Kase.O ha publicado un álbum en el que condensa la incertidumbre de los tiempos tan oscuros que atraviesa el mundo y en el que ratifica la necesidad de romper el silencio para enfrentarlos. Camisa de fuerza marca su primer trabajo discográfico de larga duración desde El círculo, álbum que publicó en 2016.
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El rapero español construyó una narrativa crítica de estética oscura en la que existen distintos grupos sociales: los Borregos, quienes siguen relatos impuestos sin cuestionar; los Mirones, que observan desde la distancia y son conscientes de lo que está pasando, pero no hacen nada; el Niño, que representa la inocencia y las ganas de seguir haciendo preguntas; y el Verdugo, una representación de los medios que manipulan a las masas. Además, Kase.O encarna a las personas tratadas de “enfermas mentales” por ir a contracorriente y existe la figura de los Aliados, quienes defienden la libertad. Los visuales que acompañan al LP profundizan en la historia, enseñando de una manera más cinematográfica la relación entre el poder, el control y la rebelión.
“Más que lo que digo, es el atreverme a decirlo. Quiero servir de inspiración a cualquiera que piense que el rap es una música vacía”, declaró el músico en una nota de prensa. “Quiero enseñar a los jóvenes que el rap es una música que también puede transmitir mensajes a todos los niveles y que puede y debe ser un vehículo de crítica social”.
Nueve de los cortes que conforman Camisa de fuerza fueron hechos en colaboración con el productor Harto Rodríguez, con quien Kase.O trabajó en Divertimentos (vol. 1). El álbum también cuenta con la participación de otros colegas a nivel de producción o bien, a nivel vocal, como R de Rumba, Hazhe, Animoss, Sabio Beats, Nico JP, N-Wise, AL2 El aldeano, Evaristo, Nach, Zatu y Violadores del verso.
Camisa de fuerza ya está disponible en plataformas.
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Casi tres décadas después de cambiar para siempre el cine de terror independiente, The Blair Witch Project volverá a la pantalla grande. Lionsgate confirmó que un nuevo reboot de la franquicia se estrenará el 24 de septiembre de 2027, con la promesa de presentar una “nueva visión” del clásico de culto para una generación que vive entre redes sociales, teléfonos inteligentes y videos virales.
El proyecto estará dirigido por Dylan Clark, un cineasta emergente conocido por sus cortometrajes de terror, mientras que el guion corre a cargo de Chris Thomas Devlin. Aunque los detalles de la trama permanecen en secreto, la gran incógnita es cómo la franquicia adaptará su fórmula de “metraje encontrado” a una época en la que cualquiera puede transmitir en vivo desde un bosque o documentar su desaparición en redes sociales.
La película original, estrenada en 1999 y dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, se convirtió en un fenómeno cultural gracias a su innovadora campaña de marketing en internet y a su apariencia de documental real. Con un presupuesto mínimo, la cinta terminó recaudando cerca de 250 millones de dólares en todo el mundo y se consolidó como una de las producciones independientes más rentables de la historia del cine.
El nuevo capítulo también busca reparar una vieja deuda con los creadores y protagonistas del filme original. Tras manifestar públicamente su frustración por haber sido excluidos de anteriores secuelas y planes de expansión de la franquicia, varios miembros del equipo original se sumaron finalmente al proyecto como productores ejecutivos. Entre ellos están los actores Joshua Leonard y Michael C. Williams, además de Myrick, Sánchez y el productor Gregg Hale.
La franquicia ya intentó continuar su legado con Book of Shadows: Blair Witch 2 y Blair Witch, pero ninguna logró capturar el impacto cultural del original. Ahora, la pregunta es si la leyenda de la Bruja de Blair podrá volver a aterrorizar a una audiencia acostumbrada a consumir el miedo en formato vertical y con filtros de TikTok.
Una cosa es segura: la maldición del bosque de Burkittsville todavía no ha dicho su última palabra.
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Durante casi dos décadas, Eros ha sido uno de los grandes santos griales del rock alternativo. Ahora, el legendario álbum inédito de Deftones finalmente ha llegado a internet, aunque no de la manera que la banda habría deseado.
