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A más de cinco décadas de su nacimiento en el Bronx, el hip-hop ya no es solo un género musical, sino que con el paso de los años pasó de ser música reservada para un grupo de marginados a una fuerza cultural global que transformó el lenguaje, la moda, el cine, la política y la […]

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Hay relaciones que se acaban, pero no desaparecen del todo. A veces basta una historia de Instagram, una foto con alguien más o una llamada a deshoras para volver a una conversación que parecía cerrada. En ese terreno de indirectas y capítulos que se resisten a terminar se mueve ‘23 Llamadas’, el nuevo sencillo de DPM, una agrupación nacida en Popayán que lleva los sonidos del regional mexicano a su propio contexto colombiano.

La canción parte de una situación tan cotidiana como incómoda: alguien que ya decidió pasar la página sigue recibiendo llamadas de una expareja que, al parecer, también ha seguido adelante. La diferencia es que el protagonista no está dispuesto a regresar ni a dejarse arrastrar por el juego. Con una letra directa y cargada de ironía, DPM convierte esa insistencia en un corrido de despecho que encuentra su remate en una idea sencilla: si la relación ya terminó, no hay razón para seguir llamando.

En ‘23 Llamadas’, el drama sentimental convive con los códigos de una generación que también tramita sus rupturas a través de las redes sociales. Las publicaciones con doble intención, las fotografías que buscan provocar celos y las historias que parecen tener un destinatario específico forman parte de una dinámica en la que separarse no siempre significa dejar de estar pendiente del otro. DPM toma esos comportamientos y los lleva a una canción que, en lugar de quedarse en la tristeza, apuesta por el sarcasmo y la actitud.

Este enfoque también permite entender la manera en que el grupo construye su propuesta. Desde Popayán, Cauca, la agrupación se mueve dentro del regional mexicano contemporáneo, combinando corridos tumbados con elementos de la cumbia regional y la música norteña. Su apuesta consiste en apropiarse de estos sonidos desde Colombia, con historias cercanas y una identidad que no depende únicamente de reproducir las fórmulas del género. La dualidad vocal y la energía de sus interpretaciones son parte de esa búsqueda.

Este nuevo single llega después de ‘Ni por el put4s’, un tema con el que la agrupación abordó el trabajo, la disciplina y la superación personal desde una perspectiva distinta a algunas de las narrativas más recurrentes de los corridos. La nueva canción cambia el foco: en vez de hablar de la determinación para alcanzar los propios objetivos, se instala en el terreno del desamor y se permite reírse de una situación que muchos reconocerán.

El contraste muestra otra faceta de DPM y amplía el rango de historias que puede contar desde el regional mexicano. Su música no se limita a un solo estado de ánimo: también encuentra espacio para las contradicciones de las relaciones, las decisiones que cuestan trabajo y esas pequeñas escenas de la vida cotidiana que, con el tiempo, terminan convertidas en anécdotas.

Con ‘23 Llamadas’, el grupo conecta una tradición musical asociada al despecho con las nuevas formas de relacionarse y separarse. Porque las serenatas y las canciones para olvidar a alguien siguen teniendo su lugar, pero ahora también hay rupturas que se viven entre historias, indirectas y notificaciones. Y, a veces, la mejor respuesta es dejar sonar el teléfono.

‘23 Llamadas’, de DPM, ya está disponible en plataformas digitales.

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Tras una serie de éxitos y reconocimientos que han consolidado a Chuwi como una de las propuestas más prometedoras y auténticas de Puerto Rico, el grupo presenta su álbum debut: una exploración conceptual sobre la identidad, el desplazamiento y la lucha por proteger su patria. 

A través de una búsqueda histórica profundamente arraigada en las realidades de la vida puertorriqueña, Chuwi aborda el colonialismo, la corrupción política, la desigualdad económica y las fuerzas que continúan amenazando el futuro de la isla. Al mismo tiempo, plantea una visión de Puerto Rico en la que su gente pueda vivir con dignidad, preservar su identidad cultural y construir una vida plena sin verse obligada a abandonar su hogar en busca de oportunidades. 

Libertad invita a reflexionar sobre las acciones necesarias para alcanzar la independencia y construir ese futuro anhelado. Sin embargo, también pone sobre la mesa el costo del camino hacia ella, sus repercusiones y el arduo trabajo que implica materializar un sueño colectivo. El álbum da continuidad a sus dos EP anteriores, Pan y Tierra, cuyos títulos evocan un lema político asociado a un partido que impulsó transformaciones significativas y cuyas repercusiones aún marcan la forma de vivir en Puerto Rico. 

Más que un álbum debut, Libertad es una declaración de principios. Chuwi utiliza su voz y su creciente proyección para colocar en el centro de la conversación las problemáticas que atraviesan la isla, así como las transformaciones necesarias para imaginar y construir una libertad plena para su pueblo.

Lee aquí nuestra entrevista completa con Chuwi:

Chicos, están por presentar su álbum debut, Libertad. Y creo que jamás había escuchado un concepto honrara tanto las raíces. ¿Qué es aquello que despertó en ustedes para crear este disco?

Willy: Yo creo que, más que nada, el disco es un tipo de conclusión que tenemos para la trilogía musical que hemos estado haciendo desde nuestro EP Pan que salió en 2022. Tenemos ese material acompañado del EP Tierra, y ahora este álbum debut que es Libertad. Desde el primer lanzamiento queríamos que esta trilogía se llamara así, que es referencia a un eslogan de un partido político puertorriqueño que se fundó por los años 1940. Ellos usaron el ‘Pan, Tierra, Libertad’ para mercadearse con la clase trabajadora rural de Puerto Rico, que hasta ese momento representaba la marginalización. Fue un partido que estableció muchos puntos claves para la historia de Puerto Rico. Este fue el primer partido en el que el primer gobernador que se postuló fue elegido por puertorriqueños, porque anteriormente los asignaba el congreso de Estados Unidos. El partido también estableció lo que se conoce como el Estado Libre Asociado, que es el estatus reconocido en Puerto Rico, porque no somos una república ni un país soberano; somos un Estado Libre Asociado de Estados Unidos. Seguimos con este estatus hasta el día de hoy. 

El punto de todo esto es que este partido terminó convirtiéndose en parte del reinado del bipartidismo de Puerto Rico, que terminó favoreciendo a la clase élite. Nos pareció un concepto interesante para indagar: ‘Pan, Tierra, Libertad’. Queríamos sacarlo de su contexto y contemplar el significado de esa promesa y mercadeo inicial; saber cómo terminó y qué significa para los puertorriqueños al día de hoy. Más que nada, este álbum sale de esta discusión. 

En Pan, le buscamos las diferentes vertientes y conceptos que podríamos abordar sobre lo que es el sustento y el pan de cada día; en Tierra, hicimos lo mismo sobre los conceptos que abarcan el término; y así terminamos con Libertad, siguiendo esa premisa de exploración ante cada una de esas palabras y qué significa para nuestro país a lo largo de nuestra historia. 

Me causa mucho interés que su álbum debut sea abrir los ojos sobre la verdad que acontece en la isla. ¿Creen que ese es su objetivo como agrupación? 

