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La Audiencia Nacional de España le ha dado la razón a Shakira en su última disputa por el presunto fraude fiscal del que le acusaba la Agencia Tributaria del país europeo. Este lunes 18 de mayo, se conoció la sentencia en la que se anula la resolución del Tribunal Económico Administrativo Central de junio de 2021, la cual obligó a la cantante colombiana a pagar alrededor de 55 millones de euros. Ahora, Hacienda deberá devolverle el dinero que, con intereses, se eleva a más de 60 millones de euros.
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De acuerdo con la acusación inicial de los entes tributarios, la artista habría evadido su responsabilidad de pagar el Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas (IRPF) y el Impuesto sobre el Patrimonio en 2011. La Agencia Tributaria afirmaba que Shakira había permanecido dentro del territorio español por más de 183 días por lo que, según dicta la ley, ya podía ser catalogada como residente fiscal.
La defensa argumentó que por aquel entonces la cantante vivía en las Bahamas y que, además, en ese mismo periodo de tiempo adelantó gran parte de su gira mundial Sale el sol que la llevó de visita por más de 30 países, razón por la que le hubiese sido imposible permanecer mucho tiempo dentro de España. El argumento que sostenía Hacienda sobre la relación que sostenía la colombiana con un residente español –el exfutbolista Gerard Piqué– también fue desmentida en el sentido en que aún no se trataba de una sociedad conyugal. Así las cosas, la Sección Cuarta de la Sala de lo Contencioso determinó que su estancia en el país fue de 163 días en total.
“Después de más de ocho años soportando un señalamiento público brutal, campañas orquestadas para destruir mi reputación y noches enteras sin dormir que terminaron afectando a mi salud y al bienestar de mi familia, por fin la Audiencia Nacional ha puesto las cosas en su sitio”, declaró Shakira luego de conocerse la sentencia. “Nunca hubo fraude, y la propia Administración nunca pudo demostrar lo contrario”.
La intérprete de ‘Soltera’ criticó el escrutinio público al que fue sometida y afirmó que su caso fue utilizado para “enviar un mensaje amenazante” a los contribuyentes. “Hoy esa narrativa cae, y lo hace con la fuerza de una sentencia. Mi mayor deseo es que este fallo siente un precedente para Hacienda y sirva a los miles de ciudadanos anónimos que cada día son abusados y aplastados por un sistema que presume su culpabilidad y los obliga a demostrar su inocencia desde la ruina económica y emocional. A ellos va dedicada esta victoria”, cerró.
El reciente fallo de la Audiencia Nacional únicamente hace referencia al año 2011, es decir, no está relacionado con el periodo entre 2012 y 2014 por el que sí fue hallada culpable de fraude fiscal. Tras un juicio llevado a cabo en 2023, Shakira aceptó haber defraudado 14,5 millones de euros a Hacienda y llegó a un acuerdo de tres años de cárcel –que no se hicieron efectivos– y el pago de una multa de 7,3 millones de euros.
“He tomado la decisión de resolver finalmente este asunto teniendo en cuenta el mejor interés de mis hijos, quienes no quieren ver a su madre sacrificar su bienestar personal en esta lucha”, sostuvo en aquel entonces. “Necesito superar el estrés y el costo emocional de los últimos años y concentrarme en las cosas que amo, mis hijos y todas las oportunidades que se avecinan en mi carrera”.
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“Yo me llamo cumbia, yo soy la reina por donde voy / No hay cadera que se esté quieta donde yo estoy / Mi piel es morena como los cueros de mi tambor / Y mis hombros son un par de maracas que besa el sol”. Cuando imaginamos esa cumbia, no hay mejor imagen que la de Sonia Bazanta Vides, más conocida como Totó la Momposina.
Una voz que llevó con orgullo la tradición colombiana al mundo entero, siempre guiada por el retumbar de los tambores, la esencia de la cumbia y la alegría del mapalé. Acompañó a Gabriel García Márquez a Estocolmo, Suecia, durante la entrega del Premio Nobel de Literatura, y junto al productor inglés Richard Blair creó uno de los discos con algunas canciones más representativas del folclor colombiano: La candela viva.
