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Foo Fighters presentó una nueva sesión para el formato Tiny Desk, en la que adaptó su sonido de estadio a un espacio mucho más reducido sin modificar su esencia festiva. Antes de la grabación, el grupo trabajó durante semanas en los arreglos del set e incluso replicó las dimensiones del escritorio de NPR en un espacio de ensayo para preparar la presentación. “Si nos pones instrumentos en las manos y hay gente enfrente, es divertido tocar”, comentó Dave Grohl durante la sesión.
El repertorio abrió con ‘Spit Shine’, uno de los temas incluidos en Your Favorite Toy, el nuevo álbum de la banda lanzado el pasado 24 de abril. Después interpretaron ‘Learn to Fly’, canción originalmente publicada en There Is Nothing Left to Lose de 1999.
La sesión también incluyó ‘Child Actor’, otro tema de Your Favorite Toy con un enfoque más contenido en comparación con el resto del set. Para cerrar, Foo Fighters recurrió a dos de las canciones más reconocidas de The Colour and the Shape de 1997, ‘My Hero’ y ‘Everlong’.
La alineación de la presentación estuvo conformada por Dave Grohl en voz y guitarra, Pat Smear en guitarra, Chris Shiflett en guitarra y coros, Nate Mendel en bajo y coros, Rami Jaffee en teclados e Ilan Rubin en batería y coros.
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Los Red Hot Chili Peppers vendieron su catálogo de música grabada a Warner Music Group en un acuerdo valuado en más de 300 millones de dólares.
Cinco años después de que la banda vendiera sus derechos de publicación en un acuerdo de 150 millones de dólares, el catálogo grabado de los Peppers —que abarca 13 álbumes de estudio, de los cuales los últimos nueve fueron lanzados a través de Warner— más que duplicó aquella cifra en una operación concretada el viernes, según reportaron The Hollywood Reporter y Billboard.
La compra del catálogo de los Chili Peppers formó parte de un acuerdo más amplio entre WMG y Bain Capital, una empresa conjunta que hasta ahora ha adquirido alrededor de 650 millones de dólares en derechos musicales y de publicación. El acuerdo con RHCP representa aproximadamente la mitad de esa cifra, mientras que el destino del gasto restante aún no ha sido revelado, de acuerdo con Billboard.
En mayo de 2021, Red Hot Chili Peppers vendieron sus derechos de publicación a Hipgnosis Songs Fund por cerca de 150 millones de dólares. Según The Hollywood Reporter, esos derechos podrían volver a cambiar de manos, ya que Hipgnosis —ahora conocida como Recognition Music Group — se encuentra en proceso de ser adquirida por Sony Music Group como parte de un acuerdo multimillonario.
El catálogo de música grabada de los Red Hot Chili Peppers, que genera alrededor de 26 millones de dólares anuales y pertenecía directamente a la banda, había estado en el mercado desde el año pasado con un precio estimado de 350 millones de dólares, reportó previamente Billboard. Warner Music Group era un comprador lógico, ya que el sello ha sido hogar de la banda desde Blood Sugar Sex Magik de 1991. Los primeros cuatro LPs del grupo fueron publicados a través de EMI.Red Hot Chili Peppers lanzaron por última vez Unlimited Love y su sucesor inmediato, Return of the Dream Canteen, en 2022. Hasta el momento, ni la banda ni Warner Music Group han comentado públicamente sobre la adquisición
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Hace cinco meses, Ariana Grande bromeó sobre necesitar ‘un cerebro extra y cuatro brazos más’ para volver a entrar en modo álbum. Su disco más reciente, Eternal Sunshine, llegó hace dos años y posteriormente tuvo una edición deluxe lanzada el año pasado. Probablemente eso habría sido suficiente para mantener satisfechos a los fans por un tiempo más, pero Grande no pudo evitar regresar al estudio: su octavo álbum, Petal, llegará el próximo 31 de julio.
Grande se encontrará en plena gira de Eternal Sunshine cuando el disco vea la luz. El año pasado, la cantante habló sobre cómo su relación con la música ha cambiado mientras dedica más tiempo a proyectos cinematográficos, como Wicked y la próxima comedia Focker-in-Law.
‘Es muy ingenuo de su parte asumir que, solo porque tengo las manos llenas con muchas cosas, planeo abandonar el canto y la música’, escribió la artista en Instagram. ‘Es y siempre ha sido mi salvavidas. Tendrá que haber espacio para todo eso’.
Petal nació precisamente de ese espacio que Ariana creó entre todos esos proyectos. Esto es todo lo que sabemos sobre el álbum.
