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A Mafalda Cardenal le costaba imaginarse cantando sobre estar enamorada. Le preocupaba sonar demasiado cursi y todavía tenía que encontrar una manera de contar esa parte de su vida. Días antes del estreno de Belonia, su segundo álbum, habló con ROLLING STONE en Español sobre ese descubrimiento y sobre un proceso creativo que recuerda con el cariño de quien ha compartido algo importante con sus amigos.

“Nos hemos ido de campamento y hemos hecho un disco, ¿sabes?”, cuenta. La descripción ayuda a entender el ánimo con el que llega a esta etapa. Después de escribir enteramente sola su primer álbum, Mis notas de voz, esta vez quiso darse espacio para probar ideas en compañía y divertirse. El resultado es un repertorio más bailable, pensado para tocarse con banda, en el que conviven distintas experiencias del amor.

Mafalda está enamorada y tiene ganas de contarlo, aunque encontrar cómo hacerlo también le ha exigido familiarizarse con una voz que había explorado menos. “Me daba miedo parecer muy cursi”, reconoce. “He tenido que encontrar un poco mi voz en todo esto de hacer canciones de amor”. Durante ese proceso, descubrió que podía hablar de lo que siente “desde un lugar muy bonito, muy tranquilo y muy sereno”.

El nombre del álbum apareció cuando el trabajo estaba cerca de terminar. Mientras hacían la última canción, uno de sus productores, Álex Palomo, propuso que el repertorio necesitaba una pieza de “tontipop”: algo con lo que pudieran dejarse llevar. Buscaban una palabra que transmitiera tranquilidad, felicidad y liberación. Así surgió Belonia.

“En realidad, también es un reflejo de todo el disco, no solo de esta canción”, recuerda haber pensado. Todavía no tenía un título para el proyecto y empezaba a inquietarle estar tan cerca de terminarlo sin haberlo encontrado. La palabra inventada resolvió esa búsqueda y le dio un nombre a la sensación que habían estado construyendo.

También había que encontrar cómo se vería. Mafalda quería reconocerse en las imágenes que acompañaran las canciones y tener una estética que pudiera habitar con naturalidad. “No quería mil bailarinas y una producción con fuegos artificiales porque así no soy yo”, explica. Detrás de los videos y las piezas visuales hubo días de conversaciones con su equipo para conseguir que la imagen y la música encajaran.

En el video de ‘Creo que te quiero’, ese trabajo toma forma entre colores marcados, plataformas geométricas y referencias retro; Mafalda habla de los setenta y de la música francesa al recordar el universo que quisieron emular. Para llevarlo a la pantalla, tuvo que confiar en otras personas. “Es muy satisfactorio encontrar a una persona que te entiende y de la que te fías”, dice.

Esa confianza atraviesa buena parte del álbum. Compartir la composición con amigos le permitió descubrir otras maneras de trabajar. “Me ha abierto la mente de una manera increíble y he aprendido un mogollón”.

La cercanía hizo el proceso más tranquilo y abrió espacio para probar. Cuando alguien proponía algo que ella no terminaba de imaginar, necesitaba escucharlo antes de decidir. Saber con quién estaba trabajando le permitía conceder ese margen: “Oye, pues a ver, enséñamelo”.

Al mismo tiempo, Mafalda llegaba a este segundo álbum con una idea más definida de lo que buscaba. “Tenía claro lo que quería hacer, tenía claro cómo quería que sonase y me he fiado mucho de mi instinto”, cuenta. Al compararlo con su debut, reconoce una seguridad que entonces todavía estaba desarrollando.

Esa claridad convive con canciones que intentan capturar momentos en los que resulta difícil entender lo que uno siente. ‘Creo que te quiero’ nació precisamente de esa incertidumbre: empezar a enamorarse, sentir que quizá es demasiado pronto para admitirlo y darle vueltas a cada posibilidad.

