Desde su invención en el siglo XV, el tarot ha sido mucho más que un juego de naipes. La última reinvención de su particular baraja es obra de Guido Barna, director de arte e ilustrador digital, que rediseñó los 22 arcanos mayores con algunas de las figuras más emblemáticas del rock y la música popular argentina. “La idea surge medio de casualidad”, le confiesa a Rolling Stone. “Yo venía haciendo algunas cosas con el tarot, pero antes me dedicaba más que nada a la ilustración tipo cómic retro. Había estado trabajando en una serie de tarot en esa tesitura. Un cliente, con el que ya había hecho un par de cosas, me pidió un dibujo de Pity Álvarez y me comentó que le gustaba lo que yo venía haciendo con el tarot”.
Así se puso a buscar referencias y encontró una imagen bastante conocida en Pinterest de David Bowie como la estrella. “Ahí pensé: ‘Acá hay algo’. Me puse a investigar si había un tarot de Argentina y no encontré nada. Entonces decidí probar: le hice un boceto a lápiz y se lo mandé. Me dijo que estaba buenísimo, pero que no era lo que buscaba. Como a mí me gustó y le vi potencial, lo subí a mi cuenta de Instagram y le fue súper bien para lo que era mi perfil en ese entonces. Ahí me animé a seguir”.
El origen de esta historia está en Instagram, y sus repercusiones se miden en likes. “Hace un año, cuando subí la carta del Pity, me seguían dos mil personas. Al tiempo, cuando publiqué la de Ricardo Iorio, que para mí es la figura más importante del rock nacional, explotó. Se hizo viral, me estallaba el teléfono, pasé de dos mil a más de diez mil seguidores. Esa fue la señal de que tenía que seguir adelante”, explica el artista y melómano de 39 años, que en la adolescencia coqueteó con la idea de ser músico.
Entre los Arcanos Mayores que Guido adaptó para su baraja figuran Charly García (“El Loco”), Skay Beilinson (“La Templanza”), Vicentico (“La Fuerza”), La Renga (“La Muerte”), Pappo (“El Carro”), Luis Alberto Spinetta (“El Sumo Pontífice”), Gustavo Cerati (“El Sol”), Luca Prodan (“El Colgado”), María Gabriela Epumer (“La Emperatriz”) y Ricky Espinoza (“El Diablo”), entre otros.
Pero en esa iconografía se destaca una figura que formó parte del movimiento rockero de manera más bien tangencial: Mercedes Sosa es “La Sacerdotisa”. Dice Guido: “La sacerdotisa, en el tarot, representa a quien no pertenece del todo al mundo pero es quien mejor lo entiende. Un seguidor me hizo esa observación después de que yo ya había hecho a Mercedes Sosa. Si bien ella no es rock, en los libros es la más rockera de la historia: tocó con todos, y su estilo de vida era súper rockero y rebelde. Me parecía que estaba buenísimo hacerle un lugar en este conjunto”.
Sus obras están disponibles en su tienda en formato de stickers, láminas, serigrafías y remeras, y próximamente proyecta ofrecerlas también en buzos y otras prendas de indumentaria. También está disponible en los locales de Canillita de Barrancas de Belgrano y la Facultad de Derecho.
El vínculo de Guido con el tarot no nació a través de los naipes tradicionales, sino del videojuego The Binding of Isaac (2011). “Entre los ítems que podés agarrar hay cartitas de tarot y cada una te da un efecto vinculado a la carta; por ejemplo, agarrás los enamorados y te dan corazoncitos para curarte. Con el jueguito empezó el vínculo con las figuras y la iconografía, empecé a investigar más y a comprar libros. Cada tanto agarro las cartas y juego un poco; no se me da tan bien interpretarlas a nivel adivinatorio, pero sí sé interpretar los arquetipos y bajarlos a la personalidad de los músicos”.
Guido ya tenía diseñados los 22 arcanos mayores y se estaba embarcando en otros proyectos —como el de figuras del rock internacional— cuando se viralizó aquella emblemática foto del Indio Solari en el jardín de su casa en Parque Leloir. Un seguidor le sugirió que hiciera la carta de “El Ermitaño”. Explica Barna: “Me da cosa atribuirme la idea porque no siento que la haya craneado, ni tampoco había sacado yo la foto. Cuando subí la publicación le di el crédito a todas las personas correspondientes, porque de eso se trata también: de crear una comunidad copada donde la gente esté atenta y te pase buena data”.
