Banksy volvió a aparecer en el espacio público con una obra. El enigmático artista plantó una escultura en el centro de Londres que sigue su línea político-contestataria en torno al poder y las figuras que configuran la identidad británica desde la iconografía. Se trata de una estatua de un hombre que lleva traje y camina […]
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Este martes, The Rolling Stones se reunieron con el conductor Conan O’Brien en un evento especial celebrado en Brooklyn para anunciar los detalles de Foreign Tongues, su próximo disco de estudio, previsto para el 10 de julio. Durante el encuentro, Mick Jagger contó la anécdota de cómo Robert Smith, líder de The Cure, terminó participando […]
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Después de más de un año de disputas legales y controversias mediáticas, Blake Lively y Justin Baldoni le han puesto un fin a su polémico caso que inició con la actriz acusando al director por acoso sexual y comportamiento inapropiado durante el rodaje de su película It Ends With Us. También aseguró en su momento que Baldoni, junto con su gran equipo de publicistas, inició una campaña de desprestigio en su nombre para dañar su imagen en medios y redes, sin dejar a un lado las represalias que obtuvo después de que ella denunciara estos actos.
En un documento publicado el lunes, Lively y Baldoni dejaron en claro sus posturas y deseos de seguir adelante: “El resultado final —la película It Ends With Us— es motivo de orgullo para todos los que trabajamos para hacerla realidad. Crear conciencia y generar un impacto significativo en la vida de las sobrevivientes de violencia doméstica —y de todas las sobrevivientes— es un objetivo que defendemos con convicción”.
Y continua: “Reconocemos que el proceso presentó desafíos y que las inquietudes planteadas por la Sra. Lively merecían ser escuchadas. Mantenemos nuestro firme compromiso con entornos laborales libres de irregularidades y ambientes improductivos. Esperamos sinceramente que esto ponga fin a esta situación y permita a todos los involucrados seguir adelante de manera constructiva y pacífica, incluyendo un entorno respetuoso en línea”.
El comunicado llega dos semanas antes de que ambas partes se enfrentaran ante la corte y testificaran cada una de sus perspectivas del caso. También recordando que un juez desestimó 10 de las 13 demandas civiles que Blake Lively presentó, incluidas las de acoso. Entre las tres que quedaron, y que serían decididas por un jurado para pasar a la siguiente fase, se encuentran: represalias, complicidad en represalias e incumplimiento de contrato.
En su momento, Baldoni presentó una contrademanda, testificando que todo era una mentira. Esta también fue desestimada por el mismo juez. Sin embargo, el director emprendió más acciones legales por difamación contra Blake Lively, su esposo Ryan Reynolds y su publicista, sosteniendo que habían orquestado acusaciones con la intención de perjudicar gravemente su imagen pública y trayectoria profesional.
Después de desestimar la mayoría del caso el mes pasado, los abogados de Lively consideraron que se podría llegar a un acuerdo, pero la actriz estaba ansiosa por testificar en la corte. “Para Blake Lively, la mayor medida de justicia es que las personas y el modus operandi detrás de estos ataques digitales coordinados hayan quedado al descubierto y que otras mujeres a las que han atacado ya estén rindiendo cuentas”, dijo.
Lively compartió un mensaje en redes sociales sobre la decisión del juez, escribiendo: “Lo último que quería en mi vida era una demanda, pero presenté este caso debido a las represalias generalizadas que enfrenté, y sigo enfrentando, por pedir en privado y profesionalmente un entorno de trabajo seguro para mí y para los demás. Espero que la decisión del Tribunal demuestre a otros que, por muy doloroso que sea, uno puede alzar la voz”.
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Anthony Bourdain fue mucho más que un chef: fue un auténtico rockstar cultural. Escritor y documentalista, redefinió la figura clásica del cocinero, rompiendo esquemas y consolidándose como una voz influyente dentro de la cultura popular. Por eso, su muerte en 2018 no dejó indiferente a nadie. Ocho años después, su legado vuelve al centro de la conversación con la llegada de un biopic que explora sus primeros años, cuyo primer tráiler fue lanzado este 5 de mayo por A24, la productora detrás del proyecto.
El filme, titulado Tony, mostrará a un Bourdain de 19 años interpretado por Dominic Sessa, quien saltó a la fama por su papel en The Holdovers (2023). Según la sinopsis, veremos cómo al perder una beca para estudiar escritura el cocinero viaja a Provincetown, donde se encontrará con el caótico mundo de la cocina de un restaurante, lo que pone en marcha un verano que marcará el curso de su vida. Ese camino lo lleva a trabajar bajo las órdenes de un exigente chef, papel que interpreta Antonio Banderas. El resto del reparto lo completan Emilia Jones, Rich Sommer, Stavros Halkias y Leo Woodall.
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La dirección corre por cuenta de Matt Johnson, realizador de BlackBerry, quien ha explicado que el guión toma como base dos capítulos del libro de memorias Kitchen Confidential, centrados en los años en que Bourdain comenzó su carrera en restaurantes. Más que una biografía tradicional, la película apuesta por capturar un momento específico que definió su identidad.
En esa misma línea, los representantes de Bourdain señalaron que decidieron apoyar el proyecto precisamente porque no intenta abarcar toda su vida, sino retratar un periodo concreto: el verano de 1975 en Provincetown, Massachusetts. Según explicaron, se trata de una interpretación de una etapa que siempre ha estado rodeada de cierta incertidumbre, lo que le da al filme un carácter más íntimo y creativo que estrictamente biográfico.
