Ha pasado casi un año desde la muerte de Ozzy Osbourne, pero su familia asegura que su presencia regresará, de manera digital. Los Osbourne se han asociado con Hyperreal y Proto Hologram para crear una versión impulsada por inteligencia artificial del “Príncipe de las Tinieblas”. El Ozzy digital podrá volver a hablar con sus fans y estará disponible en unidades Proto Luma en el Reino Unido y Estados Unidos en unos meses.

Sharon Osbourne y Jack Osbourne anunciaron el proyecto el miércoles durante la Licensing Expo 2026 en Las Vegas. La creación contiene “el ADN digital de Ozzy Osbourne: su voz, imagen y movimientos”, dijo Jack durante el evento, según License Global.

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“Puedes preguntarle cualquier cosa al Ozzy digital y él te responderá con su propia voz; las respuestas serán exactamente lo que Ozzy habría dicho”, afirmó Sharon. “Vamos a llevarlo por todo el mundo. La gente podrá hablar con él y él les responderá”.

“Da un poco de miedo lo realmente preciso que es”, compartió Jack. “Él existirá digitalmente como sí mismo mientras existan las computadoras. La tecnología ha avanzado muchísimo, hasta el punto en que ahora es prácticamente de arrastrar y soltar. Puedes grabar una plantilla para un comercial… literalmente escribir lo que quieres que haga el Ozzy digital en ese anuncio y simplemente integrarlo. Así de simple es ahora”.

El CEO de Hyperreal, Remington Scott, le contó a ROLLING STONE que el avatar de Ozzy fue creado con tecnología patentada que le permite operar en tiempo real. La compañía utiliza una tecnología llamada “ADN Digital” para recopilar los datos necesarios para desarrollar los avatares. “Puede presentarse en vivo, responder a las audiencias y existir dentro de entornos interactivos”, explicó Scott. “Esto no es contenido prerenderizado reproduciéndose en bucle. Es una interpretación viva, construida exclusivamente a partir de material auténtico: seleccionado, autorizado y controlado por las personas más cercanas a Ozzy”.

David Nussbaum, fundador de Proto Hologram, reafirmó las declaraciones de Scott sobre el uso exclusivo de material aprobado para crear los avatares digitales, ya que tanto su empresa como Hyperreal siguen estrictos principios éticos respecto a la inteligencia artificial. “No tomamos a la ligera la responsabilidad de trabajar con artistas de esta magnitud”, afirmó.

Hyperreal ya había creado anteriormente un avatar digital del fallecido Stan Lee, el cual presentó durante la L.A. Comic Con 2025. Los videos del Lee digital lo muestran interactuando con asistentes de la convención, exaltando las virtudes de Spider-Man como su superhéroe favorito y explicando los orígenes de Sandman.

“Sharon llegó a esto con un contexto real: ya había visto de lo que esta tecnología es capaz”, explicó Nussbaum. “Visitó la sede de Proto Hologram en Van Nuys, donde pudo ver de primera mano varios proyectos, incluido el avatar de Stan Lee creado por Hyperreal, que mantuvo conversaciones en vivo con fans de Marvel durante la LA Comic-Con. Incluso ella misma se convirtió en un holograma. Así que no llegó sin saber nada. Entendía las capacidades de la tecnología antes de comprometerse, y eso es importante para nosotros, porque la confianza informada es la única que realmente vale”.

Sharon y Jack Osbourne hablaron sobre el Ozzy digital en un panel titulado “El legado perdurable de un ícono del rock y su familia: Ozzy Osbourne y los Osbourne”. License Global reportó que madre e hijo fueron bastante sinceros sobre el enfoque práctico que han tenido al construir su marca. “Tuvimos una gran discusión por los patitos de goma [de la marca]”, contó Jack, refiriéndose al merchandising relacionado con el programa The Osbournes. “Yo decía: ‘No voy a convertirme en un pato de goma’”. Pero al final, los patitos sí salieron a la venta.

“Elvis Presley murió hace 50 años y todo el mundo sabe quién es Elvis”, dijo Sharon durante el evento. “Yo solo quiero eso para Ozzy Osbourne”.

“Es un honor que confíen en nosotros para traer de vuelta al mundo a uno de los verdaderos dioses del rock y permitirle seguir conectando con sus fans. ¡Gracias, Sharon y Jack!”, afirmó Nussbaum. “No lo haríamos si no estuviéramos seguros de que las tecnologías de nuestras compañías pueden crear una experiencia que realmente extienda la presencia, el corazón y el alma de Ozzy hacia el futuro”.

“Cada grabación, cada video y cada fotografía captura un momento”, explicó Scott. “Lo que Hyperreal y Proto están construyendo captura algo más: la presencia. La razón por la que la gente ama a Ozzy Osbourne no es solo por su música; es porque se entregó a sus fans de una manera en la que ellos realmente sentían que lo conocían. Eso es raro. Y vale la pena preservarlo. La idea es que un niño que descubra a Ozzy dentro de diez años pueda experimentar esa misma conexión; no una pieza de museo, sino a Ozzy siendo Ozzy”.

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A.CHAL ha pasado buena parte de su vida convirtiendo el desarraigo en lenguaje propio. Nació en Perú, creció en Queens y aprendió temprano que la identidad, antes de convertirse en orgullo, puede sentirse como una zona de fricción: el acento, el idioma, la presión de encajar, la necesidad familiar de “agringarse” para sobrevivir y, al mismo tiempo, la atracción casi instintiva hacia los márgenes, hacia la gente que no pedía permiso para existir. 

En su historia, la dualidad no aparece como una postal migrante ni como una fórmula de mercado, sino como una herida trabajada durante años hasta volverse intuición creativa. Antes de entenderse como artista, A.CHAL tuvo que entenderse como alguien que venía de varios lugares a la vez, alguien que había aprendido a moverse entre códigos distintos, entre la exigencia del hogar inmigrante, la calle neoyorquina, la nostalgia peruana y una idea de éxito que nunca terminó de parecerle suficiente si no venía acompañada de sentido. Por eso, cuando habla de su música, también habla de supervivencia, de bullying, de mudanzas, de castigos, de espiritualidad, de ayahuasca, de ego, de familia y de esa búsqueda silenciosa por sentirse cómodo en la propia piel. Todo parece parte del mismo proceso: dejar de pelear con lo que uno es para empezar a usarlo como brújula.

Esa brújula lo ha llevado ahora hacia una etapa que se siente menos como un giro de carrera y más como una revelación. Después de años moviéndose entre el R&B, el trap, el hip hop alternativo y una sensibilidad bilingüe que siempre estuvo atravesada por sonidos psicodélicos y exóticos, A.CHAL encontró en la cumbia peruana, la chicha y la música popular de los barrios una forma de volver al origen sin caer en el disfraz.

Su encuentro con Los Mirlos, su obsesión reciente con Chacalón, su lectura de la palabra “cholo” como símbolo de orgullo y su deseo de llevar esta nueva música al escenario con una banda que cruce cumbia y rock hablan de un artista que ya no está buscando sonar correcto, sino sonar verdadero. En esta conversación con ROLLING STONE en Español, A.CHAL mira hacia atrás sin nostalgia complaciente y hacia adelante sin ansiedad por convertirse en el artista más grande del mundo. Lo suyo parece ir por otro lado: hacer música que ayude, que nombre algo, que devuelva dignidad a una palabra, que conecte con quienes también han tenido que aprender a vivir entre mundos. Y quizá por eso este momento se siente tan poderoso: porque después de más de diez años de ensayo, caída, industria, independencia y búsqueda espiritual, A.CHAL parece haber encontrado no solo una dirección musical, sino una razón más profunda para seguir cantando.

Tu historia siempre ha estado atravesada por ese cruce de mundos. Haber nacido en Perú y luego crecer en Queens, obviamente, te cambió como persona. ¿En qué momento entendiste que esa dualidad no era una carga, sino una ventaja creativa? 

Es una buena pregunta, porque eso no fue algo de lo que me di cuenta de inmediato. Había mucha resistencia, mucho bullying, especialmente por el idioma. Y no solo en la escuela, también de la gente en general. Queens es un lugar muy particular. No eran solamente latinos, caribeños y negros. Había hindúes, chinos, coreanos, griegos. Entonces, siendo inmigrante ahí, todos eran inmigrantes en cierto sentido, y todos querían ser los más aceptados dentro de lo americano. Esa energía se sentía muchísimo.