El estilo de Guido es ecléctico, y buena parte de su obra anterior estaba relacionada con los cómics de los años 60 y 70, especialmente con el estilo de Marvel. “Dibujar de manera recreativa es algo que hago desde toda la vida, aunque hubo años en los que no le metí tanto. Soy director de arte publicitario; trabajé unos diez años en publicidad, me fui a México y al volver entendí que no me sentía cómodo con esa industria, así que empecé a trabajar freelance en diseño gráfico y, de a poquito, a explotar más lo artístico. Empecé a dibujar más constantemente y a practicar porque tenía la intención de ser tatuador. Practiqué bastante sobre piel sintética y alguna piel prestada, pero no me sentía totalmente cómodo con ese medio. No descarto volver en algún momento, pero el arte digital se apega mejor a mis habilidades”.
Hoy, Guido está sorprendido por el vuelo inesperado que tomaron sus obras: “Yo quería ser tatuador, pero lo pospuse, y de repente descubro que llegué a esa meta de manera indirecta. Hay un montón de gente que se tatúa mis obras, porque les representan tanto que deciden llevarlas en la piel para toda su existencia. Me parece el ápice de lo que uno busca como ilustrador: acompañar a la gente en el resto de su vida con una obra tuya”, celebra.
Su filosofía no es comercial: “Apunto a que mi obra pueda llegar a la mayor cantidad de gente posible a través de los productos que ofrezco. Si te gusta determinado arcano, te podés comprar una lámina por un par de pesos o una remera a un precio razonable. No quiero ser elitista con el merchandising, porque iría en contra de la filosofía del rock y de figuras como Rocambole. Trato de ser cuidadoso para no zarparme y mantenerme cerca de la realidad de la gente, que es la que lo pone a uno en el lugar donde está”.
The post Arcanos musicales: el ilustrador que convirtió el tarot en una biblia visual del rock argentino appeared first on Rolling Stone en Español.
Hace dos años, cientos de artistas del género urbano fueron demandados por presunta infracción de copyright. Entre los nombres mencionados en la demanda figuran grandes estrellas de la industria como J Balvin, Daddy Yankee y Bad Bunny, entre otros. Ahora, un juez federal falló a favor de Bad Bunny y desestimó gran parte de las acusaciones relacionadas con las producciones musicales incluidas en esta demanda masiva por derechos de autor.
El martes 1 de septiembre, el juez André Birotte Jr. determinó que el dúo de reggae Steely & Clevie, demandante en el caso, no logró demostrar que tuviera el control definitivo sobre los derechos de autor del ritmo conocido como “boom-ch-boom-chick”, una base rítmica fundamental del dembow que está presente en prácticamente todos los temas de reggaetón.
La demanda, presentada originalmente en 2021, llevó a varios artistas a defender su trabajo. Sus abogados argumentaron que los demandantes estarían “buscando monopolizar un estilo de música popular”, de acuerdo con un informe publicado previamente por Billboard. Por su parte, los demandantes sostuvieron que cerca de 2,000 canciones habrían utilizado presuntamente el ritmo en cuestión. El origen del caso se remonta al tema ‘Fish Market’, de Cleveland “Clevie” Browne y el fallecido Wycliffe “Steely” Johnson.
“Tras una revisión adicional de los registros, el tribunal concluye que los demandantes no han identificado claramente qué obra con derechos de autor contiene la selección y el arreglo supuestamente protegibles que buscan hacer valer”, escribió el juez.
Birotte encontró una falla clave en la demanda: el supuesto ritmo protegido por los derechos de autor de Steely & Clevie no aparece de manera íntegra en ninguna de las tres canciones que el dúo posee. “Debido a que los demandantes no han identificado una sola obra con derechos de autor que contenga la selección y el arreglo supuestamente protegibles, los demandantes no pueden, como cuestión de derecho, proceder sobre la teoría actualmente planteada”, escribió el juez en su resolución.
Este fallo a favor de Bad Bunny representa un paso importante, tanto para el artista como para los demás músicos involucrados en la demanda. Sin embargo, el caso aún no ha terminado: permanecen otras producciones que presuntamente habrían sampleado de manera directa composiciones de los artistas jamaiquinos, por lo que su situación podría ser objeto de nuevos litigios.
Kenneth D. Freundlich, abogado de Bad Bunny, celebró la decisión del juez André Birotte Jr. y destacó el alcance del fallo. “No se puede registrar un ritmo como derecho de autor reconstruyéndolo a partir de tres canciones diferentes una vez que ya estás en juicio”, afirmó Freundlich. “El derecho de autor protege lo que un artista realmente creó, no un collage ensamblado durante el litigio. Eso es lo que el tribunal rechazó hoy”.
The post Bad Bunny obtiene un fallo favorable tras un extenso litigio por derechos de autor appeared first on Rolling Stone en Español.
Cristian “Pity” Álvarez tuvo que ser asistido este miércoles durante una nueva audiencia del juicio que enfrenta por el homicidio de Cristian Maximiliano Díaz.