Además de dirigir, Johnson —también conocido por su trabajo en la serie de culto Nirvanna The Band The Show— imprime al proyecto una mirada que combina lo autoral con lo generacional, alejándose del molde clásico del biopic. A esto se suma un elenco que incluye nombres como Dagmara Dominczyk, reforzando la apuesta por una narrativa coral dentro de un entorno tan exigente como el de la cocina profesional.
Con estreno previsto para agosto de 2026, Tony se perfila como una de las producciones más llamativas del calendario cinematográfico, no solo por el peso cultural de Bourdain, sino por la forma en que decide abordarlo: no como mito, sino como un joven en formación, enfrentado al caos, la incertidumbre y las primeras decisiones que terminarían definiendo su legado.
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Los Rolling Stones anticipan su nuevo álbum, Foreign Tongues, con un sencillo inédito, ‘In the Stars’. Esta canción, junto con la blusera ‘Rough and Twisted’ —que promocionaron mediante una campaña de base presentándose bajo el nombre de “Cockroaches”—, encabeza las 14 pistas del LP. El disco, previsto para el 10 de julio, sucede a Hackney Diamonds (2023), que alcanzó el número tres en Estados Unidos y le valió a la banda un premio Grammy Awards.
El sencillo principal, ‘In the Stars’, se presenta inicialmente como una pieza de pop-rock en la línea de los Stones de principios de los años ochenta. Sin embargo, el estribillo introduce una melodía singular, cuando Mick Jagger canta “It’s in the stars, it’s our destiny”, mientras unos coros en “oooh” lo envuelven, acompañados por un discreto piano que revela una faceta renovada del grupo, antes de regresar a un riff de Keith Richards inmediatamente reconocible. “Do you wanna dance ’til the roof caves in?”, canta Jagger. “Yeah, and the guitars cream and the choir still sings.”
Por su parte, ‘Rough and Twisted’ es un enérgico rock de raíz blusera, marcado por el golpe rítmico de los pies, cargado de guitarra slide, piano boogie-woogie y saxofón, que evoca las grabaciones de The Rolling Stones de principios de los años setenta. “Why don’t you drive me down that rough and twisted road?”, brama Mick Jagger al inicio, mientras la banda se instala en su característico y cadencioso swagger. El propio Jagger también se encarga de la armónica, con su inconfundible timbre nasal, en la canción.
La banda grabó el álbum en Metropolis Studios, en el oeste de Londres. El productor Andrew Watt, quien estuvo al frente de Hackney Diamonds, también lidera Foreign Tongues. Además de Mick Jagger, Keith Richards y el guitarrista Ron Wood, el disco marca el regreso del bajista Darryl Jones (quien no estuvo disponible para Diamonds), así como la participación del tecladista Matt Clifford y el baterista Steve Jordan.
El álbum también incluye una aparición del fallecido baterista de los Stones, Charlie Watts, registrada durante una de sus últimas sesiones antes de su muerte en 2021. Entre los artistas invitados figuran Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith —de The Cure— y Chad Smith, de Red Hot Chili Peppers.
“Me encanta hacer estas sesiones de grabación en Londres, en Metropolis Studios”, afirmó Mick Jagger en un comunicado. “Fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 grandes temas y avanzamos tan rápido como pudimos. Me gusta esa sala porque no es demasiado grande, así se puede sentir la pasión de todos en el ambiente.”
“El álbum Foreign Tongues mantiene una continuidad con Hackney Diamonds, y fue estupendo volver a trabajar en Londres y estar rodeados de ese ambiente londinense”, añadió Keith Richards. “Fue un mes de trabajo concentrado e intenso. Para mí, todo se reduce al disfrute. Soy afortunado de poder hacer esto, y ojalá dure mucho tiempo.”
“El ambiente en la sala era sumamente creativo, y toda la banda estuvo en plena forma durante todo el proceso”, señaló Ron Wood. “Muy a menudo lo clavábamos a la primera toma. Espero que a todo el mundo le encante”.
La portada del álbum presenta ilustraciones con fragmentos de los rostros de Keith Richards, Ron Wood y Mick Jagger apilados, creadas por Nathaniel Mary Quinn. El disco estará disponible en CD, CD de lujo, casete y diversas ediciones en vinilo, además de en formato digital. El sencillo ‘In the Stars’ también se lanzará en CD y vinilo.
La banda publicó previamente ‘Rough and Twisted’ como un promocional en vinilo de 12 pulgadas sin etiqueta, acreditado a “Cockroaches”, un seudónimo que ya habían utilizado al presentarse en 1977, en la época en que grabaron Love You Live y el recientemente editado El Mocambo 1977.
Los Rolling Stones no tienen actualmente fechas de gira programadas, pero Mick Jagger, Keith Richards y Ron Wood. tienen previsto aparecer en Brooklyn el martes para presentar Foreign Tongues.
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El nuevo tráiler de La Odisea, la próxima película de Christopher Nolan, ya está aquí y confirma algo que muchos intuían: el director vuelve a apostar por una experiencia cinematográfica monumental. A poco más de dos meses de su estreno, el próximo 17 de julio, el adelanto no solo amplía lo visto anteriormente, sino que revela con mayor claridad el tono épico, oscuro y profundamente humano de esta reinterpretación del clásico de Homero.
La película sigue el viaje de Odiseo —interpretado por Matt Damon— en su largo regreso a Ítaca tras la guerra de Troya. Sin embargo, el tráiler deja claro que Nolan no busca una adaptación convencional: su enfoque combina el espectáculo mitológico con una mirada más terrenal, casi histórica, de cómo estas historias pudieron haber sido percibidas en la antigüedad.