Lorén: Creo que cada etapa viene con su conclusión. Mientras escribíamos cada EP, llegamos a un tipo de conclusión de cosas que nos han sucedido. Por ejemplo, la etapa que estamos pasando en este momento, pues podrá salir en los próximos dos álbumes. Creo que como agrupación no tenemos una sola dirección clara, pero sí sabíamos que si hacíamos Pan, Tierra y Libertad, porque sí es un tema que abunda demasiadas historias. Lo que pueda pasar en el próximo álbum, pues es lo que la musa diga. 

Bajo sus perspectivas y vivencias, ¿cuál es el verdadero camino que se debe de seguir para que Puerto Rico encuentre su libertad? 

Wester: Esta pregunta está bien buena. Yo creo que todo empieza en pensar en la libertad; cuestionarnos qué significa, cómo se puede obtener, qué queremos hacer con ella y cuál será su costo. Yo creo que este es el primer camino que se debe de tomar. Como puertorriqueños, nos toca comenzar a pensar sobre estas cosas. En Puerto Rico, fuera de las ideologías, hay personas que creen en el Estado Libre Asociado, hay otros que prefieren ser un estado de Estados Unidos, y también queda otro grupo de gente que cree en la independencia. Yo creo que, separados de esas ideologías, podemos empezar a cuestionar cómo se vería un Puerto Rico libre y qué significa esa libertad para nosotros, que es lo que nosotros como agrupación queremos para la isla. Yo creo que debemos empezar a crear ese camino, poco a poco. 

¿Creen que ese futuro está muy lejos? 

Wester: Yo creo que está tan lejos como nosotros queramos. La verdad, si tú miras las cosas que hacen en otros países, te darás cuenta que nosotros naturalmente las tenemos. Aquí hay tierra, agricultura, gente que ayuda a la mano de obra fuerte para construir un país, personas educadas  para la industria privada que se puede formar en Puerto Rico. Ya tenemos los ingredientes. Es cuestión de tiempo para poner la mente donde se debe y actuar para crear ese futuro. 

A lo largo de la creación de este material, supongo que conocieron mucho más de su historia como puertorriqueños y de ustedes como individuos. ¿Qué es eso que llegó como una verdad difícil de entender? 

Willy: Esa pregunta es tremenda. 

Lorén: Creo que en la tapa en la que Chuwi está, como agrupación, nos pegó la dependencia que tiene Puerto Rico con Estados Unidos, y es parte de nuestra historia. Igualmente, nos llegaron muchas ofertas de disqueras para crecimiento, donde nos prometían Pan, Tierra y Libertad [Risas], pero a consecuencia de que hubiera éxito en nuestro álbum. Si lo teníamos, ¿qué estábamos dispuestos a ofrecer? ¿Regalías o masters? Todo para tener un stream económico ahora, en vez de esperar y hacerlo poco a poco. ¿Cuál era el costo de todo nuestro sacrificio? Tuvimos una experiencia personal en decidir el futuro de nuestras vidas. En esta etapa decidimos hacerlo independientes, y creo que eso ha sido un proceso paralelo al álbum, pero bien lindo. Nos dimos cuenta que independientes es más difícil, pero, al final, uno termina haciéndolo como quiera. 

Hablando del lado sonoro, se inspiraron en el reparto, pilón, salsa, changüí, punto, timba, afro-son, danzón, cha-cha y las tradiciones folclóricas afrocubanas. ¿Cómo fue esta experiencia sonora? 

Willy: Yo creo que ha sido un proceso con muchas funciones. Nos ha servido en, por ejemplo, el hecho de sentir que estamos trabajando con música de nuestro hogar. Más allá de puertorriqueños, nosotros nos consideramos caribeños, entonces creemos que el Caribe tiene una historia y cultura compartida. Nos sentimos como hermanos o primos. En particular, las Antillas Mayores, son hispanohablantes, y nuestra historia puede parecer que son universos paralelos. La forma en la que se crearon las islas es bien similar y parecida, así como las luchas que hemos padecido y la música que hacemos. Hay melodías rítmicas que parecen ser compartidas entre nosotros. Cuando hicimos estos materiales, sentíamos que estábamos experimentando con la música de nuestros antepasados, de nuestro hogar. Es un significado que conecta, sobre todo con nuestras raíces. 

En Pan, nos enfocamos en sonidos populares boricuas, como la bomba y la salsa; en Tierra, nos enfocamos en géneros de República Dominicana, como la bachata o el merengue; y ahora, en Libertad, buscamos inspiración de los géneros cubanos, y creemos que la región tiene una gran variedad de estilos, tanto folclóricos como populares. 

Otra perspectiva sobre la música es que cada género es un sistema que tiene sus códigos, reglas particulares que tienen sobre los ritmos o estructuras. Estas reglas ayudan un montón al proceso de creación y composición porque ya tiene los parámetros. Uno pensaría que esto te limitan, pero es lo contrario, te liberan. Ya tienes la estructura que nos dieron nuestros ancestros. Yo siento que esto es algo que nos ayudó mucho durante el proceso creativo de estas canciones. Esto ha sido lo más intrigante para nosotros. 

Obviamente también sentimos una conexión con este homenaje y reinterpretación, porque es como traer al contexto moderno lo tradicional.

Cuando lancen el material, ya no solo será la perspectiva que tiene la agrupación sobre PR, será un pensamiento compartido. ¿Cómo creen que lo reciba el público? ¿Creen que compartan su opinión sobre la isla?

Lorén: En verdad estamos bien emocionados. Ya hemos tenido la oportunidad de compartir el álbum con varias personas, como gente de México. La respuesta es que han entendido lo que estamos diciendo. Son dos sentimientos: tristeza, porque al final entienden lo que decimos, ¿por qué el mundo entero tiene que conocer la sensación de no ser libres? Qué horrible; pero también es un sentimiento de sorpresa, porque el álbum está escrito con jergas, terminologías y personajes de nuestra historia. Es emoción artística y tristeza con la sociedad.

No es un secreto que viven un auge importante en la música en español. Incluso, desde ROLLING STONE en Español los consideramos para Future Of Music, nuestra plataforma de artistas que están definiendo el futuro de la música. ¿Creen que esta proyección e importancia de su voz está siendo utilizada con un fin que va más allá de la música? 

Adrián: A mí me gustaría pensar que sí. No necesariamente estamos creando con un fin de alcance en listas, sino que realmente estamos expresando lo que estamos sintiendo. Sí siento que es un expresar genuino de la vida cotidiana, que puede ser considerado un pensamiento político. Y si expresarlo a través del arte hace que más personas conecten con el sentimiento y quieran entrar más a fondo con el tema de la libertad, pues que dé para la reflexión y llegues a una conclusión sobre tus sentimientos. También, si quieres hacer algo sobre eso, que lo logres.

El álbum debut es la carta de presentación ante el mundo. ¿Qué desean que los demás vean con este disco y de ustedes?

Lorén: Por lo menos para mí, me emociona dejar al Caribe en lo alto. El Caribe tiene unos géneros súper ricos y diversos. Musicalmente quisiera pensar que esto va a traer luz nuevamente, porque hay un sazón bien específico.

Wester: Por lo menos para este disco, espero que vean que hacemos las cosas muy puras en nuestro sentir. Lo que nosotros sacamos es realmente lo que queremos decir y expresar. Espero que cuando salga nuestro debut sea nuestra extensión de que no hemos cambiado y nos hemos mantenido fieles sobre lo que queremos expresar. También quiero que vean que todavía se puede jugar un montón con la música caribeña.

