Si el cine de Bi Gan había construido hasta ahora una poética donde la memoria, el tiempo y el espacio se entrelazaban como un sueño del que era imposible despertar, Resurrección representa un punto de inflexión. Ya no se trata únicamente de un director que juega con la percepción, sino de un cineasta que parece querer convertir toda la historia del cine en una gran instalación artística. El resultado posee momentos de una belleza visual extraordinaria, pero también evidencia un problema creciente en cierto cine de autor contemporáneo y que tiene que ver con que la fascinación por el dispositivo termina sustituyendo aquello que el dispositivo debería expresar.
La premisa es tan barroca como sugerente. En un futuro donde la humanidad ha descubierto que dejar de soñar garantiza la inmortalidad, quienes continúan soñando son perseguidos como una anomalía. Un “Deliriant”, interpretado por Jackson Yee, atraviesa distintos sueños guiado por una misteriosa figura encarnada por Shu Qi. Cada uno de esos sueños corresponde a un período distinto de la historia del cine, de la historia china y de una forma diferente de experimentar los sentidos. Es una idea inmensamente rica, pero Bi Gan nunca parece interesado en desarrollar una narración que permita habitar ese universo. Prefiere convertir cada episodio en un museo de referencias cinematográficas.
Ahí aparece el mayor mérito y, al mismo tiempo, la mayor debilidad de Resurrección. La película evoca permanentemente al expresionismo alemán, a Georges Méliès, al cine mudo en general, al noir, al melodrama, al wuxia, al thriller de espionaje, al cine romántico de Wong Kar-wai, al humanismo contemplativo de Andrei Tarkovsky y a las largas coreografías visuales que ya caracterizaban a Largo viaje hacia la noche. No son simples homenajes. Cada segmento intenta absorber el lenguaje de una tradición distinta para demostrar que el cine puede renacer infinitamente dentro de sí mismo.
El problema aparece cuando ese admirable despliegue de cinefilia de casi tres horas empieza a sentirse más cercano a la catalogación que a la creación. Las imágenes son extraordinarias, los decorados parecen construidos dentro de un sueño expresionista, la fotografía convierte cada plano en una pintura, el diseño de producción cambia constantemente de piel con una sofisticación casi imposible de describir. Sin embargo, detrás de semejante despliegue cuesta encontrar personajes de carne y hueso. Todo existe para ilustrar una idea sobre el cine, pero muy pocas veces para emocionar.
Resulta inevitable asociar a Resurrección con Megalopolis, de Francis Ford Coppola, Alpha, de Julia Ducournau, o incluso Her Private Hell, de Nicolas Winding Refn. Son películas profundamente distintas entre sí, pero comparten un mismo síntoma: directores extraordinarios que parecen dialogar más con su propia filmografía y con la historia del cine que con el espectador. Existe una voluntad evidente de construir una contracultura frente a una época dominada por TikTok, Instagram y el consumo fragmentado de imágenes. La intención es legítima. La respuesta, en cambio, resulta discutible. Oponer tres horas de abstracción absoluta al vértigo digital no garantiza una experiencia cinematográfica más profunda.
Bi Gan parece convencido de que el misterio equivale automáticamente a profundidad. No siempre ocurre así. La ausencia de una narrativa clara no convierte una película en una obra abierta; en ocasiones simplemente dificulta cualquier implicación emocional. Resurrección avanza como una sucesión de viñetas hipnóticas donde todo parece importante y, paradójicamente, casi nada termina teniendo verdadero peso dramático. La película invita constantemente a interpretar símbolos, metáforas y asociaciones, pero rara vez ofrece una recompensa emocional equivalente al esfuerzo que exige.
Eso no significa que estemos ante un absoluto fracaso. Muy por el contrario. Hay secuencias sencillamente prodigiosas. La apertura inspirada en el cine silente posee una imaginación visual desbordante. Algunos movimientos de cámara parecen desafiar las leyes físicas. El impresionante plano secuencia final vuelve a demostrar que Bi Gan domina el espacio cinematográfico como muy pocos cineastas contemporáneos. Incluso cuando la película pierde el rumbo, nunca deja de ser visualmente estimulante.
También hay algo profundamente hermoso en su defensa del acto de soñar. En tiempos donde los algoritmos parecen reducir toda experiencia a segundos de atención, Bi Gan reivindica la paciencia, la contemplación y el poder casi espiritual de las imágenes. Lo que ocurre es que termina confundiendo contemplación con dilación y complejidad con opacidad.