Petal surgió del lado más audaz de Ariana Grande
‘¡Sorpresa!’, dijo Ariana Grande al presentar Petal ante Republic Records. La cantante reunió a su equipo del sello para escuchar un adelanto del disco, momento que capturó y compartió en un video teaser en Instagram.
Al explicar el concepto detrás del álbum, Grande describió el proyecto como ‘un poco salvaje’, y añadió: ‘Definitivamente viene de un lugar al que quizá antes me daba demasiada pena o donde era demasiado educada para profundizar. Esto simplemente se siente como un “a la mierda”’.
Ariana Grande comenzó Petal como un ‘experimento de escritura’
En el video donde explica el álbum a su sello discográfico, Ariana Grande contó que el proceso creativo del disco implicó ‘romper con distintos tipos de vínculos negativos, ya fueran mis propios monstruos en mi cabeza, voces externas o cosas que ya no me sirven’.
Desde la perspectiva compositiva, el proyecto también representó un nuevo reto para la artista. ‘Fue un experimento de escritura para mí usar eso como plantilla, de manera que pudiera hablar de algo y compartirlo’, explicó, ‘y que las personas pudieran interpretarlo como quisieran y aplicarlo a sus propias vidas’.
El primer sencillo del álbum es una de las canciones favoritas de Ariana Grande
El viernes 8 de mayo, Ariana Grande reveló el título del primer sencillo de Petal. ‘Hate That I Made You Love Me’ será lanzada el próximo 29 de mayo.
En una publicación de Instagram, la cantante elogió el tema y aseguró que se trata de ‘una de mis canciones favoritas que escribiré en toda mi vida’.
Petal reúne nuevamente a Ariana Grande con Max Martin e Ilya
En su publicación anunciando ‘Hate That I Made You Love Me’, Ariana Grande señaló que coprodujo la canción junto a dos de sus colaboradores de larga trayectoria y ‘seres humanos más queridos del mundo’, Max Martin e Ilya Salmanzadeh.
Los productores y compositores trabajan con Grande desde My Everything de 2014, aunque la alianza creativa entre ellos se consolidó plenamente durante Eternal Sunshine. ‘No puedo esperar a que sea suyo’, escribió la artista.
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A veces, la animación latinoamericana parece condenada a mirar hacia afuera. Intenta parecerse a Pixar, DreamWorks o Ghibli mientras deja sus propias mitologías relegadas al fondo del cuadro. Mi amigo el sol busca hacer lo contrario, al mirar hacia las culturas prehispánicas mexicanas y encuentra ahí un universo visual, espiritual y emocional gigantesco. Y lo mejor es que lo hace desde la aventura y no desde la frialdad del museo o la solemnidad académica.
La ópera prima de Alejandra Pérez González sigue a Xóchitl, una niña fascinada por la mitología mexica que descubre que sus murales pueden abrir portales hacia Tollan, el reino de los dioses. Mientras intenta comprender ese nuevo mundo fantástico, también debe lidiar con una relación compleja con su padre Diego, un hombre agotado por dificultades económicas y por el miedo constante a que los sueños artísticos de su hija terminen estrellándose contra una realidad hostil.
Luego aparecen Quetzalcóatl, Tláloc y Tezcatlipoca, así como referencias constantes a cosmogonías prehispánicas, símbolos ancestrales y lenguas indígenas. Pero todo eso está integrado dentro de una historia sobre familias, tradición y pertenencia.
La película entiende que las culturas antiguas sobreviven cuando siguen dialogando con el presente. Por eso Tollan se siente vivo, caótico, luminoso y profundamente cercano y no como un mundo muerto o arqueológico. Los dioses discuten, hacen bromas, manipulan situaciones y reaccionan emocionalmente como personajes de una gran aventura fantástica. En ciertos momentos, el tratamiento recuerda mucho al de Hércules o Las locuras del emperador, las cintas animadas de Disney, especialmente en la forma caricaturesca y juguetona de reinterpretar figuras mitológicas.
En parte funciona, particularmente con Tezcatlipoca, cuya energía burlona y teatral termina robándose varias escenas. Hay algo muy astuto en cómo la película toma deidades gigantescas de la tradición mexicana y les permite coexistir dentro de un relato familiar contemporáneo sin perder peso simbólico. Pero a veces, la cinta cae en ese ruido y frenetismo molesto, especialmente para el público adulto, en el que caen muchísimas cintas animadas, tanto latinoamericanas como europeas, asiáticas o estadounidenses.
