Cartagena con recursos mínimos, funcionó desde la intuición. “Lo hice pensando, ‘Seguro no me van a llamar, pero vamos a hacerlo como pueda’”. Se metió en discotecas, restaurantes y playas, armando una pieza espontánea que terminó conectando con el jurado. Quedar entre las finalistas abrió una puerta importante en un momento en el que ese formato tenía peso real dentro de la industria.
Más allá del resultado, hubo una idea que se instaló como eje. Durante ese proceso, Isabella Santo Domingo le dijo algo que se quedó: “Lo más importante es tener tu propio sello, ser tú misma”. La frase parecía obvia, pero sostenerla dentro de un sistema que estandariza el tono, la imagen y la forma de comunicar, implicaba otra cosa. Su paso por los grandes canales le dio estructura, experiencia y visibilidad, pero también le mostró el costo de esa precisión. “Te dicen, ‘Léelo al pie de la letra’, y ahí uno pierde la identidad en un dos por tres”, advierte.
Esa distancia se hizo visible en la respuesta del público. “Me veían lejana. Yo era demasiado presentadora”, reconoce. La ejecución funcionaba, la conexión quedaba corta. Durante años, ese fue el equilibrio: cumplir con el formato sin sentirse completamente dentro de él.
En medio de ese recorrido apareció un formato que empezó a abrir otra posibilidad. Su paso por Discovery Home & Health, con el programa Dile sí al vestido, la puso en un lugar distinto frente a cámara. Laura dejó de limitarse a presentar y empezó a conectarse emocionalmente con las historias que tenía al frente. “Era muy especial porque en ese momento yo también me iba a casar, entonces estaba viviendo lo mismo que ellas. Lloraba con las novias, con las familias… me involucraba mucho”, recuerda entre risas.
La experiencia marcó un cambio en la forma en la que entendía su trabajo. “Ahí entendí que a mí me gustan los reality shows, donde puedo ser yo misma, sin encasillarme”, confiesa. Esa intuición (la de encontrar formatos donde la experiencia pesa más que el guion) empezó a abrir camino en medio de proyectos, agendas llenas y decisiones aplazadas, hasta volverse imposible de ignorar: “Un día dije: ya, me cansé de no hacerlo. Voy a hacer mi propia cosa. Algo que me apasione y me represente de verdad”.
“Gracias a Dios soy colombiana.”
La Tobón Show nació como un piloto de seis episodios, y se convirtió en una operación completa. “Somos como 50 personas cada vez que grabamos. Es una locura, pero yo dije, ‘No voy a hacer nada a medias’”. La apuesta fue construir un estándar alto desde el inicio, sin diferenciar entre lo digital y lo televisivo. “Quería hacerlo como si estuviéramos en Estados Unidos, como si fuera un programa internacional”. Producción, investigación, invitados, logística. Un engranaje que sostiene cada episodio y que redefine su rol para dejar de ejecutar y pasar a diseñar.
El formato cambia la entrevista desde su punto de partida. El teleprompter desaparece. El guion se vuelve flexible. El trabajo previo sostiene lo que ocurre en cámara. “Tengo un equipo que investiga, que se mete a fondo para encontrar información distinta”. La diferencia aparece en el momento en que la conversación toma su propio rumbo. “A mí me interesa que se sienta real. Que no sea la misma entrevista de siempre”. La apuesta se aleja de la primicia y se acerca a la conexión. En un ecosistema donde muchas respuestas están ensayadas, ese margen de apertura se vuelve diferencial.
Trabajar así implica aceptar la incertidumbre como parte del proceso. “A uno le da miedo salir de la zona de confort… ¿qué tal que no me salga?”. La duda acompaña incluso cuando los resultados empiezan a escalar. Invitadas como Anne Hathaway o Meryl Streep forman parte de ese recorrido. En una de esas conversaciones, Hathaway le habló de algo que también atraviesa su experiencia. “Muchas veces no creemos que algo tan grande nos vaya a suceder, hasta que pasa”. La inseguridad aparece como un lenguaje compartido.