“Honramos la memoria de una mujer que dedicó más de seis décadas a investigar, salvaguardar y proyectar los saberes del Caribe colombiano”, dice el Ministerio de Cultura de Colombia. “Gracias Totó la Momposina por haber inspirado y mostrado la magia, la fuerza, el dolor y el latido de tu tambor. Tu voz potente de fuego viajó por el mundo llevando a Colombia en el corazón. Hoy vivirás en nosotros como símbolo de una nación” escribió Juanes. “Hoy despedimos a una grande de nuestra cultura, pero su esencia vivirá para siempre en cada tambor, en cada canto y en cada escenario donde el folclor colombiano siga latiendo”, proclaman los integrantes de Herencia de Timbiquí. “Su voz, su fuerza y su amor por nuestras raíces dejaron una huella invaluable en la música y en la cultura latinoamericana”, declaran los integrantes de Grupo Niche.
Grandes compositores de la música colombiana, como José Barros, Mario Gareña y Lucho Bermúdez, tuvieron la fortuna de que sus canciones cayeran en manos de quien, sin duda, es la cantora y reina más importante de Colombia.
Un canto vivo, como la cumbia y el tambor; alegre, como el mapalé, que salvaguardó nuestros sonidos ancestrales y trascendió culturas y generaciones. Un canto por Latinoamérica, como quedó plasmado en ‘Latinoamérica’, de Calle 13.
Colombia suena a Totó la Momposina.
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La atmósfera de un concierto de Natalia Lafourcade es diferente. No hay pólvora que distraiga los sentidos ni luces estrafalarias. Solo hay un piano, una mesa de noche junto a una silla y un adorno floral y al mismo tiempo teatral.
Una voz hace el llamado —como es costumbre en los teatros— de que se acerca la salida de Natalia Lafourcade al escenario y, acto seguido, recomienda al público presenciar y sentir el concierto con la mirada y el corazón, y no a través de la pantalla del celular.
Bajo unas luces azules, Natalia aparece en escena y se sienta al piano. Las notas largas y sentidas dan inicio al concierto y, al mismo tiempo, a un momento de absoluta intimidad. No se necesita un espectáculo extravagante para demostrar lo trascendental que puede llegar a ser la música, ni luces que entretengan al público cuando una voz, un piano y una guitarra son interpretados con maestría y un sentimiento prácticamente palpable. Lafourcade demostró que, cuando el arte prima sobre todas las cosas, todo lo demás se vuelve innecesario.
Canción tras canción, el público entendió que estar completamente presente era lo necesario para sumergirse en el mundo de Cancionera; que dejar el celular de lado, escuchar atentamente, bailar y cantar convertía el concierto en una experiencia verdaderamente transformadora y mágica.
“Va subiendo la corriente / Con chinchorro y atarraya / La canoa de bareque / Para llegar a la playa”, canta Natalia Lafourcade, y todo el público colombiano se pone de pie con suma emoción. Hace ya casi una década, la artista presentó dos discos dedicados al folclor latinoamericano, demostrando que en ella y en su voz nuestras letras, aquellas que nos representan, están perfectamente interpretadas y muy bien resguardadas. Así ocurrió también en Bogotá, donde interpretó ‘El pescador’, la hermosa composición de José Barros.
El homenaje a las músicas colombianas no paró ahí. Un tercer instrumento entró en escena: el acordeón, interpretado por Alfredo Gutiérrez, el único tricampeón del Festival de la Leyenda Vallenata. Una parranda vallenata en medio de un concierto de Natalia Lafourcade, algo completamente inesperado y, al mismo tiempo, místico.
‘Anhelos’, ‘Ojos indios’ y un popurrí de Los Corraleros de Majagual fueron las canciones que el colombiano y la mexicana interpretaron con un sentimiento que demostró la fuerza y la unión del pueblo latinoamericano, sin importar las nacionalidades.
“Enciendan la linterna para grabar —con una grabadora vieja que, en algunos momentos, utilizaba Natalia— este momento tan especial y ponerlo en mis redes antisociales”, dijo Natalia Lafourcade en uno de los momentos más bellos de la noche en Bogotá, cuando todo el público iluminó el Movistar Arena.
‘Lo que construimos’, ‘Nunca es suficiente’ y ‘El palomo y la negra’ —esta última, de su más reciente álbum, Cancionera— fueron algunos de los éxitos que pusieron a cantar y bailar a todas las almas, o “flores”, como las llamaba Natalia.