Visualmente, Mi amigo el sol también tiene personalidad propia. La animación 2D apuesta por colores intensos, cielos saturados y composiciones que parecen inspiradas tanto en el muralismo mexicano como en la ilustración infantil contemporánea. Además, la película entiende que el movimiento dentro de la animación artesanal puede transmitir calidez emocional incluso cuando ciertas limitaciones técnicas son visibles.
Porque hay imperfecciones. Algunas animaciones secundarias se sienten rígidas y ciertos movimientos corporales carecen de fluidez. Pero incluso esos detalles terminan reforzando la sensación artesanal del proyecto. Y detrás de eso hay otra capa importante. Esta película existe dentro de un contexto donde la animación mexicana sigue luchando por consolidar industria, financiamiento y un espacio cultural propio.
En ese sentido, el trabajo de Alejandra Pérez González tiene un peso histórico importante. No solamente porque se convierte en una de las primeras mujeres en dirigir un largometraje animado comercial mexicano, sino porque además lo hace apostando por una historia profundamente local en lugar de disfrazar su identidad para buscar validación internacional. Pese a que Coco de Pixar es una gran película animada, es gratificante tener una cinta animada que habla de México desde una voz mexicana.
Mi amigo el sol también introduce elementos valiosos como el uso parcial del náhuatl en secuencias importantes, decisión que jamás se siente oportunista. Al contrario, ayuda a reforzar la idea de que las lenguas indígenas siguen siendo parte viva del presente latinoamericano. Narrativamente, quizá el filme apuesta por lo demasiado seguro en algunos momentos. Hay conflictos emocionales que se resuelven de forma predecible y ciertos personajes secundarios podrían tener más desarrollo. Además, el humor infantil a veces simplifica las tensiones dramáticas que pedían mayor complejidad. Sin embargo, el corazón de la película late con suficiente fuerza para sostenerlo todo.
Especialmente porque el vínculo entre Xóchitl y Diego nunca pierde humanidad. Él representa una ansiedad profundamente contemporánea relacionada con padres que aman a sus hijos pero que sienten terror de que el mundo destruya sus sueños. Ella, mientras tanto, encarna algo igual de poderoso, y es la necesidad de preservar la imaginación, la memoria cultural y la sensibilidad artística incluso dentro de sociedades obsesionadas con la productividad, la monetización y la supervivencia económica.
Ahí Mi amigo el sol encuentra algo hermoso, porque más allá de dioses, portales y criaturas fantásticas, la película termina hablando sobre qué ocurre cuando una generación decide reconectarse con historias que parecían olvidadas. Y en tiempos donde tantas identidades culturales terminan convertidas en mercancía vacía, eso tiene muchísimo valor.
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Ambientada en una versión alternativa del Nueva York de los años treinta, la serie Spider-Noir reinventa el universo de Spider-Man desde el lenguaje del cine negro clásico con detectives derrotados, corrupción institucional, calles húmedas iluminadas por neones y personajes que esconden más de lo que dicen. La serie, desarrollada por Oren Uziel y Steve Lightfoot, sigue a Ben Reilly, interpretado por Nicolas Cage, un investigador privado venido a menos que vuelve a enfrentar su pasado como “The Spider”.
Dentro de ese universo aparecen Cat Hardy y Robbie Robertson, interpretados por Li Jun Li (Babylon, Sinners) y Lamorne Morris (Fargo, Game Night). Ella encarna una nueva versión de la clásica femme fatale ligada al universo de Black Cat; él, a un periodista obstinado que intenta mantener cierta integridad moral dentro de una ciudad dominada por la corrupción.
Ambos actores nos hablaron sobre el tono noir de la serie, las contradicciones emocionales de sus personajes y la manera en que reinterpretaron figuras clásicas de Marvel dentro de una historia más oscura y melancólica.
El universo de Spider-Noir existe dentro de un mundo definido por sombras, ambigüedad moral e identidades fracturadas. Li, ¿cómo abordaste la construcción de Cat Hardy dentro de ese paisaje tan noir?
LI JUN LI: Bueno, gracias a Oren, nuestro creador. Él escribió esta historia inspirándose en el cómic de Marvel Spider-Man Noir. Y los personajes de la serie también están muy inspirados en distintas iteraciones de los personajes de los cómics. Mi personaje, Cat Hardy, es realmente una interpretación distinta de lo que creo que internet está perdiendo la cabeza esperando ver.
Cuando me presentó el personaje, Oren me habló de figuras como Rita Hayworth, Kim Basinger en L.A. Confidential, Ida Lupino, Vivien Leigh… y yo venía además de trabajar en Babylon, donde había investigado muchísimo sobre Anna May Wong, la primera actriz chino-estadounidense, que muchas veces interpretaba roles exóticos o estereotípicos en los años veinte.