Había quienes querían ‘agringarse’ y otros que se ponían más rebeldes. Yo me junté rápido con la gente más rebelde. Pero ahora, viéndolo con perspectiva, entiendo que mi papá quería agringarse porque quería que la vida fuera más fácil para nosotros. Entonces existía ese dilema en casa. Yo andaba con gente más de barrio, inmigrantes caribeños y demás, y eso a él le asustaba un poco porque quería que yo fuera amigo de los niños que veía en la televisión, los niños americanos.

Después, entrando en la adolescencia, como a los 14 o 15 años, ya había pasado por demasiado. Me mudaba constantemente, fui como a seis escuelas diferentes. Y cuando te mudas tanto, terminas viviendo lo mismo de muchas formas distintas. Ya llega un punto en el que has hecho de todo: te quedaste callado, hablaste, peleaste, te golpearon, golpeaste, te sacaron de la escuela, llamaron a tus padres, tus padres te castigaron, hasta te botaron de la casa. Mi papá me botó varias veces hasta los 15 años.

Entonces llega un momento en el que simplemente dejas de darle importancia. Dices: ‘Tengo que cambiar algo’. Y aprendí a amarme en ese sentido. A partir de ahí crecieron muchas cosas.

Y tampoco es algo que desaparece por completo. Yo creo que todos seguimos lidiando con sentirnos cómodos con quienes somos realmente. Y eso no pasa solo por el rostro o la identidad cultural. También hay gente blanca que va a otros países y se siente intimidada. O pasa con la edad, cuando tienes 30 o 40 y vas a un concierto lleno de jóvenes de 18. O pasa con el dinero, con la ropa, con cómo te ves.

Entonces yo no me veo como alguien que sufrió algo único. Pienso que cada quien tiene su propia versión de esa historia. La vida es ir aprendiendo a sentirte cómodo contigo mismo, y esa aceptación ayuda muchísimo. También me ayuda mucho en el arte.

A nivel musical, llevas ya casi una década de carrera. Empezaste trabajando más el hip hop, el R&B y el trap. ¿En qué momento dijiste: ‘Voy a tomar mis raíces y transformarlas en algo moderno, actual y universal’?

Tú hablas de la fase en la que estoy ahora.

Mira, yo siempre he dicho esto: desde que empecé a sacar música en 2015, siempre hubo un toque bilingüe y también sonidos exóticos. Mi primer álbum se llamaba Exótica. Si escuchas Welcome to Ghazi, el intro tiene guitarras psicodélicas y ahí habla el Chapo Guzmán sobre sobrevivir y sobre cómo alguien del campo pudo lograr todo lo que tiene.

Y eso me encantaba porque yo me identificaba con esa mentalidad. Muchos inmigrantes, especialmente padres como el mío, son muy exigentes y te hacen pensar siempre en el trabajo, la familia, el dinero. Cuando el Chapo hablaba de eso, yo conectaba con esa visión, más allá de todo lo demás. Y mientras tanto yo ya estaba usando guitarras psicodélicas. Siento que esa propuesta siempre estuvo ahí.

Ahora, trabajar directamente con ritmos de cumbia o música folclórica peruana era algo que siempre quise hacer, pero no lo hacía porque sentía que podía ser inauténtico. Y si algo es un poco inauténtico, entonces para mí ya es fake. Prefería no hacerlo.

Cuando terminé Espíritu, que fue mi primer álbum independiente después de Epic, sabía que quería cambiar. Pero yo ya sabía que no quería seguir haciendo trap porque el ritmo ya no me emocionaba. La voz seguía siendo la misma, pero el ritmo no me interesaba más. Nunca me consideré realmente un rapero.

Entonces dije: ‘Voy a hacer música como la música que me gusta’. Y siempre me gustó la música experimental, aunque fuera un poco comercial también. Joy Division, música ambient, DJs electrónicos. Me fui por ahí.

Invertí muchísimo tiempo y dinero, pero sentía que todavía no era yo. Terminé una relación, estaba decepcionado y no sabía qué hacer. Entonces viajé a Perú para el cumpleaños de mi papá y decidí quedarme. No tenía necesidad de volver a Estados Unidos.

Y cuando me quedé, empecé a sumergirme muchísimo más en la música peruana. Ya la conocía, pero esto fue otro nivel. Me enamoré de verdad de esa música. No podía creer que existieran artistas tan increíbles y que la gente no los conociera a nivel global.

Después empecé a meterme en el circuito de shows, a conocer artistas, y entendí mucho mejor por qué pasaba eso. Tiene mucho que ver con cómo nos criamos en Perú. Y ahí es donde yo siento que tuve otra perspectiva gracias a haber vivido en Estados Unidos. Me tocó pasar cosas feas allá, pero también aprendí otra mentalidad. Tuve que aprender a sobrevivir como peruano en otro país, y eso es distinto a sobrevivir como peruano en Perú.

Entonces dije: ‘Voy a darle una oportunidad a esta música’. Y sabía que iba a tomar tiempo. Todo esto empezó hace poco más de un año, antes de la canción con Los Mirlos. Y honestamente, yo veo ‘Cholo Gang’ como mi primera canción real. Todo lo anterior, incluso ‘Pituco’, era todavía experimental.

En este proceso hice como 30 o 50 demos. Y ahora siento que estoy llegando al punto correcto. Estoy ensayando con una banda porque quiero que en vivo exista esta mezcla entre cumbia y rock. Y para mí, el show tiene que ser todavía mejor que el disco.

Siento que ahora sí estoy encontrando exactamente qué debo hacer y qué no debo hacer.

Y tomó su tiempo.

Claro. Más de diez años.

Hablando de esta colaboración con Los Mirlos, que son leyendas de la cumbia y la chicha peruana, ¿cómo surgió esa colaboración? ¿Y qué otros referentes tienes dentro de la chicha psicodélica peruana?

La percepción que tiene la gente de afuera sobre la chicha peruana es muy distinta de lo que realmente es. Y eso para mí es lo más gracioso.

Imagínate que todo el mundo fuera de Colombia creyera que el vallenato lo hace un grupo que en realidad toca otro género completamente distinto. Algo así pasa con Los Mirlos. Mucha gente extranjera cree que ellos representan toda la chicha, pero en Perú realmente eran un grupo más alternativo, más underground para su época. Afuera sí los entendieron mucho más: Argentina, Europa. Pero dentro de Perú era otra cosa.

La verdadera chicha nace más desde Lima popular, no desde el Lima turístico de Miraflores, Barranco o San Isidro. Nace de los barrios periféricos, de la gente que migra desde la sierra o la selva hacia la capital buscando oportunidades. Llegan a una vida urbana y empiezan a mezclar los sonidos de la ciudad, como la salsa y el rock, con la cumbia andina y el huayno. Ahí nace la chicha.

Y esas canciones no hablan tanto de mujeres o de la selva psicodélica. Hablan de sobrevivir, de tristeza, de trabajar, de tomar. La gente baila y llora al mismo tiempo.

Hoy hay artistas jóvenes que me gustan mucho dentro de eso, como Chochito, con quien ya trabajé, o Chorriano. Pero si escuchas eso, vas a notar que es muy distinto de la idea que la gente tiene de la chicha.

Y obviamente está Chacalón. Él es el verdadero ícono. El verdadero origen de todo esto.

Y este último álbum, ¿lo grabaste todo en Perú?

Sí, todo.

¿Cómo fue ese proceso?

Yo suelo irme a provincias para grabar e inspirarme. A veces son hoteles pequeños y feos, otras veces la hacienda de un primo o un Airbnb cualquiera. Me voy con mi ingeniero, que además es amigo mío, y vivimos muy sencillo. Comemos comida de mercado, caminamos, observamos.

Y eso me inspira muchísimo. Incluso fuera de la música, si no fuera artista habría buscado un trabajo que me permitiera viajar así, porque aprendo mucho en esos lugares. He vivido en Los Ángeles, Nueva York, pasé tiempo en París. Todo eso estuvo bien, pero ya no me inspira igual.