Según diversos reportes, una serie de archivos atribuidos a las sesiones de Eros comenzaron a circular en foros y comunidades de fanáticos esta semana. El material incluiría 11 canciones inacabadas, además de demos adicionales relacionadas con otras etapas creativas del grupo.
El disco fue concebido entre 2007 y 2008 como el sexto álbum de estudio de la agrupación de Sacramento y marcaba el regreso del productor Terry Date, responsable de algunos de los trabajos más celebrados de la banda. Sin embargo, las sesiones quedaron abruptamente suspendidas en noviembre de 2008 tras el grave accidente automovilístico sufrido por el bajista Chi Cheng, quien permaneció en coma durante varios años antes de fallecer en 2013.
Tras la tragedia, la banda decidió dejar el proyecto indefinidamente en el archivo y comenzar desde cero, proceso que terminaría dando vida a Diamond Eyes en 2010. Desde entonces, Eros se convirtió en una pieza casi legendaria dentro de la historia del grupo.
Las grabaciones filtradas incluirían títulos de trabajo como ‘Destiny’, ‘Melanie’, ‘Electra’, ‘Margot’ y la ya conocida ‘Smile’, única canción procedente de aquellas sesiones que el vocalista Chino Moreno compartió brevemente en 2014 como homenaje a Cheng.
La filtración también ha abierto un intenso debate entre los seguidores de la banda. Mientras algunos celebran la posibilidad de escuchar por fin uno de los discos más esperados y esquivos del metal alternativo, otros consideran que acceder a este material contradice el deseo explícito del grupo de mantenerlo inédito.
Las dudas no son infundadas. En múltiples entrevistas, Moreno ha reiterado que Eros probablemente “nunca verá la luz del día”, argumentando que el álbum permanece incompleto y está inevitablemente ligado a uno de los periodos más dolorosos en la historia de la banda. El músico ha señalado además que nunca quedó completamente satisfecho con el material y que regresar a esas grabaciones no forma parte de las prioridades creativas actuales de Deftones.
Hasta el momento, la banda no ha emitido ninguna declaración oficial sobre la filtración.
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Toda relación implica una transformación. Hay personas que llegan a nuestras vidas y lo cambian todo, para bien o para mal. Al final, hay un hecho irrefutable: cada vínculo nos deja una huella. Algunas transformaciones nos ayudan a crecer; otras, sin que lo notemos, terminan alejándonos de quienes somos. Para MAR Solís, Fuiste Tú nació precisamente de esa contradicción: la sensación de estar enamorada de algo que parecía hacerla florecer mientras, poco a poco, la desconectaba de su propia esencia.
“La canción habla de un amor que te hace sentir que estás volando cuando realmente te está hundiendo”, explica la cantante. “Te está alejando de quien realmente eres, te está haciendo olvidar de tu poder, pero tú sientes que estás floreciendo de alguna manera”.
Lejos de construir una historia desde el resentimiento, MAR decidió abordar la experiencia desde otro lugar. Fuiste Tú no es una canción sobre una ruptura, sino sobre el momento en que una persona logra reencontrarse consigo misma después de haberse perdido en una relación. “Quise que cualquier persona que la escuchara sintiera que en cualquier momento puede reclamar su poder, reconectarse con su esencia y escogerse a sí misma. Nunca es demasiado tarde para hacerlo”, comparte.
“Cuando nos desconectamos de lo que amamos, de lo que nos inspira y nos conmueve, sentimos el llamado de nuestra alma a regresar”.
La artista reconoce que, incluso cuando atravesamos situaciones que nos hacen daño, existe una parte de nosotros que siempre conoce la verdad. El problema es que enamorarse puede volver difícil escuchar esa voz interior.
“Creo que realmente siempre lo supe. Creo que todos lo sabemos. Esa verdad vive dentro de nosotros”, reflexiona. “Cuando nos desconectamos de lo que amamos, de lo que nos inspira y nos conmueve, sentimos el llamado de nuestra alma a regresar. Todos tenemos algo sagrado dentro de nosotros que debemos proteger”.