Y llegó el momento, esa canción que todo el público esperaba con ansias y que cambió por completo la carrera de Natalia Lafourcade. Junto a dos niñas en el escenario, interpretó ‘Hasta la raíz’, una canción que, sin lugar a dudas, ya hace parte del cancionero latinoamericano.
Un concierto diferente; un concierto para el alma, en lugar de uno pensado para el celular. Ese fue el increíble espectáculo de la mexicana, quien demostró que una gran voz y un corazón sensible valen mucho más que la pólvora y los reflectores.
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Maluma nos abre las puertas de su amada nación. El nuevo álbum de la estrella colombiana se alza como una celebración profunda y luminosa de sus raíces, un homenaje íntimo a la tierra que lo vio nacer y crecer. Este proyecto marca un punto de inflexión en su carrera: una obra donde la nostalgia por volver a casa se convierte en el hilo conductor de un viaje hacia su identidad más esencial. A través de cada canción, el artista regresa al origen que lo formó para rendir tributo a su historia, a su gente y a los valores que verdaderamente importan. Es una mirada sincera y emotiva hacia su querida Colombia, un reencuentro con sus raíces convertido en música.
Loco X Volver inicia con el tema que da nombre al álbum: una pieza profunda y conmovedora dedicada a su hogar. Desde los primeros versos, cargados de emoción y dirigidos a su madre, el cantante desnuda la tristeza y el vacío que le ha dejado la distancia, mientras recuerda la razón que lo llevó a partir: la búsqueda del reconocimiento y sus sueños. Tras conquistar escenarios y alcanzar innumerables cimas, Maluma llega a una certeza tan simple como poderosa: no existe lugar en el mundo que se compare con el calor de casa, con Colombia. “Casita linda de mis anhelos / Es un orgullo ser colombiano / Pero una chimba ser antioqueño / Una chimba no, una recontra chimba”, canta.
Es un sentimiento compartido por quienes han tenido que partir de su país y de su hogar en busca de un mejor futuro. Aun así, el anhelo de volver a los suyos permanece intacto, unido a los recuerdos, las personas y los lugares donde comenzó su historia. Como bien lo dice el propio Maluma al final de la canción: “Toda esta canción, todo este álbum, todo lo que está aquí reflejado, va dedicado a todos los pelaitos, a todos los jóvenes de Medellín, de Colombia, de Latinoamérica. Que sepan que con disciplina, con trabajo, con esfuerzo, con sacrificio, con mucha humildad, podemos cumplir nuestros sueños”.
El tema mantiene una vibra festiva, luminosa y contagiosa, tan auténtica como la esencia misma de Colombia. Junto a Ryan Castro, una de las figuras más potentes del panorama urbano actual, Maluma revive esas noches de fiesta interminable en una atmósfera de discoteca donde la seducción, el deseo y la adrenalina marcan el pulso de la canción. La energía del tema recuerda al Maluma de sus primeras épocas, ese artista desenfadado y magnético que conquistó las pistas, pero ahora acompañado de una madurez sonora que refleja el enorme crecimiento personal y artístico que ha experimentado con los años. La participación de Castro aporta un aire fresco y contemporáneo que eleva la canción, convirtiendo a ‘Pa’ la seca’ en un himno irresistible, vibrante y hecho para disfrutarse de principio a fin.
En temas como ‘Tu recuerdo’, emerge un Maluma mucho más introspectivo y emocional, dejando atrás el brillo superficial de los lujos para sumergirse en una narrativa donde la soledad, la nostalgia y la vulnerabilidad toman el protagonismo absoluto. La canción retrata a un artista que ya no encuentra valor en lo material, sino en aquello que permanece cuando el ruido se apaga y solo quedan los recuerdos. Durante los últimos años, el cantante ha atravesado experiencias que transformaron profundamente su manera de ver la vida, llevándolo a replantear sus prioridades y a conectar con lo verdaderamente esencial. Esa evolución personal se refleja en cada verso, otorgándole una sensibilidad distinta y una honestidad que conmueve. Hoy, Maluma parece valorar más que nunca esos pequeños instantes y detalles cotidianos que antes podían pasar desapercibidos, pero que con el tiempo terminaron convirtiéndose en lo más importante de su mundo.