Ese punto conecta con una declaración que redefine su lugar dentro de la industria. “No soy la mejor presentadora del país. Hay mujeres muy talentosas”, recalca. “Lo que estoy haciendo es ser yo misma. Por eso el show lleva mi nombre”. La autenticidad pasa de discurso a método. “Puedes manifestar mucho, pero si no haces las cosas, nada va a pasar”. Todo se define en la ejecución. Disciplina, equipo y autoconfianza sostienen lo demás.
Esa lógica atraviesa sus otras facetas. Sea Salt, su marca de vestidos de baño, nace desde la necesidad de construir algo propio. “Yo trabajaba con muchas marcas, pero sentía que necesitaba la mía”. El crecimiento trajo expansión y ajustes. “Es como un restaurante: si se te llena, te quedas sin meseros, sin platos”. Producción, equipo, logística. Hoy, la marca emplea a cerca de 20 personas. “Lo más bonito es generar empleo”, señala, ubicando el impacto en un plano que trasciende las cifras.
“No me comparo, me inspiro”
Esa búsqueda por entenderse y sostener una voz propia aparece mucho antes de sus proyectos actuales. En el libro La magia está dentro de ti (2016), Laura Tobón ya exploraba las tensiones entre inseguridad, intuición y disciplina, en un momento donde su carrera todavía estaba profundamente ligada a la televisión. El texto funciona como un primer intento por organizar ese proceso interno, por darle forma a una inquietud que todavía no encontraba salida en su trabajo diario. “Puedes manifestar mucho, pero si no haces las cosas, nada va a pasar”, comenta Tobón, retomando una idea que sigue atravesando su forma de operar. Más allá del lenguaje de autoexploración, lo que plantea es una lógica de acción: confiar en el instinto, ejecutar, sostener. Ese principio, que en ese momento se formulaba desde lo personal, hoy se traduce en decisiones concretas.
Esa misma lógica toma forma más adelante en MTZ Agency, una extensión directa de su recorrido dentro de la industria. La agencia, que construyó junto a su familia, funciona como un espacio donde su experiencia se convierte en estructura para otros. “A mí me llegan muchas marcas y no puedo aceptar todo, entonces las voy distribuyendo entre las niñas con las que trabajo”, explica. El enfoque va más allá de la intermediación: se trata de acompañar procesos, de formar perfiles que entiendan el valor de su voz y el peso de lo que comunican. En un entorno donde la visibilidad puede ser inmediata pero frágil, MTZ introduce una lógica de sostenibilidad. Ordena, filtra y proyecta. Conecta talento con marcas, y construye trayectorias dentro de un sistema que rara vez ofrece este tipo de guía.
A ese mapa de proyectos se suma Verified, una iniciativa que introduce un contrapunto dentro del mismo ecosistema que alimenta su crecimiento. Mientras La Tobón Show apuesta por la cercanía, la espontaneidad y la conexión emocional, Verified se construye desde el criterio. “Hoy hay mucha gente que desinforma o no usa sus redes de manera responsable. Tener seguidores no significa ser confiable”, analiza, y señala una de las grietas más evidentes del entorno digital. La visibilidad puede fabricarse con base en likes, comentarios, follows, pero la credibilidad se ha vuelto más difusa y, al mismo tiempo, más necesaria.
El proyecto parte de una premisa concreta: la influencia implica responsabilidad. Verified funciona como un sistema de validación para creadores y profesionales que comunican desde el conocimiento, más allá de la exposición. “Si alguien está dando consejos, por ejemplo de alimentación, sin tener idea, puede hacerle daño a muchas personas”, explica. La iniciativa introduce un filtro en un espacio que rara vez lo tiene, marcando una diferencia entre alcance y preparación. En lugar de limitar la creación, propone orientar la atención y ofrecer herramientas para que la audiencia pueda distinguir a quién escuchar.
“Yo necesito la adrenalina del en vivo”.