El músico se retiró momentáneamente de la sala para ir al baño y, al no regresar, se dio aviso para que recibiera atención médica.
Según trascendió, Álvarez se descompensó y manifestó que le faltaba “el aire”. Ante esta situación, se convocó al SAME, que llegó al lugar para asistirlo. A raíz del episodio, la audiencia quedó suspendida y el juicio se reanudará el próximo lunes.
El hecho ocurrió durante la quinta jornada del juicio, mientras estaba declarando la médica que hizo la autopsia de Díaz. Según las crónicas periodísticas, el músico había llegado horas antes al lugar encapuchado y, luego de saludar a la prensa, se quedó dormido. Tras la descompensación y su posterior atención médica en el lugar, fue trasladado al Hospital Fernández para realizarse estudios.
El proceso judicial contra Álvarez comenzó el 10 de agosto y tiene como eje la causa por el homicidio de Cristian Maximiliano Díaz, ocurrido en julio de 2018 en el complejo habitacional Samoré, en Villa Lugano.
El Tribunal Oral en lo Criminal y Correccional N° 29 había determinado previamente que el músico estaba en condiciones de afrontar el debate, luego de nuevas evaluaciones médicas.
El estado de Álvarez ya había sido motivo de discusión al comienzo del juicio. Durante la primera audiencia, su defensa había pedido suspender el proceso debido a su estado, luego de que el músico se quedara dormido por momentos en la sala. El tribunal rechazó entonces el planteo y resolvió continuar con el debate.
The post Pity Álvarez se descompensó durante el juicio y fue trasladado en ambulancia appeared first on Rolling Stone en Español.
En los últimos meses, llegaron a las librerías una interesantísima cantidad de publicaciones que exploran desde las memorias íntimas de Julieta Venegas hasta agudas inmersiones en escenas under, vanguardias sonoras y geografías creativas. Rolling Stone propone un vistazo a esta variada cosecha editorial, que demuestra la vitalidad de la no ficción musical contemporánea y su capacidad para expandir nuestra escucha más allá de los discos.
Norteña – Julieta Venegas
Blatt & Ríos
Lo primero que llama la atención en Norteña es esa voz familiar. Por supuesto, el lector que se interna en este libro sabe que la autora es Julieta Venegas, la cantautora. Pero, además de saberlo, puede percibirlo: la música mexicana escribe literatura con el tono que se le conoce como compositora e intérprete: sensible y sugerente, con una depurada sencillez para la profundidad.
Norteña no es una autobiografía exhaustiva. Venegas se enfoca en escenas de la infancia y la juventud que de algún modo trazaron su camino como artista. Son viñetas cotidianas y familiares, más que grandes acontecimientos; menos aventuras personales y más miradas silenciosas y a la distancia de una niña tímida y expectante.
Están el vínculo con el padre fotógrafo; Margarita, la querida profesora de piano; la primera banda con amigos, el trabajo en una disquería y el inicio de Tijuana No!, grupo al que dejaría antes de que se volviera bastante popular en México. Sin embargo, quizás lo más interesante pase por los pasajes enfocados en la locación misma de parte de estas historias: Tijuana, sus particularidades como ciudad de frontera, en las que Venegas reconoce una influencia determinante. Un lugar entre dos idiomas y dos culturas que se retroalimentan sin terminar de aceptarse. “Me fui muy chica de la frontera –escribe–, pero siento que la llevé conmigo. Sin darme cuenta siempre he cargado una línea invisible que me divide. Una cicatriz latente que no desaparece, no solo es una marca, sino un dolor”. Daniel Flores
Piedrabuena blues – Darío Pagano
Sudestada
De Viejas Locas en días de menemismo al sobreviviente de un país resignado poscrisis de 2001 sin más armas que la ironía y la experimentación de Intoxicados. Coincidiendo con el (in)esperado regreso a los escenarios de Pity Álvarez, el historiador y docente Darío Pagano recorre el surgimiento, la entronización y la caída de este rey sin corona del rock argentino (que, por cierto, firma el prólogo), como metáfora de un país. Piedrabuena blues no solo es la biografía de un artista que supo ser el abanderado de la cultura marginal, sino que se apoya en el contexto sociopolítico para desentrañar la relevancia de su poética y la complejidad de una vida siempre al límite.
Sebastián Ramos
Una familia y mi taza de té – Miss Innit
Independiente
La música pop tiene una apreciable capacidad de estimular a la audiencia a participar activamente de su universo cultural. El reflejo más habitual en el oyente es convertirse en músico. Pero a la argentina detrás del seudónimo Miss Innit el gusto por el trip-hop y una historia personal la impulsaron a un proceso creativo más original e intrincado: viajó reiteradamente a Bristol –la ciudad inglesa donde se gestó a mediados de los 90 este “género” del que, por cierto, después renegó un poco– y elaboró un proyecto editorial en torno a su comunidad musical. Una familia y mi taza de té se presenta como el primero de tres volúmenes y saluda desde el título a Cup of Tea Records, sello discográfico central, entre 1995 y 1999, para el desarrollo del “sonido Bristol”, una vibrante relectura del hip-hop, con foco en el beat y la composición en modo collage, más que en el rap.