¿Y cómo ha sido esta etapa como artista independiente? Especialmente con el impacto reciente de este nuevo trabajo.

Ha sido un paso a la vez. Espíritu también fue independiente, pero no pasó demasiado con ese disco. Creo que Rolling Stone hizo una nota, pero fuera de eso no hubo gran cosa. Las giras salieron bien, pero no se compara con lo que está pasando ahora con ‘Cholo Gang’.

Y también estoy agradecido porque sí tuve una etapa donde la industria invirtió mucho en mí. Gané bastante dinero, aprendí muchísimo y también fracasé en ciertos sentidos. Eso me enseñó qué hacer y qué no hacer.

Hubo un tiempo en el que yo pensaba: ‘¿Por qué Dios me sigue castigando?’. Pero ahora estoy en otro lugar emocionalmente. Este negocio es difícil porque tu trabajo nace desde la emoción, y aun así necesitas estabilidad emocional.

Hoy, por la edad y por la experiencia, tengo mucho más claro lo que quiero hacer.

Y hubo algo que me cambió mucho el año pasado. Tomé ayahuasca y al mismo tiempo estaba leyendo The Power of Now. Fue una experiencia muy fuerte. El libro habla de cómo muchas veces tenemos una visión exacta de cómo queremos que se vea nuestra vida: cómo será tu pareja, tu casa, tus hijos. Pero cuando todo eso llega, nunca se ve exactamente igual a como lo imaginaste.

Entonces sufrimos porque estamos demasiado apegados a la imagen de la meta. Y eso lo aprendí muchísimo con mi chamana. Ahora intento vivir más abierto a lo que realmente llega.

¿Qué más viene para ti este año?

Honestamente, parte de mí quisiera borrar mis discos anteriores. A veces siento que no tienen el mismo nivel de autenticidad o de alineación con lo que hago ahora. Pero también entiendo que tengo que aceptar ese proceso. Es parte de mi crecimiento espiritual.

No voy a ser ese artista que cambia de nombre o que finge ser otra persona ahora. Todo eso también soy yo.

Recuerdo una vez que estaba con un artista enorme, alguien que acababa de hacer un headline show en Coachella. Estábamos en su hotel y me preguntó cuál era mi meta. Yo le respondí: ‘Ayudar’. Porque así me crió mi mamá. Si entro a un cuarto y alguien está cargando algo, mi primer impulso es preguntar cómo puedo ayudar. Si hay una sola silla para diez personas, yo voy a ser el último en sentarme.

Y esa persona me respondió: ‘Mi meta es ser el artista más grande del mundo. Quiero ser como Beyoncé’. Y yo me sentí horrible después de escuchar eso. Pensé: ‘Quizás soy estúpido. Quizás escogí el camino equivocado’. Porque veía que esa persona estaba triunfando precisamente por tener esa ambición enorme y egoísta.

Entonces pensé muchas veces que quizá debía dedicarme a otra cosa. Ser maestro, vivir tranquilo, ganar poco dinero y ya. Hasta el año pasado seguía pensando eso.

Pero ahora, con ‘Cholo Gang’, me han enviado fotos de estudiantes universitarios analizando la canción en clases. Hablando de la palabra ‘cholo’, de cómo los hace sentir, de lo que representa culturalmente. Y eso para mí es impresionante. Lograr algo así con una canción, rescatar una palabra de nuestra identidad, significa muchísimo.

Poder hacer eso mientras disfruto lo que hago es algo increíble. Puedes tener estadios llenos o millones de dólares, pero si no sientes que estás conectando de verdad con la gente, entonces para mí no vale igual.

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Cuesta trabajo imaginar una vida sin tecnología. Sin el vértigo constante de sentir que nos estamos perdiendo de algo. Y es cierto: los avances tecnológicos han facilitado muchísimas cosas. El trabajo, la comunicación, el transporte, el entretenimiento. Las computadoras y los celulares han hecho la vida más práctica y nos han permitido estar más conectados los unos con los otros.

Las redes sociales, por ejemplo, son una invención increíble. Han impulsado relaciones a distancia, permitido compartir nuestras vidas con el mundo y, muchas veces, servido como puente para reencontrarnos con personas que creíamos perdidas en el tiempo. ¿Quién no le ha escrito a un viejo amigo después de años sin hablar solo porque apareció una notificación de cumpleaños?

La tecnología también ha eliminado algo que antes parecía inevitable: el aburrimiento. Basta con desbloquear el celular, abrir una aplicación y comenzar a scrollear para llenar cualquier espacio vacío.

Pero todo exceso tiene consecuencias.

Pensemos por un momento en la última vez que estuvimos realmente presentes en una reunión social. Sin pensar en qué íbamos a subir a redes, en cómo nos veríamos en las fotos o en qué estaba pasando fuera de esa mesa. Pensemos también en la última vez que salimos a caminar sin audífonos, sin podcast, sin música de fondo; simplemente escuchando el ambiente, observando las calles, sintiendo el ruido de la ciudad y estando presentes en nuestro propio entorno.

¿Cuándo fue la última vez que estuvimos verdaderamente aquí?

En LOVERBOY PARTE 1, Mario Bautista parece hacerse justamente esas preguntas. El resultado es un EP —el primero de cuatro capítulos— que, entre influencias de R&B, funk y jazz, explora lo liberador que puede ser desconectarse para volver a habitar el presente. En conversación con ROLLING STONE En Español, Mario nos habla de un proyecto que encuentra belleza en esos pequeños momentos donde las historias reales todavía alcanzan a existir.

Primero, felicidades por el nuevo EP…

Muchas gracias.

Estuve viendo el corto y escuchando el EP desde que salió y me llamó la atención el contexto porque hay una sensación de asfixia muy fuerte. Me abrumó darme cuenta de que realmente vivimos con el celular todo el tiempo. Y hay una frase que me pegó muchísimo: “Antes el internet era un escape de la realidad. Hoy la realidad es un escape del internet”. Es casi como despertar en la Matrix. ¿Cómo fue para ti ese despertar?

Así tal cual quise plasmarlo en el video. Literalmente sentí que despertar era darte cuenta de que ya estamos muy hipnotizados por el algoritmo y por el mundo digital. Entonces fue decir: “Nuestra vida no es digital, nuestra vida es análoga”. Soltar el celular y volver a la experiencia, al presente, a ver qué te depara la vida.

Ahí fue donde quise retratar esta búsqueda en el cortometraje: agarrar las llaves del coche, salir y reconectar, descubrir qué hay para ti allá afuera y regresar a las raíces, que en este caso se simbolizan con el puesto de tacos.

Sobre los detalles, me gusto que al inicio del video salieran los discos de vinilo y quería preguntarte algo muy específico: ¿te gusta Michael Jackson?

Lo amo. Es un tremendo ídolo y una inspiración en todos los aspectos. Siempre ha sido mi referencia número uno. Mi mamá es superfán de Michael Jackson y crecimos escuchándolo, bailando sus canciones y viendo sus videos musicales.

Michael Jackson fue un exponente en todos los sentidos.

Sobre los 80’s, ¿qué tienen de especial esta decada para ti?

Se me hace una década increíble porque los géneros predominantes eran el funk y el R&B, y por eso decidí meter toda esa influencia dentro del álbum. Era una época donde ya empezaba el tema digital con los VHS y los Discman, pero todavía no existía esta hiperconexión ni esta rapidez que tenemos hoy.

Siento que era un momento donde la gente estaba más dispuesta a explorar. La moda era explosiva, los colores eran intensos, los coches parecían dulces. Todo se sentía mucho más conectado al arte. Estaban artistas como Michael Jackson o Prince en el top, y por eso quise viajar a esa línea del tiempo.

El álbum viaje entre el R&B y el jazz, y antes de ver el corto yo escuchaba el álbum y pensaba: “Esto estaría increíble escucharlo caminando por la Condesa o la Roma”. Y luego veo que el corto retrata justo esas avenidas largas, esa vibra muy citadina. ¿Cómo fue para ti construir ese viaje entre la música y la narrativa visual?

Mi mayor fuente de inspiración siempre han sido las mujeres. Con algunas me he enamorado profundamente y siento que se me facilita muchísimo escribir desde ahí.