¿En qué etapa musical encuentra Libertad a Chuwi? 

Wester: En lo personal, me siento muy inspirado y motivado para seguir haciendo música porque siento que aprendimos que la única forma en la que van a salir las cosas es empujando.

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El tercer álbum de Nsqk lo consagra como uno de los más grandes, ¿o el más grande? ¿Qué significa ser el mejor? Buenas preguntas. Lo cierto es que Mosca es un material completo, profundo, emocionante, emocional, visceral, divertido, triste, enojado, personal, versátil.

Es 2024. No hay basura, no hay fruta podrida, pero el departamento está lleno de moscas. Verdes, grandes, grotescas. Rodrigo y Sammy se acaban de mudar a ese departamento en Monterrey. Él está anunciando un Pepsi Center, ATP ya está afuera. No hay explicación aparente para su presencia, pero Rodrigo mata 15 o 20 moscas al día. “Me voy a convertir en una mosca”, piensa.

Machado lo convence de ver a un brujo. Escéptico, Rodrigo acepta. Huele a incienso, suena algo parecido a cadenas de madera. Durante media hora permanece con los ojos cerrados. Al terminar, está mareado. El hombre le explica que carga con algo que puede conocerse como brujería, y que las plagas de moscas representan la envidia. Rodrigo no le había contado nada sobre lo que sucedía en su departamento. Días después, las moscas desaparecen. Tiene sentido. Su carrera está creciendo mucho y, por primera vez, comienza a experimentar la envidia. La de otros hacia él y la suya hacia otros. Cada vez hay más ojos puestos en lo que hace. Se da cuenta de aspectos de la industria musical que le decepcionan, y comienza a reflexionar sobre cosas que no se había planteado en el pasado. 

Sammy le regaló La metamorfosis, de Franz Kafka, y la lee en ese momento. Gregor Samsa despierta una mañana convertido en un insecto. Su primera preocupación es que no podrá llegar al trabajo. Después verá cómo su familia deja de reconocerlo y comienza a tratarlo como un monstruo, aunque su hermana es la primera en comprender que esa criatura sigue siendo su hermano y decide cuidarlo. Conforme avanza la historia, Gregor pierde su lugar dentro de la familia y atestigua cómo sus vínculos comienzan a desmoronarse.

Rodrigo encuentra una conexión entre esa transformación y lo que está experimentando en su propia carrera. Perseguir la grandeza también puede convertirte en alguien que ya no reconoces. Para conseguir lo que quiere, ha tenido que cambiar sus prioridades, su manera de trabajar y su relación con los demás. El reconocimiento trae nuevas exigencias, comparaciones, competencia y envidia. Las moscas que aparecieron en su departamento empiezan a adquirir otro significado. En el recorrido de Mosca representan esas emociones negativas que llegan con el éxito y que también pueden terminar transformándolo. Recuerda una frase de Eminem en ‘Forever’: “Chasing the stardom will turn you to a maniac”. La pregunta que comienza a hacerse es hasta qué punto está dispuesto a cambiar para convertirse en el artista que quiere ser y qué podría perder durante el proceso.

Nsqk nota que, conforme aumenta la cantidad de personas pendientes de él, resulta más fácil que lo juzguen solamente por sus números, sus canciones o lo que muestra en redes sociales. “Entre más gente te conoce, menos gente te conoce”, dice. “La gente en muchas ocasiones ya no te ve como persona con sentimientos y con metas. Nada más eres el artista y nada más eres lo que ellos ven”. Esa sensación de dejar de ser reconocido como persona le recordó otra parte de la historia de Samsa. Además, le ha permitido observar cómo funciona la envidia. Desde las comparaciones entre artistas hasta quienes admiran una relación o una forma de vida sin conocer los años de trabajo que hay detrás.

Rodrigo Torres de la Garza quiere ser el mejor artista de México. Lo dice convencido. Después de haber demostrado su talento, quiere probar que tiene todo para estar en la cima. “No tiene nada de malo que yo quiera trabajar para ser el mejor artista de México. Me tome el tiempo que me tome, o si algún día alguien no está de acuerdo, no me va a quitar el sueño”, explica. También está convencido de que Mosca puede ser el mejor disco mexicano de la década. Lo interesante es que habla desde la posición de alguien que todavía quiere llegar mucho más lejos y que entiende el trabajo que eso puede implicar, así como la necesidad de estar rodeado del mejor equipo de trabajo (shoutout a Machado, Sam, Valeria, Toy, etcétera).

Durante nuestras conversaciones, realizadas en diferentes momentos del proceso, vuelve constantemente a las ideas de ganar, competir y superarse. Antes decía que llevaría su carrera hasta donde se lo permitieran las circunstancias, pero ahora prefiere pensar que seguirá trabajando hasta donde su capacidad le permita hacerlo. “Estos últimos años he abierto mucho los ojos al panorama de las cosas que puedo hacer, las cosas que quiero hacer”, asegura. Esa ambición también lo ha llevado a reconocer abiertamente su talento y a sentirse más cómodo hablando de sus logros, algo que antes le costaba trabajo.

“Qué chido poder verme al espejo, verme a los ojos y decir: ‘Soy bien verga en esto que hago, me sale cabrón mi música’”, explica. Pero también reconoce que existe una línea entre tener confianza en uno mismo y comenzar a sentirse superior a los demás. “Convivir con tu ego es coquetear con esa línea. Creo que sí es muy fácil que se te salga de las manos”. Para Nsqk, sentirse orgulloso de sus resultados no implica menospreciar lo que hacen otros artistas. 

Mosca inicia con ‘SAMSA’, la primera de las 17 canciones, donde utiliza una producción agresiva, nuevos registros vocales y letras en las que celebra sus logros con una seguridad que no pretende disimular. “Quería que la gente escuchara cosas de mí a las que no está acostumbrada”, recuerda. “Quería que sintieran que, si bien tengo ahorita una tranquilidad económica que antes no tenía, solamente tengo el doble de hambre de seguir haciendo lo que hago”. La búsqueda de grandeza continúa en ‘Canonizado’, donde recupera el imaginario religioso con el que creció en escuelas católicas para hablar sobre el reconocimiento. “No me han canonizado, pero sí me siento más divino”, canta. Para Nsqk, la importancia de un artista también puede medirse por el impacto de su obra y la historia que construye, más allá de los premios o las cifras comerciales.

Sin embargo, ha descubierto que conseguir lo que quiere no siempre produce la satisfacción que esperaba. Cuando le pregunto si ha alcanzado objetivos que después dejaron de parecerle suficientes, responde: “Todos los días”. Habla de una necesidad constante de superar sus resultados, desde las reproducciones hasta los boletos vendidos. “Con el afán de seguir dándole, no te detienes a saborear lo de hoy”, reconoce. ‘¿Qué Tan Cerca Es Cerca?’, una canción que nació en Cartagena, Colombia, e incorpora un sample de ‘Siente el boom’, de Randy y Tito el Bambino. Aunque parece hablar de una relación sentimental, en realidad Nsqk se pregunta cuánto ha avanzado en su carrera y si alguna vez llegará a sentirse satisfecho. Si Roy surgió de un periodo de tristeza y ATP fue una oportunidad para recuperar la diversión y el entusiasmo por hacer música, Mosca  parte de preocupaciones más relacionadas con su identidad y su futuro. 

