Hemos recorrido un largo camino desde que Liam Gallagher negó rotundamente los planes de realizar un documental sobre la tan esperada reunión de Oasis. En 2024, el músico escribió en X: “Ya se ha dicho suficiente sobre esta banda, es hora de empezar con el Rocking and Rolling y no con el parloteo y las peleas”. Resulta que hubo tiempo para todo: el documental de Oasis de Steven Knight, actualmente sin título, se estrenará oficialmente en algunos cines el 11 de septiembre.
“Sinceramente, no puedo esperar a que el mundo vea esta película”, dijo Knight en un comunicado. “Creo que captura el espíritu y la emoción de un momento cultural global y hace justicia al ingenio y la genialidad de dos personas excepcionales. Quería contar la historia de los hermanos y de la banda, pero con la misma importancia, la historia de los fans cuyas vidas han sido tocadas y, a veces, cambiadas para siempre por la música. Es también la historia de cómo la música y la composición pueden unir generaciones, culturas y países y, en una época de rencor y división, darnos a todos una razón para tener esperanza”.
El documental, producido por Knight y dirigido por Dylan Southern con Will Lovelace, incluirá entrevistas tanto con Liam como con Noel Gallagher, lo que marca su primera vez juntos en más de dos décadas. Su gira de reunión, Oasis Live ’25, servirá como eje central de la película. La serie abarcó 41 actuaciones, las primeras juntos desde 2009, entre julio y noviembre de 2025.
“Son simplemente una cita tras otra, son muy divertidos”, dijo Knight anteriormente sobre entrevistar a los hermanos Gallagher para el documental. Durante una entrevista en Project Big Screen, el productor describió la película como “fenomenal” y adelantó que ya existe una versión del estreno que alcanza una ambiciosa duración de cuatro horas.
Después de que la versión final llegue a los cines, el documental de Oasis se transmitirá en Disney+ y Hulu.
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Los Rolling Stones regresan al negro, pero no al azul. El nuevo álbum de la banda, Foreign Tongues, incluye una versión de «You Know I’m No Good» de Amy Winehouse, el tema irreverente de su clásico álbum de 2006, Back to Black.
Jimmy Fallon fue quien dio la noticia durante la aparición de Ronnie Wood en The Tonight Show. «Hacen una versión de Amy Winehouse, que no sé si alguien conoce», dijo el presentador mientras leía la lista de canciones. Acto seguido, ambos interpretaron una magnífica versión a capella de la canción, aplaudiendo y bailando al ritmo del jazz.
“Es un álbum fenomenal”, dijo Fallon sobre Foreign Tongues. Al principio de la conversación, el presentador reveló que él y Wood se encontraron recientemente durante unas vacaciones. En ese encuentro casual, el guitarrista le puso a Fallon el nuevo álbum de los Stones. “También hay muchas estrellas invitadas muy interesantes”, añadió Fallon, mencionando a Paul McCartney y Steve Winwood como artistas destacados.
A principios de esta semana, los Rolling Stones anunciaron su 25.º álbum de estudio y compartieron el nuevo sencillo “In the Stars”. El LP sucede al aclamado Hackney Diamonds de 2023. Ese álbum alcanzó el número tres en Estados Unidos y le valió a la banda un Grammy al Mejor Álbum de Rock. El grupo, cuya formación actual incluye a Mick Jagger y Keith Richards junto a Wood, presentó el proyecto con una sesión de preguntas y respuestas en Nueva York, dirigida por Conan O’Brien.
En el evento, los Rolling Stones revelaron otra aparición especial, aún más sorprendente, en Foreign Tongues: Robert Smith. El líder de The Cure estaba en el mismo estudio de Londres que los legendarios rockeros cuando Jagger se lo encontró. «Le dije: “Nunca te había visto, pero eres Robert Smith de The Cure”. Él respondió: “¡Sí!”. Le dije: “Ya que estás aquí, deberíamos hacer algo”. Y cantó un coro».
Richards también compartió cómo surgió la colaboración con McCartney. Según el guitarrista, McCartney también estuvo en el mismo estudio que los Stones, pero durante las sesiones de su último álbum. “Quería venir a tocar con la banda”, dijo Richards. “Quería cumplir ese sueño”.
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Una duración no muy extensa (cinco años y cuatro álbumes de estudio en su primera versión) le alcanzó a Serú Girán para dejar una huella profunda en el rock argentino. Desde entonces, como lo demostraron la reunión de 1992 y todas las posteriores, pasando por la existencia de numerosas bandas tributo, reediciones discográficas y la nueva propuesta a cargo de Pedro Aznar y David Lebón, nunca hay suficiente Serú Girán. Un repaso por su discografía, en vivo y en estudio, arroja pistas sobre el origen de la leyenda.