Ese contraste termina definiendo mejor su lugar dentro de la industria. Por un lado, construye un formato donde la autenticidad es el motor; por otro, impulsa un sistema que exige responsabilidad en esa misma autenticidad. La visibilidad adquiere peso cuando se sostiene en criterio. Esa postura introduce una pregunta incómoda: ¿quién debería estar hablando y bajo qué criterios? En esa tensión entre libertad y rigor es donde la bogotana empieza a moverse con mayor claridad.
Ese posicionamiento dialoga con un momento cultural más amplio. Marcas como Chanel, Dolce & Gabbana y Tiffany & Co. han intensificado su mirada hacia Latinoamérica. “Hoy en día, los latinos estamos de moda, y hay un interés real por entender nuestra cultura”, comparte. La audiencia se mueve entre territorios y conecta distintos mercados. “Hay colombianos en Europa, en Estados Unidos… es una comunidad enorme”. Su origen se integra a ese alcance. “Gracias a Dios soy colombiana”, afirma.
La actuación suma otra capa a su recorrido. Participó en la serie Primate (2022), una experiencia que amplió su relación con la cámara. “Yo toda la vida quise actuar… me lo gocé”, manifiesta. El rodaje le mostró otra velocidad. “Es una carrera de esperar. Horas para grabar dos o tres párrafos”. Ese ritmo contrasta con la inmediatez que busca. “Yo necesito la adrenalina del en vivo”. La actuación queda como un territorio posible dentro de un mapa que sigue expandiéndose.
A pesar de esa expansión, hay una constante que atraviesa todo su proceso. “Todo el tiempo estoy pensando en qué mejorar”, sostiene. El show cambia, el set se ajusta, las ideas se reformulan. “Nunca sientes que ya está listo”. La exigencia se convierte en motor. “No me comparo, me inspiro”, añade, marcando una diferencia clave en un entorno donde la comparación es permanente. Referentes como Ellen DeGeneres o Alex Cooper funcionan como guía, no como estándar.
“Hoy en día, los latinos estamos de moda, y hay un interés real por entender nuestra cultura”.
En medio de ese ritmo, la maternidad reorganiza su tiempo y amplía su capacidad de sostener múltiples frentes. “Luca me ha enseñado que todo se puede hacer al mismo tiempo”, dice. Trabajo, proyectos, viajes, familia. Todo convive dentro de una agenda que exige organización y límites claros. El descanso se vuelve una decisión. “Un domingo no contesto el celular. Se puede estar cayendo el mundo y no respondo”. Ese espacio sostiene el resto.
Al final, la forma en la que se define integra todas sus capas. Periodista de formación, presentadora por oficio, empresaria por decisión y actriz por exploración, Tobón se posiciona como una creadora de contenido en el sentido más amplio del término. “Siempre me he considerado una mujer soñadora”, expresa. Su recorrido avanza a partir de reinicios que la mueven entre formatos, industrias y lenguajes. En un entorno donde la visibilidad suele ser el principal objetivo, su apuesta se enfoca en otra dirección: construir desde la autenticidad, y enfrentar, con todas sus implicaciones, el riesgo de hacerlo.
Historia: Valentina Sánchez R / @valentinasanram
Fotografía: Nirvana Nungaray / @nirvananh
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Spotify beat guidance for monthly active users in the first quarter, as the number of consumers on the streaming giant’s ad-supported tier rose by double-digits, helping the streaming giant meet its revenue target despite a 5% decline in ad-supported revenue.
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Spotify reported it added 10 million monthly users for a total of 761 million monthly active users (MAUs), driven by ad-supported MAUs rising 14% to 483 million in the quarter ending March 31 compared to a year ago. Premium subscribers rose by 9% to 293 million, in line with target expectations. The company reported 4.5 billion euros ($5.3 billion) in revenue for the first quarter, as 10% growth in subscriber revenue outweighed a 5% decline in revenue from ad-supported accounts compared to a year ago.
An ongoing concern for streaming companies has been achieving growth even after most adults in developed markets have streaming accounts. Spotify’s executives noted they saw growth in their free tier in highly saturated markets like the United States, with users there listening and watching content more frequently each month since Spotify rolled out certain personalization features.