Sin duda, Loco X Volver guarda algunos de los momentos más emotivos y sensibles de la carrera reciente de Maluma, y ‘1+1’ es prueba de ello. La colaboración junto a Kany García se siente poderosa, íntima y profundamente honesta, como el encuentro de dos almas musicales destinadas a coincidir. Más allá de presentar una canción de amor sobre la conexión entre dos personas, el tema construye un universo sonoro lleno de sensibilidad, matices y emoción. Las voces de ambos artistas se entrelazan con una naturalidad impecable, complementandose en cada verso y llevando mutuamente sus estilos hacia nuevos territorios emocionales. La interpretación transmite una complicidad genuina que convierte la canción en una experiencia cálida y envolvente. Escuchar esta unión resulta tan orgánico y especial que inevitablemente surge la pregunta de por qué la música en español tardó tanto en regalarnos una colaboración entre dos voces tan extraordinarias. “Si pa’ besarse necesitan dos / Pa’ acariciarse necesitan dos / Baby, aquí me tienes / Resolvamos la ecuación”, cantan.
Otro de los instantes más conmovedores de Loco X Volver aparece con ‘Canción de cuna’, un breve pero profundamente emotivo interludio dedicado a París, la hija de Maluma. Aunque por su duración podría pasar desapercibido entre el resto de canciones, en realidad representa uno de los pilares emocionales más importantes del proyecto y la razón detrás de ese regreso a lo esencial: su tierra, sus raíces y su verdadera identidad. La llegada de su hija transformó por completo la mirada del artista sobre la vida y sobre sí mismo. Como si finalmente hubiese logrado quitarse una venda de los ojos, Maluma comenzó a entender el éxito desde un lugar mucho más humano y genuino. La fama, los reconocimientos y todo aquello que durante años definió su carrera dejaron de ocupar el centro de su mundo; ahora son la familia, el amor y la felicidad cotidiana los motores que dan sentido a cada paso que da.
Durante años construyó cuidadosamente ese personaje magnético y arrollador que conquistó al público internacional, y aunque eso no invalida ni desmiente las etapas anteriores de su carrera, este álbum refleja algo distinto: una evolución real. En este trabajo, Maluma parece despedirse de una versión de sí mismo para abrirle espacio a un hombre más consciente, sensible y pleno, alguien que encontró en el amor por los suyos la cima más importante de todas.
En Loco X Volver, Maluma emprende un viaje sonoro profundamente conectado con sus raíces, recorriendo géneros que forman parte de la identidad musical de Colombia y de toda Latinoamérica: vallenato, reggaetón, salsa, merengue, dancehall y pop latino convergen en un proyecto vibrante, nostálgico y lleno de identidad. A través de esta mezcla de sonidos y tradiciones, el artista reconstruye el camino hacia aquello que lo formó, evocando recuerdos ligados a su infancia, a su familia y a los espacios que marcaron su historia. Las melodías remiten a sus abuelos, al folclore colombiano y a las calles que moldearon su carácter y sensibilidad artística. Más que una simple exploración musical, el álbum funciona como un retrato íntimo de su trayectoria, contado desde una mirada mucho más madura, consciente y sólida de quien hoy observa su pasado y su presente desde otra perspectiva.
Parte de su transformación también implica reconocer y honrar los sonidos que le dieron el impulso necesario para convertirse en uno de los grandes referentes de la escena urbana. En ‘Botero’, su colaboración con Arcángel y NTG, el artista hace un guiño a sus primeros pasos con una base festiva y desenfadada que celebra el disfrute sin pretensiones. El tema evoca esa etapa inicial en la que Maluma construyó parte de su identidad musical con versos que se volvieron emblemáticos dentro de la cultura del género, y que su público aún recuerda como parte esencial de su legado.
Y así, sin más, Maluma ha regresado ha regresado a casa, a Juan Luis.
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El pasado 16 de mayo, Bulgaria, de la mano de la cantante Darina Nikolaeva —mejor conocida como Dara— y la canción ‘Bangaranga’, se proclamó ganadora de la edición número 70 de Eurovisión, el certamen musical más importante de Europa desde su creación en 1956. Sin embargo, la victoria de la artista búlgara de 27 años —quien se impuso con 516 puntos sobre el israelí Noam Bettan— terminó viéndose opacada por el fuerte llamado al boicot impulsado por parte del público y algunos países participantes, como España, debido a la inclusión de Israel en medio de la ofensiva militar que el país mantiene en la Franja de Gaza.