Serú Girán (1978)
A pesar de ser inicialmente maltratado por la crítica y rechazado por el público, el homónimo álbum debut de Serú Girán ha envejecido extraordinariamente bien, siendo revalorizado como una obra maestra. Introspectivo, críptico, ambicioso, oscuro por momentos, este disco, producido por Billy Bond y grabado en los Estudios El Dorado de San Pablo, establece un nexo con la última etapa de Sui Generis (“Nena”, transformado aquí en “Eiti-Leda”, una de las grandes letras de García; “Separata”), entrega los primeros frutos de la colaboración autoral entre Charly y David (“El mendigo en el andén”, “Voy a mil”), retrata el exilio e incorpora la experiencia brasileña (“Autos, jets, aviones, barcos”) y produce una balada rock que se convierte en clásico del rock argentino (“Seminare”). La orquesta grabada en Los Ángeles, con arreglos de Daniel Goldberg, envuelve majestuosamente las pretensiones sinfónicas de “Serú Girán” y “Eiti Leda”.
La grasa de las capitales (1979)
Charly acusa el golpe con la realidad argentina, y el resultado es una bomba en todo sentido. En el segundo álbum de Serú, García recupera su condición de afilado cronista de la realidad sociopolítica, la banda posee un ajuste y musicalidad explosivos, la dupla compositiva Lebón-García alcanza su punto de cocción ideal, las armonías vocales son tan refinadas como exquisitas, y las canciones, inspiradas e inolvidables. Para reflejar el clima de represión, paranoia, y frivolidad de la época, la banda se vale de una variedad deslumbrante, que incluye una especie de sinfonía de rock latino en “La grasa de las capitales”, el folk en la elaborada parábola de “San Francisco y el lobo”, la declaración de identidad de Charly en uno de sus momentos más tangueros (“Los sobrevivientes”), y la desesperanza elevada a un nivel de dramatismo cinematográfico en “Viernes, 3 AM”, que fuera prohibida por la dictadura. Además, se burla de la prensa sistémica en la tapa (una sátira de la revista Gente), donde aprovecha para responderles a las revistas de rock que lo habían criticado.
Bicicleta (1980)
Serú termina su contrato con Music-Hall y establece su propio sello independiente, SG Discos, junto a su manager Daniel Grinbank. El grupo ya no necesita reaccionar contra nada, ha establecido su propia personalidad, y produce el álbum que los iba a instalar definitivamente en la masividad. Bicicleta inicialmente iba a ser un álbum doble, pero quedó reducido a un solo disco, con lo mejor de lo mejor. Especialmente “Canción de Alicia en el país”, que utiliza la imaginería de Lewis Carroll para pintar un elaborado retrato del país bajo la dictadura. Pero también la introspectiva y melancólica “Desarma y sangra”, con su piano neoclásico, la minisuite “A los jóvenes de ayer”, donde asoma la influencia piazzolliana, y “Mientras miro las nuevas olas”, con un Charly que critica la new wave pero acusa su influencia musical.
Por su parte, Lebón contraataca con el mayor de sus himnos dentro de Serú, “Cuánto tiempo más llevará”, entrega toda su sensibilidad en “Nayla”, que incluye un solo jazzero de piano Rhodes del invitado Diego Rapoport, y rockea al compás de una sección de vientos en “Encuentro con el diablo”, un efectivo afano a Lynyrd Skynyrd.
Peperina (1981)
Serú acepta la llegada de los 80 en su cuarto álbum de estudio, regresando a un esquema más tradicional de canción y desterrando los rastros de sinfonismo. También deja de lado mayormente las referencias a la realidad para centrarse en temáticas más personales y de búsqueda espiritual. La única que tiene un sesgo satírico-social es “José Mercado”, que había quedado de los tiempos de Bicicleta. La colaboración de los dos principales compositores sigue proporcionando grandes canciones, como “En la vereda del sol”, con su aire tropical, y la mística “Esperando nacer” (ambas con un aire esperanzado, que es un signo de los tiempos). Charly aporta gloriosas melodías en “Llorando en el espejo”, “Cinema Verité”, “Salir de la melancolía”, y descarga su ira contra una periodista que había destrozado la banda en la potente “Peperina”. David entrega un nuevo himno con “Parado en el medio de la vida”, y hay tres instrumentales reveladores de sus respectivas influencias: Jimmy Page, en “Cara de velocidad”, de Lebón; Erik Satie en “20 trajes verdes”, de Charly, y los impresionistas (Ravel, Debussy) en “Lo que dice la lluvia”, de Aznar.