Nsqk comenzó a cuestionarse qué quería conseguir, por qué continuaba trabajando con tanta intensidad y qué lugar ocupaba la música dentro de su vida. “¿Soy bueno porque me gusta o me gusta porque soy bueno?”, llegó a preguntarse. La posibilidad de que su pasión también se hubiera convertido en una fuente de exigencia permanente fue una de las inquietudes que acompañaron la creación del material.

En una de nuestras conversaciones menciona a Ronnie Coleman, el fisicoculturista que ganó ocho títulos de Mr. Olympia y llevó su cuerpo a un nivel extraordinario de exigencia. Le impresiona su disciplina, pero también las consecuencias físicas que enfrentó después de dedicar tantos años a convertirse en el mejor. “Se rompió su cuerpo con tal de ser el mejor”, reflexiona. “¿Pero a qué costo?”. Nsqk quiere seguir creciendo, pero sabe que perseguir objetivos cada vez más grandes puede terminar afectando aspectos de su vida que considera importantes.

Durante años, Nsqk se había encargado personalmente de la mayor parte de la producción en sus materiales. Para Mosca decidió involucrar a un equipo mucho más amplio, consciente de que su visión podía enriquecerse con el talento y la experiencia de otras personas. Además, su carrera había llegado a un punto en el que músicos y productores de gran talento estaban interesados en colaborar con él.

La producción reunió a Urbøi, Deputy, Alizzz, Marquitos, Red Fingers y Luis Gómez, entre otros. También participaron compositores, músicos e ingenieros que han trabajado con artistas de la talla de Gorillaz, quienes permitieron ampliar la instrumentación del álbum con guitarras, baterías, pianos y saxofones. Nsqk continuó al frente de buena parte de las decisiones creativas, pero aprendió a dirigir un equipo con diferentes especialidades. “Soy medio control freak, especialmente en cuanto a la producción”, admite. “Está muy chido poder delegar, tener un equipo de gente a la que le confíes lo suficiente”. Para él, esa fue una de las transformaciones más importantes del proceso. 

En febrero de 2025 se reunió en un camp en Monterrey con compositores como Nate Campany, Sara Schell, Nina Mínguez y Ben Aler. Durante una semana trabajaron en diferentes ideas, entre ellas ‘Tuffluv’ y ‘No basta con querernos más’. Para la primera, les pidió escribir de una manera despreocupada, tomando como referencia las primeras canciones de Baby Keem. “Quiero que escriban una rola como si no supieran escribir rolas. Olvídense de todo lo que saben y háganla al 70% de su capacidad”, les dijo. El resultado habla de cómo una mayor estabilidad económica puede convivir con problemas personales que el dinero no resuelve. Nina, quien había participado en ‘Los Alpes’, de ATP, vuelve a aparecer con una hermosa intervención vocal en ‘Tuffluv’. Y sí, es un feat oficial del álbum. 

Las colaboraciones son una gran parte del valor que tiene el material. ‘Mil Problemas’, con Eslabón Armado, nació durante una sesión con Pedro Tovar y quedó prácticamente escrita en media hora, aunque su producción continuó durante varios meses. Es una canción con elementos de rock hecha por un artista de regional mexicano junto a uno de pop alternativo. Qué bonita es la música hoy en día. ‘Lo tuvimos pero ya no está’, junto a Riosse, recupera una relación creativa que comenzó hace casi una década, desde los años del colectivo 98. Riosse ha participado en canciones importantes de su discografía y continúa siendo una de las personas a las que Nsqk recurre cuando necesita resolver una composición.

Trabajar con Julieta Venegas fue uno de los momentos más especiales del proceso. La cantante llegó al estudio, escuchó algunas referencias y comenzó a tocar el teclado. En aproximadamente una hora construyeron ‘Estar así siempre’, cuya introducción nació de una de las primeras melodías que improvisó. “Su voz es tan imponente y tan icónica que empieza a cantar y dices: ‘Es una rola de Julieta Venegas con Nsqk’”, recuerda. Para Rodrigo, compartir una canción con una artista que considera una leyenda en vida representa uno de los mayores honores de su carrera.

En Los Ángeles trabajó con Jean Dawson en ‘Dientes de Fierro’, una canción que nació de un riff de guitarra y tomó como referencia ‘Bodysnatchers’, de Radiohead. Durante mucho tiempo permaneció guardada en una versión más cercana al pop, hasta que Nsqk encontró la producción agresiva que necesitaba para el álbum y sumó a Dawson, uno de los artistas más interesantes de la actualidad. Con Kevin Kaarl exploró otra dirección en ‘Circo’, una composición creada con Nate Campany y Deputy en un compás de cinco cuartos. Kevin se sumó durante las últimas etapas, después de que ambos habían colaborado anteriormente en ‘Ultra Sodade’. Cada uno logró incorporarse al universo musical del otro, saliendo de su zona de confort.

La creación del disco también lo llevó a Barcelona, donde comenzó ‘Peces muertos’ junto a Alizzz, productor de El Madrileño, de C. Tangana. La canción se terminó posteriormente en México con Urbøi y se convirtió en uno de los momentos más melódicos del material. En Madrid trabajó con Diego 900 y Claudio Montaño en ‘Ghost in the Shell’, cuya producción continuó durante una gira por Centroamérica. En Guatemala, Nsqk y su guitarrista desarrollaron de madrugada el cierre instrumental, mientras que el postcoro surgió después en Ciudad de México junto a Luis Gómez.

El rock tiene una presencia mucho mayor que en sus discos anteriores. Nsqk encontró en el género una energía que considera comparable con algunas vertientes del trap y el rage, especialmente por el uso de la distorsión y la intensidad vocal. “Algo que encontré mucho en el rock es una visceralidad bien chida, una energía bien cruda”, explica. Radiohead, particularmente In Rainbows, fue una referencia importante durante el proceso, aunque Mosca conserva los elementos de electrónica, pop y hip-hop que forman parte de su identidad musical. Nsqk alterna la influencia hip-hop con registros graves, falsetes y melodías sostenidas por varias capas de armonías. Los cambios de interpretación ayudan a distinguir las canciones más confrontativas de las que aparecen hacia el final del recorrido.

También dedicó especial atención a las estructuras y transiciones. ‘Hombre de bien’, el primer sencillo, nació de una producción que había creado años antes y pasa de una instrumentación intensa a un cierre íntimo. Stephen Sedgwick, quien ha trabajado con Gorillaz, se encargó de la mezcla, mientras que Stuart Hawkes, cuyos créditos incluyen a Ed Sheeran y Charli XCX, realizó la masterización. El último acorde de la canción conecta directamente con el primero de ‘SANGRE !’, una composición cuyo coro había permanecido guardado durante cuatro o cinco años hasta encontrar su versión definitiva. Eligió ‘Hombre de bien’ como primer adelanto porque encontró en ella una versión reducida del viaje que propone Mosca. Tiene una entrada imponente, una acumulación de intensidad y un final que se siente más íntimo. Incluso la pregunta “Solía ser hombre de bien, ¿qué me pasó?” apunta a la transformación que recorre las 17 canciones. Nsqk disfruta especialmente que algunos temas, como ‘SANGRE !’, requieran varias escuchas para terminar de conectar con el público.