Uno de los elementos más comentados del adelanto es su despliegue visual. Rodada íntegramente con cámaras IMAX y con un presupuesto cercano a los 250 millones de dólares, la cinta apuesta por una escala pocas veces vista en el cine reciente. Desde vastos paisajes hasta secuencias marítimas imponentes, el tráiler refuerza la idea de que Nolan está construyendo una experiencia diseñada para la pantalla grande.
En cuanto a la narrativa, el avance introduce varias de las amenazas que enfrentará el protagonista. Destaca especialmente la aparición del cíclope, presentada como una criatura verdaderamente intimidante, así como otros peligros mitológicos que subrayan el carácter fantástico del relato. Estas escenas conviven con momentos más íntimos que giran en torno a la familia y el paso del tiempo.
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El reparto es otro de los grandes atractivos del proyecto. Además de Damon, el tráiler ofrece nuevos vistazos a Tom Holland como Telémaco, Anne Hathaway como Penélope y Robert Pattinson como Antínoo, uno de los antagonistas de la cinta. También destaca la aparición de Charlize Theron en el papel de Calipso, quien parece aportar un componente enigmático clave dentro de la historia.
Más allá de lo visual, el montaje del tráiler sugiere una estructura narrativa ambiciosa. Nolan, conocido por jugar con el tiempo y la perspectiva, parece apostar aquí por un relato no lineal que mezcla distintos momentos del viaje de Odiseo con lo que ocurre en Ítaca durante su ausencia. Esta dualidad añade tensión dramática y refuerza el peso emocional de la historia.
Otro punto interesante es cómo el director conecta esta epopeya clásica con sensibilidades modernas. En entrevistas recientes, Nolan ha señalado que las historias de Homero funcionan como precursoras de los relatos contemporáneos, incluso de los universos de superhéroes. El tráiler refleja esa intención: convertir un mito antiguo en un espectáculo accesible y relevante para el público actual.
Con todo esto, La Odisea, que ya es uno de los filmes más esperados por el público, se perfila también como uno de los estrenos del año. El nuevo tráiler no solo aumenta la expectativa, sino que deja entrever una película que podría combinar ambición técnica, profundidad narrativa y atractivo masivo. Si algo queda claro, es que Nolan no está simplemente adaptando un clásico: está intentando redefinir cómo se cuentan las grandes epopeyas en el cine contemporáneo.
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Desde 1992, Mortal Kombat, el videojuego creado por Ed Boon y John Tobias, no solo redefinió el género de peleas, sino que también convirtió la ultraviolencia en lenguaje pop con sus fatalidades, rivalidades, gritos de “Finish Him!” y una estética que mezclaba artes marciales, cómics y cine de serie B. Todo un coliseo digital que marcó a toda una generación.
Ese espíritu llegó al cine en los noventa con Mortal Kombat y Mortal Kombat: Annihilation. No eran buenas películas, sin embargo, tenían algo que hoy escasea: energía. Especialmente la primera, con su tono exagerado, su banda sonora industrial y actuaciones que parecían entender que todo esto era un juego. Había algo camp y ridículo, pero también honesto.
Luego llegó el reboot de 2021. Mucho presupuesto, demasiadas promesas y muy poco carácter. La película intentaba tomarse en serio algo que nunca lo necesitó. Además, cometía un error básico: olvidar a sus personajes más importantes y reemplazarlos por un protagonista sin peso. El resultado fue una película desinflada, soporífera y casi insoportable, desconectada de la esencia del juego.
Es por eso que Mortal Kombat II sorprende. No porque reinvente nada, sino porque finalmente entiende el material. Aquí no hay intento de elevar la historia a algo que no es. Hay luchadores, sangre, vísceras, traiciones básicas y un torneo donde la única regla es sobrevivir. Y con eso basta.
El punto de inflexión tiene nombre propio: Karl Urban. Su Johnny Cage llega como una descarga eléctrica. Cínico, exagerado y divertido. Urban ya había hecho algo similar con el superhéroe británico Judge Dredd. Tomó un personaje que parecía condenado detenido a la desastrosa encarnación llevada a cabo por Sylvester Stallone y devolverle vida desde el respeto a la fuente original y la actitud. Aquí hace lo mismo. Además, trae consigo esa energía anárquica afinada en The Boys. Cada escena en la que aparece se siente más viva y eléctrica. Véanlo colocarse sus gafas oscuras y sabrán que Urban entiende de qué se trata todo esto.
A partir de ahí, la película se reorganiza o, mejor aún, se desorganiza. Ya no intenta justificar el absurdo sino lo abraza. Las peleas ya no necesitan explicación, los villanos existen para ser derrotados, y los diálogos funcionan porque no pretenden ser más de lo que son. En consecuencia, todo fluye mejor. El espectáculo manda.
El resto del elenco cumple dentro de ese tono. Adeline Rudolph aporta presencia como Kitana, mientras que figuras como Shao Kahn (Martyn Ford), Liu Kang (Ludi Lin) o Sonya Blade (Jessica McNamee) y Scorpion (Hiroyuki Sanada), se integran sin robar foco. Incluso personajes que antes no funcionaban como Jax (Mehcad Brooks) o Kano (Josh Lawson) encuentran aquí un lugar más claro dentro del caos.
La cinta no es sofisticada y tampoco lo intenta. Y ahí está su acierto. Su director por fin entiende que Mortal Kombat no necesita profundidad sino actitud, golpes, mucha sangre y un ritmo que no dé tregua. Finalmente, lo que entrega es exactamente eso: una pieza de entretenimiento ruidosa, excesiva, hiperviolenta y muy consciente de sí misma. Basura hecha con intención. Y esta vez, como una de esas películas descerebradas de Chuck Norris o Jean Claude Van Damme, funciona.