En vivo – No llores por mí, Argentina (1982)
Hubo que esperar a su separación para tener un testimonio grabado de algo que era vox populi: Serú Girán en vivo poseía una fuerza e intensidad que no conseguía trasladar a sus producciones de estudio (no hay más que comparar las respectivas versiones de “Encuentro con el diablo”, por ejemplo). Si bien contiene numerosos retoques y sobregrabaciones posteriores, En vivo, grabado en Obras el 6 de marzo de 1982 (en lo que estaba pensado inicialmente como la despedida de Pedro Aznar, y terminó siendo el adiós de la banda), contiene buena parte de los hits de sus cuatro discos anteriores, junto a dos inéditas. “No llores por mí, Argentina”, donde Charly utiliza el título del tema principal de la ópera Evita (prohibida por la dictadura) para construir una canción totalmente distinta, quizás el último de sus ácidos comentarios sociales sobre la época del proceso. El rock’n’roll “Popotitos” (“Bony Moronie”) es Serú versionando a Palito Ortega versionando a los Teen Tops versionando a Larry Williams.
Serú 92 (1992)
Aunque la relación entre ellos estaba bastante tensa, y la crítica tampoco fue demasiado amable, el único álbum de estudio que produjo la reunión de Serú, después de diez años, también ha sido revalorizado con el tiempo, y sus integrantes reversionaron buena parte de los temas en sus posteriores carreras solistas. Si bien es probablemente el menos rockero de sus discos, los hits abundan. Se nota una mayor participación de Pedro Aznar en todos los aspectos (de los once temas, compone tres en solitario y otros cuatro en colaboración). Además, produce su primer clásico dentro del grupo con “A cada hombre, a cada mujer”, al que podemos agregar la beatlera “Si me das tu amor”. David entrega dos temas utopistas cien por ciento “lebonianos” como el hit “Mundo agradable” y “Nos veremos otra vez”, y rockea (si bien discretamente) en “Ese tren”. Y Charly, a punto de ingresar en su etapa Say No More, no puede evitar dar testimonio de su propia metamorfosis en “No puedo dejar” y la magnífica “Transformación”.
En Vivo I & II (1992)
La reunión de Serú de 1992 estuvo plagada de inconvenientes, muchos causados por ellos mismos, especialmente García, ya en una etapa de autosabotaje que profundizaría en años posteriores. Sin embargo, En vivo I y II, un álbum doble editado como dos volúmenes separados, grabado el 19 y el 30 de diciembre de 1992 en River (fue el primer grupo de rock argentino en llegar a ese estadio), muestra que la combinación entre los cuatro seguía siendo imponente. Hay excelentes versiones de “Cinema Verité”, “El mendigo en el andén” y una emotiva “Eiti Leda” cantada por Charly. Pero además contiene numerosas perlas de interés para fans, con temas de las respectivas carreras de sus integrantes interpretadas por Serú, como “Mientes”, de Tango 4, “Dos edificios dorados”, del primer álbum de David, y especialmente el set acústico, donde combinan temas de Serú, de Sui Generis (“Alto en la torre”), de Aznar (“Fotos de Tokio”) y Lebón solistas (“El tiempo es veloz”, “Casas de arañas”) para culminar con una gran “San Francisco y el lobo”.
Yo no quiero volverme tan loco (2000)
El mejor y más auténtico testimonio de Serú Girán en vivo proviene de un casete que consiguió Moro en Parque Rivadavia, con el audio mejorado posteriormente por Pedro Aznar. Es una grabación de consola del segundo de tres conciertos que ofreció la banda en el Teatro Coliseo, el 26 de diciembre de 1981, sin retoques de estudio. Sin conciencia de la separación (que ocurriría meses después) y sin la obligación de presentar un álbum, la banda funciona en la cúspide de sus poderes, con una fantástica selección de canciones y un tremendo ensamble musical. Presentan varios temas pensados para lo que iba a ser su quinto álbum de estudio, y después serían incluidos en sus respectivos discos solistas, como “Yo no quiero volverme tan loco”, “Inconsciente colectivo” (Charly), “Oh Dios… ¿qué puedo hacer?” (David) y “Espejismo en la nieve” (Pedro). Está claro por qué los cuatro integrantes decidieron que se editara esta grabación.
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Parece mentira que hayan pasado ya dos décadas desde el primer ensayo abierto/concierto de La Bomba de Tiempo. Y a pesar de que 20 años es un montón, cuesta pensar en la vida musical de Buenos Aires sin ese extraño artefacto cultural que craneó Santiago Vazquez y que revolucionó la agenda y puso a los lunes en el centro de una salida que se pronto se convirtió en un clásico elegido por el público local, pero también por aquellos turistas y viajeros de paso por la Reina del Plata.
El festejo será el sábado 9 de mayo, desde la medianoche (entradas acá), en la Ciudad Cultural Konex, la casa de La Bomba, en una celebración que promete música en vivo, artistas invitados, DJ’s y muchas sorpresas para festejar dos décadas de ritmo compartido.