“Esa canción es un poco un trabalenguas y es precisamente lo que estaba pasando en mi cabeza”, explica. Quería reproducir el pensamiento de alguien que avanza y retrocede, entre el deseo de decir lo que siente y el miedo a hacerlo real. La canción termina acercándose a una certeza: “Al final admites que sí”.

Aunque ahora escriba desde el enamoramiento, el desamor sigue teniendo un lugar en el disco. “A mí me han roto el corazón muchas veces”, recuerda. Lo que ha cambiado es la perspectiva desde la que vuelve a esas experiencias.

En ‘Gigantes’, una de las canciones que la llevan a hablar con más detenimiento de ese cambio, quiso escribir sobre una relación que no llegó a ser lo que prometía. “Podríamos haber sido gigantes, pero al final pudo ser y no fue y no pasa nada. No es culpa tuya y tampoco es culpa mía”.

Mafalda reconoce que antes tenía más tendencia a buscar un culpable. “Ay, pues es que fuiste supermalo”, dice, reproduciendo esa primera reacción, antes de añadir: “Bueno, pero igual yo también hice cosas mal”. Desde ahí describe ‘Gigantes’ como una canción de desamor sin rencor, capaz de reconocer lo que pudo existir y aceptar que no ocurrió.

Ahora tiene curiosidad por descubrir qué harán los demás con estas historias. Durante mucho tiempo, las respuestas de quienes escuchaban sus canciones le permitieron sentirse acompañada en el desamor. “Cuando me rompen el corazón pienso que soy la persona más desgraciada del mundo y que soy la única que lo pasa mal”, admite sobre esos momentos. La música, y los mensajes de otras personas que se reconocían en ella, le ofrecieron otra perspectiva.

Con Belonia quiere conocer también lo que sucede al otro lado de esa experiencia. Menciona ‘Algo paranormal’, su favorita del disco, como una de las canciones cuya recepción más curiosidad le produce. Es una canción de “amor total” y se pregunta cuántas personas encontrarán algo propio en ella. “Me produce un poco de curiosidad ver si mi historia no es tan única como yo pienso”.

Después vendrá el directo, presente desde la concepción del álbum. Los instrumentos se grabaron con músicos y las canciones están pensadas para tocarse con banda. Cuando se le pregunta cuál le hace más ilusión compartir en vivo, responde que todas. “No me mojo nada, pero es verdad”.

Antes de que el disco llegue a quienes lo esperan, Mafalda prefiere dejar abierta su interpretación. En lugar de elegir una frase para explicarlo, propone una pregunta: “¿Para ti qué es Belonia?”. Le gustaría conocer la respuesta antes y después de escucharlo.

Para describir su propio presente sí tiene una imagen: un campo de flores, quizá con un arcoíris y una cascada. “Estoy en un momento feliz, tanto a nivel personal como a nivel profesional”, dice. “Estoy muy emocionada por todo lo que viene”.

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Un proyecto artístico que combina poesía, humor y distintas identidades encarnadas en personajes, con conejos que aparecen una y otra vez, parecería una idea descabellada. Si estos recursos se utilizan para retratar las vivencias de una joven foránea que llega a Santiago con la intención de comenzar una carrera musical, el resultado podría no encajar en la cabeza de todo el mundo. Sin embargo, KUINA, cantautora chilena oriunda de Lautaro, convierte esa aparente locura en un universo creativo coherente, donde las identidades y las situaciones cotidianas conviven entre el absurdo, la rabia y la vulnerabilidad.

Lautaro es una pequeña ciudad ubicada en la región de La Araucanía. A 30 kilómetros se encuentra Temuco, capital regional y principal núcleo comercial, administrativo y de servicios de la zona. Entre ambas localidades creció Leonora Tonini Cáceres —conocida en el medio como KUINA—, quien desde pequeña comenzaba a demostrar un fuerte interés por las artes.