Lo que quería plasmar era este coqueteo constante a través de las letras porque el Loverboy es este personaje que vive desde el amor. El amor es el puente para conectarte con el presente, porque normalmente el ser humano vive en el pasado, en el futuro o distraído por el celular. Nunca estamos realmente aquí y ahora, y eso es lo único tangible que tenemos.

Entonces el Loverboy funciona como un puente para volver a sentir, para reconectarte con una conversación, unos buenos tacos o una cita sin dispositivos de por medio. Simplemente tú y la otra persona disfrutando su compañía.

Me gusta mucho cuando las ciudades funcionan casi como un personaje dentro de una historia, y siento que eso pasa aquí con la Ciudad de México. En esta etapa donde hablas de bajar el ritmo y disfrutar más el presente, ¿sientes que estamos dejando de habitar esos momentos simples sin darnos cuenta?

Sin duda. Siento que la tecnología nos está quitando el sentimiento de estar vivos. Ya preferimos estar escrolleando durante horas en lugar de salir a caminar, regalar flores o compartir tiempo con alguien.

Se nos están olvidando esos pequeños detalles que realmente le daban sabor a la vida. La gente ya prefiere quedarse en casa con sus aparatos y poco a poco estamos perdiendo el sentido de comunidad y de pertenencia. Todo lo que está pasando con la tecnología da un poco de pánico.

En “Girl” tienes una colaboración perfecta con Kalimba. Su presencia encaja increíble con este universo que construiste. ¿Cómo nació esa colaboración?

Cuando estaba creando la canción pensé inmediatamente en Kalimba. Sentía que su energía ya estaba dentro del tema desde que lo escribí. Entonces busqué quién tenía contacto con él y me di cuenta de que yo mismo tenía su número guardado desde hace años.

Le mandé mensaje, le envié el track y me respondió: “¿Qué es esta locura? Parece que la hice yo”. Le dije que me encantaría que formara parte de la canción y cuando nos vimos en el estudio le enseñé todo el álbum.Quedó fascinado. Me dijo que le parecía increíble volver a escuchar estos géneros sobre la mesa otra vez. Fue muy emocionante compartir con él y construir Girl juntos.

¿Qué tanto de Loverboy es un personaje y qué tanto existe fuera del estudio?

Cien por ciento existe. Siento que esta es la vez que más he alineado lo que soy, lo que siento y lo que quiero ofrecer como artista dentro de un mismo proyecto.

Desde el mensaje de soltar las pantallas hasta la música funk y R&B, todo forma parte de mí. Son los géneros que más escucho y honestamente siento que en la vida real sí soy un fucking loverboy.

¿Crees que hoy un artista puede permitirse bajar el ritmo sin desaparecer?

Está durísimo. Siento que tienes que ser un artista gigantesco para darte ese lujo porque hoy existe tanta saturación de contenido, tanta información y tanta inteligencia artificial, que la gente olvida las cosas en diez minutos.

Entonces claro que da miedo pensar que también puedan olvidarse de ti. Es una locura.

¿Cuándo fue la última vez que estuviste completamente presente, sin pensar en cómo se iba a ver desde afuera?

Ayer [risas]… he estado practicando muchísimo la presencia porque creo que es la única manera de soltar la ansiedad que genera esta hiperconexión.

Ayer vino a México Mike Bahía y nos vimos para cenar. Caminamos por Polanco, estuvimos escuchando música, platicando de la vida, completamente desconectados del teléfono.

Y siento que esos son los verdaderos momentos de la vida: una buena conversación, una buena comida y compartir el presente, que es lo único que realmente tenemos.

Finalmente, ¿qué significa amar bien en la actualidad?

Amar desde el corazón y no desde la mente. La mente tiene prejuicios, inseguridades y experiencias del pasado, y cuando juzgas un nuevo amor desde ahí, nunca va a funcionar.

Creo que el chiste es conectar desde el corazón, desde la libertad, la confianza y la plenitud. Entregarte desde un lugar genuino.

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Paul McCartney quiere contarte una historia. Tomá asiento y escuchá mientras pinta la escena con palabras pausadas: “Solía pasar por delante de tu casa”, comienza, con una voz un poco más ronca en estos días, pero no por ello menos tierna. “Cada noche miraba hacia tu ventana. La luz estaba encendida. Veía tu silueta en la persiana…”. Es un recuerdo agridulce de hace mucho tiempo, algo parecido a “No Reply” de Los Beatles, pero con todo el resentimiento reemplazado por sentimientos más amables. “¿Se te cruza mi nombre por la cabeza mientras descansas allí?”, le pregunta a aquel viejo amor platónico. Entonces entra la banda —en realidad, es casi todo el propio Sir Paul, tocando al menos nueve instrumentos— y ahí está: tantos años después, todavía quedan pocos placeres más grandes en la música pop que escuchar a este tipo rockearla.

“As You Lie There” es la primera canción de The Boys of Dungeon Lane, el primer álbum de estudio de McCartney en seis años, y marca el tono de esta obra maestra de vejez, cálida y nostálgica. Hay varias canciones sobre sus primeros años en Liverpool, incluido un dúo sobre “los buenos viejos tiempos” con su amigo Ringo Starr; el título del álbum hace referencia a una calle del barrio donde crecieron tanto él como George Harrison. En general, se percibe la sensación de una leyenda que repasa una vida bien aprovechada. Este no es necesariamente un tema nuevo para McCartney, que lleva años cantando sobre lo que una vez llamó su pasado siempre presente. Pero la vibración otoñal es más pronunciada que nunca, y hay una emotividad inusual en canciones como “Days We Left Behind”, donde revuelve algunas fotos viejas en blanco y negro y solo encuentra “bares llenos de humo y guitarras baratas / pero nada construido para durar”. Es una de las baladas acústicas más conmovedoras de un canon al que no le faltan precisamente ejemplos; un “Yesterday” con seis décadas más de experiencia detrás de la silenciosa tristeza.

Eso no quiere decir que este álbum sea deprimente, en absoluto. La fuerza vital de McCartney se mantiene intacta a lo largo de estos 14 temas, y la alegría que encuentra al hacer música se transmite en cada cambio de acorde. En “Mountain Top”, el eternamente joven músico de 83 años recuerda una agradable caminata entre hongos alucinógenos y mariposas, con un clavecín, bongós y loops de cinta que se suman a la atmósfera psicodélica. “Come Inside” es un rock de palmas ágil y libre que recuerda a Off the Ground de 1993. “Never Know” tiene un groove y un swing que remiten a Wings en la época de Back to the Egg (1979). “Life Can Be Hard” y “Ripples in a Pond” son homenajes románticos a la mujer de su vida, recordatorios de que el amor no tiene nada de tonto.

Todas estas canciones se benefician de arreglos sencillos y elegantes en los que McCartney toca casi todo por sí mismo, su segundo álbum consecutivo con este estilo tras el triunfo como “hombre orquesta” de McCartney III en 2020. El coproductor Andrew Watt —convertido en el principal “encantador” del rock clásico de esta década gracias a su trabajo con los Stones y Ozzy Osbourne— añade sintetizadores y guitarras aquí y allá. Sin embargo, en general es lo bastante inteligente como para no estorbar y dejar que uno de los músicos con más talento natural de la historia haga lo suyo. Es un contraste refrescante con los esfuerzos de la década de 2010 como New y Egypt Station, donde McCartney incorporó a múltiples colaboradores de corte pop con resultados dispares. Parece haber aprendido que lo que realmente queremos de un nuevo álbum solista a estas alturas de su carrera es más McCartney.

The Boys of Dungeon Lane cierra con un par de canciones vinculadas temáticamente sobre la paternidad en circunstancias difíciles. “Salesman Saint” evoca a sus verdaderos padres, Jim y Mary, y su decisión de formar una familia en la Inglaterra de la guerra: “No podían más, pero tenían que seguir adelante”, canta. “Así que aprendieron a seguir adelante, con risas y una canción”. Aún más impresionante es “Momma Gets By”, donde imagina a una pareja cuya vida podría parecer una miseria para alguien de afuera, pero que se aman de todos modos. Ella es una madre trabajadora, tal vez una conocida de las mujeres sobre las que escribió en “Lady Madonna” y “Another Day”; su marido está demasiado ocupado drogándose como para echar una mano. “Aunque él es complicado, ella lo lleva con naturalidad”, canta McCartney. “¿Qué son sus tontos defectos comparados con lo que ella siente por dentro?”. Su voz se esfuerza un poco por alcanzar la nota alta. Entonces entra una sección de vientos de madera, ligera y aérea, y con ella, una abrumadora sensación de gracia.