La controversia creció aún más luego de que una investigación de The New York Times revelara una presunta estrategia mediante la cual el gobierno israelí habría destinado grandes sumas de dinero para influir en la competencia y utilizarla como una herramienta de poder blando dentro de su agenda internacional.
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El concepto de “poder blando” —popularizado por el politólogo estadounidense Joseph Nye a finales de los años ochenta— hace referencia a la capacidad de un país para influir en la percepción internacional a través de la cultura, el entretenimiento, los valores o la diplomacia, en lugar de recurrir directamente al poder militar o económico. Bajo esa lógica, eventos de alcance global como el Mundial de fútbol, los Juegos Olímpicos o incluso Eurovisión se convierten en vitrinas estratégicas para construir imagen, legitimidad e influencia internacional, y así lo entendió Israel, especialmente después de que el conflicto en Gaza explotara en 2024.
De acuerdo con el reportaje, Israel habría destinado al menos un millón de dólares a campañas de marketing relacionadas con Eurovisión durante los últimos años. Parte de esos recursos, señala el periódico, provendrían directamente de oficinas gubernamentales encargadas de la estrategia de comunicación internacional del país, conocidas bajo el término hasbara, utilizado por el propio Estado israelí para referirse a sus esfuerzos de diplomacia pública y construcción de narrativa internacional.
Uno de los casos más llamativos habría ocurrido durante la edición de Malmö 2024, la primera celebrada con el genocidio israelí en Gaza ya en curso. De acuerdo con documentos obtenidos por el observatorio israelí The Seventh Eye y compartidos con el Times, el gobierno habría invertido más de 800.000 dólares en publicidad vinculada al certamen, incluyendo una partida específica destinada a la “promoción del voto”.
La investigación sostiene además que la estrategia no habría sido improvisada. El compositor israelí Doron Medalie —autor de varias canciones con las que el país participó en el festival— aseguró al periódico estadounidense que desde al menos 2018 el gobierno comenzó a impulsar campañas digitales para promover a sus representantes en redes sociales. Aquel año, Israel ganó el certamen tras invertir más de 100.000 dólares en promoción, un resultado que, según Medalie, convenció a distintos sectores políticos de que Eurovisión podía convertirse en “una buena inversión”.
Según el reportaje, la operación alcanzó un nuevo nivel en la edición de 2025 celebrada en Basilea. Periodistas de la radiotelevisión pública finlandesa detectaron anuncios pagados en múltiples idiomas que incentivaban al público a votar hasta veinte veces por la representante israelí Yuval Raphael, el máximo permitido por el reglamento en ese momento. Incluso el primer ministro Benjamin Netanyahu compartió publicaciones en redes sociales promoviendo el voto, mientras organizaciones proisraelíes y miembros de la diáspora replicaban la campaña en distintos países europeos.
Uno de los puntos más polémicos del reportaje tiene que ver con el impacto que estas campañas pudieron haber tenido sobre el televoto. El análisis realizado concluye que, debido al relativamente bajo volumen de participación en algunos países, bastarían cientos de personas votando repetidamente para alterar significativamente los resultados del voto popular. Aunque la investigación no encontró evidencia del uso de bots o manipulación automatizada, sí describe un esfuerzo estatal coordinado y sin precedentes para movilizar apoyo alrededor de la candidatura israelí.
La Unión Europea de Radiodifusión (UER), organizadora del certamen, también quedó bajo cuestionamiento. Aunque su director, Martin Green, reconoció que la campaña israelí pudo haber sido “excesiva”, negó que esta alterara el resultado final de la competencia. Sin embargo, el periódico sostiene que la organización evitó transparentar completamente los datos de votación y manejó internamente el debate sobre una posible expulsión de Israel, una discusión que terminó profundizando las tensiones entre las cadenas públicas europeas participantes.