Esa búsqueda de regreso personal atraviesa gran parte de la nueva etapa artística de MAR. Después de lanzar Saco de Sal, una canción centrada en el amor propio y la claridad emocional, Fuiste Tú funciona como el siguiente capítulo de una misma conversación.
“Hablan de la misma situación, del mismo escenario”, explica. “Pero una habla de la ilusión del amor cuando no estamos viendo claramente el reflejo de la otra persona y la otra habla de sentirte en el fondo, buscando volver a encontrar la luz”.
La diferencia es que ahora la cantante se siente preparada para compartir emociones desde un lugar mucho más vulnerable. Si en proyectos anteriores exploraba una faceta más espiritual y contemplativa, hoy sus composiciones nacen de experiencias que está viviendo por primera vez.
“Estoy escribiendo desde un lugar mucho más vulnerable que en cualquier otro momento de mi vida”, asegura. “Antes estaba mucho más en mi burbuja, en mi propia energía. Ahora estoy hablando de cosas que estoy viviendo por primera vez”.
Esa sensibilidad también se ha convertido en una herramienta para conectar con el público. Durante sus conciertos, MAR ha visto cómo las canciones se transforman en espacios donde las personas pueden sentir, sanar y reconocerse sin juicios.
“He visto renacimientos en las tarimas”, cuenta. “He visto personas dándose permiso de sentirlo todo, de estar en comunión con sus emociones y tomarse un momento para observarse sin juzgarse”.
Sin embargo, mantenerse conectada consigo misma dentro de una industria marcada por la exposición constante sigue siendo uno de sus mayores desafíos. Para encontrar equilibrio, ha construido pequeños refugios lejos del ruido.
“La naturaleza, el movimiento y el piano son mi balance perfecto”, dice. “La naturaleza siempre tiene mensajes para nosotros. En el silencio encontramos exactamente lo que necesitamos escuchar”.
Bajo esa idea, su manera para entender las relaciones ha cambiado. Si antes buscaba cumplir una lista de expectativas, hoy cree que el amor verdadero tiene mucho más que ver con aceptar la imperfección.
“Antes tenía una lista enorme de cosas que sentía que eran indispensables”, admite entre risas. “Poco a poco entiendes que buscar la perfección es buscar algo que no existe. Toda la belleza vive en la imperfección”.
Quizá por eso una de las ideas más poderosas que atraviesa Fuiste Tú es la decisión de volver a confiar. No solamente en otra persona, sino en la vida misma.
“Es muy fácil observar lo malo de la humanidad”, reflexiona. “Por eso es tan importante elegir confiar, elegir pensar que la mayoría somos amor y que todos somos reflejos de algo más grande”.
“Poco a poco entiendes que buscar la perfección es buscar algo que no existe. Toda la belleza vive en la imperfección”.
Después de todo lo vivido, MAR asegura sentirse más segura que nunca. No porque tenga todas las respuestas, sino porque ha aprendido a escucharse sobre el ruido. “Ahora me siento muy en paz, muy contenta y emocionada cada día que me levanto”, dice.
Cuando se le pide resumir esta nueva etapa en una imagen, responde al momento: “un amanecer”. Quizá no existe una mejor definición para Fuiste Tú: una canción que nace de la oscuridad de una experiencia dolorosa, pero que encuentra su verdadero significado justo cuando aparece la primera luz.
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Pocas figuras de la música contemporánea latinoamericana han transitado con tanta naturalidad entre la cultura popular, la experimentación y la industria audiovisual como Camilo Lara. Conocido internacionalmente por su proyecto Instituto Mexicano del Sonido y por su trabajo de producción para Damon Albarn, David Byrne, Beck, Trent Reznor, Omar Apollo, Norah Jones, Manu Chao, Natalia Lafourcade y Lila Downs, Lara también ha desarrollado una sólida carrera como compositor para cine, televisión y videojuegos. Su trabajo aparece en producciones que incluyen a Coco, Thor: Love and Thunder, Black Panther: Wakanda Forever, Narcos: México y A Million Miles Away, entre muchas otras.