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“Este disco es la historia de una estrella y al mismo tiempo mi propia historia”, explica Bratty sobre HOSHI, título que viene de la palabra japonesa para “estrella”. La idea nace de una pregunta personal. Por qué está en ese lugar, por qué la gente conecta con lo que hace y si realmente lo que está construyendo vale la pena.
En la portada aparece con una estrella en la frente, como las que te ponen de niño cuando haces las cosas bien. Esa imagen resume el concepto del disco. Habla de validación, de la necesidad de sentir que lo que haces es suficiente y de todas esas dudas que, en su caso, no se dicen en voz alta, pero sí se convierten en canciones. ‘la estrella que quería brillar’, el segundo tema del album, retrata esta idea con crudeza.
El material reflexiona sobre lo que implica ser una “estrella”. No desde la idea aspiracional, sino desde las preguntas que hay detrás. Qué significa hacer algo original, qué expectativas se proyectan sobre los artistas y cómo se vive eso desde dentro.
El disco, en el que la artista de Culiacán explora un nuevo sonido, gestado durante un proceso de colaboración con muchos productores, colaboradores y en muchos lugares, es una interesante exploración sobre la historia de la artista, sus inseguridades, su ego y su posición como artista en esta era. El álbum cuenta con colaboraciones de Ed Maverick, Julieta Venegas, Marc Seguí, Natt Calma y Barry B.
Hablamos con Bratty unos días después del lanzamiento del disco. Lee la conversación a continuación:
¿Cómo va el álbum?, ¿cómo has sentido la recepción?
Bien, muy bien. Muy diferente a todo lo que he sacado antes.
¿En cuanto a la recepción de la gente?
Sí, o sea, de la mejor manera.
Hoshi es la palabra japonesa de estrella, ¿no? Y dices que el disco es la historia de una estrella y al mismo tiempo tu historia, ¿pero cómo se entrelazan esas dos?
Exacto. Pues creo que al principio del disco sentí que estaba hablando de alguien más y luego, en el proceso, me di cuenta de que estaba hablando de mí misma sin saberlo. Y bueno, por eso digo que es la historia de una estrella, pero terminó siendo mi historia porque soy una estrella, al parecer.
Me encanta la portada y me gusta el concepto de la estrella en la frente, ¿simboliza decirte a ti misma que lo estás haciendo bien?
Tal cual. Creo que siempre he sido una persona —no es secreto— muy introvertida, muy en su rollo, en su mundo. No soy de las personas a las que les gusta llamar la atención, tal cual. Entonces siempre he tenido esa espinita de preguntar: ¿por qué estoy aquí?, ¿por qué la gente se interesa por lo que tengo que decir? Siempre sobrepienso demasiado las cosas, incluyendo esto. Como si de verdad lo que estoy haciendo vale la pena, si es suficiente, si estoy haciendo lo correcto, si lo podría hacer mejor. Todas esas preguntas que todos los días pasan por mi cabeza y que no las hablo, las digo con música y este disco no es la excepción. Quise explorar mucho ese concepto de: ¿qué significa ser una estrella?, ¿qué significa hacer algo original?, ¿qué significan todos estos patrones que ponemos en alguien que idolatramos? Pero preguntándomelo a mí misma.
Y justo ‘la estrella que quería brillar’ es la que junta todo ese concepto, que habla del síndrome del impostor, de no sentirte suficiente. ¿Es la canción que mejor retrata el álbum?
Sí, yo pienso que sí, porque al mismo tiempo es la canción más vulnerable en ese aspecto; es lo que estoy pensando cuando estoy en mi punto más bajo de lo bajo, cuando empiezas a pensar que tal vez lo que está diciendo el username @JuanPablo.55, tal vez tiene razón, ¿no?, ¿sirvo para esto? La canción representa cuando todos esos pensamientos te empiezan a invadir la cabeza, sobre todo en alguien como yo, que sobrepiensa las cosas.
Sí, esta canción fue como mi punto más bajo, podría decir, de lo que para mí significa ser una estrella y hacerme este tipo de preguntas: ¿aún hay manera de decir algo original?, ¿o no?
Qué justo esa pregunta la haces en la canción. ¿Tú qué opinas de eso? ¿Es algo que te preocupa a ti como artista?
Sí, porque yo soy perfeccionista de corazón, entonces cuando pienso en hacer algo, siempre pienso en hacerlo de la mejor manera posible: ¿Qué es lo mejor que puedo hacer que nadie ha hecho nunca antes? Y al final, también recordando un poco mis inicios, eso también fue lo que me motivó, hacer música de este tipo, que venga de morras porque nadie lo está haciendo y yo quiero hacer algo nuevo. Y ese sigue siendo todavía mi detonador, ¿qué es algo que nadie está haciendo o que nadie ha dicho? Yo lo voy a hacer.
Para mí es súper importante eso. No creo que todos los artistas se lo pregunten porque hay muchos que hacen lo mismo y está bien que se queden ahí, pero yo siempre estoy buscando cómo aprender, cómo evolucionar, cómo poder decir de manera diferente las cosas. Es algo que, si no es así, para mí no tiene sentido.
Sí, y es un pensamiento fuerte para un artista pensar que ya todo está inventado y que ya todo existe.
Sí, es como, ¿para qué?, ¿para qué lo haces si todo ya existe?
Yo creo que hacer algo nuevo también va de la mano con hacer algo honesto. ¿Lo ves así también?
Sí, de repente. Me cuesta, pero sí, tienes toda la razón.