Lejos de un relevamiento periodístico ortodoxo, el libro contiene dosis de diario de viaje, poesía, recuerdos familiares (curiosamente, fue el padre quien le regaló a Miss Innit sus primeros CD de Cup of Tea), ensayo y hasta arranques de asociación libre, más ilustraciones tipo sketch de Ale Leonelli (retratos y edificios bristolianos) y otra documentación gráfica. Es decir, un patchwork literario que no desentona con el tipo de producción basado en los samples y las citas que resultaría en el trip-hop.
Miss Innit contacta, visita y dialoga con protagonistas como Ben Dubuisson y Dave Cridge con el difuso objetivo de ensamblar un árbol familiar de la escena de Bristol. Los encuentros no se transcriben como entrevistas ni como perfiles, sino como impresiones personales con la densa levedad de un tema de Portishead. Sin embargo, Una familia…, con su particular estrategia de aproximación, no lineal y siempre forastera, logra plasmar el sentido comunitario de la música de Bristol al tiempo que ilumina gemas ocultas como Purple Penguin, Monk & Canatella y Statik Sound System. D.F.
Un sonido propio. Arte, tecnología y género en las experiencias sonoras de artistas argentinas (1960-1990) – Varios autores
Dobra Robota Editora
“la historia de las mujeres ha sido una historia de silencio”, dice Laurie Anderson en Sisters with Transistors (2020), documental de Lisa Rovner dedicado a las primeras norteamericanas y europeas que experimentaron con dispositivos electrónicos para crear nuevos sonidos. La cita es pertinente para presentar Un sonido propio. Arte, tecnología y género en las experiencias sonoras de artistas argentinas (1960-1990), bajo la coordinación y edición de Gabriela De Mola, Belén Alfaro y Alma Laprida.
Desde el título ya se puede desmontar un relato histórico para dar cuenta de algunos de los múltiples significados que arrastran los términos sonido, arte, tecnología y género. La relación entre las mujeres y la música tiene sus bemoles y no escapa a las generales de la ley: la negación, el ocultamiento y la poca información, como principio gnoseológico para justificar la ausencia de obras y voces de mujeres en la historia. Entonces, se celebra esta publicación que “da cuenta no solo de la necesidad de visibilizar y audibilizar trayectorias que por sabidas razones lo vuelven urgente, sino también de una clave vital, una energía proactiva alimentada a fuerza de perseverancia, exploración constante, asombro y deseo como vectores fundamentales para sobreponerse a las adversidades y limitaciones de época”, como apunta en el prólogo Victoria Polti.
El libro se compone de una investigación sobre trece mujeres argentinas que exploraron la electrónica, la electroacústica, las artes visuales y la poesía en un período poco documentado de nuestro país. Textos biográficos, algunos más académicos, otros más periodísticos, junto con entrevistas permiten asomarnos a compositoras que en general han tenido que trabajar desde los márgenes y cuya obra en muchos casos permanece inédita.
Así se reconstruyen trayectorias para alumbrar un rico y misterioso panorama de creaciones sonoras. “Yo vivía en un pequeño departamento en un doceavo piso. Así que hacía mis reverberaciones ahí. Sacaba el cable desde mi cuarto, chucu, chucu, chucu, hasta el corredor, ponía el grabador, me iba un poco más abajo y hacía pum, whoooooouuu, toda la reverberación de doce pisos”, cuenta sobre la producción de sus collages sonoros Beatriz Ferreyra.
El título del libro alude al ensayo Un cuarto propio (1929), de Virginia Woolf: “Basta entrar en un cuarto de una calle cualquiera para que toda esa compleja energía de la feminidad surja a nuestros ojos. ¿Cómo podía ser de otro modo? Porque las mujeres han estado sentadas ahí dentro, durante esos millones de años. Ahora las paredes están pletóricas de su fuerza creadora, que ha superado de tal modo la capacidad de los ladrillos y argamasa. Pero esta energía creadora difiere mucho del poder creador de los hombres. Y debemos admitir que fue ganada tras siglos de rigurosa disciplina, y nada existe que pueda reemplazarlo”. La autora de Orlando planteaba un futuro posible, la apropiación por parte de las mujeres de una subjetividad, un espacio y recursos para desarrollar una obra. En sintonía con la reflexión que realiza Cecilia Castro: “La música electrónica de María Teresa Luengo puede ser pensada como un lugar indefinido entre el mundo autobiográfico y la ficción. Aquí la electrónica es la materia que permite expandir lo vivido hacia el terreno de lo imaginado, el mundo del sonido acústico hacia el plano de los sonidos posibles. El mundo de las afecciones hacia el de las emociones”.