Entonces tomamos pequeños elementos e inspiraciones de todas esas figuras y construimos nuestra propia interpretación de Cat. Una versión que fuera fiel al cine noir, pero que también pudiera sentirse cercana y creíble para una audiencia contemporánea.
Robbie Robertson tradicionalmente ha sido representado como una especie de brújula moral dentro del universo del Daily Bugle. ¿Cómo reinterpretaste ese rol dentro del tono mucho más oscuro y cínico de Spider-Noir?
LAMORNE MORRIS: Sí, tienes razón. Robbie siempre ha sido esa ancla moral en otras versiones del personaje. Y creo que eso sigue estando presente acá, especialmente en un momento donde Ben Reilly está luchando con su pasado y con el peso de haber sido el único superhéroe de la ciudad.
Robbie es probablemente la persona que más intenta recordarle que la gente todavía lo necesita. Que por más difícil que sea todo, la ciudad sigue necesitando ayuda. Pero Robbie también entiende algo: no puede depender solamente de un superhéroe. Él siente que la gente necesita información. Necesita que alguien salga a contar las historias. Hay corrupción política, mafiosos, problemas dentro de la ciudad… y alguien tiene que exponer todo eso.
Entonces Robbie, especialmente en esa época, siente que también tiene que ser una especie de héroe por cuenta propia. Como diciendo: “No puedo quedarme esperando a que Spider-Man arregle todo. Yo también tengo que hacer algo”. Y ahí encuentra su propósito.
Li, en los cómics Cat Hardy —basada en Felicia Hardy, Black Cat— siempre ha estado asociada a la dualidad, la vulnerabilidad, la manipulación, la supervivencia y el deseo. ¿Cómo navegaste todas esas contradicciones en tu versión del personaje?
LI JUN LI: Bueno, todos sabemos que “femme fatale” literalmente significa “mujer fatal”. Y también sabemos que ese arquetipo implica que cualquier hombre que se involucre con ella está condenado a meterse en problemas. Pero yo realmente quería humanizarla.
Porque como actriz siempre intentas encontrar las razones detrás de las motivaciones de un personaje. Y sentía que necesitaba traer a la historia el dolor de Cat, su pasado y su vulnerabilidad, para que el público pudiera empatizar con ella y preocuparse por ella. Creo que mientras logres mostrar eso… no es muy distinto a cuando ves villanos en ciertas películas y terminas entendiendo de dónde vienen. Así que quería asegurarme de que construyéramos un personaje lo más rico posible emocionalmente, justamente por eso.
Pero el noir está construido sobre secretos. ¿Cómo interpretas un personaje cuyo poder muchas veces está en lo que no dice?
LI JUN LI: Esa es una gran pregunta… porque fue muy difícil. Creo que Cat probablemente es una de las únicas personas de la historia que guarda secretos frente a prácticamente todo el mundo.
¿Y cómo lo navegué? Creo que puse mucho de mi propia personalidad en ella. Yo soy una persona muy reservada, muy interna. Entonces hice que Cat tuviera una fachada estoica, muy controlada emocionalmente.
Ella tiene un pasado muy complicado. Tomamos distintas inspiraciones sobre una infancia difícil, una vida marcada por ciertas heridas. Y cuando finalmente apareció una oportunidad para cambiar su situación, ella la tomó. Pero eso no significa que haya olvidado de dónde viene. Creo que Cat siempre carga con ese dolor. Siempre entiende lo que significa sobrevivir.
Lamorne, las historias noir suelen enfatizar mucho el conflicto interno. ¿Qué dilemas personales o capas psicológicas exploraste al construir tu versión de Robbie?
LAMORNE MORRIS: Me hice una pregunta muy simple: “Si algo terrible estuviera pasando en tu ciudad, en tu barrio… ¿qué harías realmente?”. Y tuve que hacérmela en serio.
¿Hasta dónde estaría dispuesto a llegar para hacer lo correcto? Porque ese es justamente el dilema de Robbie. Si la gente está siendo manipulada o malinformada, él siente que es su responsabilidad corregir eso. Y cuando ves lo que está pasando con Ben, Robbie se pregunta constantemente hasta dónde está dispuesto a exponerse para ayudarlo.
Entonces terminé revisando mi propia brújula moral. Mi fortaleza mental. Mi valentía. ¿Realmente soy tan valiente como creo? Y todo eso termina entrando en la construcción del personaje, especialmente porque el guion ya tenía muchas de esas preguntas incorporadas.