Y luego en ‘siempre quiero +’ te vas a la parte opuesta, hablas del ego, ¿no?
Sí, también. Así como uno está de repente abajo, si estás muy delulu, y te empiezas a decir; “No, pero ¿por qué? Si yo me merezco esto y esto y esto, y yo me veo ahí, yo sé que lo voy a lograr.”, pero, “¿Por qué todavía no estoy ahí?” Y de repente son cosas más materiales. Lo material no es sinónimo de éxito, pero a veces uno piensa que así es. Y en esa canción también quise recalcar eso, las cosas materiales, puras cosas más del ego, de que “no es mi culpa que a ti te duela que me vaya bien y que me estén pasando cosas chidas”. Ajá, es como el otro extremo de la estrella que quería brillar, que es siempre querer más, que nunca es suficiente con lo que tienes.
Y quieres buscar un balance entre esas dos, entre esos dos personajes, ¿no?
Un poco, sí.
Vi que en esta ocasión le das la vuelta al proceso y empiezas desde la parte visual. ¿Cómo empezaste eso? ¿Qué influencia tenías para construir la parte visual?
Justo nació de la parte visual porque me sentí estancada musicalmente, no sé, como que no sabía qué es lo que quería hacer, pero ya estaba aburrida de lo que estaba haciendo, quería hacer algo distinto. Y sí, dije, “Bueno voy a empezar con algo visual”. Hice este monito con una estrella en la frente y le empecé a dar un significado, una narrativa. Eso me ayudó a construir las canciones, a preguntarme estas preguntas de las que estoy hablando en todo el disco. Entonces fue como un rompecabezas, ¿no? Fui hilando los puntos y fui construyendo algo sin saber cómo se iba a ver al final.
¿Tú lo dibujaste?
Sí.
Ah, qué cool. Y luego literal retratas ese rompecabezas como parte de los visuales del disco, ¿no?
Sí, también en los sencillos. Como que así tal cual fue este disco, ir viendo qué pedo, o sea, cómo va a fungir este disco, cómo se va a ver al final. Es un disco muy frontal, desde la portada, por eso es literal mi cara con la estrella en la frente porque es lo que es, it is what it is. O sea, no me estoy escondiendo de nada, te estoy diciendo cosas súper vulnerables, te estoy diciendo lo que pienso sin esperar que nadie me juzgue y con toda la crudeza del mundo, ¿no?
¿Te tomaste más el tiempo de disfrutar el proceso que en otras ocasiones?
Sí, en general mi cerebro funciona así. Yo siempre veo los detalles primero y luego veo el panorama completo. Entonces, este disco fue eso, ir poniendo los detalles; quiero que sean estos colores, quiero que tenga lo de la estrella, quiero que la portada sea solo mi cara, quiero que sea muy minimalista, pero que cada cosa tenga su propio significado, etc. También me inspiré mucho en la cultura japonesa porque tal cual es eso, el ser minimalista y darle mucho peso a todo lo que estás poniendo, que sea intencional.
Fue un proceso de muchas sesiones, muchos productores, ¿cómo logras acotar todo eso que fuiste haciendo en un disco?
Pues creo que todo ese factor común fui yo. Fui con productores que hacían electropop, luego con productores que hacían reggaetón, otros que hacían cosas más poperas. Intenté de todo para ir encontrándome a mí también entre todo eso y creo que por eso el disco nunca pierde el hilo. Por más que cada canción suene muy diferente, el factor común es que yo estoy ahí también produciendo esas canciones junto con las otras personas con las que me junté, y que tienen una versión muy distinta a la mía y que son súper talentosos en lo que hacen. Fue como: “¿Cómo vamos a combinar esto con lo que yo hago y hacer algo nuevo?”. Y eso fue también un reto para las personas que produjeron conmigo el disco, porque al final hacían cosas súper diferentes, pero les emocionaba, así de que: “Ya necesitaba hacer algo como esto, algo más emocional”. Y creo que eso también es lindo, que ambas partes estén contribuyendo en algo con lo que estás aprendiendo al mismo tiempo que lo estás haciendo.
¿Es difícil mantener la parte emocional característica de tu proyecto con un sonido más alternativo?
Para mí no lo fue. Lo sentí súper natural, esto es lo que tengo que estar haciendo. Me trajo mucho la emoción otra vez de hacer música porque, por ejemplo, las canciones usan mucho el recurso de los vocal chops, para mí eso fue algo súper nuevo, y dije “Wow, eso suena cabrón, no sabía que podía hacer eso, lo quiero poner en todas las canciones”. Y eso es algo que existe desde hace un montón, ¿no? Pero yo apenas estoy descubriendo este synth o estos samples que no sabía que se podían hacer en la compu y sin querer estaba yo descubriendo un mundo que yo nunca había explorado. Obviamente existe, pero yo nunca me había dado la oportunidad de explorar eso.
Es lo que te da salir y trabajar con varias personas, vas incorporando nuevos elementos y eso al final te inspira más.
Es como la cocina. Vas a la India y conoces un condimento y te lo quieres llevar para ponerle a los tacos. Entonces vas ahí inventando cosas nuevas.
¿Hoshi es un alter ego?
Siento que esa es una pregunta que todavía no me contesto al cien por ciento porque, pues sí, es un alter ego, pero soy yo. O sea, al final soy yo. Entonces, no sé.
Que es lo mismo que pasa con Bratty y Jennifer, ¿no? O sea, como que vas adoptando distintos personajes que te dan nuevas cualidades, pero al final eres tú siempre.