En 380 páginas y de manera cronológica se presentan también las figuras de Hilda Dianda, Nelly Moretto, Leda Valladares, Graciela Castillo, Alicia Terzian, Regina Benavente, Graciela Paraskevaídis, Elsa Justel, Margarita Paksa, Ana María Gatti y Elena Lucca. Todas artistas que conviven con los primeros laboratorios y estudios de experimentación sonora en un contexto político y sociocultural donde se suceden el Instituto Di Tella, el Mayo Francés, el Cordobazo y la dictadura militar.
Un libro imprescindible, puntapié para futuras investigaciones alrededor de las mujeres que se posicionaron en una vanguardia que vinculaba el arte, la tradición, la ciencia, lo ancestral, la tecnología, la experimentación y la transdiciplinareidad para armar un universo estético que rompiera con las barreras de lo estrictamente musical y así trazar puentes con la poesía, el videoarte, la pintura, las instalaciones, el paisaje sonoro y lo performático. Es decir, la búsqueda de una libertad estética con voz propia.
Esteban Bitesnik
Sodamanía. Soda Stereo y el fenómeno que cambió al rock latino – Allan Kelly Márquez
Gourmet Musical
(@casassaylorenzo)Allan Kelly Márquez nació en Montevideo en 1987, año clave para el despegue de Soda Stereo a nivel regional. Y ese fenómeno, que marcaría la historia del trío pero también de todo el pop-rock argentino de los 80 (con Miguel Mateos, G.I.T. o Enanitos Verdes, a la cabeza) es precisamente el eje del nuevo libro de Márquez, quien desde 2009 administra EnRemolinos, un portal consagrado a Soda y sus integrantes.
Sodamanía, la última incorporación a la ya surtida bibliografía sobre Cerati-Bosio-Alberti, analiza aquella explosión de alcance continental, espejada en aquella Beatlemanía, y repasa cada concierto a través de testimonios de los propios músicos y su staff, junto con productores, periodistas y otros involucrados y testigos de primera fila. Coleccionista e investigador minucioso (que colaboró con su archivo en libros anteriores sobre los músicos), Márquez consigue un relato coral para pintar un momento ya contado anteriormente, aunque quizás nunca con semejante grado de detalle.
Extraña clase de personas – Elio Martínez
arte sin aduanas
en algún lugar entre los libros de rock dedicados a retratar escenas y la colección 33 1/3, que se enfoca en analizar a fondo un disco en cada volumen, Extraña clase de personas hace un poco las dos cosas poniendo el foco en un objeto de estudio que nadie más hubiera imaginado alguna vez merecedor de un libro propio: el CD compilado Alimañas, que, en 1994, reflejó de manera póstuma el mayormente fugaz paso por este mundo de una serie de bandas porteñas cultoras del garage, el beat, el mod, el glam y la psicodelia.
Con algo de las clásicas e influyentes antologías garageras Nuggets, Alimañas incluía temas de Amor Indio, Los Minimals, Revólver, El Lado Salvaje, Los Telépatas, Malrecetado, La Celebración y Vudú, grupos muy disímiles que, si algo tenían en común, era una búsqueda bastante solitaria en el panorama del rock argentino entre fines de los 80 y principios de los 90. Se los podría definir por la negativa: no eran darks, no eran pop, no eran sónicos; y si hacían rock, claramente se trataba de un rock muy diferente al rock nacional “clásico”. Aunque, a la vez, circulaban por algunos de los espacios donde lo hacían por entonces otras subtribus del under, como el Parakultural, primero, y La Luna, después.
Lo curioso de este libro es que da cuenta de una escena… que nunca fue. Como el mismo autor, Elio Martínez (firma de La Cosa Salvaje, gran fanzine que también ameritaría el rescate de una buena antología), se apresura en aclarar: “Ninguno de los participantes de este libro admitiría la existencia de algo parecido a una escena o movimiento en 1988, llamado Beat, Noche Beat o como se lo quiera nombrar, y no les falta razón, pero lo vamos a llamar de esa manera, Noche Beat, para saber de qué estamos hablando”.
Hecha la aclaración, Extraña clase de personas reconstruye al detalle (y esto no es solo una forma de decir: las idas y vueltas de estas formaciones se cuentan de manera exhaustiva) la historia, con testimonios en primera persona, de los músicos del compilado.Son historias en las que no hay hits, tours triunfales ni premios de la industria, pero sí mucha música, mucha noche y aún más rasgos de lo que alguna vez fue la épica pobre y apasionada de escuchar y tocar rock en Buenos Aires. D.F.