En su infancia, la música se convirtió en una de sus primeras formas de expresión. En una entrevista con La Cuarta, la cantante recordó que solía cantar y cambiar las letras de las canciones de Disney Channel y High School Musical. Más adelante, su padre le regaló un ukelele y comenzó a componer sus propias canciones. Miley Cyrus —especialmente por su papel en Hannah Montana— junto a Katy Perry, Lady Gaga y Britney Spears, formaron parte de sus primeras referencias musicales.

Pero sus inquietudes no se limitaban a cantar. Como contó a SACH, desde niña le gustaba pintar y, ya siendo adolescente, entró en el mundo del grafiti. Por sugerencia de sus amigos, comenzó a buscar un tag con el que firmar sus grafitis. Primero eligió Cuin. Después lo cambió por Kuin y, finalmente, añadió una A porque le gustaba más cómo se veía. Así nació KUINA, un nombre que, según aclaró la propia artista, no surgió de una referencia a la palabra inglesa queen (reina), sino de una decisión estética.

Ese acercamiento al lado más barrial de su región la llevó poco a poco a la escena underground, donde su interés por las artes encontró otra forma de expresión en el rap. El cambio de colegio durante su bachillerato fue clave en ese proceso: allí comenzó a acercarse a las batallas de freestyle. En esa etapa, escuchaba a artistas como Ski Mask the Slump God, Tyler, the Creator y Kendrick Lamar, junto a referentes chilenos como Chystemc, Ana Tijoux y Catana. Al mismo tiempo, mantenía su afinidad por el pop, una combinación de influencias que más adelante se reflejaría en la diversidad sonora de su proyecto.

Fue también en esos años cuando comenzó a grabar usando un teléfono celular y unos audífonos conectados a un computador. Después, trasladaban los archivos al equipo para añadir efectos como el autotune. La producción musical era entonces un proceso artesanal, condicionado por los recursos que tenían a su alcance, pero que le permitió dar sus primeros pasos en la creación de un sonido propio.

Tras un periodo de experimentación, publicó ‘colorblind’, su primera canción bajo el nombre de KUINA. Para prepararla, compró un beat por 30.000 pesos chilenos y se encargó de dibujar la portada, a la que luego añadieron efectos en Photoshop. Este no fue el primer tema que realizó, pero le costaba decidirse a publicar algo si no sentía que estaba a la altura de sus expectativas. 

La buena acogida de su primer sencillo cambió esa perspectiva y le hizo considerar la música como una posibilidad profesional y retomar su sueño de niña: ser cantante.

En agosto de 2021, con 18 años y mientras cursaba el primer año de Agronomía, Leonora viajó a Santiago con la intención de impulsar su proyecto musical. Lo que inicialmente sería una visita de pocos días terminó convirtiéndose en una decisión que cambiaría su rumbo. Durante esa estancia conoció a artistas de la escena urbana como Nihla, Akriila, Akatumamy y Amikiraa, y estrechó el vínculo con el productor Xsickboi, a quien había conocido a través de Discord. Al regresar a La Araucanía, comenzó a reunir el dinero necesario para instalarse definitivamente en la capital.

La mudanza también respondió a las limitadas oportunidades que encontraba en su lugar de origen para desarrollar su música. En Santiago, en cambio, podía acceder a herramientas, colaboradores y espacios donde experimentar con su propuesta. Empezar de nuevo implicaba alejarse de su familia y abrirse camino en una ciudad desconocida, pero también le permitió reconocer las dificultades que enfrentan quienes intentan construir una carrera musical fuera de los principales centros de la industria. Esa experiencia, marcada por la distancia y la búsqueda de un lugar propio, se convertiría con el tiempo en parte del universo narrativo de KUINA.

Una vez instalada en la capital, comenzó a darle forma a una propuesta que transitaba entre el trap, la experimentación sonora y una dimensión más íntima de la escritura. En 2022 publicó KONEJO DI PLATA, un EP de atmósferas oscuras y sonidos desbordantes que presentó a KUINA como personaje dentro de su universo narrativo, con una identidad que no se limitaba a las convenciones del género urbano. En paralelo, fue construyendo una faceta más sensible y poética a través de Leonora Laffont, un alter ego que le permitía abordar experiencias personales desde otro registro. Esta dimensión tomó forma en en el cielo viven los serafines (2023), un EP que presentó a Leonora y en el que la rabia dio paso a emociones como la tristeza, la nostalgia y la sensación de no encajar.