Ahora suma un nuevo título a su trayectoria con Moscas, la película de Fernando Eimbcke (Temporada de patos, Lake Tahoe) donde la música adquiere un papel fundamental dentro de una historia atravesada por los vínculos humanos. A través de sintetizadores inspirados en los videojuegos clásicos de 4 y 8 bits, Lara construye una banda sonora que dialoga con el universo emocional de los personajes.
Conversamos con el compositor sobre las influencias detrás de Moscas, la presencia narrativa de los videojuegos y la forma en que las historias locales pueden alcanzar una dimensión universal.
A lo largo de tu carrera has construido puentes entre la música popular mexicana, la experimentación sonora y las bandas sonoras para cine. ¿Cómo convergen esas tres dimensiones cuando compones para una película como Moscas?
Tal cual. Esas son mis tres grandes pasiones y en Moscas están presentes todas. La película retrata una parte muy específica de la Ciudad de México, un barrio, una comunidad, un microcosmos muy mexicano con el que me identifico porque es el lugar donde crecí.
Por otro lado, el personaje principal encuentra refugio en los videojuegos. Ahí se siente poderoso, vulnerable y encuentra respuestas. Entonces la película me permitió trabajar con elementos muy cercanos a mí: la identidad de mi ciudad y esa fascinación que siempre he tenido por los sonidos de los videojuegos de 4 y 8 bits.
El reto consistía en encontrar emociones dentro de sonidos que podrían parecer básicos o limitados y lograr que llevaran al espectador por distintos estados emocionales.
En Moscas, la música relacionada con los videojuegos parece funcionar como algo más que un acompañamiento. ¿Representa un espacio emocional, una presencia narrativa o una huella del pasado?
Las tres cosas. La máquina de videojuegos es prácticamente un personaje más de la película. Es el gran compañero del protagonista y, a través de ella, el espectador descubre aspectos fundamentales de la historia.
Tiene muchos matices. La dificultad era evitar que esa música se sintiera repetitiva o mecánica. Había que convertir esos sonidos en una herramienta narrativa capaz de transmitir emociones complejas.
Esta pregunta la hago como un jugador que creció con los arcades y las consolas de Odyssey, Atari, Intellivision y Nintendo. ¿Qué videojuegos influyeron en la construcción de esta banda sonora? Yo escucho a Galaga, Yars’ Revenge, Astromash y, por supuesto a Space Invaders.
Space Invaders está ahí, sin duda. Pero creo que la influencia más fuerte fue The Legend of Zelda, especialmente las primeras entregas. Eran juegos llenos de misterio, aventura y épica. Para mí siguen siendo obras maestras de la música contemporánea. También están presentes recuerdos de Super Mario Bros. y de toda esa primera generación de videojuegos de Nintendo. Son referencias que tengo muy grabadas porque crecí con ellas y no necesité volver a estudiarlas; siguen muy vivas en mi memoria.
Más allá de los videojuegos, Moscas transita por territorios psicológicos y emocionales muy delicados. ¿Cómo evitaste que la música resaltara de forma obvia lo que sienten los personajes?
La clave era la contención. Tenía que ser una música muy sutil, que no impusiera conclusiones al espectador. Fernando Eimbcke siempre busca que quien ve la película construya sus propias interpretaciones. La música puede ser una herramienta muy poderosa, incluso agresiva emocionalmente. Por eso contenerla es más difícil que volverla dramática.
Es más fácil hacer algo efectista que algo que invite a pensar. Aquí la intención era acompañar sin dirigir emocionalmente al público.
Has trabajado tanto en proyectos profundamente latinoamericanos como en producciones globales para Marvel y Pixar. Pensando en ti y en lo que ha hecho Gustavo Santaolalla, te pregunto: ¿Existe una forma latinoamericana de entender la música para cine y videojuegos?
Sí, totalmente. Creo mucho en el poder de contar historias desde tu comunidad, desde tu barrio, desde el lugar que conoces. Mientras más específica es una historia, más posibilidades tiene de conectar con otras personas.