Quizá Resurrección sea menos una película que un manifiesto sobre el estado actual del cine. Un manifiesto que afirma que las imágenes aún pueden sobrevivir a la velocidad del consumo contemporáneo. Pero un manifiesto no necesariamente construye una gran obra dramática. Bi Gan sigue siendo uno de los grandes estilistas de su generación. Lo que aquí queda en duda no es su talento visual, sino la capacidad de ese talento para transformarse en una experiencia humana.
Porque el cine no sobrevive únicamente gracias a las imágenes que admiramos. Sobrevive, sobre todo, gracias a aquellas que seguimos recordando cuando las luces de la sala ya se han encendido. Y Resurrección, pese a toda su deslumbrante arquitectura visual, termina pareciéndose más a un museo extraordinario que a un sueño imposible de olvidar.
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Durante la cumbre de la OTAN (Organización del Tratado del Atlántico Norte) que sucedió ayer en Ankara, Turquía, el presidente de los Estados Unidos, Donald Trump, realizó múltiples declaraciones, entre ellas, aprobó la autorización de fabricación de “Patriots”, es decir, sistemas de defensa aérea para Ucrania, denunció por error a “la república islámica de Japón” en vez de la República Islámica de Irán, y afirmó que el memorando de entendimiento, acordado entre los Estados Unidos e Irán el pasado 17 de junio que buscaba terminar la guerra y, sobre todo, abrir el Estrecho de Ormuz. Esto ha resultado en bombardeos americanos en territorio iraní en las últimas 24 horas.
Irán
Hoy vemos las consecuencias de la guerra que Estados Unidos e Israel iniciaron con el asesinato del ayatolá Alí Jameneí el 28 de febrero en el marco de la operación Furia Épica. El conflicto costó la vida a miembros del gobierno iraní y provocó el bombardeo de cientos de niños y civiles en Teherán y sus alrededores. En represalia, Irán cerró el estrecho de Ormuz y bombardeó Tel Aviv, la capital de Israel, bases estadounidenses y puntos estratégicos en Doha, Qatar; Dubái, Emiratos Árabes Unidos (EAU); la base del Reino Unido en Akrotiri, Chipre y Kuwait, entre otros.
Estos 4 meses de guerra intermitente han sido marcados por la desinformación y mensajes que demuestran la diferencia entre la percepción del conflicto y la gravedad de los desacuerdos entre los diplomáticos estadounidenses e iraníes; se han anunciado falsas alarmas de frágiles acuerdos y efímeros altos al fuego entre los países durante el 30 de marzo, 12, 13, 14, 17 y 21 de abril; el 3 y 31 de mayo; el 3, 7, 14, 17, 22, 26 de junio; y, el 1 de julio. La firma del memorando de entendimiento el 17 de junio marcó la primera señal real para un fin para la guerra y un periodo de paz relativa…
En dicho documento se llegaron a 14 acuerdos principales que, en general, favorecieron a Irán y sus intereses como el fin de la invasión israelí en el sur del Líbano, la suspensión del bloqueo marítimo, el retiro de tropas americanas y todas las sanciones impuestas por Estados Unidos a Irán, una inversión de 300 mil millones de dólares para la reconstrucción y desarrollo económico de Irán, el desarmamiento nuclear de Irán, y, en epecial, la restauración del flujo del tráfico marítimo en el Estrecho de Ormuz proporcional a niveles previos a la guerra. Se establecieron 60 días para firmar el acuerdo final.
Frente los avances en la cooperación, Irán abrió el estrecho de Ormuz con dos condiciones: que todos los barcos usen exclusivamente las aguas iraníes para el transporte y que paguen una tarifa (de aproximadamente 2 millones de dólares) al pasar. El martes 7 de julio, dos buques, uno de origen catarí, fueron atacados con proyectiles porque se desviaron de la zona permitida por la república islámica.
El presidente Trump respondió en la cumbre de la OTAN del miércoles 8 de julio con insultos dirigidos a Irán y negó toda posibilidad para continuar negociaciones, “Para mí, ya se acabó (el alto al fuego y el memorando), no quiero tratar con ellos (Irán), son unos canallas (…), están enfermos, son un pueblo enfermizo liderado por enfermos. Son una población cruel y violenta. Si tuvieran un arma nuclear, la usarían.