En este último trabajo, la escritura adquirió un peso particular. KUINA ha explicado que prefiere partir de experiencias que ha vivido antes que inventar historias, una búsqueda que se refleja en canciones como ‘temuko’, donde transforma la distancia de su lugar de origen en un relato sobre lo que significa crecer lejos de casa. La canción conecta su experiencia como joven de La Araucanía que se traslada a Santiago en busca de oportunidades con la de quienes atraviesan procesos similares.

Pero su crecimiento no se apoyó únicamente en las historias que contaba a través de sus canciones. Las redes sociales también jugaron un papel decisivo. El 30 de agosto de 2023, KUINA publicó en TikTok un adelanto de ‘TOI ENOJÁ’, una canción que había comenzado a trabajar con el productor Viangogh como un experimento deliberadamente absurdo y provocador. 

El fragmento se viralizó y comenzó a circular entre usuarios y artistas de la escena chilena, lo que impulsó el crecimiento de sus seguidores y amplió su reconocimiento. La respuesta fue tan inesperada que terminaron completando el tema. Sin embargo, detrás de su humor y su estética cercana a la cultura meme había también una crítica a la manera en que las redes pueden premiar lo extravagante mientras pasan por alto propuestas más serias.

El fenómeno de ‘TOI ENOJÁ’ abrió el camino para SOLO ESTOY JUGANDO MIXXXTAPE, publicado en abril de 2024. En este trabajo, KUINA se permitió experimentar desde el disfrute y el juego, incorporando samples de canciones y programas que marcaron su infancia. Shakira, Boney M y referencias de la cultura popular convivieron con el trap y el rap, en una mezcla que conectaba su sensibilidad musical con el humor y la estética de internet. 

La propuesta no suponía abandonar su lado más introspectivo, sino explorar otra manera de expresarse: si sus primeros trabajos habían nacido en buena medida de la rabia, la incomodidad y la tristeza, este mixtape le permitió recuperar el placer de hacer música sin la obligación de que cada canción tuviera que ser solemne o profundamente confesional.

Ese recorrido desembocó en BUENOS VALORES MALOS MODALES (2025), su primer LP. Con quince canciones, el disco reúne las distintas identidades que KUINA había ido desarrollando a lo largo de su carrera y las sitúa dentro de un mismo universo narrativo. KUINA, Leonora y Konejo —otro protagonista del imaginario de la cantante que apareció en 2023 interpretando ‘a los 16’ y que KUINA describe como “un hombre saco weas”— no funcionan únicamente como nombres alternativos, sino como personajes que expresan distintas formas de relacionarse con el mundo: desde la actitud desafiante y confrontacional hasta la vulnerabilidad, pasando por una figura masculina marcada por comportamientos tóxicos e inestabilidad emocional. Cada identidad permite abordar los conflictos desde otra perspectiva, sin perder el vínculo con las experiencias personales que atraviesan el proyecto. 

La relación entre estas identidades también permite leer la obra desde la intratextualidad, un concepto que describe los vínculos que se establecen entre distintas partes de una misma obra o universo creativo. En el caso de KUINA, las referencias, los personajes y los temas que reaparecen entre canciones y proyectos construyen una narrativa en la que cada elemento dialoga con los demás. Así, una faceta que aparece en un lanzamiento puede adquirir otro sentido cuando se escucha desde la perspectiva de otra identidad, revelando nuevas capas de significado dentro de su propuesta artística.