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La cuenta regresiva terminó: esta noche se celebrará una nueva edición de los Premios Gardel, la ceremonia que cada año reúne a las principales figuras de la escena local entre shows en vivo, homenajes y, claro, estatuillas.

En esta oportunidad, la entrega se llevará a cabo en el Teatro Coliseo, con transmisión en vivo de TNT y HBO Max desde las 21 hs y una previa desde las 20:15 con alfombra roja incluida.

Cazzu, Milo J, Lali, Babasónicos y Marilina Bertoldi son los principales candidatos a quedarse con el premio a Álbum del Año. También habrá actuaciones en vivo, reconocimientos especiales y un homenaje a Los Nocheros por sus 40 años de trayectoria.

Dónde ver los Premios Gardel 2026

La entrega podrá seguirse en vivo a través de TNT y por streaming en HBO Max. La gala principal será conducida por Diego Leuco, mientras que la cobertura de la alfombra roja estará a cargo de Eleonora Pérez Caressi.

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Los artistas que van a tocar en vivo

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• Trueno
• Milo J
• Yami Safdie
• Marilina Bertoldi
• Coti
• Angela Leiva
• La K’onga
• Agustín Bernasconi
• K4OS
• Roze
• Valen Vargas

En la previa también habrá actuaciones de Joaco Burgos y Cucuza Castiello.

Premios Gardel 2026: Cazzu, Lali, Milo J, Babasónicos y Marilina Bertoldi van por el oro

PREMIOS GARDEL 2026 – NOMINACIONES

Álbum del año

• Latinaje — Cazzu
• No vayas a atender cuando el demonio llama — Lali
• La Vida Era Más Corta — Milo J
• Cuerpos, vol.1 — Babasónicos
• Para quién trabajas vol. I — Marilina Bertoldi

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Canción del año

Advertencia
INTÉRPRETE: Babasónicos
AUTOR: Adrián Rodríguez
COMPOSITOR: Adrián Rodríguez

Niño
INTÉRPRETE: Milo J
AUTORES: Camilo Joaquín Villarruel, Gregorio Armando Reinaldo Nelli, Mario Del Tránsito Cocomarola
COMPOSITORES: Camilo Joaquín Villarruel, Santiago Alvarado, Santiago Ruiz “Tatool”, Gregorio Armando Reinaldo Nelli, Mario Del Tránsito Cocomarola

Mejor que vos
INTÉRPRETES: Lali & Miranda!
AUTORES: Mariana Espósito, Mauro De Tommaso, Martin D’Agosto, Alejandro Sergi
COMPOSITORES: Mariana Espósito, Mauro De Tommaso, Martin D’Agosto, Alejandro Sergi

Con Otra
INTÉRPRETE: Cazzu
AUTORA: Julieta Emilia Cazzuchelli
COMPOSITOR: Nicolás Cotton

Favorita
INTÉRPRETE: Angela Torres
AUTORES: Ángela Caccia Torres, Isabela Terán Lieban, Fermín Ugarte, Mauro De Tommaso
COMPOSITORES: Ángela Caccia Torres, Isabela Terán Lieban, Fermín Ugarte, Mauro De Tommaso

El gordo
INTÉRPRETE: Marilina Bertoldi
AUTORA: Marilina Bertoldi
COMPOSITORA: Marilina Bertoldi

Querida Yo
INTÉRPRETES: Yami Safdie, Camilo
AUTORES: Yami Safdie, Camilo
COMPOSITORES: Yami Safdie, Camilo

Fresh
INTÉRPRETE: Trueno
AUTOR: Mateo Palacios Corazzina “Trueno”
COMPOSITORES: Mateo Palacios Corazzina “Trueno”, Santiago Gabriel Ruiz “Tatool”, Lukas Benjamin Leth Kroll

#Tetas
INTÉRPRETES: Ca7riel & Paco Amoroso
AUTORES: Catriel Guerreiro, Ulises Guerriero, Rafa Arcaute, Federico Vindver, Vicente Jiménez “Vibarco”, Gino Borri, Carolina Isabel Colón Juarbe “GALE”
COMPOSITORES: Catriel Guerreiro, Ulises Guerriero, Rafa Arcaute, Federico Vindver, Vicente Jiménez “Vibarco”, Gino Borri, Carolina Isabel Colón Juarbe “GALE”

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Grabación del Año

• In the City — Charly García & Sting
• Niño — Milo J
• Mejor que vos — Lali & Miranda!

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Ingeniería de Grabación

• Papota — Ca7riel & Paco Amoroso
• A tres días de la tierra — Eruca Sativa
• La Vida Era Más Corta — Milo J

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Mejor Álbum Artista de Folklore

• Mirarse en otros ojos — La Ferni
• Décimas — Maggie Cullen
• Fuera de lugar — Liliana Herrero

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Mejor Álbum Artista de Rock

• Para quién trabajas vol. I — Marilina Bertoldi
• El retorno — Santiago Motorizado
• El (in) Correcto Uso de la Metáfora — Richard Coleman
• Continhuará — Fernando Ruiz Díaz
• Novela — Fito Paez

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Mejor Álbum Artista de Tango

• Canciones de dos puertos — Alfredo Piro Rinaldi
• Pratanguero: 4º Esquina Final — Ariel Prat
• Actos de gentileza — Florian

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Mejor Álbum Artista Pop

• Cuerpo — Olivia Wald
• Detalles — Zoe Gotusso
• Mi Norte & Mi Sur — Diego Torres
• No vayas a atender cuando el demonio llama — Lali
• No me olvides — Angela Torres
• El Verdadero — Juan Ingaramo
• Perfectas — Emilia

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Mejor Álbum Artista Tropical / Cumbia

• Homenaje al chino de la Nueva Luna — Daniel Cardozo
• Malportada — Nathy Peluso
• La Casa De La Cumbia vol.1 — The La Planta
• Vol. 1 — El Negro Tecla

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Mejor Álbum Banda de Sonido

• The Last of Us: Season 2 — Gustavo Santaolalla & David Fleming
• La mujer de la fila — Daniel Godfrid y Sebastián Espósito
• Los Mufas: Suerte para la desgracia — Juan Blas Caballero

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Mejor Álbum Canción de Autor

• Gamurgatrónica — Ruben Rada
• Querida Yo — Yami Safdie
• Vivir Así — Barbarita Palacios
• Serenata en Mi Mayor para un amor y un atardecer — Coti
• Amor de mi herida — Camilú

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Mejor Álbum Conceptual

• Tucumano Soy — Juan Falú
• La Vida Era Más Corta — Milo J
• Sandro así — Ariel Ardit

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Mejor Álbum de Cuarteto

• Rompecabezas — Ulises Bueno
• Mejores Amigos de La Muela — Eugenia Quevedo
• Que sed — Luck Ra
• En Vivo Buenos Aires — La K’onga

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Mejor Álbum de Hip Hop / Rap

• Okupas — Little Boogie & Stereo
• Bhavilonia — Bhavi
• Culto III — Neo Pistea
• Gauchos — Veeyam
• EUB Deluxe — Trueno
• Versus — Paulo Londra

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Mejor Álbum de Jazz

• Apocalipsis — Pipi Piazzolla Trio
• Tomás Sainz — Tomás Sainz
• New York Sessions Vol. 1 — Leo Genovese – Mariano Otero
• Nomads — Valentino Jazz Bazar & Carrie Dianne Ward
• Todos los fuegos — Roxana Amed

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Mejor Álbum de Música Clásica

• Compositores Argentinos — Grupo Vocal de Difusión & Mariano Moruja
• Sergio Parotti: Cuartetos de Cuerdas Vol. 1
• Murmullo en las aguas — Las Destrozzi
• El Teremín, la Serie y el Boxitracio — Martín Proscia y Pablo Borrás