Desde 2006, La Bomba de Tiempo construyó una historia singular dentro de la música vernácula. Lo que en la enunciación parece algo complejo y casi críptico (un grupo de percusión que improvisa en tiempo real mediante un sistema de señas), se transforma en una fiesta, un ritual, una catarsis colectiva.
No importan los géneros ni las etiquetas: el La Bomba conviven los ritmos afros con el folclore latinoamericano, el funk con los electrónicos, con la improvisación como eje.
En estos 20 años, La Bomba realizó giras por el país y también internacionales —incluidas cinco por Europa, América Latina y Asia— y llevó su propuesta a festivales, teatros y espacios culturales de distintas ciudades, donde la percusión improvisada encontró públicos muy diversos. Más de siete millones de espectadores presenciaron al menos uno de los 1700 shows en vivo, que ofrecieron en ochenta ciudades de trece países.
Pero lo que asombra es la vigencia del proyecto, que sigue convocando a miles por semana. En Buenos Aires, los Lunes Bomba se convirtieron en un ritual semanal ineludible. Hay habitués y están los que llegan por primera vez.
La Fiesta Bomba del 9 de mayo, anuncián, será el comienzo de un año especial: durante 2026, La Bomba celebrará sus 20 años con nuevos proyectos, shows diversos y novedades que se irán anunciando a lo largo de la temporada, por ejemplo una Gira Nacional (ya están a la venta las entradas para Córdoba, Rosario y Santa Fe) y una nueva Gira Europea (sexta vez en el viejo continente) durante octubre.
El grupo está integrado por María Bergamaschi (tumbadora y chekeré), Nacho Alvarez (tambor repique y tumbadora), Mariano Tiki Cantero (tambor chico), Lucas Helguero (quinto, accesorios y dirección), Juampi Francisconi (tambor piano, chekeré, dum dum y dirección), Mario Gusso (conga y campana), Andy Inchausti (surdo, djembé y dirección), Alejandro Oliva (surdo, conga y dirección), Richard Nant (surdo, trompeta y dirección), Gabriel Spiller (campanas, tronco y dirección), Pablo Palleiro (tumbadora y tambor repique), Luciano Larocca (guira y djembé), Diego Sánchez (djembé, quinto y dirección) y Carto Brandán (semillas y surdo).
A lo largo de estos años, el grupo compartió escenario con más de 1300 artistas, entre ellos figuras como Coldplay, Calle 13, Julieta Venegas, Natalia Lafourcade, Los Fabulosos Cadillacs, Los Auténticos Decadentes, Duki y WOS, y llevó su propuesta a escenarios de 13 países en 3 continentes. Aquí, 20 testimonios recogidos originalmente en el libro La Bomba de Tiempo, Ritual y Ritmo:
Rubén Albarrán (Café Tacvba)
“La Bomba es una experiencia tribal, donde se borran las fronteras y las individualidades. Esa sensación de ir todos conectados a un mismo ritmo y acompasando el corazón es poderosa, energética y muy emocionante”.
Fernando Ruiz Díaz (Catupecu Machu)
“Sentir esa cosa primitiva que tienen los tambores mezclada con la energía de Catupecu fue alucinante. Mi manera de tocar la guitarra es muy percusiva, entonces tiene algo que proviene de lo tribal. El mantra, el ritual, está muy presente en Catupecu. Creo que por eso fluyó mucho. Fue un encuentro muy orgánico, alucinante. En algún momento me gustaría que salgamos de gira juntos”.
Baltasar Comotto (Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado)
“Me impactó la interacción tribal con la gente. Era un mantra percusivo en constante evolución, una especie de rave rítmica. Tuve que interactuar con todo el grupo tratando de ser una extensión de lo que estaba presenciando. Me sentí muy satisfecho por haber conocido grandes músicos en un contexto distinto”.
Lula Bertoldi (Eruca Sativa)
“Desde que nos invitaron, nos emocionamos con la situación. Nos encanta lo que hace La Bomba y nos pareció un gran desafío acoplarnos para versionar nuestras canciones. Elegimos «Magoo» y «Amor ausente», dos temas muy rítmicos: uno es mas bien funkero y el otro es una vidala muy bella que tiene un gran espíritu. La energía de La Bomba y la sorpresa de tocar sin haber ensayado antes fue increíblemente emocionante. Nos fuimos llenos de energía, ¡y con ganas de hacer muchas más cosas juntos!”.
Jorge Drexler
“La Bomba de Tiempo es de las cosas que más me gustan de Argentina. El espíritu creativo y racional, puesto al servicio de la emoción. Un orden cartesiano para sostener un sistema físico y profundamente animal de la persona, como es la percusión”.
Emma Horvilleur
“Tranquilamente se puede hacer hip-hop sobre los tambores de La Bomba. Cada vez que hicimos ese medley tuvo mucho sentido y la gente se prendió con todo. Definitivamente, IKV pega muy bien con ese corazón rítmico”.