En BUENOS VALORES MALOS MODALES, esa dinámica alcanza una nueva dimensión al reunirlas en un solo disco, donde sus contradicciones y diferencias no se resuelven necesariamente, sino que conviven. Así, el álbum no solo marca un nuevo paso en la evolución sonora de KUINA, sino también la consolidación de una propuesta en la que la música, la escritura y la construcción de personajes forman parte de una misma narración.

La dimensión más personal del disco aparece cuando el humor y la provocación dejan espacio a temas que exigen otra forma de acercamiento. En el interludio, KUINA introduce un poema sobre los trastornos de la conducta alimentaria y la experiencia de otras mujeres, un momento que cambia el tono del álbum y expone una vulnerabilidad que contrasta con la imagen desafiante del personaje. 

La escritura, en este sentido, no es un elemento decorativo dentro de su propuesta, sino una herramienta para convertir experiencias difíciles en relatos que puedan compartirse. Esa combinación de irreverencia y sensibilidad también ayuda a entender el título del disco: BUENOS VALORES MALOS MODALES parte de la tensión entre la manera en que los demás juzgan su apariencia y su comportamiento, y los valores personales que ella busca defender. Ser provocadora no significa renunciar a la empatía; en su universo, ambas cosas pueden convivir.

La expansión de ese universo también se ha reflejado en sus presentaciones en vivo. En octubre de 2023, KUINA abrió el concierto de Dillom en el Teatro Coliseo de Santiago, una oportunidad especialmente significativa porque el argentino era uno de sus referentes. En marzo de 2025 llegó a Lollapalooza Chile, donde se presentó en el Perry’s Stage, y meses después volvió a compartir escenario con una audiencia multitudinaria al telonear a Emilia en el Estadio Bicentenario de La Florida. Son hitos que dan cuenta de cómo una propuesta nacida desde la experimentación y la autogestión ha ido encontrando nuevos espacios sin desprenderse de su identidad.

El vínculo con Dillom tuvo un nuevo capítulo el 28 de septiembre de 2026, cuando ambos lanzaron ‘bailar kon la más fea’, una colaboración producida por Ovyze que apuesta por una instrumentación más orgánica y el sonido de una banda en vivo. El sencillo prolonga una relación artística que comenzó en aquel concierto de 2023 y muestra a KUINA ampliando sus posibilidades sonoras sin abandonar la personalidad que ha construido.

Lo interesante de KUINA está precisamente en esa capacidad para hacer convivir elementos que, a primera vista, parecen incompatibles: el trap y la poesía, el humor absurdo y la confesión, los personajes exagerados y las experiencias que duelen de verdad. Sus conejos, sus códigos visuales y sus alter egos no son adornos independientes de la música, sino piezas de un proyecto que se desarrolla entre canciones, imágenes e historias. 

En lugar de ajustarse a una fórmula reconocible de la escena urbana, Leonora Tonini Cáceres ha ido construyendo un lenguaje propio para hablar de crecer, enamorarse, sentirse fuera de lugar y aprender a convivir con las contradicciones. Esa libertad para cambiar de registro sin perder el hilo de su universo es lo que convierte a KUINA en una artista a tener en cuenta: no solo por lo que ya ha publicado, sino por todas las direcciones que todavía puede explorar.

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Hay historias que parecen demasiado personales para pertenecerle a alguien más. Sin embargo, cuando se convierten en canciones, encuentran la manera de cruzar fronteras y conectar con experiencias compartidas. Esa es la premisa de Fulanito, el nuevo álbum de Pedro Capó, en el que el cantautor puertorriqueño parte de su propia historia para hablar de la identidad, las despedidas y la búsqueda de un lugar en el mundo.

Disponible desde este 16 de octubre, el disco reúne 12 canciones que reflejan una etapa de cambios personales y creativos para el artista, marcada por su regreso a Puerto Rico y una conexión renovada con sus raíces. Después de La Carretera (2025), un trabajo introspectivo en el que abordó las transformaciones de la vida y la importancia de aprender a soltar, Capó vuelve a mirar hacia dentro, esta vez desde la relación entre su historia y la de quienes han atravesado experiencias similares.