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Mejor Álbum de Música Global

• Huaucke Habibi — Los arcanos del desierto
• Latinaje — Cazzu
• Impulsa el Círculo — Brenda Martin

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Mejor Álbum de Música Romántica Contemporánea

• Gracias a la Vida — Abel Pintos
• Alquimia — Patricia Sosa & Mijares
• Su Amigo Dyango, Vol. 1 — Dyango

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Mejor Álbum de Pop Rock

• Polvo de estrellas — Turf
• El Regreso — Tan Bionica
• Los lobos — Estelares
• Ya No Estoy Aquí — Rayos Láser
• Alter ego — Silvestre y La Naranja

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Mejor Álbum de Reggae/Ska

• Alfonsina y el mal — Señor Flavio
• La Respuesta — Leonchalon
• Raíces muy fuertes — Fidel Nadal
• A Tempo — Dread Mar I

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Mejor Álbum en Vivo

• Juegue Kuelgue — El Kuelgue
• Hilda Canta Charly 2 — Hilda Lizarazu
• Hecho en Jamaica — Nonpalidece
• Conociendo Rusia vuelve a casa
• Trueno – Red Bull Symphonic
• Signos 25 años Vivo — Los Nocheros
• En vivo volumen I — Cindy Cats
• Esencia En Vivo — Cruzando El Charco

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Mejor Álbum Folklore Alternativo

• Trinar(La flor) — Nadia Larcher
• 89 — Flor Paz
• Los días por venir — Lorena Astudillo & Ignacio Montoya Carlotto

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Mejor Álbum Grupo de Folklore

• FAlklore Vol. 1 y 2 — Esto es ¡FA! & Mex Urtizberea
• Las canciones más lindas del mundo Vol. 2 — Dos Más Uno
• Hasta que aclare — Eva y Nadia
• Bipolar — Campedrinos

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Mejor Álbum Grupo de Rock

• Divididos — Divididos
• Artificio — Indios
• A tres días de la tierra — Eruca Sativa
• El club de la pelea I — Airbag
• Cuerpos, vol.1 — Babasónicos
• Sesión 20° Aniversario — El Mató a un Policía Motorizado

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Mejor Álbum Grupo Pop

• Nuevo Hotel Miranda! — Miranda!
• Vandalos — Bandalos Chinos
• 4EVER — K4OS

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Mejor Álbum Grupo Tropical / Cumbia

• El Desvelo — La Delio Valdez
• Uriel Lozano vol.2 / Zapada en vivo — Un Poco de Ruido
• Todo el mundo está kaliente! — Kchiporros

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Mejor Álbum Infantil

• Mardearena — Magdalena Fleitas
• Luna con duendes — Mariana Baggio y otros
• Cantá con El Reino Infantil
• Al Agua — Pez Pequeño Pez

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Mejor Álbum Instrumental

• Las cuatro estaciones — Noelia Sinkunas
• Solo — Pipi Piazzolla
• La Magia — Quique Sinesi & Astrid Motura

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Mejor Álbum Música Electrónica

• Deseo — Mistol Team
• Peces Raros – Spotify Sessions
• X-Sex — Six Sex

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Mejor Álbum Orquesta y/o Grupo de Tango

• EMPA Orquesta de Tango
• Tangomorphosis — Pablo Estigarribia
• Tango — José Colángelo

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Mejor Álbum Pop Alternativo

• Mi año gótico — Emmanuel Horvilleur
• Hotcore — Taichu
• En el Ciber — Benito Cerati
• Papota — Ca7riel & Paco Amoroso
• Tanya — Juana Rozas

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Mejor Álbum Rock Alternativo

• Exultante — Carca
• Ceremonia — 1915
• Instantáneo — Viva Elastico
• Quiero que lo que yo te diga sea un arma — Winona Riders

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Mejor Álbum Rock Pesado

• Vive — Claudio Marciello
• Legado — A.N.I.M.A.L
• Alto Viaje — Corvex

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Mejor Álbum Urbano

• Gotti B — Tiago PZK
• Quimera — Maria Becerra
• 166 (Deluxe) retirada — Milo J
• Saturación pop — Ysy A
• Lamba — FMK

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Mejor Arte

• Cuerpos, vol.1 — Babasónicos
• Doga — Juana Molina
• Novela — Fito Paez

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Mejor Canción de Autor

• Luciérnagas — Milo J, Silvio Rodríguez
• Hielo Fino — Silvina Moreno
• Querida Yo — Yami Safdie, Camilo

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Mejor Canción de Cuarteto

• Julieta & Romeo — Ian Lucas & Q’ Lokura
• Carita Triste — Q’Lokura, Los Herrera
• Tu misterioso alguien — Luck Ra feat. Miranda!
• Hielo, vino y coca — Los Tabaleros & Los Caligaris
• No se ve / Chingón — Desakta2
• DIOS — Ulises Bueno
• Otra Poesía — L-Gante, La K´onga

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Mejor Canción de Folklore

• Décimas — Maggie Cullen
• Puño y letra — Duratierra
• Niño — Milo J
• El amor es un viento que regresa — Los Nocheros

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Mejor Canción de Hip Hop / Rap

• Cadenas — Acru
• Fresh — Trueno
• Gil — Milo J, Trueno
• Retirada — Milo J
• PVSL — Paulo Londra

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Mejor Canción de Pop

• Perfecto Final — Conociendo Rusia, Nathy Peluso
• El día del amigo — Ca7riel & Paco Amoroso
• El Ritmo — Bandalos Chinos
• Favorita — Angela Torres
• Me Gusta — Miranda! & TINI
• Mejor que vos — Lali & Miranda!

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Mejor Canción de Rock

• El gordo — Marilina Bertoldi
• In the City — Charly García & Sting
• Volarte — Eruca Sativa
• Pensando en Ella — Dante Spinetta
• Advertencia — Babasónicos
• Aliados en un viaje — Divididos

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Mejor Canción de Tango

• La Marcha de la Bronca — Quinteto Negro La Boca y varios
• La Guitarra — Melingo & Fito Paez
• Nada — Ariel Ardit y Lidia Borda

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Mejor Canción en Vivo

• Fanático — Lali
• Inocente — Nonpalidece Ft. La Delio Valdez
• Tiny Desk — Ca7riel & Paco Amoroso
• Sábado — Cindy Cats
• La Taleñita — Milo J & Campedrinos

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Mejor Canción Pop Rock

• 33 — Lali & Dillom
• #Tetas — Ca7riel & Paco Amoroso
• Barry Lindo — El Kuelgue
• Tus Cosas — Tan Bionica
• Desastres Fabulosos — Conociendo Rusia, Jorge Drexler

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Mejor Canción Tropical / Cumbia

• Me Contó Un Pajarito — Fede Vigevani, Luck Ra, Ian Lucas
• Con Otra — Cazzu
• Si No Es Muy Tarde — Luciano Pereyra y otros
• Amiga Traidora — Angela Leiva
• Echar de Menos — Ke Personajes
• Tu jardín con enanitos — Roze y otros

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Mejor Canción Urbana

• Sin cadenas — Paulo Londra
• Bzrp Sessions — Bizarrap, Daddy Yankee
• Olimpo — Milo J
• Cruz — Trueno & Feid
• Historia — Ramma

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Mejor Colaboración

• Loco un poco — Turf & Lali
• Tu misterioso alguien — Luck Ra feat. Miranda!
• Campera de cuero — Los Tabaleros & Las Pastillas del Abuelo
• Jangadero — Milo J & Mercedes Sosa
• Mi Vida — Tan Bionica, Andrés Calamaro
• In the City — Charly García & Sting
• Mejor que vos — Lali & Miranda!
• Bzrp Sessions — Bizarrap, Daddy Yankee
• Me Gusta — Miranda! & TINI
• Me Contó Un Pajarito — varios

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Mejor Colaboración Urbana

• Hasta que me enamoro — Maria Becerra, Tini
• Gil — Milo J, Trueno
• Bzrp Sessions — Bizarrap, Daddy Yankee
• Masna remix — FMK, Emilia, Nicki Nicole, Tiago PZK
• La verdadera — Ramma, Kidd Voodoo
• Flashbacks — Wisin, Paulo Londra, Big One