El texto ya decía: Robbie es alguien valiente. Robbie ayuda a la gente. Robbie no se esconde cuando llega el momento difícil. Entonces muchas respuestas ya estaban ahí.
Li, algo muy interesante de Spider-Noir es que toma personajes conocidos del universo Marvel y los lleva hacia un lugar mucho más melancólico y adulto. ¿Sentiste libertad al reinterpretar un personaje tan asociado a otra energía dentro de los cómics?
LI JUN LI: Totalmente. Y creo que eso viene también de la confianza que nos dieron Oren y Steve desde el principio. Nunca sentí presión de “copiar” algo que ya existiera. Obviamente respetas el material original y entiendes por qué la gente ama esos personajes, pero también sabes que esta versión pertenece a otro universo. Tiene otra energía. Otro tono.
Y lo bonito del noir es que todo está atravesado por cierta tristeza. Incluso los personajes más seductores o seguros esconden soledad, trauma o arrepentimiento. Entonces Cat no podía ser simplemente cool. Necesitaba tener cicatrices emocionales reales. Eso fue lo que más me interesó explorar.
Lamorne, tú vienes de la comedia, pero esta serie trabaja desde un lugar más oscuro y contenido. ¿Cómo fue encontrar ese balance sin perder completamente tu energía natural como actor?
LAMORNE MORRIS: Creo que la comedia sigue estando dentro de mí aunque esté haciendo algo más dramático. Pero sí, claramente esto exigía otro tono. Lo que me gustó fue que Robbie no pierde humanidad. Y para mí muchas veces el humor nace justamente de eso: de personas intentando sobrevivir a situaciones difíciles.
No quería convertirlo en alguien excesivamente solemne o rígido. Porque incluso en los peores momentos, la gente sigue teniendo sentido del humor. Sigue haciendo comentarios. Sigue intentando conectar con otros. Entonces traté de mantener cierta calidez humana en Robbie.
Y además trabajar con Nic [Nicolas Cage] ayuda muchísimo porque él entiende perfectamente cómo moverse entre distintos registros emocionales. Puede pasar de algo muy oscuro a algo absurdo o vulnerable en segundos. Eso hace que todos alrededor también encuentren más libertad dentro de las escenas.
Y justamente hablando de Nicolas Cage… Spider-Noir parece una mezcla perfecta entre el actor y el personaje. ¿Cómo fue compartir escena con alguien tan ligado a la intensidad y al exceso performático?
LAMORNE MORRIS: [Risas] Nic es increíble. Lo primero que entiendes trabajando con él es que está completamente comprometido. Completamente. Y eso eleva todo alrededor.
Porque nunca tienes la sensación de que está “interpretando” una idea superficial del noir. Él realmente entiende ese mundo. Entiende el dolor del personaje. La obsesión. El cansancio. La paranoia. Y además tiene muchísimo conocimiento del género, de las referencias clásicas, de las películas antiguas.
Entonces muchas conversaciones en el set terminaban siendo sobre cine noir clásico, detectives, iluminación, actores de otra época… Era como estar en una clase de historia del cine a veces.
Li, visualmente la serie tiene una identidad muy marcada: sombras, humo, lluvia, luces atravesando persianas… ¿Eso cambia la manera en que actúas una escena?
LI JUN LI: Sí, muchísimo. Porque el entorno empieza a afectar tu cuerpo, tu ritmo, incluso tu voz. Cuando entras a un set así, inmediatamente entiendes que no estás en una serie naturalista contemporánea. Todo tiene cierta estilización. La forma en que entras a una habitación, cómo miras a alguien, cuánto silencio dejas antes de responder…
El noir tiene una musicalidad distinta. Y creo que todos entendimos eso muy rápido. La serie te obliga a desacelerar ciertas emociones y esconder otras. Muchas veces Cat está sintiendo muchísimo internamente, pero exteriormente apenas deja escapar algo mínimo. Y eso era muy importante para mí.
Lamorne, algo que atraviesa mucho la serie es esta sensación de agotamiento moral. Todos parecen cargar culpas, secretos o frustraciones. ¿Crees que eso conecta particularmente con el mundo actual?
LAMORNE MORRIS: Sí, completamente. Creo que mucha gente hoy siente cansancio emocional. Y no solamente por política o por noticias o por redes sociales. También por la sensación de que todo el tiempo estamos intentando sobrevivir a algo.