“We’re well positioned because of our large, engaged user base, deep creator relationships, and years of investment in personalization and infrastructure at scale,” co-CEO Gustav Söderström said in a press release. “These create a platform that can take advantage of this moment and unlock entirely new growth vectors that will enable us to climb new mountains previously unimaginable. We see significant room to grow across users, formats and engagement and to expand what Spotify is and can become over time.”
Revenue from premium accounts in the quarter rose 10% to 4.15 billion euros ($4.87 billion), while revenue from ad-supported accounts declined 5% to 385 million euros ($456.6 million).
Gross profit rose 13% in the quarter from a year ago for a gross margin of 33%.
The company will discuss earnings during a presentation to investors at 8 a.m. New York time. The company’s stock was down 4.28% in pre-market trading.
Here are the key take-aways from Spotify’s first quarter results:
- 761 million monthly active users was up 10 million from a year ago.
- 293 million premium subscribers rose 3 million subscribers, in line with previous guidance.
- 483 million ad-supported users rose 60 million from a year ago, an increase of 14%.
- Total revenue was 4.53 billion euros for the first quarter.
- $11B paid out to the music industry in 2025, $70 billion paid out to the music industry since Spotify’s founding
- Spotify works across more than 2,000 devices from over 200 brands
American Idol entered its Taylor Swift era on Sunday night (April 27), with the remaining contestants taking on songs from Taylor Swift’s catalog for the show’s first episode dedicated entirely to the pop superstar.
The theme night featured seven contestants performing tracks spanning Swift’s career, from early country cuts like “Tim McGraw” and “Fearless” to later fan favorites including “Cardigan,” “Exile” and “Lover.”
Among the night’s performances, Keyla Richardson drew particular attention for her take on “Lover,” reworking the song into something that even guest judge Nikki Glaser said felt entirely new.
“I don’t even recognize that song!” Glaser said following the performance, praising Richardson for bringing a different interpretation to the track.
Judges Luke Bryan, Lionel Richie and Carrie Underwood echoed that sentiment throughout the episode, emphasizing the challenge of performing Swift’s material — particularly songs so closely tied to her distinctive storytelling and vocal style.
Other performances included Chris Tungseth’s version of “Exile,” which Bryan called one of his favorite performances from the singer so far, and Jordan McCullough’s take on “Tim McGraw.”
Swift herself did not appear during the episode, though host Ryan Seacrest noted that dancers from her Eras Tour were part of the broadcast.
Originally released in 2019, Lover debuted at No. 1 on the Billboard 200, becoming Taylor Swift’s sixth chart-topping album. The set spawned multiple hits, including “Lover,” which reached the top 10 on the Billboard Hot 100.
The episode highlighted both the breadth of Swift’s catalog and the difficulty contestants face in reinterpreting it. By this stage of the competition, versatility has become a key differentiator, with contestants needing to balance familiarity with originality in order to stand out.
At the end of the night, Daniel Stallworth and Brooks Rosser were eliminated, narrowing the field as the competition moves toward its final rounds.
Next week’s episode will feature a return from former judges Randy Jackson and Paula Abdul as part of a special anniversary celebration.
Breakout folk duo Buffalo Traffic Jam will make their debut trip to Australia and New Zealand later this year, announcing a four-date run across the region as part of their Down Under Tour 2026.
The Montana-based pair — comprised of Frankie Cassidy and Nathan Ross — will kick off the tour on Oct. 28 at The Tuning Fork in Auckland, before heading to Sydney’s Metro Theatre on Oct. 31, Brisbane’s Fortitude Music Hall on Nov. 4 and Melbourne’s Northcote Theatre on Nov. 7.
The dates mark the duo’s first performances in both territories, arriving on the heels of a sold-out U.S. tour that has helped expand their audience beyond their home market.
Tickets for the shows will go on sale May 1, following a Live Nation presale beginning April 30.
Buffalo Traffic Jam have steadily built momentum over the past year, driven by a run of independently released material and growing streaming numbers. Their latest project, Take Me Home, has generated more than 8 million streams across platforms, adding to a catalog that includes early singles “Rescue Me” and “Forgot Your Roots.”