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El título del álbum resume buena parte de esa intención. “Fulanito”, una palabra que suele utilizarse para referirse a alguien cuyo nombre se desconoce o carece de importancia, se convierte aquí en una figura con la que cualquiera puede identificarse. No se trata de un personaje en particular, sino de quienes persiguen sus sueños, se marchan de su tierra, extrañan su hogar o deben empezar de nuevo.

“En el camino del proceso creativo de Fulanito entendí que ese ‘fulano de tal’ nos representa más allá de una identidad individual exclusiva y separada… que podría ser cualquiera de nosotros: aquel que trabaja por sus sueños, el que se fue de su tierra, el que extraña su casa, el que empieza de cero y sigue caminando”, explica el cantante.

Esa mirada se refleja en las 12 cortes del álbum, que exploran el amor, la nostalgia, las ausencias y la resiliencia desde distintas experiencias. Más que contar una única historia, el disco invita a cada oyente a reconocer algo de la suya en las canciones. “Fulanito, al final del día, somos todos”, concluye Capó.

El regreso a Puerto Rico ocupa un lugar importante en esa mirada. Más que funcionar únicamente como una referencia geográfica, la isla representa un vínculo con la identidad y la memoria del cantautor. Desde allí, Capó construye un disco que celebra sus raíces mientras explora diferentes ritmos y facetas de su propuesta musical, conectando lo íntimo con una experiencia colectiva.

Uno de los primeros acercamientos a ese universo llegó en septiembre con ‘Caer y levantarse’, el sencillo que anticipó el lanzamiento del álbum. La canción aborda la resiliencia desde las experiencias personales del artista y la capacidad de reconocer aquello que nos permite atravesar los momentos difíciles. Su video musical, rodado en el casco urbano de Río Piedras, también situó esta nueva etapa en un entorno ligado a su tierra.

El repertorio incluye dos colaboraciones: ‘La danza del voto’, junto a la también puertorriqueña iLe, cuya participación suma otra voz de la isla a un proyecto que encuentra parte de su sentido en la conexión con sus raíces, y ‘Lo que ves cuando cierras los ojos’, con SpreadLof. Junto a estos temas aparecen canciones como ‘Amar a la mitad’, ‘El luto’, ‘Presente’ y ‘Sol a sol’, cuyos títulos sugieren distintas aproximaciones a los vínculos, las pérdidas y la manera de seguir adelante.

A lo largo de su carrera, Capó ha construido un lenguaje propio al combinar el pop con elementos de la música latinoamericana y los sonidos de Puerto Rico. Conocido internacionalmente por canciones como ‘Calma’, el artista ha alternado entre propuestas de vocación popular y trabajos que se adentran en terrenos más personales. La Carretera ya había mostrado esa inclinación hacia la introspección; Fulanito amplía la perspectiva al poner el foco en aquello que sus vivencias tienen en común con las de los demás.

Al final, el disco propone una idea sencilla: no hace falta conocer el nombre de alguien para reconocer algo de su historia en la propia. Entre el deseo de volver, la necesidad de empezar de cero y la voluntad de seguir caminando, Pedro Capó convierte este disco en un retrato de las distintas formas de buscar nuestro lugar en el mundo.

Fulanito ya está disponible en todas las plataformas digitales.

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Fue en 2014 cuando iZaak irrumpió en la escena musical urbana con una propuesta que comenzaría a perfilarlo como un artista versátil, envolvente y camaleónico. Sus primeros pasos estuvieron marcados por las baladas, pero una etapa de inspiración y renovación lo llevó a explorar nuevos horizontes sonoros, abriéndose paso en el trap y el reggaetón. Sin embargo, su inquietud artística va más allá de los ritmos urbanos. iZaak no teme aventurarse en géneros como el merengue, la salsa y otros sonidos tradicionales que hoy encuentran nuevas formas de expresión.