Hugo Fattoruso
“El trabajo de La Bomba es sencillamente avasallante. Los admiro y me encantan con todos los poros de mí. Son grandes músicos, con disciplina y buenas ideas. Tocar candombe con ellos fue una experiencia excepcional”.
Kevin Johansen
“Cada vez que participé para mi fue formar parte de esa sensación del ritual, el baile, de libertad que te da la percusión, los colores, los juegos rítmicos, porque también tienen una cosa muy lúdica, que invita a romper con los moldes de los ritmos establecidos. A su vez es lindo ver al público gozando con La Bomba de Tiempo. Fue un placer conocerlos y aprender con ellos”.
Yamandú Cardozo (Agarrate Catalina)
“Lo que más me impactó fue el espacio de fiesta, abierto al público de todo color, de todo pelo, de todo tamaño, de toda trinchera, me pareció aluciante ver a la gente tomando por asalto el concierto y bailando todo el tiempo, incluso cuando cantamos nosotros. Eso quiere decir que el ensamble y la fusión de lo que cantó la murga con los tambores de La Bomba estuvo genial”.
Lisandro Aristimuño
“Es una experiencia placentera, vertiginosa y de mucha libertad. La Bomba te deja volar porque en esos minutos sus músicos son los dueños de la tierra. Me refiero a que la percusión es tierra, y ellos la pisan y la siembran de ritmo. Sentí que mi voz y mis canciones volaban sobre esa montaña de ritmo y es algo muy maravilloso, porque te dejan planear, cuidan y disfrutan tu vuelo desde abajo”.
Sergio Rotman (Los Fabulosos Cadillacs)
“Para un músico, la forma más contundente de decir que algo te gusta es invitar a tocar al otro. El guiño más fuerte que damos es «¡vení a tocar conmigo!». Y con La Bomba pegamos onda”.
Chango Spasiuk
“Ver a La Bomba es un momento en el que uno se puede sentir a salvo, como si fuese un estado del corazón y una pequeña metáfora de algo que no se puede explicar: simplemente hay que estar ahí, bailar, tocar, formar parte de ese momento un rato y pasar por esa experiencia que, para mí, siempre ha sido muy constructiva”.
Barbarita Palacios
“Canté varias veces con La Bomba, pero recuerdo especialmente un festejo del día de la Pachamama, junto a los compadres de Tonolec. Fue una noche cargada de magia: celebrar ese día con tambores es una de las experiencias mas religiosas que he vivido y el sonido de mi viola eléctrica rasgueando una chacarera junto a ellos y su ejército de bailarines del público tomados por el repiqueteo en sus corazones y pies. La gente esta necesitada de rituales, y La Bomba es la primera tribu de esta nueva era”.
Pablo Dacal
“La experiencia con La Bomba fue amable y compañera, recuerdo que fue en un dia lluvioso y la fiesta se armó en la sala techada del Konex. Recuerdo haber cantado «El corazón es el lugar» y un poema de Cadícamo al que musicalicé y nunca grabé: «Abierto toda la noche», en clave de candombe transfigurado. sostuve la canción en su estructura y ritmo mientras ellos bailaban, callaban, enloquecían, acentuaban, descansaban o estallaban, interviniendo la emoción del canto y los tropezones del rasgueo, haciendo de la melodía íntima un grito lejano y del ritmo andante una danza tribal, celebrada hasta el derrame por los cuerpos sudados en el verano eterno y sin tiempo”.
La Marisoul (La Santa Cecilia)
“Estar rodeada por tantos tambores es tan imponente como tomar un café bien cargado. Es pura energía, es sentir 16 veces el ritmo de tu corazón tocar diferentes ritmos.”
Marcos Orellana (Onda Vaga)
“Cuando escuchás a La Bomba te perdés en el éter de la música: te avasallan con sus tambores y desaparecen los conceptos que nunca llegan a demasiado. Tener atrás a esa banda acompañándote y llevando adelante el ritmo de tu canción es un regalo de Dios”.
Edson Velandia
“La Bomba una experiencia comunitaria, donde la gente puede ir cada semana a vivir una fiesta de imaginación y espontaneidad. Queda uno con ganas de volver, de meterse otra vez en medio de esa tribu de tamboreros y disfrutar nuevamente ese instante en el que la creatividad puede estallar ante una multitud que es cómplice”.
Marcelo Ezquiaga
“Cantamos una canción que se llama «El gaucho vive y muere en su ley», que comenzó con una intensa batucada, pero luego fue mutando hacia una cosa súper potente, muy libre. La experiencia fue intensa, la onda es total y la gente se copó muchísimo. Compartir escenario con La Bomba es una experiencia muy primal. La pase genial”.