Exacto. Siento que Hoshi al principio fue un personaje, fue esta excusa para experimentar con cosas nuevas y al final, bueno, o sea, soy yo. Entonces creo que nada más es el nombre de algo para poder explorar otras facetas que tú en tu vida a lo mejor no harías, pero que son parte de ti y están ahí.
Obviamente las colaboraciones son importantes en el disco. ¿Cómo juntaste grandes nombres y algunos más emergentes, pero todos de diferentes estilos?
Tal vez no es que yo los haya escogido así tal cual, sino que la vida me los puso enfrente y yo nada más tuve que ordenar esos pensamientos y decir: “Esta canción creo que iría muy bien con esta persona”. Y hablando, por ejemplo, de los nombres grandes que son Julieta y Ed Maverick, me siento muy afortunada de que se hayan tomado el tiempo, de que les haya gustado la música, de que hayan entendido la visión que yo tenía de las canciones y me hayan dicho que sí, porque les gusta también mi proyecto y a mí me gusta el de ellos, y esa sinceridad y esa naturalidad de las cosas es lo que hace que sucedan. Entonces, cien por ciento creo que eso fue con todos.
Con Marc, el día que hicimos la canción fue el día que lo conocí y me cayó súper bien y ahora es de mis amigos más cercanos del círculo de gente que hace música, y con Nat también, es súper tranqui. Con Barry también, entre él y yo hicimos esa rola como en dos horas y fue lo que salió, lo que grabamos, entonces, siento que ese factor común también es que son personas súper humanas, con los pies en la tierra y que confían en la visión y que también tienen esta dimensión emocional cuando hacen música, igual que yo, entonces conectamos muy bien.
¿Y cómo fue volver a trabajar con Ed Maverick? Ya con la evolución que tienen ambos unos años después de crear ‘Ropa de bazar’.
Pues él y yo tenemos una historia muy particular; nos conocimos cuando apenas acabamos de sacar nuestras primeras rolas, obviamente cada quien fue en direcciones distintas y ahí se fue distorsionando con el tiempo. Pero la manera en la que crecimos, los dos somos del norte, somos súper de rancho, y a veces no nos creemos lo que nos está pasando; es muy raro lidiar con esos sentimientos. Me acuerdo de cuando le dije a Ed: “Oye, ¿sabes qué?, voy a sacar este disco y significaría mucho para mí y también creo que significaría un chingo para los fans si sacamos otra canción juntos, pero ahora como en este presente que tenemos tú y yo.” Lo platicamos por mensaje y me dijo: “Tienes toda la razón, creo que estaría la neta bien lindo.”, además le gustó la canción.
¿La habías pensado para él?
Cuando yo la hice en el estudio, no. Siento que eso fue cuando la volví a escuchar, y pensé que esa canción me gustaría que subiera como collab con alguien y fue cuando pensé en él. Es una canción súper emocional y pensé que con Ed estaría increíble y dije: “Voy a mandarle mensaje, o sea, no pierdo nada”, y me dijo que sí, la grabó. Entonces creo que fue un regalo que le quisimos dar a los fans, sobre todo.
Supongo que te urge tocarlo en vivo. ¿Cómo te imaginas el show?
Me lo imagino súper diferente a todo lo que he hecho. Quiero que, así tal cual como lo fue este disco, también sea algo con una evolución súper marcada de lo que soy ahora en este presente y que se sienta como un renacimiento, que la gente lo vea y diga: “Ay, güey, no sabía que Bratty podía hacer esto y está muy cabrón”. Quiero que se sienta eso en todos los aspectos, tanto en lo musical como en lo visual, en la iluminación, en todo. Se me hace súper importante y es mi meta más próxima a la que quiero llegar, que cuando saque el tour y todo, eso sea lo que la gente pueda ver.
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Sonequa Martin-Green ha construido una carrera marcada por personajes que cargan mundos sobre los hombros. En The Walking Dead, su Sasha Williams atravesaba el duelo, la violencia y la supervivencia con una mezcla de dureza y fragilidad. Luego, en Star Trek: Discovery, hizo historia como Michael Burnham, una figura central dentro de una franquicia que siempre ha pensado el futuro desde dilemas morales, políticos y humanos.
Ahora, con Boston Blue, Martin-Green cambia las estrellas por las calles de una ciudad atravesada por instituciones, códigos familiares y tensiones públicas. Su personaje, la detective Lena Silver, pertenece a una familia vinculada a la ley y al servicio, lo que le permite a la actriz explorar otra forma de presión: la de actuar correctamente cuando la reputación, el poder y la percepción social complican cada decisión.
En Boston Blue, ¿cómo negocia tu personaje la tensión entre la ética personal y el poder institucional?
Oh, qué gran pregunta. Dios mío. Creo que esa es una lucha particular para este personaje. Al venir de una familia dedicada a la ley, especialmente de una familia prominente dentro de las fuerzas del orden en la ciudad de Boston, esto es algo con lo que todos tienen que lidiar todos los días. Tienen un código moral muy profundo. También tienen su fe en Dios, que los mantiene con los pies en la tierra y conectados con hacer lo correcto. Eso los mantiene comprometidos con el bien común.
Pero tienes razón: los poderes institucionales que existen plantean dificultades. No quiero decir que representen una amenaza, aunque podría decirlo así; más bien, hacen que todo sea más complicado.
Lo abordamos un poco en la serie, al comienzo de la temporada. Hay un episodio sobre un político que es perpetrador, y ahí entran en juego todas esas dinámicas. Creo que para alguien como Lena y para los miembros de su familia es más fácil lidiar con eso porque tienen un código moral muy fuerte. Sin importar lo que pase, siempre pueden volver a esa base: hacer lo correcto.