The post La biografía de Pity Álvarez, las memorias de Julieta Venegas y otros destacados libros musicales appeared first on Rolling Stone en Español.
When Sombr returns to Australia and New Zealand next year, he’ll play the biggest arenas in both markets.
The U.S. pop phenom will visit five cities on the domestic leg of his You Are The Reason Tour, all of them locked away for April 2027.
Frontier Touring is producing the trek, which gets underway April 13 at Adelaide’s AEC Arena, followed by Melbourne’s Rod Laver Arena (April 15), Brisbane Entertainment Centre (April 19), Sydney’s Afterpay Arena (April 22) and coming to a halt April 27 at Auckland’s Spark Arena.
Sombr was last in these parts in December 2025 when he played a sold-out run of theaters and impressed at the 2025 edition of Spilt Milk festival.
Now aged 21, Sombr’s debut album I Barely Know Her opened at No. 6 on the ARIA Chart in August 2025, and almost immediately climbed into the top 5. Also last year, the New Yorker bagged three top 20 on Australia’s national singles chart: “Undressed” (which peaked at No. 2), “Back To Friends” (No. 3) and “12 To 12” (No. 6). His 2026 release “Homewrecker” went to No. 6.
Sombr has been hot stuff in his homeland, too. Last year, he confirmed his status has one to watch thanks to his breakout singles “Undressed” and “Back to Friends,” which launched him to the top of the Hot 100 Songwriters ranking for a month-long stretch. His debut album I Barely Know Her peaked at No. 10 on the Billboard 200 last September, and “Homewrecker” and 2026 release “Potential” both charted on the Billboard Hot 100.
Tickets for the ANZ tour go on sale from 12pm local time on Tuesday, Sept. 8. For tickets and tour information visit frontiertouring.com/sombr.
Sombr’s 2027 “You Are The Reason Tour” of Australia and New Zealand:
Tuesday, April 13 — AEC Arena, Adelaide, SA
ticketek.com.au
Thursday, April 15 — Rod Laver Arena, Melbourne, VIC
axs.com/au
Monday, April 19 — Brisbane Entertainment Centre, QLD
ticketek.com.au
Thursday April 22 — Afterpay Arena, Sydney, NSW
ticketek.com.au
Tuesday April 27 — Spark Arena, Auckland, NZ
ticketmaster.co.nz
Dolly Parton’s star on the Hollywood Walk of Fame will be replaced after it was targeted by vandals just a week after her death, aged 80.
Images and videos shared on social media show that Parton’s name on the plaque has been obscured by multiple dark scratches. The damage doesn’t appear to be random.
Ana Martinez, a spokesperson for the Hollywood Chamber of Commerce, tells TMZ that repairs were already scheduled due to previous cracks found in Parton’s award.
The Hollywood Historic Trust, which grants and maintains the stars on the Hollywood Walk of Fame, wrote on Instagram that it is “proud to honor the legacy of Dolly Parton with a replacement of her star.” The new landmark will be available for viewing this Friday.
The queen of country first received a star during a ceremony June 14, 1984, a dual presentation with actor Sylvester Stallone while they promoted their feature film Rhinestone. It is this award, which bears a record icon, which was damaged and has since been removed.
She received a second star in 2018 alongside Emmylou Harris and Linda Ronstadt for their work together in the informal supergroup, Trio.
Parton’s death on Aug. 25 was met with a global wave of tributes, from fans to fellow artists and even world leaders. The country music superstar’s catalogue experienced a 1,143% gain in official on-demand streams in the United States week over week following her Aug. 25 death, according to Luminate.
As fans remembered Parton by turning to her music, a swag of her classic songs returned to Billboard’s charts. Her classic “Jolene” returned to the Billboard Hot 100 at No. 16. That’s easily a new high for the single, which originally reached No. 60 in 1974.
Also crashing the Hot 100 is “9 to 5” (No. 16), Parton’s Kenny Rogers duet “Islands in the Stream” (No. 26) and “Here You Come Again,” while “I Will Always Love You” blasts to No. 1 on Digital Song Sales, and Ultimate Dolly Parton returns to the Billboard 200 at No. 5.
All products and services featured are independently chosen by editors. However, Billboard may receive a commission on orders placed through its retail links, and the retailer may receive certain auditable data for accounting purposes.
The Eagles are presumably finally ready to say farewell. After a global trek around the world for its Long Goodbye tour and an extended residency at the Las Vegas Sphere, the Rock and Roll Hall of Famers are saying goodbye (for now) to the iconic music venue in Nevada.
Demand to see the Eagles has surpassed that of the amount of dates, which has led the rock band to extend its Sphere stay several times throughout 2026 and 2027 — especially after the rave night-one review. The Eagles residency will now go until to January 2027, giving fans even more chances to see the rock band perform before their farewell tour.