Mariana Carrizo
“Tocar con La Bomba es siempre una experiencia de alto vuelto. Un vuelo desconocido y hermoso. Un rito que se vuelve impredecible y que cuando se encauza pasa a ser como un trance espiritual. La copla también tiene un vuelo libre y desconocido, eso permitió que voláramos juntos de manera mística”
Bruno Arias
“Tocar con ellos fue una experiencia totalmente nueva, especialmente por poder cantar con diferentes patrones rítmicos. Me pude conectar desde otro lugar: ni desde lo armónico o desde la melodía, sino a partir del groove y desde el cuerpo, desde el ritmo y todo lo que eso te moviliza”.
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With the Thunder leading the best-of-seven series against the Lakers 2-0, home court now shifts from Oklahoma City to Los Angeles for Game 3 during the West Semifinals of the 2026 NBA Playoffs. Shai Gilgeous-Alexander and the No. 1-seed, Oklahoma City Thunder, take on LeBron James and the No. 4-seed, L.A. Lakers, in a prime-time game. You can watch the NBA postseason game online with Sling TV.
On Saturday (May 9), the Thunder-Lakers game takes place at Crypto.com Arena in Southern California.
Watch Game 3: Oklahoma City Thunder vs. L.A. Lakers, at a Glance:
- Date & Time: Saturday, May 9, at 8:30 p.m. ET/5:30 p.m. PT
- Network: ABC
- Stream: Sling Select, Sling Blue
When Does Oklahoma City Thunder vs. L.A. Lakers Game Start?
Game 3: Oklahoma City Thunder vs. L.A. Lakers game airs live, with tipoff at 8:30 p.m. ET/5:30 p.m. PT.
Where to Watch Oklahoma City Thunder vs. L.A. Lakers Online
The Oklahoma City Thunder vs. L.A. Lakers game broadcasts on ABC, and it also livestreams on Sling Select, or Sling Blue. Keep reading for more details on how cord-cutters can watch the Thunder-Lakers game online with Sling TV.
How to Watch Oklahoma City Thunder vs. L.A. Lakers With Sling TV
A subscription to Sling Select, which comes with ABC for Game 3, gets you access to live TV from top-rated cable channels. Starting at $29.99 per month, you can watch networks, including FOX News, National Geographic, GRIT, NFL Network, FX, FOX Sports, FOX, NBC, MeTV, Game Show Network, Heroes & Icons TV, LMN and Vice.
Additionally, ABC is on Sling Blue, but pricing and availability depends on your local TV market. You can learn more about Sling TV here.
Which Celebrities Are Making Appearances During Thunder vs. Lakers?
It’s likely there might be a number of celebrities and recording artists in attendance during the game, such as Oklahoma City Thunder fans Toby Keith, Bill Hader, Kristin Chenoweth, Lil Yachty and others; as well as L.A. Lakers fans Denzel Washington, Kendrick Lamar, Flea from Red Hot Chili Peppers, Snoop Dogg and more. Tune in to Sling TV to find out who’s at the NBA game.
Starting at 8:30 p.m. ET/5:30 p.m. PT, Oklahoma City Thunder vs. L.A. Lakers game airs on ABC, while it’s available to livestream on Sling TV on Saturday, May 9.
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There are the get-ready videos you and your friends make, and then there’s the GRWM clip Rihanna posted on Thursday (May 7) of the intense prep it took for her and partner A$AP Rocky to (just barely) make it to the Met Gala on Monday night.
You can see now why the perennially fashionably-late-to-the-party “This Is What You Came For” singer was one of the last A-listers to walk the carpet at the annual fashion Super Bowl earlier this week in the 45-second clip chronicling her prep. It opens with the 11-time Met veteran exclaiming, “I can’t believe we’re going to the Met!” as she travels in a sprinter van in her stunning custom sculptural gown by Glenn Martens for Maison Margiela.
The eye-popping outfit hand-sculpted, bronze and silver creation inspired by medieval architecture took nearly 1,400 hours to embroider according to Vogue, and from the first seconds of the recap, RihRih is already locked in and ready to show it off with a series of icy Blue Steel-like carpet poses, with and without the equally turned-out-in-style Rocky.
We see the couple posing and walking together as flashbulbs illuminate their outfits and commenters opine on their looks, with Rihanna stopping at one point to sassily exclaim, “excuse me!” With good reason, since her dress required a second, of fifth look, thanks to a corseted bodice with more than 115,000 crystal beads, jewels and chains, while Rocky looked dapper in a custom Chanel by Mattieu Blazy wool pink robe with black satin lapels, accented by a silk and feather brooch and two hand- and ear-fulls of Chanel jewelry.