Probablemente algo muy parecido a lo que ocurre en Moscas sucede también en Shanghái o en cualquier otra ciudad del mundo, porque compartimos experiencias humanas. Pero las historias que yo conozco son las de Latinoamérica y son las que puedo contar a través de la música. Además, nuestra región está llena de emociones, de historias y de musicalidad. Hay muchísimo por explorar todavía.
¿Qué te permitió descubrir Moscas como compositor que no hubieras explorado antes?
Me gustó mucho trabajar con una paleta sonora extremadamente limitada. En la película utilizamos exclusivamente sintetizadores inspirados en sistemas de 4 y 8 bits. Algunos estaban procesados para obtener nuevas texturas, pero la regla era clara: jugar únicamente con esas herramientas.
Me encanta cuando un proceso creativo establece límites porque te obliga a encontrar soluciones distintas. No queríamos utilizar cuerdas, pianos ni instrumentos que ya vienen cargados de ciertas emociones. Queríamos llegar a esos sentimientos por otros caminos.
Para terminar, ¿qué proyectos vienen después de Moscas?
Acabo de lanzar un disco junto a Eblis Álvarez, de Meridian Brothers. También se estrenó recientemente México 86, una película para la que compuse la música y que cuenta con Diego Luna. Y, como siempre, sigo involucrado en varios proyectos al mismo tiempo. Me gusta estar constantemente contando nuevas historias a través de la música.
Muchas gracias por tu tiempo, Camilo.
Muchas gracias a ustedes. Nos vemos pronto.
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As touring costs continue to skyrocket, experienced touring musicians Craig A. Meyer and Gary Arbuthnot have teamed up to launch GigLogic, a platform for artists to determine the financials of a show before accepting a gig.
GigLogic evaluates the price of commissions for management and booking agents, taxes, travel, lodging, and any other expenses that go into making a show happen, in an effort to allow artists and their teams to better budget and evaluate whether a show is worth traveling to.
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“For decades, performers have been taught to focus on getting the gig,” Meyer says in a statement to Billboard. “Very few have been taught how to evaluate whether the gig is actually good business. As touring costs continue to rise, that’s becoming a much more important conversation. We built GigLogic because artists deserve the same level of financial visibility that businesses in other industries take for granted.”
Meyer comes in with 20 years of touring experience, having been on the road as an Elton John tribute performer in shows including Remember When Rock Was Young — The Elton John Experience and Piano Men: A Tribute to Elton John & Billy Joel. Arbuthnot has toured as a flautist.
On the platform, artists can input the details of a potential gig, after which GigLogic will build customized cost profiles and projected earnings. While artists and their teams often create budgets using spreadsheets and estimates, GigLogic says its platform helps to streamline the process.
“One of the biggest misconceptions in live entertainment is that a bigger paycheck automatically means a better opportunity,” Arbuthnot adds in a statement. “It doesn’t. An artist can be busier than ever, bringing in more revenue than ever, and still be struggling financially if they don’t understand their true costs. Sustainable careers are built on profitability, not just activity.”
In May, Warner Music Group quietly completed a test program that could change the future of vinyl.
The program, conducted in partnership with the world’s largest vinyl manufacturer, GZ Media, set out to answer one question: can recycled vinyl deliver the same sound quality?
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GZ Media collected 10,000 unsold records across artists, titles and pressing plants throughout Europe and first shredded, then repressed them using a range of recyclable materials — from 10-100%. Next, a selection of industry experts were gathered at London’s famed Abbey Road Studios for a blind listening evaluation. Each vinyl passed.
“What impressed me was how consistent the pressings were across the different material blends, showing that sustainability and sound quality do not have to be at odds,” Abbey Road’s mastering engineer, Miles Showell, shared in a statement to WMG.
The recycled pressings weren’t just being evaluated for quality, though, as the project also aimed to evaluate the environmental impact of preprocessing vinyl. Even with the added steps of transport, warehousing, sorting and shredding — all of which impact the product carbon footprint (PCF) — carbon emissions dropped 10% from using recycled polyvinyl chloride (PVC, from which vinyl is pressed) compared to fresh materials.