Y el noir siempre ha tratado sobre eso. Sobre personas tratando de mantenerse funcionales dentro de sistemas rotos. Por eso siento que Spider-Noir puede conectar incluso con gente que normalmente no ve historias de superhéroes. Porque realmente no se siente como una serie tradicional de superhéroes. Se siente más como una historia sobre personas heridas intentando encontrar algún propósito dentro del caos.
Li, ¿qué fue lo más difícil emocionalmente al interpretar a Cat Hardy?
LI JUN LI: Creo que entender cuánto de ella era actuación incluso dentro de su propia vida. Porque Cat constantemente está interpretando algo frente a otras personas. Está protegiéndose. Y eso puede ser agotador emocionalmente como actriz, porque tienes que construir capas sobre capas. Hay escenas donde Cat está diciendo una cosa, sintiendo otra y ocultando una tercera completamente distinta. Entonces muchas veces el trabajo era más interno que externo.
Además, quería evitar que se sintiera simplemente misteriosa “porque sí”. Quería que el misterio viniera de heridas reales, de miedo, de necesidad de supervivencia. Porque creo que muchas personas terminan construyendo máscaras emocionales justamente para protegerse.
Lamorne, el periodismo también tiene un papel muy importante dentro de la historia. Y en tiempos actuales donde la verdad parece constantemente manipulada, eso adquiere otra resonancia.
LAMORNE MORRIS: Exactamente. Y creo que Robbie entiende eso profundamente. Él sabe que contar historias importa. Especialmente en un mundo donde la gente poderosa controla la información, controla las narrativas y decide qué verdad circula y cuál no.
Entonces Robbie siente mucha responsabilidad. Y eso también lo vuelve peligroso para ciertas personas dentro de la ciudad. Porque un periodista honesto dentro de un sistema corrupto siempre representa una amenaza.
Li, para cerrar: después de trabajar en un universo tan estilizado y oscuro, ¿qué crees que hace diferente a Spider-Noir dentro de todas las adaptaciones recientes de cómics?
LI JUN LI: Creo que tiene alma. Y sé que eso puede sonar raro, pero realmente lo siento así. Muchas veces las historias de cómics actuales están muy enfocadas en el espectáculo, en expansión de universos o en acción constante. Pero Spider-Noir se toma tiempo para observar personajes. Para observar silencios, pérdidas, soledad. Y además tiene algo romántico en el sentido clásico del término. Trágico incluso. Creo que la serie entiende que las personas rotas también merecen ser protagonistas.
Lamorne, una última pregunta: ¿qué esperas que el público descubra cuando entre a este mundo tan distinto dentro de Marvel?
LAMORNE MORRIS: Espero que descubran algo inesperado. Porque sí, está el universo Marvel, está Spider-Man, están todas esas conexiones… pero realmente esta serie quiere hacer algo distinto. Quiere hablar sobre culpa, sobre redención, sobre responsabilidad, sobre personas intentando recuperar partes de sí mismas. Y además se ve increíble. [Risas]
Pero sí, más allá del estilo visual, espero que la gente conecte emocionalmente con estos personajes. Porque todos están tratando de encontrar luz dentro de lugares bastante oscuros.
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Es imposible negar que el regional mexicano se ha convertido en uno de los movimientos más importantes de la música latina actual, dominando listados y plataformas de streaming alrededor del mundo. Nombres como Peso Pluma, Carín León, Tito Double P, Xavi o Grupo Firme dejan claro que el género está lejos de ser una moda pasajera, sino un movimiento cultural en constante crecimiento, capaz de evolucionar, experimentar y redefinir sus propios límites. Sin embargo, antes de esta explosión global hubo artistas que ayudaron a construir el camino para toda una nueva generación, y entre ellos aparece un nombre imposible de ignorar: Codiciado, el cantante favorito de tu cantante favorito
Nacido y criado en Tijuana, Baja California, Codiciado —nombre artístico de Erick de Jesús Aragón Alcantar— creció en medio de una compleja situación económica, pero también profundamente rodeado por la cultura y la música mexicana. Artistas como Los Tucanes de Tijuana y Explosión Norteña marcaron su infancia y despertaron desde muy joven su interés por escribir canciones. Así, en 2015, junto a varios amigos y conocidos de su ciudad, formó Grupo Codiciado, un proyecto que rápidamente comenzó a transformar distintos códigos dentro del regional mexicano. No solo desde lo sonoro, sino también desde la estética y la identidad con la que se presentaban frente al público. Como comentó para Billboard en 2024 Fabio Acosta, parte del equipo de management del cantante: “Erick fue el primer artista en México que trajo todo este nuevo formato a la música mexicana (…) Ellos empezaron a traer el streetwear al género”.