El álbum inicia con producciones pesadas, distorsión, energía y una actitud desafiante, mientras que las canciones posteriores incorporan arreglos más delicados y una interpretación cada vez más vulnerable. Para Nsqk, la secuencia debía funcionar como una escucha continua y darle sentido a canciones que habían sido escritas en momentos y lugares diferentes. Por eso importan tanto las conexiones armónicas, los contrastes y el lugar de cada tema dentro del conjunto. Las moscas, que al principio representan la envidia, las comparaciones y las situaciones que le producen rechazo, adquieren otro significado conforme avanza la historia: dejan de ser aquello que le provoca enojo para representar cosas que le duelen, aunque no pueda cambiarlas. Esa diferencia explica por qué el disco pasa del impulso por competir a recuerdos familiares y a la necesidad de estar presente.

‘SAMSA’ y ‘MARGOT’ representan los dos extremos de esa transformación. La primera presenta a un Nsqk seguro de sus capacidades, que quiere demostrar lo que puede conseguir y no tiene miedo de hablar de sus aspiraciones. La última llega después de las dudas, el cansancio y las pérdidas. El nombre de ‘MARGOT’ hace referencia a la hermana de Gregor Samsa, llamada Grete en la novela original, a quien Nsqk renombra en su interpretación, cuya relación con el protagonista le permitió reflexionar sobre la importancia del cuidado propio. Para Nsqk, los dos personajes representan facetas que conviven dentro de sí mismo: el deseo de convertirse en alguien extraordinario y la necesidad de cuidar a la persona que existe detrás del artista.

Esa preocupación también aparece en su relación con las personas que lo rodean. Cuando le pregunto qué sería lo que más le dolería perder como consecuencia de su transformación, responde que sus vínculos personales. “Me dolería muchísimo dañar mis relaciones”, explica. “No puedes ir al cumpleaños de alguien porque estás viajando y no puedes estar ahí cuando está enfermo tu abuelo porque estás trabajando, tienes un viaje o tienes un show”. Sabe que algunas decisiones pueden tener consecuencias que no siempre alcanza a dimensionar mientras está concentrado en perseguir sus objetivos.

Lo que nos lleva a ‘Santurce’, uno de los momentos más personales de Mosca. La canción habla de la muerte de su abuelo y de la culpa que todavía siente por no haber conseguido llegar a tiempo para verlo durante sus últimos momentos. Estaba trabajando en una sesión mientras su abuelo preguntaba por él. “Hasta la fecha es algo que me pesa”, reconoce. La producción es mínima, construida principalmente alrededor del piano, y representa uno de los momentos más vulnerables del material. Además funciona como un interludio entre ambos polos del material. 

Después de tocar frente a miles de personas, frecuentemente se encuentra solo en una habitación de hotel, lejos de Sammy y de Pipo. Ha comenzado a buscar momentos de silencio, salir a los balcones durante la madrugada e incluso dejar de escuchar música cuando maneja. En ‘Atrapado y libre’, producida por Deputy, compara esa situación con la de un perro en un balcón. Puede observar todo lo que sucede afuera, pero no puede moverse de ahí. “Parece que el mundo te pertenece, puedes verlo todo y sentirlo al alcance, pero no puedes salir de tu caja, tu jaula o tu balcón”, explica.

‘MARGOT’ nació durante una gira por Argentina. Nsqk llegó cansado a un hotel de Buenos Aires y descubrió que el jabón de la habitación olía a su abuelo. El recuerdo lo llevó a pensar en su familia y en actividades cotidianas que ahora le resultan más difíciles de mantener, como organizar una cena en un martes cualquiera o pasar tiempo con personas cercanas sin preocuparse por el siguiente viaje.

El título retoma a la hermana de Gregor Samsa en La metamorfosis, a quien Nsqk llama Margot en su interpretación. Al principio, ella es quien reconoce que, a pesar de su transformación, Gregor sigue siendo su hermano, y se encarga de cuidarlo cuando los demás comienzan a rechazarlo. Rodrigo encuentra en esa relación una manera de hablar del cuidado propio. Después de un disco dedicado a la ambición y a todo lo que está dispuesto a hacer para alcanzar sus objetivos, entiende que también debe prestar atención a sus propias necesidades. “Te das cuenta de que tú eres la única persona que te va a cuidar día y noche, en las buenas y en las malas, cuando estés solo o cuando no estés solo”, explica.

La canción termina con la frase ‘Cántame los blues’, una referencia al género que asocia con la posibilidad de expresar la tristeza y aceptar las dificultades de la vida. Así, el álbum que comienza con ‘SAMSA’, un personaje que atraviesa una transformación y pierde progresivamente sus vínculos, termina con ‘MARGOT’ y la necesidad de cuidarse para no perderse a sí mismo mientras persigue la grandeza.

Nsqk quiere continuar creciendo, presentarse en escenarios más grandes y llevar su música a nuevos países, pero todavía está aprendiendo a disfrutar sus logros y a entender las consecuencias de su ambición. Durante nuestra última conversación recordamos un video antiguo en el que hablaba sobre su sueño de presentarse algún día en Camp Flog Gnaw, una meta que ahora ha conseguido. Le pregunto qué le diría al Rodrigo de entonces. “Échale huevos. Vas a llegar, todo a su momento”, responde. Después recuerda un consejo que Machado, su mánager, suele repetirle: “Esto no es una carrera de velocidad, es una carrera de distancia”. Nsqk quiere ser el mejor y está dispuesto a trabajar para conseguirlo, pero también está aprendiendo que la grandeza que persigue no necesariamente tiene que llegar tan rápido como él quisiera.

PD: No, no está Latin Mafia en el disco. Así es la vida. Son artistas ocupados. Ya sucederá. 

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Judeline se acaba de despedir de Bodhiria, su álbum de 2024 que marcó una etapa musical y artística llena de hitos tanto a nivel nacional, como a nivel internacional. Entre sus muchos logros se encuentran una gira extensa que la llevó a pisar grandes escenarios como Coachella, colaboraciones históricas con artistas como Karol G y su debut actoral en La bola negra, pero como todo lo que inicia tiene su final, tras la era del disco llega la era de la inspiración.

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“Tengo mucha hambre de crear música”: Judeline

La cantante y compositora andaluza afirma que ha llegado el momento de vivir experiencias más cotidianas para poder encontrar los hilos de los que tirará para su segundo álbum de estudio, un trabajo que todavía no existe y para el que se tomará el tiempo necesario. Para hacer más amena la espera, este año Judeline ha compartido tres canciones: ‘pequeñita!’, ‘BESITO’ y más recientemente ‘La falda’, esta última siendo un homenaje más directo a sus raíces. Además de su sonido flamenco, el tema incluye un sample de la banda sonora de Amélie, mientras que el vídeo musical cuenta con la participación de Rossy de Palma y Diego Calva, y hace referencia a Penélope Cruz y a Javier Bardem en Jamón, jamón y al arte de Julio Romero de Torres.