Formed in Bozeman, Montana, the duo first connected as students at Montana State University before developing a sound rooted in traditional folk instrumentation and harmony-driven songwriting. Their recent rise has been fueled by touring, including festival appearances at Under the Big Sky and Redwest Fest, as well as support slots alongside country singer-songwriter Dylan Gossett.
The upcoming tour places Buffalo Traffic Jam within a growing wave of U.S. folk and country-adjacent acts finding traction in Australia, where audiences have increasingly embraced stripped-back, narrative-driven songwriting alongside mainstream country imports.
While still early in their international rollout, the Down Under dates represent a key step in the duo’s expansion beyond North America, offering a first look at their live show for audiences in the region.
Buffalo Traffic Jam — Down Under Tour 2026
Oct. 28 — Auckland, NZ @ The Tuning Fork
Oct. 31 — Sydney, AU @ Metro Theatre
Nov. 4 — Brisbane, AU @ Fortitude Music Hall
Nov. 7 — Melbourne, AU @ Northcote Theatre
Morgan Evans is set to return to Australian stages in a rare, stripped-back setting, with Nova Entertainment announcing the country star will perform at an upcoming Nova’s Red Room event in Sydney.
The ARIA Award-winning artist will take the stage on May 15 at a secret location for an invite-only crowd of just 150 guests, marking one of the most intimate performances of his recent career. Known for his high-energy live shows, the Newcastle-born, Nashville-based singer-songwriter is expected to deliver a more personal set, blending new material with fan favorites.
“Nova’s Red Room shows are always special,” Evans said in a statement. “This one will be a small room, stripped back versions, with probably too much talking in between … new songs, old songs, let’s go!”
The event forms part of Nova’s long-running Red Room series, which has hosted more than 350 artists across its history, including major international names such as Ed Sheeran, Lizzo, and Billie Eilish, alongside Australian acts like Tones And I and The Kid LAROI.
Evans’ upcoming performance comes amid a busy period for the singer, who released his latest album, Steel Town, in March. The project continues his trajectory as one of Australia’s most globally recognized country exports, following the success of tracks like “Kiss Somebody” and “Day Drunk,” which have collectively helped him surpass 900 million global streams.
Following the Red Room show, Evans will embark on a wider tour across Australia and New Zealand, beginning May 21 in Perth. The run will see him perform at major venues including Melbourne’s Forum, Sydney’s Enmore Theatre and Brisbane’s Fortitude Music Hall, before heading across the Tasman.
Nova’s Red Room continues to position itself as a premium live music platform, offering fans access to exclusive performances in intimate settings while giving artists the opportunity to showcase a different side of their catalog.
Fans can enter to attend the Sydney event via the Nova Player, with winners gaining access to one of the most in-demand tickets of the month.
Megan Thee Stallion‘s final curtain call is coming a bit earlier than expected.
The rapper announced via Instagram on Monday (April 27) that she’ll be departing the cast of Broadway’s Moulin Rouge! The Musical after her performance on Friday. She was originally scheduled to perform in the show through May 17.
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“Hotties, my last performance as Zidler in @moulinrougebway will be May 1,” Megan said in her caption alongside photos of herself meeting fans at the stage door after performances and posing with castmates and special guests. “It’s been such an honor to be part of thee Moulin Rouge family and I’ve met so many amazing people in this theater!”
She continued by sharing her gratitude for the cast and crew of the Broadway show for “[making] the experience so meaningful” and commending them on their dedication and work ethic. She concludes by thanking her fans for seeing the show.
“And to all the Hotties that showed up or planned to attend, thank you for supporting me during this incredible journey! I LOVE YALL See you soon,” Megan writes.
Megan made her Broadway debut as Zidler in Moulin Rouge on TKTK, the first woman to every play the role in a production of the show. News of her early departure comes on the heels of her breakup with Mavericks shooting guard Klay Thompson. On Saturday (April 25), Megan took to her Instagram Story to share that she and Thompson, whom she dated for a little under a year, broke up due to his infidelity.