Now, on Friday (June 26) WMG will double down on its mission with a first-of-its-kind vinyl take-back program, which invites consumers to help recover unwanted vinyl. A group of 11 indie retailers across the country — including in cities such as Los Angeles, Chicago and New York — will serve as collection locations before handing the vinyl over to Virterras Materials, a company that helps recycle “complex waste,” such as plastics and rubber.
“Independent record stores have long served as gathering places for music fans and stewards of music culture,” Madeleine Smith, WMG’s senior director of environmental, social and governance, shared in a statement. “[This is] a vital first step in understanding what’s possible.”
The pilot will run through September. For a complete list of participating independent record stores, see below.
Amoeba Hollywood (Los Angeles, CA)
Antone’s Record Shop (Austin, TX)
Country Line Records (Keller, TX)
Criminal Records (Atlanta, GA)
Easy Street Records (Seattle, WA)
Home Rule Records (Washington D.C.)
Red Zeppelin Records (McKinney, TX)
Rough Trade NYC (New York City, NY)
Spin Me Round (Easton, PA)
Reckless Records (Chicago, IL)
Sweat Records (Miami, FL)
Opening night of Lionel Richie’s Sing a Song All Night Long Tour didn’t go as planned, as the veteran singer called time early after apparently feeling unwell.
The Rock Hall-inducted singer announced an unexpected intermission almost an hour into the show Wednesday night, June 24 at Grand Casino Arena in St. Paul, The Minnesota Star Tribune reports. He didn’t return.
Just moments before, he told the audience he was feeling shaky on his feet while performing one of his uptempo numbers, the ‘80s classic “Dancing On The Ceiling.” Fan-filmed footage shows Richie taking an unscheduled rest on a step, persevering and trying to walk it off, then sitting again. “When you’re feeling dizzy, sit your ass down,” he reportedly said.
Richie is understood to have performed one more song, the ballad “Three Times a Lady,” only this time at the piano.
Following his exit from stage, Richie’s five band members reportedly stayed onstage, while pre-recorded music played softly over the sound system.
Then, at about 10:50 p.m., or 40 minutes after Richie had called for intermission, the title reports, saxophonist Dino Soldo broke the bad news. “Unfortunately, Lionel is not feeling well,” he reportedly told the audience. “He won’t be able to continue. Additional information will be available.”
The 26-date North America tour, with support from Earth, Wind & Fire, is due to continue Friday night, June 26 at United Center in Chicago, IL. At the time of writing, the status of that concert remains unclear.
Richie, now 77, released a new memoir last year titled Truly. In its pages, the veteran singer takes readers through his humble beginnings growing up in Tuskegee, Ala., during the Civil Rights movement, to his adventures as a member of The Commodores and his time spent growing up in 1960s Harlem. From there, Richie shares his highs, like being signed to Motown at just 19 years old alongside The Jackson Five, writing and recording “We Are the World” (a story told in the documentary The Greatest Night in Pop), the fear and excitement he felt going solo, and now, serving as a judge on American Idol.
Richie’s 2025 tour Say Hello to the Hits Tour was a hit, grossing $17.8 million with 118,000 ticket sales across 25 dates in Europe and Las Vegas, according to Billboard’s year-end Boxscore charts. That result was good enough for a top 10 spot among the highest grossing R&B tours of the year, coming in at No. 9.
Amsterdam Dance Event (ADE) has announced a new round of speakers for its 2026 ADE Pro conference, with Josh Baker, Mochakk, Busy P, and Orbital‘s Paul Hartnoll among the latest additions to the event’s 30th anniversary edition.
The newly announced participants join previously revealed speakers including electronic music pioneer Jean-Michel Jarre, who will serve as ADE Pro’s Guest of Honor, along with Mosimann, Novah and LYZZA. The conference takes place Oct. 21 – 25 in the Dutch capital and is recognized as one of electronic music’s largest global industry gatherings.
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This year’s conference program is curated around three central themes: market consolidation and the future of independence, rebuilding the music industry’s relationship with big tech and collective action. The event will also spotlight Brazil, the Middle East and North Africa (MENA), and sub-Saharan Africa as key growth regions for electronic music.