With a soundtrack provided by Arya Starr and Rema’s “Who’s Dat Girl,” we see Rihanna putting her own makeup on, choosing from a series of trays filled with high-end rings, earrings, necklaces and thick bangles and then having metallic jewels painted onto her face, with two diamond teardrops under her right eye and her hair filled with curlicue metal swirls.
At one point a reporter asks, “who’s allowed to show up late for a Met Gala red carpet?” while Rihanna fans her makeup dry and enjoys a smoke as another woman’s voice says, “Rihanna?” and the video cuts to a vintage clip of the singer cheekily winking at an interviewer with a smile.
The camera then lingers on Rihanna’s imposing-looking dress hanging on a rack, zooming in on the metallic details before and after she slips into it and revealing that, as Rocky told Variety, she was, indeed, “shining like a diamond … she’s shining.”
“We going to the Met!!!” Rihanna yelps as the party heats up during the ride over and Rocky astutely directs the camera away from him and over to RihRih as she does last-minute touch-ups in the van while he enjoys a pre-celebration beverage to the strains of N.E.R.D.’s 2008 party anthem “Everyone Nose.” Rocky also leans in to show off his neck full of custom bling, including a green skull with diamond eyes and a bejeweled crucifix.
The clip ends with Rihanna looking in a mirror and seemingly getting misty as she says, “I feel so pretty! Oh my God!” while gazing at her glittery ensemble.
Vote for your favorite look from the 2026 Gala here.
Sony Music Group reported on Friday (May 8) its sales revenues rose 21% to 570 billion Japanese yen ($3.6 billion) for the quarter ending March 31 compared to a year ago driven by higher recorded music streaming revenue, Bad Bunny and Harry Styles album sales and live events and merchandise.
Operating income for the Japan-based company’s fiscal fourth quarter came in at 132.4 billion yen ($829 million), an increase of more than 36% from last year.
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Sales of Bad Bunny’s hit album DeBÍ TiRAR MáS FOToS, Harry Styles Kiss All The Time. Disco, Occasionally and Tate McRae‘s So Close To What helped the company generated 2,120 billion yen ($13.3 billion) for the fiscal year, which for Sony also ended on March 31, a 15% increase from the prior fiscal year. Higher revenues from streaming services in recorded music and music publishing, live events and merchandising in recorded music helped operating income reach a record high of 447 billion yen ($2.8 billion), an increase of 25%.
Streaming revenue for the full fiscal year grew to 852.7 million yen ($5.4 billion), and to 419.9 million yen ($2.6 billion) in the music publishing division, marking increases of 9% and 14% on a U.S. dollar basis respectively.
The company forecast that revenues will likely hold flat at this level in the coming fiscal year as higher streaming income is expected to offset lower concert revenue, with operating income to come off its record highs by about 11%.
The company flagged big forthcoming releases by Chris Brown, Foo Fighters and Maluma.
South Korea’s HYBE launches ABD, a new label dedicated to girl group production.
Leading ABD, short for A Bold Dream, is its inaugural president Jiwon No, who previously served as head of artist planning at PLEDIS and MORE VISION. At ABD, she will oversee the label’s overall management and strategic direction.
The first ABD project will debut in the second half of 2026. Sung Soo Han, widely recognized as the creative mastermind behind such artists as SEVENTEEN, After School, IZ*ONE, and TWS, will lead the girl group’s overall production, from music to concept and performance.
“The creation of ABD aligns with HYBE’s multi-label strategy, which champions creative independence and autonomy within HYBE’s broader support framework,” reads a statement, issued Friday, May 8. “With a distinct focus on girl group development and the introduction of differentiated IP and artistic identity, the launch of ABD marks a strategic step in strengthening HYBE’s multi-label ecosystem as K-pop continues to evolve globally.”
HYBE is on a high, after reporting record-setting revenue at 698.3 billion KRW ($470.2 million), thanks largely to the comeback of BTS and the group’s fifth studio album, ARIRANG, and world tour.
Within the rest of K-pop specialist’s artist portfolio, ENHYPHEN’s seventh mini album, THE SIN: VANISH, became the group’s fourth double-million seller during the period, while CORTIS’ debut album, COLOR OUTSIDE THE LINES, surpassed 2 million copies in cumulative sales.
HYBE America reported strong gains with KATSEYE, the girl group that recently surpassed 32 million monthly listeners on Spotify, while their EPs, SIS (Soft Is Strong) and BEAUTIFUL CHAOS, sold a combined 1 million copies. The quarter also saw the relaunch of BMLG as Blue Highway Records, led by Jake Basden as CEO.
ABD “embodies the label’s creative philosophy of pursuing unconventional, flexible, and playful ideas that push beyond norm,” reads the statement unveiling the new label. “Guided by a deep understanding of both artists and fans, the new label aims to pursue the intrinsic joy of music while exploring new possibilities and expanding the horizons of K-pop.”