With a long list of Las Vegas residencies to choose from, the Sphere offers a visual experience unlike any other stage, and offers a multi-sensory experience that promises to bring the Billboard Hot 100 chart-topping band’s music to life. Plus, last-minute tickets to the Eagles live at the Sphere are still available for previously announced dates.
Ticketmaster is the official ticketing platform to buy Eagles tickets online, but if the desired date or number of tickets you’re looking for isn’t available, there are additional cheap tickets sites including resale platforms you can check out.
How to Get Cheap Tickets to the Eagles’ Sphere Residency Online
Below, ShopBillboard put together a list of affordable Eagles Sphere ticket options, including exclusive discount codes that can save you up to $500.
You can find Eagles Sphere tickets on StubHub from $404 and take advantage of the site’s filters to find the best tickets available. Choose from the number of tickets needed, price and even have estimated fees included in the cost, so there are no hidden surprises. Plus, each purchase is protected by StubHub’s FanProtect, which you can learn more about here.
Vivid Seats has Eagles Sphere tickets and can help you determine the best offers available by labeling what dates have deals. You can even save $20 off orders of $200+ when you use the code BB2024 at checkout. When sifting through tickets, you can sort by the price as well as if the offer is from a site SuperSeller (sellers who are highly-rated and experienced) as well as the seat(s) are in the front of your desired section.
Your purchase will also be covered by the Vivid Seats Buyer Guarantee, which can you read more about here.
Seat Geek is another affordable option to find cheap Eagles Sphere tickets with options. The resale ticketing site uses a ranking system with a scale of 1-10 to show which options are the best deal. Tickets marked a one are considered the worst deal whereas options rated a 10 are considered the best deals. Bonus offer: First purchases are eligible to receive $10 off orders of $250+ when you use the code BILLBOARD10 at checkout.
Gametime promises to be the go-to destination for the cheapest last-minute tickets to the Eagles Sphere residency and more live events. Right now, you can score an extra $20 off purchases of $150+ when you enter the code SAVE20 at checkout. Found cheaper options on another site? The Gametime Price Guarantee will give you 110% of the difference back when you show proof to the resale site.
You can find cheap Eagles Sphere tickets on TicketNetwork. You can also get $150 off purchases of $500+ when you use the code BILLBOARD150 at checkout or $300 off orders of $1,000+ when you use the promo code BILLBOARD300. To help find the best options, the site provides an interactive map that lets you see how many tickets are left in each section in addition to being able to pick exactly where you want to sit and sort options based on price per ticket.
The Full Eagles’ Sphere 2026-27 Residency Dates (Updating)
Check below to see the remaining Eagles Sphere dates for 2026 and 2027.
Lai Noelle isn’t old enough to drive, drink or vote. But she is old enough, and good enough, to win NBC’s America’s Got Talent.
The 14-year-old native of Dallas, Texas made it count during the Season 21 Live Quarterfinal of AGT, for a performance that aired on Tuesday night (Sept. 1). The glare of the big lights and the stress of the moment didn’t undermine Noelle, who absolutely smashed a reimagined cover of Elton John’s “Your Song.”
Noelle brought her own flair and power to the number, which was received by a standing ovation from the room. Those on their feet included judges Howie Mandel, Mel B and guest Kenan Thompson, stepping in for Simon Cowell. It was Cowell who, earlier in the season, gave Noelle the Golden Buzzer when she auditioned with Sienna Spiro’s “Die On This Hill.”
“Oh my gosh,” Mel B remarked after the latest performance. “You have so much more to learn and experience, but where you’re starting from is pure perfection. Let me tell you that right now. That was incredible.”
Vergara agreed. “I mean, you sound like you’re a huge artist already. I am a little bit upset because, you know that I was going to give you the Golden Buzzer and Simon just took it, took you away from me. But you know what, you deserve to hear. What a wonderful voice and what a wonderful song.”
Mandel remarked that Noelle was “so beyond your years.” And her talking voice was “nothing like your singing voice.” Cowell knows his stuff, Mandel reminded everyone in the place. Noelle is “a golden buzzer winner.”
Kenan didn’t waste any time. “I hope y’all ready for some more confetti,” the funnyman and actor warned. And with that, he instructed Vergara to activate the Golden Buzzer — on his behalf. And with it, streams of gold, spins, twirls and smiles. As the confetti rained down, Thompson explained that Noelle was “dynamically gifted” and an artist who brought that incredibly rare “wow factor.”
Eleven acts took the stage, and now America votes. Only, with the Golden Buzzer, Noelle can skip the drama and progress to the Finals.
Watch her performance below.
George Michael has left us, but the British pop star and his music will never be forgotten.