Tras más de una década perfeccionando su estilo, explorando nuevas sonoridades y afinando su propuesta lírica, el artista puertorriqueño presenta Millito, un álbum que rinde homenaje a su padre, quien partió de este mundo, pero dejó una huella imborrable a través de las experiencias compartidas, los valores inculcados y un legado familiar que hoy trasciende hacia la música. A través de este proyecto, iZaak transforma ese vínculo en una expresión artística que inmortaliza su conexión y mantiene vivo su recuerdo. El disco reúne colaboraciones con Maluma, Wisin, Chencho Corleone, Jhayco, Anuel AA, Blessd y Randy Nota Loka, figuras que, de una u otra manera, han sido referentes de inspiración para iZaak desde sus primeros pasos en la música. Así, Millito no solo representa un homenaje personal, sino también un encuentro con algunas de las voces que han acompañado e influido en su evolución artística.

Hablamos con el artista sobre su álbum debut, la transformación que atraviesa la escena urbana, y mucho más. Lee aquí nuestra entrevista completa:

iZaak, quisiera que empezáramos a platicar sobre tu álbum debut Millito. Cuéntame la historia detrás de este material. 

Todo esto es con base en mi crecimiento y legado de mi padre hacia mí. Papi fallece y empiezan a pasar cosas bien positivas y bonitas con mi carrera. Llegó un momento en el que sentí que todo estaba pausado, pero después de lo de mi padre, se sintió todo bien espiritual. Fueron muchas bendiciones de cantazo. Como estoy bien agradecido con todo esto, es como mandar un mensaje a la comunidad con este disco, de que siempre honren a su padre y a su madre. Hay muchas cosas pasando en el mundo, pero siempre llegarán cosas bonitas y las cosas se te van a triplicar. 

El punto con este disco es que se lo dediqué a mi padre, a quien le decían Millo, y como yo me parezco mucho a él, pues a mí me dicen Millito. Con esta idea le puse el título a mi disco. Las canciones son mi esencia, con toques de lo urbano y comercial. Les di un poco de lo que escucharán más adelante. 

Irrumpiste en la escena musical en 2014, ¿por qué crees que 2026 fue el año perfecto para lanzar tu álbum debut?

Entiendo que los tiempos de Dios son perfectos y no son discutibles. Cuando está para ti, pues está para ti. Incluso hay canciones en el disco que son viejísimas, pero nadie lo sabe porque no habían salido. Quizás esas canciones tenían otro ritmo o temática. Y es como te digo: el mundo de la música es muy misterioso. No es porque sea mi álbum, pero es un material bien completo para cualquier tipo de ocasión, desde lo emocional hasta donde quiera que estés. Siempre habrá una canción que te llena.

¿Crees que todos estos años de práctica, de hacerte de una carrera y de un nombre en la industria hayan dado un resultado muy diferente con esta producción? 

Total. Acuérdate que en cuestiones de lo urbano, y la música en general, siempre cambiamos la manera de cantar, tirar los versos, la vibra, producción y la musa. Si pasa cierto tiempo, casi una década, de que grabaste un álbum o algunas canciones, pues tú te sentirás más preparado cuando lo lances. El trabajo de todos los días es mejorar para tener más experiencia. Los tiempos de Dios son perfectos y todo salió muy bien para mí. 

Cuéntame cómo se dieron las colaboraciones con Maluma, Wisin, Chencho Corleone, Jhayco, Anuel AA, Blessd y Randy Nota Loka en este disco.

Todo fue muy genuino. Llevo muchos años en la música, y todas estas personas que salieron en el álbum son artistas que nos hemos visto desde los comienzos. A Maluma lo conocí hace muchos años; Wisin me vio crecer desde muy nene, joseando y trabajando; Jowell y Randy fueron los primeros que me dieron la oportunidad de trabajar con artistas urbanos; Chencho y yo nos veíamos detrás de los conciertos desde hace tiempo. Literal todo tiene algo familiarizado en cada canción. Yo no puse a nadie por simplemente ponerlo o para rellenar. Estoy súper agradecido con ellos, por apoyarme y por estar en Millito.