Brazilian artists Mochakk and Solarce Brothers join the program as part of ADE’s broader focus on the country’s expanding influence in the global electronic music market. Elsewhere, Manchester-based producer and label owner Josh Baker will discuss how artists are increasingly building businesses beyond music through labels, festivals and education platforms.
Ed Banger Records founder Pedro Winter, better known as Busy P, and Because Music founder Emmanuel de Buretel will unpack their long-running partnership and the future of independent music companies. Hartnoll will appear on a panel titled The Ethics of the Sample: Collaboration, Consent and Credit Across Cultures, coinciding with the 30th anniversary of Orbital’s seminal 1996 album In Sides.
Other newly-announced guests include SPFDJ, Pegassi, Mathame, Gideon Berger, Sarah Williams and Coldcut co-founder Matt Black. More speakers and sessions for ADE Pro 2026 will be announced in the coming months.
The 2025 edition of the conference featured appearances from British rapper Skepta, plus DJs Hannah Laing, Joris Voorn, Chris Stussy and Armin van Buuren. In an on-the-ground report, Billboard U.K. described ADE as “a diverse and fun-loving hub of creativity in Europe,” noting that Amsterdam was “totally taken over by the 600,000 fans and 10,000 music industry professionals who live and breathe electronic music.”
Alison Wonderland has no shortage of tales to tell the grandkids. The Australian EDM star etched her name in the history books when, in 2018, she headlined Coachella, becoming the first female DJ to do so in what was her fourth performance in the California desert.
She’s prouder still of her seven-times headlining the “Temple of Wonderland” at Red Rocks Amphitheatre. And there’s been headline slots at Lollapalooza’s Perry’s Stage, and appearances at Tomorrowland, Electric Daisy Carnival, Ultra, Bonnaroo, Austin City Limits, and Life Is Beautiful. The Sydneysider has shifted more than 800,000 headline ticket sales across her U.S. tours alone. Global streams of her music top 1.1 billion.
On Thursday evening, June 25, perhaps a moment to stand among her finest; Wonderland has been invited to present the match ball for Australia’s final Group D round match with Paraguay in the FIFA World Cup Finals, which kicks off 10pm ET at Levi’s Stadium in Santa Clara, CA.
“OH MY GDDD I just got asked by ADIDAS to BRING OUT THE MATCH BALL TO THE FIELD FOR THE AUSTRALIA VS PARAGUAY MATCH TOMORROW,” she writes on her socials. “I’ll wave to you all from the TV. WISH ME LUCK (have been in the studio all day so had to process haha ).”
An overjoyed Wonderland shared several snaps from the studio. In each shot, she’s wearing her Aussie green and gold Adidas track pants. One apparently captures the surreal moment she read the email with the once-in-a-lifetime request.
The Australian Socceroos will hope Wonderland (real name: Alexandra Sholler) is a good luck charm. To progress in the tournament, Australia must win or draw against the South American team. Losing isn’t an option.
The timing is perfect. Wonderland is currently on tour in the United States, the final date of which is set for this Saturday, June 27 at Foam Wonderland in Las Vegas, NV. Then, she takes her show on the road to for performances in the United Kingdom and Europe, getting underway July 10 with the Wonderland Warehouse Rave in London, all of it in support of her fourth studio album, Ghost World (via EMI).
Speaking with Billboard ahead of her latest tour, Wonderland remarked: “I’m a perfectionist. Someone said something a long time ago, you can tell everyone you put everything into this body of work but at the end of the day the only person who will know if you really went there will be you. It sits with me and haunts me anytime I make anything. I think it’s why I push myself so hard. I think about it all the time to this day.”
Collaborators on her latest album, which dropped in December 2025, include Nina Wilson, better known as EDM producer and artist Ninajirachi, plus DJ Dave and Erick The Architect. Wonderland produced the collection with Dylan Ragland, MEMBA and QUIX. Ghost World was mixed by Tom Norris and Tristan Hoogland and mastered by Dale Becker.