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Mejor Colección de Catálogo

• Pelusón of Milk — Spinetta
• Suiza 1980 — Mercedes Sosa
• Adiós Sui Generis — Sui Generis

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Mejor Nuevo Artista

• María Wolff
• Blair
• Little Boogie & Stereo
• Cindy Cats
• Tuli
• La Ferni
• Sofía de Ciervo
• Mia Folino
• Las Tussi
• Chechi de Marcos
• 143leti

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Mejor Videoclip Corto

• El gordo — Marilina Bertoldi
• Bajo De La Piel — Milo J
• #Tetas — Ca7riel & Paco Amoroso
• In the City — Charly García & Sting
• Advertencia — Babasónicos

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Mejor Videoclip Largo

• Todo Es Folklore — Los Tabaleros
• Papota — Ca7riel & Paco Amoroso
• La Vida Era Más Corta — Milo J
• No vayas a atender… — Lali
• Sonidos, barro y piel — Divididos

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Productor del año

• Nico Cotton
• Evlay
• Gustavo Santaolalla
• Cachorro López
• Marilina Bertoldi
• Tatool
• Mauro De Tommaso
• Milo J
• Santiago Alvarado

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Hay canciones que acompañan un momento, y otras que se convierten en el eco de toda una generación. Desde los escenarios de los programas más icónicos de los 2000 nacieron artistas que no solo conquistaron las listas de éxitos, sino que transformaron la historia del pop con canciones que aún hoy siguen vivas en la memoria colectiva. Sus voces, historias y melodías abrieron el camino para muchos de los artistas que actualmente dominan la escena internacional, convirtiéndose en inspiración y referencia para nuevas generaciones. 

Porque antes de los himnos que hoy encabezan el pop global, existieron canciones que nos enseñaron a sentir, a cantar a todo pulmón y a guardar recuerdos en forma de música. Sin aquellos inicios, no existiría gran parte del repertorio que hoy consideramos inolvidable. 

En este listado recorremos la nostalgia de los 2000: una época que marcó a toda una generación y dejó canciones que, sin importar el tiempo, siempre encuentran la forma de volver a sonar. Escucha aquí la playlist completa:

Miley Cyrus – The Climb 

Selena Gomez – Naturally 

Bridgit Mendler – Hurricane 

Jonas Brothers – S.O.S. 

Sterling Knight – Starstruck

Vanessa Hudgens, Zac Efron – Can I Have This Dance 

Miley Cyrus – See You Again

The Naked Brothers Band – If That’s Not Love

Big Time Rush – Any Kind Of Guy 

Miley Cyrus – Party In The U.S.A.

Hilary Duff – What Dreams Are Made Of 

Miley Cyrus – The Best Of Both Worlds 

The Cheetah Girls – Fuego

Sterling Knight – Hero

Jonas Brothers – L.A. Baby

Demi Lovato – Can’t Back Down 

Miley Cyrus – He Could Be The One 

Taylor Swift – Crazier 

Selena Gomez – A Year Without Rain 

Miley Cyrus – Nobody’s Perfect 

High School Musical Cast – A Night To Remember 

Selena Gomez – Who Says 

Zac Efron – Bet On It 

Selena Gomez – Hit The Lights 

Victoria Justice – Freak The Freak Out 

Miley Cyrus – Ordinary Girl 

Ashley Tisdale – Fabulous 

Vanessa Hudgens, Zac Efron – Breaking Free

Lemonade Mouth Cast – Determinate 

Vanessa Hudgens, Zac Efron – You Are The Music In Me 

Demi Lovato – La La Land 

The Cheetah Girls – Cheetah Love 

Miranda Cosgrove – Kissin U 

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Jack Osbourne se pronunció en defensa del avatar de inteligencia artificial de Ozzy Osbourne que fue anunciado la semana pasada. Los Osbourne se asociaron con Hyperreal y Proto Hologram para crear un “Príncipe de las Tinieblas” impulsado por IA, que podrá hablar con sus fanáticos y estará disponible en unidades Proto Luma en el Reino Unido y los Estados Unidos a finales de este verano.

Jack y su madre, Sharon Osbourne, anunciaron el proyecto en la Licensing Expo 2026 en Las Vegas, y Jack señaló que “da un poco de miedo lo increíblemente preciso que es”. A pesar del entusiasmo de la familia, hubo cierta reacción negativa por parte del público y de los fanáticos de Osbourne. Jack se refirió al malestar durante una sesión de preguntas y respuestas en una transmisión en vivo el sábado.

“El asunto es que lo que estamos haciendo va a ser de muy buen gusto. No va a ser una puta porquería”, dijo Jack. “Lo que estamos haciendo es realmente complejo. Esto no es simplemente como conectar una imagen de mi papá a ChatGPT. Esta es tecnología de alto nivel con la que vamos a trabajar, se va a sentir muy real y es una locura cómo se va a utilizar”.

Explicó que había discutido ideas similares con su padre antes de su fallecimiento el año pasado. “Está muy bueno y es algo en lo que creo que mi papá estaría interesado”, dijo Jack. “De hecho, hablamos de eso antes de que falleciera, de hacer algo como esto… Sé que a él le interesaría esto”.

En el anuncio, Sharon explicó: “Le puedes preguntar cualquier cosa al Ozzy [digital] y él te responderá con su propia voz, y las respuestas serán lo que Ozzy habría dicho. Lo vamos a llevar por todo el mundo. La gente podrá hablar con él y él les responderá”.

“Da un poco de miedo lo increíblemente preciso que es”, dijo Jack. “Existirá digitalmente como él mismo mientras tengamos computadoras. La tecnología ha avanzado tanto que es casi como arrastrar y soltar. Podrías filmar una plantilla para un comercial… literalmente darle las indicaciones de lo que quieres que haga el Ozzy Digital en ese comercial y simplemente lo insertas. Así de simple es ahora”.

El director ejecutivo de Hyperreal, Remington Scott, le dijo a Rolling Stone que creó el avatar de Ozzy utilizando tecnología patentada que le permite operar en tiempo real. La empresa utiliza la tecnología patentada “Digital DNA” (ADN Digital) para recopilar los datos que necesita para crear los avatares.

“Puede actuar en vivo, responder al público y existir dentro de entornos interactivos”, dijo Scott. “Esto no es contenido renderizado previamente que se reproduce en bucle. Es una actuación viva, construida exclusivamente a partir de material original autenticado: curado, consentido y controlado por las personas más cercanas a Ozzy”.

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Después de más de una década bajolos reflectores, Niall Horan atraviesa una etapa marcada por la claridad creativa y la confianza en sí mismo. En Dinner Party, su cuarto álbum como solista, el músico irlandés se aleja de la sobreproducción para apostar por un sonido más orgánico y directo, construido desde la energía de una banda tocando en vivo.

El disco nació inmediatamente después de la gira de The Show, una experiencia que —según cuenta— le recordó que todavía había gente interesada en escuchar lo que tenía que decir. Esa sensación terminó moldeando un álbum más espontáneo, vulnerable y honesto, donde Horan deja de sobrepensar sus canciones para simplemente escribir desde el momento que está viviendo.

En una conversación exclusiva, Horan habla sobre el proceso detrás de Dinner Party, la influencia que tuvo la experiencia en vivo sobre el álbum y el lugar emocional desde el que escribió canciones como ‘Dinner Party’ y ‘End of an Era’. Esta última, dedicada a Liam Payne, funciona como uno de los momentos más emotivos del disco. “Muchos de mis recuerdos con Liam son muy felices”, explica Horan. Lee la plática a continuación.

Felicidades por el álbum. Lo he estado escuchando y me gustó mucho. Saldrá en un par de semanas, ¿cómo te sientes? 

Estoy listo. Asustado. Pero si, listo.

¿Qué es lo que te asusta?

Bueno, me gusta toda la música y espero que al mundo también le guste. Esa es la parte más aterradora. Y la verdad es que esa sensación nunca cambia.

Normalmente te tomas un tiempo después de una gira, pero esta vez prácticamente regresaste directo al estudio. Dijiste que la gira y álbum anteriores te dieron mucha confianza. ¿Qué cambió creativamente para ti después de esa experiencia?