En esta conversación, la artista habla sobre su participación en el filme más reciente de Javier Ambrossi y Javier Calvo (Los Javis), su deseo de continuar trabajando en bandas sonoras, la importancia de tener a Andalucía siempre presente y lo que vendrá al haberse despedido de Bodhiria.

Me gustó mucho esta versión a capela de ‘Soldadito Español’ que cantaste en La Revuelta. ¿Cómo terminaste involucrada en el proyecto de La bola negra?

Fue super guay. Fue el año pasado alrededor de septiembre u octubre. Hace un año Los Javis pensaron en mí para el papel que hago en la parte chiquitita de La bola negra. En el proceso del guion y de los ensayos me pidieron que cantara ‘Soldadito Español’ en el comienzo de la película. Fue muy especial, la verdad, estoy super agradecida con ellos por la oportunidad.

Pensé que había sido primero la canción y luego el cameo.

No, no, pareciera, pero fue al revés.

¿Cómo te sentiste actuando por primera vez?

Me gustó mucho, la verdad. No conocía esa parte de mí. La disfruté un montón. Ellos me dirigieron super bien, fue super bonito allá en la nieve. Fue muy mágico y… No sé, me han despertado una curiosidad y una cosa por la actuación que no conocía.

Esta versión del ‘Soldadito Español’ es bien distinta a la original. Solamente con el cambio de tonalidad y de tempo ya adquiere otro significado. ¿Qué buscaban junto a Raül Refree con esta versión?

Creo que lo llevan a un lado más reivindicativo y de izquierdas. En la película le dan un significado más alejado de algo que estaba más asociado en su momento. Es muy lindo el contexto de la película en el que la canción suena.

¿Qué tanto dejaste de ti en este proyecto?

La verdad es que me dejé llevar bastante por Raül Refree tanto como Los Javis. No tomé tantas decisiones. No puse tanto de mí. Bueno, sí puse cuando tuve que grabar. Venía de un concierto, vine sin dormir, me recogieron el mismo día porque no me daba tiempo, estaba en medio de ensayos. Así que fue un gran sacrificio para mí el día de rodaje que hice porque estaba en las semanas más ocupadas de mi vida.

Lo que viene siendo musicalmente, me dirigieron y yo puse esa parte de mí que era la voz y poco más.

¿Sentiste algún tipo de conexión con Andalucía teniendo en cuenta que La bola negra está basada en una obra de Lorca?

Sí, full. Además, yo tenía que poner acento granaíno, que es esta parte de Andalucía y también lo grabamos en Andalucía, lo grabamos en Sierra Nevada. Obviamente, Lorca es, yo diría, mi poeta favorito y su historia… Creo que el sentimiento tan especial que tenemos los andaluces hacia Lorca significa mucho y obvio aparecer en una película que hace un homenaje tan bonito es un super honor.

Qué bonito. ¿Esta no es la primera vez que formas parte de una banda sonora de un proyecto cinematográfico? El año pasado también pusiste tu granito de arena en Tron: Ares junto a Nine Inch Nails. ¿Qué se te quedó grabado de ese trabajo?

Fue increíble, la verdad. Yo nunca había visto Tron antes. Cuando Nine Inch Nails me propuso participar con ellos y que necesitaban una voz femenina para ese momento, fue muy especial que contaran conmigo y les estoy eternamente agradecida. Me hace mucha ilusión, en general, que mi voz suene en una película donde sale Evan Peters, la verdad. O sea, yo casi me muero.

¿Te gustaría seguir haciendo parte de bandas sonoras?

Sí, es uno de mis sueños. Me encantaría hacer una completa, hacer un álbum completo, me gusta mucho.

Sí, tienes una sensibilidad con los instrumentales. Yo lo pensaba con los samples, por ejemplo, aquí en ‘La Falda’ sampleas a Yann Tiersen de Amélie. Y también en ‘com você’ sampleas a Jerry Rivera, que pareciera de un género súper distante a la música que tú haces, pero ahí está.

Sí.

Entonces, ¿qué es lo que disfrutas de darte la tarea de incorporar estas cositas en tus canciones?

Bueno, me divierte jugar con los géneros, referenciar melodías o momentos y sonidos de canciones que están muy asociadas a un género o a un tiempo y llevarlos a mi terreno. Me divierto mucho, al final es como pintar y utilizar muchos colores. Lo de Yann Tiersen salió así y estoy demasiado contenta del resultado.

Cuéntame, ¿qué hay detrás de ‘La Falda’? Es una canción bien flamenca en su sonido, pero también es bien atrevida en su letra.

Sí, la verdad que es bastante pícara. Pero me he soltado, me he dejado, no me he juzgado a mí misma a la hora de escribirlo. Me divertí mucho escribiéndolo. Me puse un poco más rapera, dejé salir esa parte de mí y estoy expectante a ver lo que la gente siente con la canción, yo creo que va a ir bien.

¿Por qué quisiste incorporar este puente más rapeadito en la canción? Creo que no te había escuchado cantar de esa forma.

Sí, es un registro que no he utilizado tanto. O sea, sí lo he utilizado mucho, pero me ha dado un poco de vergüenza terminar sacando las canciones, pero siempre ha estado un poco ahí. Supongo que lo utilizaré más ahora que he abierto esta ventana, la verdad.

También has dicho que Rossy de Palma es tu ídola y que incluso te gustaría ser como ella de mayor, ¿cómo lograste que estuviera en el video musical?

Ella siempre ha sido muy linda conmigo y me apoyo mucho en ella, tenemos una relación muy bonita. Entonces, le escribí, ella quiso tener ese momento en el videoclip y venir el día del rodaje. Estoy super agradecida con ella y con Diego Calva. Los dos me salvaron la vida y estoy super contenta con el resultado.

¿Por qué dices que te salvaron la vida?

Porque estaba un poco agobiada con quién iba a salir en el vídeo, quería que fueran personas que yo de verdad admire y que sean muy especiales. Admiro demasiado a Diego Calva como actor; admiro demasiado a Rossy de Palma como ícono. Entonces, que ellos dos estén en el vídeo conmigo era lo más especial y lo que a mí me dejó tranquila a la hora de ir al rodaje.

¿Qué historia querías contar con el video?

Yo creo que quería llevar un poco Andalucía al vídeo y contarlo de una manera un poco pícara y tensa. Es como un romance, pero es un poco… Para mí, tiene un toque humorístico también, como que el chico se esté arrastrando, que, de pronto, la patada en la cabeza y no sé qué. Tiene un toque muy juvenil en mi opinión y es como este roneo. Creo que cuando uno es más joven y le gusta alguien, tiene esta forma de interactuar y de que le guste el otro, pero como de niño pequeño.

Siempre me ha hecho gracia y queríamos mostrarlo un poco en el vídeo, también referenciando mucho a Penélope Cruz y a Javier Bardem en Jamón, jamón. También referenciamos un cuadro de Julio Romero de Torres, que es un pintor andaluz increíble. Al final, como el beat es de Yann Tiersen, el sample es tan cinematográfico, queríamos que se viera un poco de cine también en el vídeo.

¿Qué tan importante es para ti reflejar tu identidad andaluza en tu música y en todo lo que haces?