La controversia terminó provocando una fractura inédita dentro del festival. Según el reportaje, radiotelevisiones públicas de países como Islandia, Irlanda, Países Bajos, España y Eslovenia anunciaron su intención de boicotear la edición de 2026 en Viena, argumentando que el certamen perdió su pretendida neutralidad política.
Tras el boicot y la amplia victoria de Bulgaria —que terminó superando por más de 170 puntos a Israel—, gran parte del público celebró el resultado, argumentando que el país no debía participar en el certamen en medio de la guerra en Gaza. Sin embargo, más allá de quién levantó el trofeo, la investigación del Times deja sobre la mesa una discusión mucho más profunda: la creciente dificultad de separar la cultura y el entretenimiento de los intereses políticos y diplomáticos. Hoy, Eurovisión enfrenta una de las mayores crisis de legitimidad de su historia reciente, atrapado entre la música, la geopolítica y el debate sobre qué tan fácil puede ser para los gobiernos utilizar eventos globales para moldear la opinión y la percepción pública internacional.
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A 50 años del debut discográfico de Ramones, la edición norteamericana de Rolling Stone publicó una lista con los mejores discos punk de todos los tiempos, un recorrido que repasa cómo aquel estallido nacido en Nueva York terminó cambiando para siempre la historia del rock.
La selección no se limita al punk más clásico: también incluye a artistas fundamentales que anticiparon el género, como The Stooges, New York Dolls y Patti Smith, además de todas las ramificaciones que vinieron después. Desde Sex Pistols y The Clash hasta Green Day, Blink-182 o nuevas generaciones hardcore, el ranking refleja cómo el punk logró reinventarse una y otra vez sin perder intensidad.
Más que un canon cerrado, la lista funciona como un mapa para entender la evolución de un género a lo largo de décadas. A continuación, el Top 10:
10. The Clash, ‘London Calling’ (1980)
En 1979, tras cambios en la dirección y bajo una creciente presión, Joe Strummer y Mick Jones se refugiaron en la cruda y relajada atmósfera de los estudios Vanilla de Londres, donde desataron una especie de magia mientras pasaban largas jornadas improvisando versiones, jugando al fútbol y grabando maquetas de lo que se convertiría en su monumental álbum doble. Le siguió una intensa sesión de grabación de seis semanas, que consolidó un conjunto de temas ya clásicos —desde “Clampdown” hasta “Guns of Brixton”, pasando por la canción que da título al álbum— que transmitían mensajes de desilusión política y angustias existenciales que resuenan con más fuerza cada año. Si bien las influencias del ska, el jazz y el rockabilly siguen desconcertando a los puristas hasta el día de hoy, ese espíritu multidireccional definió los límites de lo que el punk y el rock podían ser. —Julyssa Lopez
Véase también: The Clash, Sandinista! (1980); The Specials, The Specials (1980)
9. Nirvana, ‘Nevermind’ (1991)
“El punk rock debería significar libertad”, dijo Kurt Cobain en una entrevista justo cuando se estaba convirtiendo en el mesías autocancelado del rock alternativo. Le encantaban The Raincoats y Black Flag, y también Black Sabbath y Aerosmith. Nevermind irrumpió como una granada en la escena musical estadounidense, transformando los bailes de secundaria en pogos con una música que encarnaba el sueño de Cobain de un punk rock que los jóvenes metaleros con los que creció en la zona rural de Washington pudieran amar. En canciones como “In Bloom”, “Breed” y “Territorial Pissings”, tomó el sonido crudo y pesado de la escena underground del rock del noroeste del Pacífico y lo convirtió en algo implacablemente pegadizo, poderosamente opaco y extrañamente empático. —Jon Dolan
Véase también: Nirvana, In Utero (1993); Nirvana, Bleach (1989)
8. The Stooges, ‘Fun House’ (1970)