“Cheating, had me around your whole family playing house… got ‘cold feet,’” the three-time Grammy winner wrote. “Holding you down through all your HORRIBLE mood swings and treatment towards me during your basketball season now you don’t know if you can be ‘monogamous’????”
In a statement to Billboard afterward, Megan confirmed that she ended things with Thompson, citing “Trust, fidelity and respect” as “non-negotiable for [her] in a relationship.”
“I’m taking this time to prioritize myself and move ahead with peace and clarity,” Megan concluded in her statement on the breakup.
Producer and songwriter Mark Ronson is set to receive an Honorary Clio Award at the 2026 Clio Awards, which will be held on May 12 at Cipriani in New York City. Actor, writer, and producer Keegan-Michael Key will host the event, which will bring together top creative talent from across advertising, marketing and communications.
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Each year, the Honorary Clio Award recognizes individuals whose work has had a lasting impact on popular culture. “With this award, the Clios recognize Ronson’s enduring influence on music and culture, and his ability to shape sound in ways that resonate across entertainment, advertising, and beyond,” the organization said in a statement.
In addition, multidisciplinary artist Mickalene Thomas will receive an Honorary Clio Award “for her transformative impact on contemporary art and visual culture.”
Ronson, 50, has won nine Grammy Awards, including two awards for record of the year – as producer and engineer/mixer of Amy Winehouse’s “Rehab” and as artist, producer and engineer/mixer of his own megahit “Uptown Funk!,” featuring Bruno Mars. He won an Oscar and a Golden Globe for cowriting the Lady Gaga/Bradley Cooper collab “Shallow” from A Star Is Born. Last year, he received his first Primetime Emmy nod as an executive producer of SNL50: The Homecoming Concert.
Ronson has also worked with Adele, Paul McCartney, Miley Cyrus, Dua Lipa and more. His memoir, Night People: How to Be a DJ in ’90s New York City, became a New York Times bestseller and is currently being adapted for film.
Key has built a career that spans film, television, theater, and voice acting. He first rose to prominence as the co-creator and co-star of Comedy Central’s Key & Peele, which earned a Primetime Emmy for outstanding variety sketch series. His recent work includes roles in The Super Mario Bros. Movie, Wonka and Schmigadoon! and his bestselling book The History of Sketch Comedy.
The Clio Awards were founded in 1959 to honor excellence in advertising around the world.
As with any multi-artist, multi-stage festival, there are always hard choices to make as to which acts to see and which to miss, but it feels like this year’s edition of the New Orleans Jazz & Heritage Festival had nearly impossible decisions.
Take, for example, this block on Saturday (April 25) when Stevie Nicks, Tyler Childers, Nas, Rihannon Giddens and Bruce Hornsby & The Noisemakers were all playing against each other. Even Jason Isbell was in a quandary. Isbell, who was playing with his band the 400 Unit in the time slot right before all the above names on Saturday, turned to his guitar played Sadler Vaden and asked if he was going to see “Stevie or Tyler?” Vaden simply answered “Bruce.”
Just like deciding between the fried soft-shell crab po’ boy or the Crawfish Monica, there’s really no wrong choice when it comes to the music at Jazz Fest, just FOMO. The Fest, which runs April 23-26 and April 30-May 3, always has a great vibe with friendly people, but this year’s first weekend felt a little extra special…maybe because, in a horrible sign of our times, on opening day authorities arrested a man in Florida who was allegedly planning a mass shooting at Jazz Fest. People seemed especially determined to have a good time and celebrate the music.
It could have also been because of the great weather. Jazz Fests can offer everything from torrential downpours and times when the temperature and the humidity have both been in the stifling 90s. This year, there was only two short periods of rain and the temperature, while hot, stayed in the mid-80s.
Below, in no particular order except for putting Batiste at the top, were some of the highlights of the first weekend of Jazz Fest. Next weekend’s performers include The Eagles, Trombone Shorty, Widespread Panic, Lainey Wilson, the Black Keys, Herbie Hancock and Earth, Wind & Fire.