Esa nueva identidad, sumada al lugar desde donde escribían sus canciones, fue lo que diferenció al grupo y lo llevó a convertirse en una de las propuestas más influyentes de la nueva ola del regional mexicano. Sin embargo, para Codiciado ese éxito apenas representaba el comienzo. En 2021 decidió separarse de la agrupación y, después de tomarse un tiempo para descansar y replantear su camino artístico, inició oficialmente su carrera como solista con Golpes de la vida. Ahora, casi tres años después de aquel debut, el cantante regresa con Así es la vida, un álbum que funciona como una mirada mucho más íntima y madura sobre su historia, sus aprendizajes y todo lo que ha construido dentro y fuera de la música.
Más que repetir la fórmula que lo convirtió en referente, el nuevo proyecto encuentra a Codiciado explorando nuevas formas de narrarse a sí mismo. Aunque el disco continúa profundamente arraigado en los corridos y en el sonido que ayudó a popularizar, también abre espacio para la introspección, la vulnerabilidad y la experimentación. Temas como la lealtad, la paternidad, el desamor, la ambición y las cicatrices que deja el paso del tiempo atraviesan un álbum que, por momentos, se siente menos interesado en alimentar el mito del personaje y más enfocado en entender a la persona detrás de él.
Ese crecimiento también se refleja en canciones como ‘Así es la vida’, tema central del álbum, donde el artista rompe varios esquemas tradicionales del regional mexicano al incorporar elementos poco comunes dentro del género y expandir todavía más su identidad sonora. El proyecto además llega en uno de los momentos más importantes de su carrera: después de presentarse en escenarios como Premio Lo Nuestro 2026 y acompañar a Peso Pluma en distintas fechas de su gira por Estados Unidos, el cantante vuelve finalmente a Tijuana para reencontrarse con la ciudad que lo vio crecer. Un regreso que no solo funciona como celebración del álbum, sino también como una especie de cierre de ciclo para uno de los artistas que ayudó a cambiar el rumbo del regional mexicano moderno.
“Siento que todo lo que he vivido, lo bueno y lo malo, me llevó directo a este disco”, explica el artista. “Llevo muchos años en esto, viendo cómo crece el movimiento y siendo parte desde el principio, pero Así es la vida es donde realmente me abrí. Ya no es solo contar historias, es contar mi historia, desde otro nivel de madurez. Es un disco donde se nota el crecimiento, no solo como artista, sino como persona”.
Para Codiciado, todo comienza desde la portada. Más allá de funcionar como una simple imagen promocional, esta representa el primer acercamiento del público al universo emocional y conceptual del álbum. Con eso en mente, el cantante quiso que el cover tuviera un significado profundamente ligado a sus raíces y a la narrativa del proyecto. “La portada está tomada dentro de una calafia, que es un camión muy tradicional de Tijuana, y para mí representa mucho más que un simple lugar”, comparte. Ese espacio reducido, cotidiano y familiar termina funcionando como un símbolo de sus orígenes y de la realidad que marcó su vida desde temprana edad. “Es parte del barrio donde crecí y de la realidad que me formó. Quise llevar eso al disco porque Así Es La Vida habla justamente de ese recorrido: de dónde vienes y hasta dónde puedes llegar. Es un contraste entre mis raíces y el momento en el que estoy hoy, pero sin olvidar nunca de dónde salí. Es algo muy personal y muy real, que la gente de Tijuana va a entender de inmediato”.
Así mismo, al ser un trabajo en el que recorre diferentes etapas de su vida, el abarcar tantas temáticas suponía un reto importante a la hora de equilibrarlos todos en cada registro. “Fue un proceso muy natural. No quise forzar nada, simplemente dejé que cada canción saliera dependiendo del momento que estaba viviendo”. El mexicano revela que su composición funciona como la vida mismas, donde no todos los días son felices pero tampoco son todo tristes, construyendo todo un mapa emocional que refleja su evolución como letrista y como persona, ya que ahora sabe “cómo transmitir mejor cada emoción y darle su espacio a cada tema sin perder la esencia”.
Uno de los temas más personales que abarca el proyecto es el de la paternidad. “Ser papá te cambia todo. Antes el éxito era más personal, metas, números, logros. Ahora es más grande que eso. Piensas en el futuro, en el ejemplo que das, en construir algo real que dure. Me hizo enfocarme más, valorar más el tiempo y entender que el verdadero éxito es lo que dejas como legado”, comparte.