La fuerza bruta era el modus operandi de los Stooges, y su segundo álbum (producido por Don Gallucci, tecladista de Kingsmen) captura a la perfección su locura en el escenario: Iggy Pop aullando como un hombre lobo, el guitarrista Ron Asheton creando elaborados riffs de blues con la menor cantidad de acordes posible (en “T.V. Eye” prácticamente solo hay uno), letras reducidas a mantras concisos y ritmos que se repiten sin cesar porque la banda no puede dejar de machacar. Hasta que el punk rock alcanzó lo que ellos habían creado, jóvenes de todas partes, con gustos poco convencionales, se reconocían entre sí gracias a sus álbumes de los Stooges. En palabras de Thurston Moore de Sonic Youth: “Los Stooges eran la encarnación perfecta de lo que la música debería ser”. —Douglas Wolk
Véase también: Iggy and the Stooges, Raw Power (1973); Iggy Pop, Lust For Life (1977)
7. The Sex Pistols, ‘Never Mind the Bollocks Here’s the Sex Pistols’ (1977)
The Sex Pistols causaron un escándalo nacional con sus infames sencillos “Anarchy in the U.K.” y “God Save the Queen”. Su mánager, Malcolm McLaren, aprovechó la indignación que generó la banda para popularizar la estética y la actitud del punk a nivel mundial. Pero lo que a veces se pierde en el mito de la banda es la fuerza y la inventiva de su música. Con el gruñido nasal cockney del cantante Johnny Rotten, la guitarra estridente de Steve Jones y la atronadora batería de Paul Cook, su primer y único álbum de estudio es un testimonio de la ira y la frustración de la vida a finales de los años 70, cuando la inflación se descontrolaba, los sistemas colapsaban y los políticos no hacían nada al respecto. ¿Les suena familiar? —Elisabeth Garber-Paul
Véase también: Sex Pistols, The Great Rock ‘n’ Roll Swindle (1979); Sex Pistols, Spunk (1977)
6. Wire, ‘Pink Flag’ (1977)
Ningún LP resumió mejor la infinita posibilidad de la radical simplicidad del punk que este álbum debut de 35 minutos y 21 canciones. Cada tema crea su propia realidad: la mecánica post-punk (influenciada por Elastica, entre otros) de “Three Girl Rhumba”, la pesadilla sensacionalista de 28 segundos “Field Day for the Sundays”, el cubo de Rubik de estudios culturales “12XU”. Entre los blancos de Wire estaba la propia escena; como la describió Greil Marcus en su reseña de 1978 para Rolling Stone: “Pink Flag representa al punk rock británico intentando salir de un pozo, y ese pozo, según la percepción de Wire, parece ser el propio punk rock”. Sus canciones fueron versionadas por muchos, y su influencia fue enorme. En palabras de Henry Rollins de Black Flag: “Un álbum perfecto”. —Will Hermes
Véase también: Wire, Chairs Missing (1978); Elastica, Elastica (1995)
5. Sleater-Kinney, ‘Dig Me Out’ (1997)
El trío de Olympia, Washington, Sleater-Kinney, ya había causado sensación antes de su tercer álbum, pero Dig Me Out consolidó su formación característica, catapultándolos a la cima de la historia de la música. Con la incorporación de la baterista Janet Weiss, la interacción vocal y guitarrística entre Corin Tucker y Carrie Brownstein encontró la combinación perfecta, dinámica y enérgica. El álbum explora las relaciones, románticas y de otro tipo, desde la vertiginosa declaración de la canción que da título al disco: «Sácame de aquí, sácame de este lío», hasta las vulnerables voces de llamada y respuesta en «One More Hour», pasando por la forma en que la banda integra la crítica social sobre los roles tradicionales en un estribillo melódico en «Little Babies». El torbellino de emociones se despliega con ferocidad y sentimiento. —Althea Legaspi
Véase también: Heavens to Betsy, Calculated (1994); Excuse 17, Such Friends Are Dangerous (1995)
4. The Clash, ‘The Clash’ (1977)
El debut homónimo de The Clash, una explosión de furia politizada y estribillos vocales callejeros, transformó el punk británico, pasando de ser una rebelión adolescente a un arma social dinámica, con canciones como “White Riot”, “London’s Burning” y “I’m So Bored With the U.S.A.”, un desafío al imperialismo cultural estadounidense. Joe Strummer y su coautor, el guitarrista Mick Jones, no eran precisamente oradores natos; su mánager, Bernie Rhodes, los presionó para que abordaran temas de actualidad. Pero el resultado —impulsado por el bajista Paul Simonon y el baterista original Terry Chimes, y producido por el técnico de sonido en directo de la banda, Mickey Foote— fue una furia británica decisiva. CBS en Estados Unidos se negó a publicar el álbum, alegando problemas de fidelidad; una edición de 1979 incluyó sencillos posteriores. La original sigue siendo el sonido de una revuelta naciente: un nuevo Londres que clama sin miedo ni concesiones. —D. Fricke