Podría seguir hablando mucho sobre esto. Fue una muy buena pregunta.
Tu personaje también carga con el peso del legado familiar. ¿Cómo trabajaste esa dimensión sin que se volviera algo rígido o predecible?
Creo que lo más importante era entender que ese legado no es solo una carga, también es un ancla. Es algo que le da dirección, que le da propósito. No es simplemente presión externa. Es identidad. Es algo que ella eligió también, en cierto sentido, porque decidió seguir ese camino.
Pero eso no significa que no haya conflicto. Claro que lo hay. Hay momentos en los que se pregunta si ese camino es el correcto para ella, si realmente quiere cargar con todo lo que implica. Entonces, lo que traté de hacer fue no verlo como algo unidimensional. No es solo obligación. No es solo tradición. Es amor, es orgullo, es duda también.
Y creo que eso es lo que lo hace interesante: que no siempre es cómodo.
La serie también pone a tu personaje bajo presión constante, tanto profesional como pública. ¿Cómo trabajaste esa exposición dentro de la actuación?
Sí, definitivamente esa presión está siempre presente. Creo que lo interesante es que no es solo la presión del trabajo, no es solo ser detective. Es todo lo que viene con eso: la percepción pública, las expectativas, el hecho de que la gente te está mirando todo el tiempo, especialmente cuando vienes de una familia conocida dentro del sistema. Entonces no puedes separar quién eres de lo que haces. Todo está conectado.
Para mí, como actriz, se trataba de sostener eso en cada momento. Incluso en escenas más pequeñas, más íntimas, esa presión sigue ahí, aunque no se diga explícitamente. Porque ella sabe que cualquier decisión que tome puede tener consecuencias más grandes. No solo para ella, sino para su familia, para su nombre, para todo lo que representan.
Eso es lo que hace que cada decisión pese más.
La serie plantea decisiones morales complejas. ¿Cómo te acercaste a esa idea de justicia desde el personaje?
Creo que la justicia no siempre es algo claro, y eso es algo que la serie entiende muy bien. Para Lena, hacer lo correcto no siempre significa seguir las reglas al pie de la letra. Y ahí es donde está el conflicto. Porque ella viene de una estructura donde las reglas importan, donde el sistema importa.
Pero al mismo tiempo, hay situaciones donde tienes que preguntarte: ¿esto realmente es justicia? ¿O simplemente es lo que el sistema dice que es correcto? Entonces, como actriz, traté de mantener esa pregunta viva todo el tiempo. No asumir que hay una respuesta fácil.
Hay momentos donde ella tiene que tomar decisiones difíciles, decisiones que no tienen una solución perfecta. Y creo que eso es lo que hace que el personaje sea humano. No siempre acierta. No siempre tiene claridad. Pero sigue intentando hacer lo correcto, incluso cuando eso es complicado.
Vienes de interpretar personajes muy intensos y con gran carga emocional. ¿Cómo se conecta este papel con lo que has venido explorando en tu carrera?
Creo que siempre me han atraído personajes que están bajo presión. Personajes que tienen que tomar decisiones difíciles, que están en situaciones donde no hay respuestas fáciles. Eso es algo que encuentro muy humano.
Con Lena hay una continuidad en ese sentido, pero también hay algo diferente. Hay una madurez distinta, una forma diferente de sostener esa presión. No es solo reacción. Hay más contención, más conciencia de lo que está en juego. Y eso fue algo que me interesó mucho explorar.
Finalmente, ¿qué te gustaría que el público encontrara en Boston Blue?
Me gustaría que las personas encontraran conexión. Que se vean reflejados en estos personajes, incluso si no comparten su realidad. Que puedan entender lo que significa tratar de hacer lo correcto en un mundo donde eso no siempre es claro. Y también me gustaría que encontraran comunidad.
Creo que eso es algo que todos estamos buscando: sentir que no estamos solos, que hay otros atravesando cosas similares, que hay un espacio donde podemos entendernos. Si la serie logra eso, entonces creo que hemos hecho algo valioso.
Gracias, Sonequa. Y déjame decirte que tu contribución a la televisión, especialmente con personajes como Michael Burnham, ha sido realmente significativa especialmente para todas esas niñas que necesitan de unos modelos de mujer fuertes e independientes como los que tú representas.
(Pausa). Gracias, lo aprecio mucho. De verdad, muchas gracias.
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Apenas cuatro horas después de que los Rolling Stones anunciaran su nuevo LP, Foreign Tongues, y presentaran el primer sencillo, “In the Stars”, Conan O’Brien subió al escenario del Weylin en Williamsburg, Brooklyn, y se dirigió a un público abarrotado que incluía a Leonardo DiCaprio, Christie Brinkley, Andrew Watt, Odessa A’zion y prácticamente a todos los periodistas musicales de la ciudad de Nueva York.
“Déjenme ponerlos en contexto”, dijo. “En 1962, un grupo de jóvenes se juntó en Londres. Tocaban en pequeños clubes, pero soñaban con algo más grande. Luego tocaron en clubes un poco más grandes, con la esperanza de alcanzar la fama algún día. Lamentablemente, ese día nunca llegó. Nunca lo lograron del todo. Creo que este álbum va a cambiar las cosas. Creo que este álbum es el definitivo. Después de años de esfuerzo y anonimato, abriendo conciertos para bandas como Oingo Boingo, Bananarama y Frankie Goes to Hollywood, este es su momento”.
Momentos después, Mick Jagger, Keith Richards y Ron Wood salieron para una sesión de preguntas y respuestas con O’Brien, llena de risas, pocas revelaciones importantes y fallos de audio constantes. Pero cualquier evento con los Stones sigue siendo una ocasión monumental. Aquí hay ocho cosas que aprendimos.