Entrando al contenido del álbum, Codiciado explica que no había otra forma de empezar el disco que con ‘Soy gracias a Dios’. “Porque es la base de todo. Esa canción resume quién soy, de dónde vengo y en qué creo. Es una forma de agradecer y también de poner el tono del disco. Desde ahí arranca la historia, desde lo más real”, comenta. Lanzada previamente en septiembre de 2025, hay un detalle interesante al comienzo de la canción: una íntima conversación telefónica entre Codiciado y sus hijos, fortaleciendo ese tono íntimo y cercano, perfecto para comenzar este álbum.
El viaje sonoro continúa con dos colaboraciones que marcan ese puente generacional que también presenta el cantante: Xavi y Carín León. En el caso de Xavi, el artista es claro en qué trabajar junto a él “fue algo muy orgánico”. ‘No voy a cambiar’ es una fusión que explora la vulnerabilidad mientras que el ritmo propone un recorrido por la dificultad de la autorreflexión y la aceptación, acompañando a alguien que reconoce que sus propias acciones influyeron en el fin de una relación. “Xavi trae una vibra fresca que conecta con lo que está pasando ahorita”.
Siguiendo con el tema del amor y el desapego, llega ‘Déjame Dormir’, junto Carín León. “Carín tiene una voz y una experiencia que elevan cualquier canción”, y eso encaja perfecto para un tema que profundiza en las complejas emociones de una relación que ha llegado a su fin. A través de una narrativa vívida, ambos artistas retratan un amor que alguna vez fue apasionado y genuino, pero que se ha vuelto pesado, mientras ambos luchan por seguir adelante.
“Me gustaría que la gente se identifique. Que entiendan que todos pasamos por cosas, pero que sí se puede salir adelante. Que escuchen el disco y digan ‘yo también puedo’. Ese es el mensaje”. Explica Codiciado. “Lo más gratificante fue poder hacer un disco tan personal y que se sintiera real. Lo más retador fue justamente eso, abrirme así. No siempre es fácil hablar de lo que uno vive”.
Más que escuchar a Codiciado, este registro es un reflejo profundo de Erick. En ese sentido, Así Es La Vida no representa simplemente un nuevo lanzamiento dentro de su catálogo, sino un punto de quiebre dentro de su carrera. Después de tres años sin publicar un álbum, el cantante ve este proyecto como el trabajo que finalmente termina de consolidar su identidad lejos de la agrupación con la que inició su camino en la música. “Es un antes y un después. Es el primer disco que presento en tres años y es el disco donde realmente me definí como artista solista y donde la gente va a entender quién soy hoy”, asegura.
Ese crecimiento también llega acompañado del reconocimiento de toda una nueva generación de artistas que crecieron escuchando su música. Recientemente, Peso Pluma se refirió públicamente a él como uno de los pioneros del movimiento, algo que Codiciado recibe con orgullo, pero también desde un lugar profundamente humano. “Se siente bien, la verdad es un honor”, comenta. Más allá del impacto mediático de esas palabras, el cantante resalta especialmente el vínculo que han construido con el paso de los años. “Hemos logrado mantener una amistad y seguimos dándonos la mano dentro de la industria. El respeto y el cariño son reales de los dos lados, y eso vale mucho más que cualquier otra cosa”.
Lejos de verlo como una meta definitiva, Codiciado entiende Así Es La Vida como el inicio de una nueva etapa creativa. Con nuevos planes, más música y una agenda enfocada en seguir creciendo dentro y fuera de los escenarios, el artista deja claro que todavía siente que tiene mucho por demostrar. “Seguir trabajando, sacando música, girando y creciendo. Este disco es solo el inicio de una nueva etapa”, concluye.
Así Es La Vida no solo funciona como un nuevo capítulo en la discografía de Codiciado, sino también como una especie de espejo donde el artista revisita su pasado para entender su presente. Entre la nostalgia, la madurez y la necesidad de contar su historia desde otro lugar, el álbum termina consolidando una versión más completa y humana de un músico que ha sido clave en la transformación del regional mexicano moderno. Más que reafirmar su lugar dentro del género, el proyecto lo redefine desde la introspección y la experiencia acumulada.
En ese sentido, el disco también marca el inicio de una etapa en la que Codiciado parece menos interesado en sostener un personaje y más enfocado en habitar su propia verdad artística. Con una narrativa que se mueve entre lo íntimo y lo colectivo, el cantante abre la puerta a un futuro donde su evolución no solo se mide en números o colaboraciones, sino en la capacidad de seguir contándose a sí mismo sin perder de vista de dónde viene.
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