Me gustaría tenerlo cada vez más presente y me gustaría llevar a Andalucía a un lugar muy especial. Me gustaría llevar a Andalucía a un momento internacional. Para mí, la cultura de Andalucía es algo único en el mundo. Yo, antes que cualquier cosa, soy andaluza. Entonces, está muy presente en mí, lo extraño mucho, creo que hay tantas cosas que se pueden contar dentro de Andalucía tan bonitas. Si yo no fuera andaluza, mi música sería completamente distinta.

Este año has publicado tres singles, está ‘pequeñita!’, ‘BESITO’ y ahora ‘La Falda’. Todos son muy distintos entre sí y esto no es ninguna sorpresa proviniendo de ti. Has dicho que ‘BESITO’ pertenece al imaginario de VERANO SAUDADE, entonces, ¿a qué pertenece ‘La Falda’?

‘La Falda’ no pertenece todavía a nada, me refiero a que no existe a lo que pertenece. Sí estoy en el proceso de crear mucho, inspirándome un montón, pero a lo que vendría perteneciendo ‘La Falda’ le queda mucho todavía. Por ahora no pertenece a nada. Sí siento que es el comienzo de algo, pero no tiene por qué pertenecer a nada aún.

Tú siempre has mantenido este secretismo respecto a lo que vendrá luego de Bodhiria. Has dicho en varias ocasiones que tienes claro lo que quieres para tu segundo álbum, pero en ningún momento has dicho a qué te refieres o has dado detalles al respecto…

Es que siendo super honesta, estoy en el proceso. Ahora te puedo decir lo que quiero que sea, pero el mes que viene voy a cambiar de opinión. Solamente se va a saber exactamente qué es hasta que quede un poco para que salga el disco y todavía queda muchísimo para eso. Sí, estoy en el proceso, lo estoy haciendo y estoy trabajando en él, pero me conozco y de pronto el mes que viene lo voy a cambiar entero. Aunque ahora te dijera, “No, va de esto y esto”. Nunca se sabe en qué va a evolucionar el mes siguiente.

¿Qué tan íntimo consideras que es tu proceso creativo?

Yo creo que bastante, la verdad, no dejo que nadie interfiera en él. Elijo con mucho cuidado los músicos y los productores que trabajan conmigo, no me gusta mucho que nadie fuera de ese proceso opine en mi proceso artístico o en mi proceso de creación, en mi trabajo, en mis canciones. Suele ser bastante íntimo, digamos que lo suelo llevar más a lo mío.

¿Qué cosas tienes claras que no repetirías en un siguiente trabajo?

Yo creo que hay una organización y una manera de comprender qué necesitas para un álbum que yo no comprendía cuando hice el primero. Tienes que tener claro el budget, el presupuesto, tienes que tener claro los tiempos que tienes, lo que está costando el estudio. Creo que no era consciente de nada de eso, me arruiné un poco con Bodhiria y haciéndolo. Supongo que ahora lo veo eso de una manera más adulta, ya sé lo que es un primer álbum, conozco también lo que te puede pasar que puedes empezar a odiar una canción porque la escuchaste demasiado, pero eso no significa que la vayas a odiar para siempre, simplemente necesitas un espacio de ella. Hay muchos procesos que experimenté por primera vez en el primer álbum y que ahora comprendo mucho más que me están ayudando mucho a poder hacer este álbum mucho más llevadero.

¿Te has reconciliado con esta cualidad tuya de que te aburres rápido de tus canciones?

Un poco, no sé. A ver, en verdad yo ahora escucho a Bodhiria y me flipan. A mí Bodhiria me encanta. Yo creo que tiene que pasar tiempo simplemente, pero este álbum de ahora… es que ni lo estoy empezando, es que no sé si saldrá en un año, en tres o en siete, no sé, estoy en el comienzo de la aventura, no sé cuánto me va a llevar. Pero de Bodhiria sabía que cuando lo saqué, iba a necesitar un tiempo sin escucharlo y mira, me he reenamorado del álbum.

También ahorita en septiembre fue el fin de la gira. ¿Qué sientes de estar cerrando esta etapa?

Ya está, ya terminó. Maté a Angel-a, maté Bodhiria, maté todo y ya el tour terminó, no vuelve.

¿Qué te llevaste de toda esta gira?

Demasiadas cosas, es que me ha hecho adulta la gira porque han sido como dos años y medio. Yo empecé el tour como con 20, si no me equivoco, y lo he terminado con 23. He crecido muchísimo, he aprendido muchísimas cosas, hemos viajado por todo el mundo, he ido a países y a lugares por primera vez en mi vida. Al principio, la crew éramos cinco o seis personas y hemos terminado siendo más de 22.

Mi carrera ha evolucionado junto al tour, mi vida ha cambiado junto al tour, mi poder adquisitivo, mis amigos, mis relaciones… Han cambiado muchísimas cosas. Estoy muy feliz de que haya un parón porque yo no podía más y tampoco me daba tiempo de hacer música. Yo pensaba, ¿de qué voy a hablar? ¿De qué voy a escribir las canciones si no estoy viviendo nada que no sea dar conciertos? Creo que ahora estoy en esas, en intentar vivir experiencias y nutrirme y beber de todo el arte que pueda para poder expresarlo en la música que hagamos a futuro.

Estos dos años larguitos desde el lanzamiento de Bodhiria, justamente has despegado de una manera brutal. Ha habido colaboraciones, nominaciones, proyectos cinematográficos; han pasado un montón de cosas en tu carrera. ¿Qué es lo que más le agradeces a Bodhiria?

Yo le agradezco mucho el público al que ha llegado. Creo que hay personas que han conectado de una manera muy especial y muy mágica con el álbum. Han comprendido mucho qué es mi universo y cómo me gusta narrar una historia. Me llevo muchísimo aprendizaje, muchos caminos y puertas abiertas que me han ayudado muchísimo para el momento en el que estoy ahora. Hay tanto aprendizaje por todos los lados que no te podría decir uno solo.

¿Qué retos te gustaría proponerte de cara a un nuevo disco?

Yo creo que aprender, simplemente. Estudiar, saber más de música… Eres colombiana, ¿no?

Sí.

Pues ser “juiciosa”. Porque no hay una palabra en España para decir “juiciosa”, pero sí, sería un poco eso.

¿Qué tanto ha cambiado tu relación con el éxito? Tipo, ¿antes tenías una definición sobre el éxito que a lo largo de todo esto que has vivido, ha evolucionado, se ha mutado en algo muy diferente?

A ver, yo creo que tampoco soy artista pop como… ¿Cómo decirlo? Estoy ahora decidida a no estar en este éxito de “prensa rosa” y vida muy limitada. Yo sigo haciendo mi rutina, sigo saliendo a la calle tranquila por mi barrio. Obviamente, alguien me dice algo en algún momento, pero me lo tomo con humor. O sea, una chica vino hoy y me dijo, “Te pareces muchísimo a Judeline”, y le dije, “Sí, me lo dicen me lo dicen demasiado”, y me fui [risas]. Pero yo sigo haciendo mi rutina, no quiero cambiar mi vida. No quiero esta parte del éxito.