Su nuevo video de “In the Stars” presenta a Odessa A’zion y a un Mick Jagger rejuvenecido
Al final del evento, cuando muchos periodistas e invitados ya se habían marchado, proyectaron el video del nuevo sencillo de los Stones, “In The Stars”. En él se ve a un Jagger rejuvenecido radicalmente, con un aspecto similar al de los años 60, cantando la canción en un club con otros músicos, ninguno de los cuales parecía ser de los Rolling Stones. La actriz A’zion, conocida por su papel en I Love LA/Marty Supreme, aparece junto a él en el video y presenció el estreno con entusiasmo, sentada junto a Andrew Watt cerca del escenario.
Charlie Watts participa en el álbum
En los últimos años de su vida, Charlie Watts grabó varias canciones nuevas con los Stones que quedaron inéditas. Dos de ellas, «Mess It Up» y «Live by the Sword», aparecieron en Hackney Diamonds. Y una tercera, titulada «Hit Me in the Head», se recuperó para Foreign Tongues. «La grabamos en Los Ángeles con Charlie», dijo Jagger. «Es un temazo de punk rock muy rápido. Es una canción rapidísima». Steve Jordan toca en el resto de las canciones. «Charlie lo recomendó», dijo Richards. «Charlie le pasó el testigo».
Cuatro de las 14 canciones son anteriores a las sesiones, incluyendo una con Paul McCartney
«Hit Me in the Head» no es la única canción anterior a las sesiones de Foreign Tongues. El álbum incluye otras tres de hace poco tiempo, incluyendo una con Paul McCartney. “Sería muy gracioso si le hicieras una audición”, bromeó O’Brien. “Creo que sería divertidísimo”. Richards dijo que casualmente estaba trabajando en el estudio de al lado mientras grababan el último disco. “Quería venir a tocar con la banda”, dijo Richards. “Quería cumplir ese sueño”.
Curiosamente, Robert Smith también participa en el álbum
Muchos fans de los Stones se quedaron atónitos cuando el comunicado de prensa de Foreign Tongues reveló que Robert Smith, de The Cure, tocaba en el disco a pesar de no tener ninguna relación previa con la banda. En la rueda de prensa, Jagger explicó cómo sucedió: «Un día llegué a Londres para grabar mi voz y allí estaba este tipo, de espaldas a mí, con una bata larga», contó Jagger. «Cuando se dio la vuelta, la bata estaba llena de pintalabios. Le dije: “Nunca te había visto, pero eres Robert Smith, de The Cure”. Me respondió: “¡Sí!”. Le dije: “Ya que estás aquí, mejor hacemos algo”. Y cantó los coros». O’Brien bromeó diciendo que quizás no era Smith. «Después descubrimos que estaba allí para arreglar el aire acondicionado», añadió.
El álbum se grabó en Londres en tan solo cuatro semanas
Al igual que con Hackney Diamonds de 2023, los Stones y Andrew Watt grabaron el álbum en solo un mes. «Solíamos pasar meses y meses en el estudio sin salir nunca», dijo Jagger, «que es otra forma de hacerlo». Grabaron la mayor parte de Hackney Diamonds en Estados Unidos, pero este se grabó en Londres. Le dijeron a O’Brien que querían capturar «el ambiente londinense». «Lo llamamos el Chiswick frondoso», dijo Jagger, refiriéndose a un elegante barrio del oeste de Londres. «No estábamos en pleno centro del East End ni nada parecido».
El estudio era muy pequeño
“Ya habíamos trabajado en este estudio antes”, dijo Jagger, refiriéndose a los estudios Metropolis. “Antes era una antigua central eléctrica. Pero nunca habíamos grabado en esta sala. Es bastante pequeña. Tenía el tamaño justo, pero no era enorme. No hacía falta desviar la mirada para ver a todos. Se veía perfectamente lo que hacía cada uno. Se veía lo que pensaban. Esa sala nos vino de maravilla. El sonido era realmente bueno”.
Keith Richards no es un maestro del micrófono
Durante todo el evento de prensa, solo se pudo entender aproximadamente el 65% de lo que decía Richards. Esto se debía en parte a su acento, su risa constante y el terrible eco de un antiguo edificio bancario, que ahora alberga grandes eventos, pero sobre todo a que alejaba el micrófono de su boca mientras hablaba. En un momento dado, O’Brien se frustró tanto que le puso su propio micrófono delante de la boca a Richards. “La próxima vez te conseguiremos un micrófono mejor”, dijo O’Brien, “o podemos pegártelo a la cara con pegamento”.
Ni rastro de una gira
Desde Steel Wheels en 1989, un nuevo álbum de los Stones significaba una gran gira mundial por estadios. Pero cancelaron una gira europea prevista para 2025 y otra inicialmente programada para este verano. Han pasado casi dos años desde su último concierto, y no hay indicios de que vayan a hacerlo pronto. El tema de los conciertos no surgió durante el programa de O’Brien. Jagger, Richards y Ronnie Wood estarán en el programa de Fallon en noches diferentes esta semana para promocionar el álbum. No parece que vayan a tocar ni una sola canción en directo durante esta gira promocional.
Es posible que sus días de conciertos hayan quedado atrás y que ahora sean una banda de estudio. También es posible que tengan una serie de fechas próximamente que aún no han anunciado. Oye, Fallon, si estás leyendo esto, pregúntales al menos a uno de ellos sobre una gira. Muchos fans están deseando saber si la mejor banda en directo de la historia se ha retirado discretamente de los escenarios.
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