Véase también: The Clash, Give ‘Em Enough Rope (1979); The Clash, Black Market Clash (1980)
3. The Minutemen, ‘Double Nickels on the Dime’ (1984)
The Minutemen llegaron desde San Pedro, el puerto obrero de California: tres tipos duros que rompieron todos los clichés sobre cuánto se puede decir en una canción de punk rock, tanto musical como políticamente. El guitarrista D. Boon y el bajista Mike Watt eran mejores amigos desde la infancia y se unieron al baterista George Hurley. Double Nickels on the Dime es su extenso clásico de doble vinilo de 1984, lleno de calidez fraternal y humor irreverente; como declaran en “History Lesson, Pt 2”, “Nuestra banda podría ser tu vida”. Boon y Watt intercambian rimas, exploran el jazz y el folk, y lanzan diatribas anticapitalistas contundentes como “This Ain’t No Picnic”. Incluso versionan clásicos de Steely Dan, Creedence Clearwater Revival y Van Halen. Pero, trágicamente, D. Boon falleció en un accidente de furgoneta en 1985, pocos días después del lanzamiento de su último álbum, 3-Way Tie (For Last). —Rob Sheffield
Véase también: The Minutemen, What Makes a Man Start Fires? (1982); Saccharine Trust, Surviving You Always (1984)
2. X-Ray Spex, ‘Germfree Adolescents’ (1978)
“Algunos creen que las niñas deben ser vistas pero no oídas, pero yo pienso… ¡que se joda la esclavitud! ¡Uno, dos, tres, cuatro!” Así es como se empieza un sencillo debut, y así fue como una adolescente londinense multirracial llamada Poly Styrene se convirtió de la noche a la mañana en un icono feminista del punk-rock. Llevaba aparatos en los dientes y vestía sus propios trapos fluorescentes hechos en casa, gritando sobre la sociedad de consumo en himnos como “Art-I-Ficial” sobre explosiones de saxofón, coreando “¡Soy una impostora y me da igual! ¡Me gusta que la gente me mire!”. Estos chicos londinenses eran tan crudos que su explosivo álbum debut ni siquiera pudo publicarse en Estados Unidos. Pero Germfree Adolescents se convirtió en un clásico de culto que se transmitió de boca en boca, pasando de mano en mano e inspirando a artistas desde The Slits hasta Sleater-Kinney y los Beastie Boys. Styrene falleció de cáncer en 2011, pero su leyenda perdura en himnos como «Plastic Bag» y «The Day The World Turned Day-Go». —Rob Sheffield
Véase también: Essential Logic, Beat Rhythm News (1979); Delta 5, Singles and Sessions 1979-1981 (2006)
1. Ramones, ‘Ramones’ (1976)
Cuando los Ramones grabaron su álbum debut por 6400 dólares en febrero de 1976, su objetivo era simple: «Eliminar lo innecesario y centrarse en lo esencial», como lo expresó Tommy en 1999. Pero la genialidad del disco más influyente y perdurable del punk —cómo cuatro marginados dispares de la corriente principal adolescente estadounidense crearon una furia tan original y contundente— sigue siendo difícil de definir. El cantante Joey, con su voz de cigüeña, era un joven pop que coreaba «¡Hey ho, vamos!» al comienzo de «Blitzkrieg Bop». El guitarrista Johnny redujo la influencia de Dick Dale y Bo Diddley al staccato impecable y sin blues de «Beat on the Brat» y «Loudmouth». El bajista y principal letrista, Dee Dee, escribía sobre lo que conocía (drogas, desesperación, la vida de los estafadores) con un ingenio telegráfico. Y el baterista Tommy, antiguo ingeniero de sonido en las sesiones de Jimi Hendrix, coprodujo Ramones, cuidando su brevedad y pureza. «Pensábamos que podíamos ser la banda más grande del mundo», recordó Johnny. En cierto modo, lo serían. Aquí empezó todo. –D. Fricke
Véase también: Various Artists, CBGB: A New York City Soundtrack 1975-1986 (2025); Ramones, Hey Ho, the Anthology (1998)
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