Obviamente, a veces me cuesta sentirme más observada de la cuenta o ver cómo mi vida cambia o mi forma de interactuar con las personas es un poco distinta, pero también es la consecuencia de esta vida que me está dando mi trabajo y del éxito. Gracias al éxito me puedo permitir viajar mucho más de lo que viajo, mucho más cómoda, ver a mi familia más a menudo, viajar con mi familia, vivir en la casa en la que vivo, poder comer todos los días. En plan, estoy agradecida por todo lo que me está trayendo el éxito de mi trabajo y todas las puertas que me está abriendo.

Todo son cosas buenas, es verdad que hay un peso mental que es complicado llevar porque no sé si el humano está hecho para socializar de esta manera, es una manera muy extraña. Pero bueno, adaptándome un poco a este a esta vida nueva que no conocía.

¿Te consideras una persona extrovertida?

Sí, siempre he sido extrovertida, pero siempre me ha dado bastante ansiedad socializar. Siempre me dicen, “No, de verdad, tú eres la persona más extrovertida del mundo”, pero es ansiedad, en realidad. Todo es un acting y es todo un entrenamiento que creo que he estado practicando desde que nací porque siempre he tenido muchos problemas para atender y para prestar atención a las conversaciones, me pierdo muy rápido.

Creo que esta ansiedad social me ha hecho entrenar y entrar en este papel de la más extrovertida y divertida, y como “la que más skills sociales tiene”, pero luego llego a mi casa y estoy absolutamente agotada y drenada. No paro de darle vueltas a qué dije, qué no dije, que hablé demasiado. Entonces, sí digo que soy extrovertida, que me lo paso bien, pero socializar es un esfuerzo mental muy grande para mí.

¿Cómo es ahora tu relación con el paso del tiempo, ya que también han pasado varios meses de VERANO SAUDADE?

Estoy más tranquila, no me ha dado como esa crisis existencial y ya comprendo que las cosas tienen que pasar y estoy, simplemente, estando presente. Ya se me ha pasado ese caos, ese terror, a que pasara el tiempo. ¡Estoy disfrutando!

Me siento muy bien teniendo 23 años y ahora cuando cumpla 24, también. Disfruto mucho ser joven y he aceptado que todo lo que tenga que vivir no lo puedo controlar, entonces, estoy en un punto muy bonito ahora mismo.

Uno de los más grandes acontecimientos de este año son tus colaboraciones con Karol G, ¿Alguna vez colaborar con ella estuvo en tu lista de pendientes?

La verdad, antes de trabajar con ella no le tenía tan en mente, pero siempre la he admirado muchísimo y siempre me hubiera hecho ilusión escribir algo para ella. Entonces cuando me salió la oportunidad, no dudé ni un segundo en ir a donde ella y trabajar juntas. Fue un honor. Su fuerza, su talento, es de otro mundo. Verlo de cerca fue un super privilegio para mí.

Cuando escuché el disco, yo sabía que habías contribuido en ‘MATADORA’ y ‘BbY WOW’, pero sin saberlo identifiqué las otras dos canciones en las que estuviste. ¿Cómo logras escribir para otros artistas? ¿Cómo sabes cuándo diferenciar entre “esta canción quiero que sea para otro artista” o “esta canción me la quedó para mí”?

De las cuatro canciones que hay en el álbum, tres las escribí con ella, entonces yo estaba en el mindset de, “Esta canción la estoy escribiendo para Karol”; en ningún momento era para mí. Pero ‘Final feliz’ sí fue en un momento super personal y triste en el que yo estaba, pero que a su vez era super paralelo a lo que estaba pasando Karol en ese momento. Estábamos las dos en un momento muy personal.

Normalmente, cuando estoy empezando una canción pienso, “Esto sí lo voy a sacar y luego tengo que hacer esto”. Pero aquí lo hice por pura medicina, lo hice como, “Necesito soltar esto en este momento y desahogarme”. Cuando las canciones son tan íntimas, me cuesta sacarlas y yo sabía que estaba siendo tan íntimo que yo no sería capaz de sacar la canción, pero también pensé que Karol estaba pasando por un proceso parecido a mí y que en su voz podría quedar algo super especial y lindo.

Me alegra mucho que una canción que a mí en ese momento me ayudó tanto escribir, que la necesité en ese momento, haya podido ver la luz, porque yo no creo que la hubiera sacado por mi lado porque hubiera sido demasiado vulnerable. Quizás, me hubiera hecho mucho daño sacarla. Me pone feliz que la haya sacado de ella y en su voz, en su interpretación y los cambios que hizo me hacen muy feliz.

¿Qué es lo más enriquecedor de trabajar con otros artistas y compositores?

Que ves la forma de trabajar de cada persona y aprendes, pero yo creo que como cualquier profesión, ¿no? Si eres cocinero, ves cómo cocina alguien y dices, “Ah, pues mira, hace esto primero que esto, corta esta verdura antes que esta, lo hace así y luego pone esta especia. Ah, mira, no sabía esa técnica”. Creo que, en general, rodearte de profesionales de tu propia profesión y ver cómo trabajan te hace explorar y ver cómo puedes hacer de maneras muy distintas un resultado parecido. Creo que todo lo que sea ver a otras personas hacer lo que tú haces puede darte unas perspectivas muy distintas de cómo hacer tu trabajo.

Desde los inicios de tu carrera, has trabajado de la mano con otros artistas. ¿Has sentido que en algún momento que eres recelosa con tus canciones?

Yo creo que sí. Soy muy íntima con mis canciones y la verdad que no trabajo con mucha más gente que no sea los productores de ellas. Tampoco soy una persona que le gusta mucho colaborar porque me cuesta que alguien se meta en mis composiciones o que me diga qué tengo que hacer o whatever. Entonces, sí, sigo un poco en esa dinámica.

Hace un momento me decías que toda esta vorágine de Bodhiria te impidió dedicarle el tiempo que querías a la composición. ¿En qué cosas encuentras inspiración?

Ahora mismo, en el descanso. Yo necesito aburrirme un poquito para agarrar con muchas ganas la composición y volver a mi trabajo con mucha ansia. Ahora mismo, pues eso, descansar, experimentar, enamorarme, desenamorarme, salir con mis amigas, estar en casa, estar en silencio, no escuchar nada, o escuchar muchísima música, leerlo todo, ver películas… Al final, necesito tiempo para estimularme o desestimularme, más bien. En esas estoy ahora un poco también.

¿A qué tipo de medios acudes cuando sientes que no tienes inspiración?

Lo que es inspiración, nunca escribo fuera del estudio. Sí digo, “Me gustaría escuchar esta canción”, pero sale muy en el momento. Nunca digo, “Ay, me ha venido la inspiración, voy a escribir”. Que siempre es como, “Vale, estoy en el estudio, toca hacer mi trabajo, ahora es cuando va a salir todo de mi cuerpo”, ahí me abro. Supongo que el resto del tiempo se van acumulando esas inspiraciones en mi cabeza y se preparan para salir una vez esté en el estudio.

Pero bueno, sí escucho música de todo tipo, veo muchas series, películas que me estimulan. Juego videojuegos, que al imaginario también me ayuda mucho tener esos dos estímulos. Me gusta mucho ponerme mi videojuego y poner música de fondo. Jugar al Zelda y poner música clásica de fondo, o ponerme Minecraft y ponerme un podcast de historia de fondo.

Me gusta tener como ese momento donde mi mente está bastante estimulada, pero que puedo dejar volar mi imaginación bastante también. Intento hacer esos jueguitos.

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