¿Qué significa para ti que estas estrellas formen parte de tu álbum debut? Cuando probablemente eran artistas que fueron tu inspiración cuando soñabas con ser cantante.

Yo digo que es como un logro o trofeo. Este disco es una medallita porque es mi primer álbum, y es con los más grandes. Se siente muy gratificante. Yo sé que voy a hacer cosas bien grandes, y esta es una de ellas. Para mí, este disco cuenta muchísimo. 

Háblame de tu sonido. ¿Cómo fue encontrarte en todo lo que hoy representa el género urbano? ¿Crees que fue difícil encontrar lo que hoy suena como iZaak? 

Fue difícil, pero a veces no te das cuenta. Trabajas sin parar, y eso te ayuda a pulirte en lo que más amas y lo que sabes hacer. Yo empecé cantando baladas, pero soy puertorriqueño y el reggaetón está en las venas. Me encanta cómo me queda el reggaetón, el trap y lo urbano. Decidí irme por estos géneros y Dios me dio la oportunidad de hacerlo. Gracias a Dios tengo varios éxitos. Me escucho años atrás y digo: ‘Wow, yo canto bien diferente’. Sin embargo, eso no es apropósito. Mi voz siempre ha sido la misma, pero quizás los adornos cambian y me voy comercial. Son cosas que cambian con la onda. Siempre hago lo que quiero hacer en cuestión de música. 

Además, estás presentando una nueva versión en tu trayectoria, con el concepto del ‘romantiqueo’…

Claro. La música es bien impredecible, y con eso te digo todo. Yo siempre estoy preparado para cualquier tipo de música gracias a mí experiencia. En mi estudio y computadora tengo bachata, merengue, boleros, reparto y más cosas. Me encanta hacer música.

Desde el 2014 que irrumpiste en la escena musical hasta el día de hoy, ¿cómo crees que ha sido tu evolución como compositor e intérprete? 

Me encanta hacer de todo. Lo que más me gusta de esto es que no dependo de nadie, y no me gusta hacerlo. La musa es algo bien importante en el artista, y si un productor se está tardando en llegar al estudio, pues la vibra se te va. Desde chamaquito fui bien desesperado y siempre estaba en alta buscando terminar las cosas, hacerlas posible. Es por eso que yo grabo, mezclo, escribo y hago pistas. Ahora mismo no me estoy haciendo las pistas porque pierdo mucho tiempo, pero me gusta hacer de todo. Me gusta estar dentro de mi proyecto y saber en lo que se está meneando. 

Puerto Rico es bien conocido como uno de los países que más exponentes tiene de música urbana. ¿Cómo ves actualmente la escena musical de tu país? 

La veo súper bien. Creo que la isla tiene su propio secreto, con tantos talentos todos los días, porque, sin mentirte, todos los días sale un artista nuevo que será la próxima estrella. Esto es una cosa increíble. No todos los días sale un Bad Bunny, un Ozuna o un Yankee, pero hay demasiado talento. 

Hay artistas que ya tienen mucho éxito, con una gran posición, pero siento que le deberían de dar más oportunidades a los chamaquitos nuevos que están empezando a subir. No hay que tenerles miedo por culpa del ego, porque eso es bien triste. Consejo para todos los artistas que ya viven de su música: ‘Hay que darle oportunidades a los nuevos artistas’. Yo siempre que veo un artista nuevo, o grabo con ellos o los escucho, porque yo me identifico con la situación que atravesé en mis inicios. Tenemos que ayudar a los chamaquitos para que rompan.

Increíble mensaje para todos esos artistas que pueden ayudar desde sus trincheras. Después de Millito, ¿a dónde quieres llevar tu proyecto? ¿Qué es lo que más te emociona de tu carrera?

Esto es lo que más amo. No quiero trabajar para ser competitivo, sino trabajar por el amor que le tengo y vivir de esto. Esto es lo más importante.

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