Ronnie Wood is just as excited as the rest of us for the release of The Rolling Stones’ 25th and latest studio album Foreign Tongues.
When the legendary British guitarist proved it when he stopped by The Tonight Show on Thursday night, May 7, demonstrating the bounce of a cat, and the energy of lightning bolt.
Wood, age 78, will turn back time when he sets out on a run of solo shows in the United Kingdom and Continental Europe this summer, his first in 16 years. And in November, an exhibition of his artwork in Germany.
The big drop, of course, is the release of Foreign Tongues on July 10, a 14-track LP led by core members Mick Jagger, Keith Richards and Wood, with starry contributions from Paul McCartney, Steve Winwood, The Cure frontman Robert Smith and others.
The album, Fallon explained, reading from a vinyl copy, includes a cover of Amy Winehouse’s “You Know I’m No Good,” the original of which was housed on the late diva’s Back to Black album from 2006. Winehouse and the Rolling Stones have history. The “Rehab” singer joined the Rock Hall-inducted band on stage in June 2007 at the U.K.’s Isle of Wight Festival, for a rendition of “Ain’t Too Proud to Beg.”
Late night viewers were also treated to a snippet of “Back In Your Life,” which features a “fantastic” Wood solo, according to Fallon, who has enjoyed an early listen to the album. Wood, we learned, drew divine inspiration for the recording. The Englishman cut his solo on the day Brian Wilson died, last June, when he was still reeling from Sly Stone’s passing days earlier. “It came out my guitar, the feeling, you know,” he recounts. “Just one take. I didn’t do that, the guitar played itself.”
For his latest stint on NBC’s The Tonight Show, Wood took a trip down memory lane as he reminisced on how he learned music and art from his older siblings, was gifted his first guitar, being skint before fame, forming The Faces with Jeff Beck and Rod Stewart, and he rounded it out with a harmonica jam with Fallon and the house band.
“It’s inspirational to do” music and art, he says. “You know, I’m lucky enough to do a solo thing with the painting, and then be a part of a band, you know, part of a group, to express musically. It’s such a gift, you know, to be able to do both.”
Ahead of Foreign Tongues, the band has released two tracks from the project: album opener “Rough and Twisted” and lead single “In the Stars.” Wood’s guest spot on NBC’s The Tonight Show came 24 hours after Rolling Stones frontman Mick Jagger stopped by to do his bit in a comedy sketch.
Watch Wood’s interview below.
It’s Olivia Dean’s year on the ARIA Chart, as the British pop singer’s smash “Man I Need” (via Universal) enters a 21st non-consecutive week at No. 1.
Dean replaces herself at the summit, as “Man I Need” improves 2-1, leap-frogging “Rein Me In,” her duet with Sam Fender which dips 2-1.
Between them, “Man I Need” and “Rein Me” have ruled the ARIA Singles chart for 24 of the past 25 weeks, a streak that was briefly snapped when Olivia Rodrigo’s “Drop Dead” (Island/Universal) ruled for one week late last month (“Drop Dead” slips 4-7).
“Man I Need” stands alone as the second-longest reigning No. 1 in ARIA Chart history, behind only Tones And I’s “Dance Monkey,” which clocked up 24 non-consecutive weeks in 2019 and 2020. That record is beginning to look shaky.
The latest ARIA Top 50 Singles Chart, published late Friday, May 8, is notable for the absence of any new titles. The same can’t be said for the national albums tally, which features no less than seven new releases, led by Melanie C’s Sweat (Virgin Music Group/Inertia) at No. 5.
Sweat is Mel C’s ninth studio album and first to crack the ARIA top 10, besting her debut solo album from 1999, Northern Star, which peaked at No. 32. As a member of the Spice Girls, she bagged four top 10 albums, including a chart-topper in 2007 with Greatest Hits.
With that debut, Mel C (aka Sporty) is the most successful of the Spice Girls as a solo artist, ARIA reports. The next best Geri Halliwell (aka Ginger), who reached No. 22 back in 1999 with Schizophonic.
Also entering the top 10 this week is Kneecap with Fenian (Heavenly/Inertia). It’s new at No. 7, for the Irish band’s first appearance on the ARIA charts.
The latest top 50 features new arrivals from American country star Kacey Musgraves (Middle Of Nowhere at No. 17 via Interscope/Universal), Australian country artist Rachael Fahim (Who You Are at No. 22 via Island/Universal), South Australian hip-hop artist trials (Hendle at No. 24 via Island/Universal), Australian Idol runner-up Harlan Goode (The Idol Collection at No. 42 via Orchard) and The Devil Wears Prada 2 soundtrack (No. 50 via Interscope/Universal).
At the top of the leaderboard is Noah Kahan’s The Great Divide (Universal), which holds onto top spot for the second consecutive cycle.