A newly restored concert film which captures Michael as the peak of his considerable powers in the late 1980s promises to remind fans of the late WHAM singer, and introduce newcomers to his talents.
George Michael: The Faith Tour, a previously unseen film documenting the singer’s landmark 1988 tour, is due out in cinemas from Nov. 6, through a partnership with George Michael Entertainment, Mercury Studios and Sony Music Entertainment. That film now has an official trailer and a poster, both of which can be seen in full below.
In the new, 100-second clip, Michael performs snippets of his WHAM-era release “Careless Whisper,” and solo cuts “Father Figure” and “Faith.”
“I guess what ‘Faith’ meant to me was,” he remarks in the clip, “life to me was still going to deliver.”
Announced in March, the film was shot during the 1988 European leg of Michael’s Faith Tour at Paris’ Palais Omnisports de Paris-Bercy, and studies the artist at the crossroads of his career, just two years after WHAM! officially split and filmed soon after release of his solo debut LP Faith.
Longtime collaborators Andy Morahan and David Austin direct, using footage, restored and remastered from a 14-camera shoot on 35mm film across two nights. According to producers, an original short film by Mary McCartney opens the feature, using newly discovered audio and imagery from 1986–1988, the timeframe during which he wrote and performed Faith.
As previously reported, an accompanying live album titled The Faith Tour will be released globally through Sony Music. The 18-track set will feature previously unreleased performances recorded during the world tour and include material spanning Michael’s solo catalogue as well as songs from his earlier work with Wham!.
Michael’s 1987 album Faith is one of the defining pop music releases of its era, earning the Grammy Award for album of the year and yielding four No. 1 hits on the Billboard Hot 100: “Faith,” “Father Figure,” “One More Try” and “Monkey.” Michael remains the only British male solo artist to land four Hot 100 chart-toppers from a single album.
The pop superstar died on Christmas Day 2016, at the age of 53, and was posthumously inducted into the Rock And Roll Hall of Fame in 2023.
In the same year as his Rock Hall nod, Netflix released the original documentary WHAM!. The story of those groundbreaking concerts in China was retold in the 1986 film Wham! in China: Foreign Skies. A separate documentary, WHAM! 10 Days In China, arrived in July, and premiered last month on BBC Two and BBC iPlayer.
Universal Pictures Content Group and Bleecker Street’s event cinema division Crosswalk recently announced the acquisition of international and North American rights to George Michael: The Faith Tour.
Watch the official trailer below.
Tupac Shakur’s family is speaking out after Duane “Keffe D” Davis was found guilty in connection with the rapper’s 1996 murder.
A Las Vegas jury convicted Davis of first-degree murder on Monday, marking the first conviction in the nearly 30-year-old case surrounding Shakur’s killing. Prosecutors alleged that Davis orchestrated the drive-by shooting as retaliation following an altercation involving his nephew and members of Shakur’s entourage earlier that night. Davis now faces the possibility of life in prison.
Related
Tupac Murder Trial Ends as DA Says Accused Killer Admitted It: ‘Tell Him You Hear Him. Find Him Guilty.’
2Pac’s Sister Says Her Family ‘Never Had Any Expectations’ Justice Would Be Served for Rapper’s Murder
Following the verdict, Shakur’s family shared a statement expressing gratitude and relief over the outcome. The message paid particular tribute to Shakur’s late mother, Afeni Shakur, recognizing her decadeslong devotion to her son and his legacy.
“The family of Tupac Amaru Shakur is elated and relieved by today’s verdict,” the family said, thanking jurors for their attention to the evidence presented during the trial.
The statement also acknowledged the relatives, friends and fans who have supported Shakur’s family over the years, as well as the marshals and advocates who assisted and protected family members throughout the court proceedings.
While Monday’s verdict brought a major development in one of music’s most closely followed unsolved murder cases, the family emphasized that Shakur’s story and influence extend far beyond the trial.
“While this verdict is decades in the making, this is not the end of the story,” the statement continued. “Tupac’s legacy and impact on the world lives on and we will continue to do everything we can to keep his spirit alive.”
Shakur’s sister, Sekyiwa “Set” Shakur, was among the family members in the courtroom when the verdict was announced. She became emotional following the decision and later embraced members of the prosecution team.
The conviction comes three decades after Shakur was shot in a drive-by attack in Las Vegas on Sept. 7, 1996. He was 25 years old when he died from his injuries days later. Davis, 63, was the only person criminally charged in connection with the killing.
The family’s statement comes from Shakur’s relatives and not from his estate, which is separate from his family.
Shakur’s influence has endured on the Billboard charts, earning three No. 1 albums on the Billboard 200 during his lifetime. Those albums include Me Against the World and All Eyez on Me, while several posthumous releases also topped the chart.