La emoción de volver al estudio. Me di cuenta ese año de que la gente todavía quería escuchar sobre mi, y eso me dio mucha confianza y emoción. Solo quería volver a entrar y hacer otro disco. Además, ya sabía cómo quería que sonara el álbum incluso antes de hacerlo. Sabía lo que quería decir. Y también pensé: mientras más rápido entre al estudio, más rápido puedo sacar el disco y más rápido puedo volver a salir de gira.

¿Y cuál era ese sonido que sabías que tenía que tener?

Definitivamente quería algo con una sensación mucho más en vivo. Toda mi música siempre ha estado basada en guitarras, pero hasta ahora nunca había sonado realmente tan live. Creo que esta vez quería batería, teclados, bajo, guitarra, guitarra acústica y algunos synths, pero nada más. No quería algo gigantesco ni sobreproducido; quería un sonido directo de banda. Y siento que eso sí se percibe en este disco. Desde el principio tenía claro cómo quería que sonara. No quería experimentar con mil estilos distintos; solo quería tocar como tocamos en los shows.

¿Entonces la experiencia en vivo influyó directamente en la manera de escribir el álbum?

Totalmente. Siempre había querido que fuera así. Lo que pasa es que el pop, durante mucho tiempo, dejó de inclinarse hacia un sonido más en vivo. Probablemente desde principios de los 2000. Entonces ha sido bonito volver a escuchar música así y me emociona mucho eso.

¿Qué tanto esa confianza que ganaste en la gira moldeó la manera en que abordaste este nuevo disco?

Muchísimo. Literalmente metí a mis dos productores y colaboradores conmigo a un cuarto y junto con una banda simplemente empezamos a improvisar. Venía saliendo de la gira, entonces mi último recuerdo musical era estar sobre el escenario. Quería continuar con esa energía: montar una banda completa, tener un micrófono enfrente y empezar a cantar. Y lo que fuera que saliera, lo que fuera que escribiéramos o dijera, se convertía en las canciones. En vez de sentarme a pensar demasiado, simplemente lo hice. Y creo que esa fue la mayor influencia en el álbum.

Sí, se siente mucho más genuino y divertido.

Exactamente.

Háblame del concepto y del título de la canción ‘Dinner Party’, que habla de cómo cambió tu vida desde que conociste a tu novia, ¿no?

Sí, totalmente. La canción ‘Dinner Party’ tuvo un impacto enorme en el álbum porque ahí me di cuenta de que estaba escribiendo un disco cronológico sobre lo que pasó después de ese momento. Esa canción era importante porque dice exactamente lo que pasó. Las demás son un poco más detalladas, pero necesitaba esa canción para lanzar el resto del álbum.

¿Y cómo recuerdas esa noche en la que organizaste esa dinner party (cena)? 

Siendo honestos, al final hubo más tragos que cena. Pero fue divertido, muy divertido. No era nada elaborado, solo unas cuantas personas. Tomé algunos tragos y fue una locura. Muy random, muy extraño pensar que algo tan pequeño terminara convirtiéndose en algo tan grande. La recuerdo perfectamente. Creo que fue el día más caluroso del año en Reino Unido o algo así. Recuerdo que estaba quemado por el sol.

Has dicho que estos últimos dos álbumes han sido mucho más románticos porque es el lugar emocional en el que estás actualmente. ¿Sientes que tu manera de escribir se ha vuelto más honesta o vulnerable conforme ha cambiado tu vida personal?

Sí, creo que sí. También tiene que ver con crecer un poco y perderle el miedo a decir ciertas cosas. Ahora simplemente me siento y escribo lo que está pasando. Creo que me he vuelto mejor en eso. Antes quizá pensaba: “Mejor no digo esto”, o algo así. Pero ahora ya no me importa tanto. Lo que se me viene a la cabeza, lo digo.

¿Sientes que tienes que equilibrar lo que esperan los fans más longevos sobre ti y el lugar creativo en el que estás hoy?

Sí, totalmente. Eso siempre está en mi cabeza. Pero también sé muy bien qué es lo que mis fans quieren de mí. Les gustan las guitarras, les gusta ese sonido entre rock pop e indie, y también les gustan las canciones acústicas más íntimas, casi como lullabies. Siento que tengo muy claro qué conecta con ellos porque he tocado muchísimos shows y estoy ahí enfrente viendo su reacción. Entonces, cuando entro al estudio, ya tengo una buena idea de qué les gusta y eso siempre está presente en mi mente. Nunca quiero asustarlos ni que reaccionen con un “¿qué está haciendo?”.

El álbum cierra con ‘End of an Era’, una canción sobre la pérdida y el amor. Es una canción triste y nostálgica por la ausencia de Liam Payne, pero me gusta que también mira hacia los buenos momentos. Has dicho que todos tus recuerdos con él son felices. ¿Cómo terminó tomando esta forma más celebratoria?

Creo que la canción va alternando constantemente entre la tristeza y los recuerdos felices. Para mí era importante incluir ambas emociones porque las dos son reales. Muchos de mis recuerdos con Liam son muy felices, pero también es una situación muy triste. Sentí que tenía que incluir las dos cosas. Porque sí, es muy doloroso, pero también vivimos momentos increíbles. Y creo que los fans van a sentirse identificados con eso, porque sus recuerdos de Liam también son felices.

Llevabas tiempo trabajando la canción, pero cuando entendiste que realmente era sobre Liam, todo fluyó mucho más rápido. ¿Qué cambió creativamente cuando te permitiste entrar de lleno a eso?

La canción siempre se llamó ‘End of an Era’, pero yo no sabía cuál era esa “era”. ¿El final de qué? Y de repente dijimos: “Claro, estamos hablando de Liam”. No sé exactamente qué cambió creativamente después de eso, pero sí me hizo entender algo: no sobrepienses tanto las cosas. Estás pensando demasiado. Solo di lo que ves. Y creo que eso me va a ayudar muchísimo de ahora en adelante cada vez que escriba. Es como: no lo sobrepienses, sólo sácalo. 

Admiro cómo has evolucionado como artista, especialmente  viniendo de una de las bandas más grandes del mundo y construyendo una carrera solista en un momento tan transformador para la industria. ¿Cómo te sientes en esta etapa de tu carrera y de tu identidad artística?

Estoy muy feliz. Me encanta la palabra “longevidad”. Me gustaría estar haciendo esto durante muchísimo tiempo. Y he disfrutado mucho estos últimos diez años, este crecimiento lento pero constante: cómo ha evolucionado la música, cómo los fans han seguido siendo leales, cómo también se ha ido sumando gente nueva, cómo los venues se hacen cada vez más grandes… que es exactamente lo que quiero; que cada vez más personas conecten con la música y eso me hace muy feliz. Y espero sentirme igual cuando llegue a México de gira. Quiero hacer esto durante mucho tiempo, tocar en venues grandes, y si el crecimiento toma tiempo, no me importa.

Siempre has tenido una relación muy fuerte con Latinoamérica, ¿no?

Sí, totalmente. Solo hay que ver las estadísticas en mis redes, en las plataformas digitales, en la venta de boletos… Latinoamérica es una locura, y especialmente México. Para mí es muy emocionante porque yo vengo de un país muy apasionado, entonces entiendo a la gente apasionada. Me encanta cuando vamos allá: lo intensos que son, lo ruidosos que son. Todavía no anuncio los shows, pero voy a volver a México muy pronto. Así que puedes decirle a los fans que ya voy en camino, que estén listos.

Sé que la evolución es importante para ti. Idealmente, ¿cuál sería el mejor escenario para el futuro de este proyecto? Después de lograr tantas cosas, ¿cuál es tu sueño? 

La verdad siento que ya estoy viviendo el sueño. Poder tocar en arenas y quizá algunos estadios alrededor del mundo durante todo el tiempo que sea posible. Y seguir haciendo música que me guste, eso es muy importante para mí. 

Pero también asegurarme de hacer música que le guste a mis fans. No quiero alejarlos; quiero hacer música que todos amemos. Si puedo seguir haciendo eso y tocar shows grandes por mucho tiempo, seré más que feliz.

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