Hablé con los negociadores, ellos quieren llegar a un acuerdo, son buenas personas; Steve Witkoff, Jared Kushner, pero al final tienen que volver a mí (para decidir). Hasta donde yo sé es una pérdida de tiempo intentarlo. Son unos mentirosos…” dijo el mandatario en Ankara, Turquía.
El Estrecho de Ormuz
Dominio sobre el estrecho es compartido por tres países, Irán al norte, y Omán junto a los Emiratos Árabes Unidos al sur. El pasaje marítimo tiene un ancho de apenas 50 kilómetros (Esto equivale a la distancia entre Zipaquirá y la plaza de bolívar de Bogotá aproximadamente). La influencia de Irán y la fuerza militar que le dedica a este corredor le ha dado la ventaja definitiva en este conflicto.
Este pasaje marítimo es uno de los lugares más importantes del mundo para el flujo del petróleo y el gas natural. Su cierre significa el estancamiento de miles de millones de barriles de petróleo (Según la Administración de Información Energética de Estados Unidos (EIA), en 2025 transitaron por el estrecho unos 20 millones de barriles de petróleo y productos derivados del petróleo cada día) y el encarecimiento de todos los productos y procesos productivos del mundo. Las consecuencias de las cadenas de suministro internacionales son abstractas y difíciles de visualizar, por ahora, pero el daño ya está hecho y afectará la economía global.
La OTAN
El presidente se ha quejado en múltiples ocasiones de la falta de apoyo de los aliados del Tratado del Atlántico Norte, sin embargo, su actitud frente a la organización se remonta a su primer periodo como presidente (2016-2020). Durante su mandato inicial demandó que los aliados europeos aumentaran sus presupuestos de defensa y amenazó con dejar de defender a aquellos que no contribuyan.
Este año desea cortar lazos con España, “es un socio terrible, no participan ni pagan no quiero hacer nada con ellos, terminaremos el comercio y las visitas a España” afirmó el mandatario. Además, días antes expresó de nuevo su interés por anexar a Groenlandia de Dinamarca, un tema que fracturó relaciones con aliados europeos.
En general, la cumbre de la OTAN que se ha celebrado anualmente desde el 2021 durante los meses de junio y julio han sido una oportunidad para el llamado a la cooperación, sin embargo, debido a la reciente actitud y decisiones de Donald Trump, se pone en riesgo la integridad de la institución y las amistades con los aliados occidentales.
Lo que sigue
Los bombardeos continúan en Irán mientras más de 16 millones de personas se congregan para el funeral del ayatolá Alí Jameneí. Diversas fuentes iraníes han informado que ni la población ni el gobierno se sienten amenazados por las acciones estadounidenses, antes, el país se encuentra empoderado para enfrentar la guerra con su nuevo líder, Mojtabá Jameneí, hijo del difunto líder chiita (se fortalece el liderazgo islamista que se solidifica a pesar de las protestas masivas que sucedieron a principios de año). Mientras tanto, la popularidad de Estados Unidos y del gabinete de Donald Trump se ha visto afectada por su participación en este conflicto, y la mayoría de los estadounidenses no desean continuar el combate.
También han empeorado las relaciones internacionales con aliados históricos de americanos, como con los miembros de la Unión Europea y, sobre todo, Israel, el país que hace unos meses contó con el apoyo incondicional americano de durante el genocidio palestino. Incluso, unos días antes del inicio de la guerra se dio reconocimiento público y la aprobación del proyecto del Gran Israel por parte del embajador de Estados Unidos en Israel, Mike Huckabee; el proyecto sionista que expandir el territorio israelí de vuelta a sus “orígenes bíblicos”, es decir, desde el río Nilo de Egipto hasta el río Éufrates de Iraq (dicha retórica sionista amenaza con disolver la soberanía de Jordania, Siria, Líbano, Egipto y Arabia Saudita). Hoy en día, con el parcial avance hacia la paz, ciudadanos, políticos y figuras públicas israelíes repudian al presidente por pedirles el cese al fuego en su invasión en Líbano, además consideran que el abandonar la guerra es una desgracia humillante para la nación.
Este conflicto no se parece a nada que hayamos visto antes en la historia y va a ser más destructivo que cualquier conflicto anterior, mientras la economía se prepara para el riesgo de una recesión a medida que el petróleo y otros productos suben de precio. Esta situación aún está en desarrollo. Ante la incertidumbre, nada es seguro hasta que suceda.
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Bogotá vuelve a subir el volumen. El próximo sábado 25 de julio, la Plaza de Bolívar será el epicentro de una nueva edición de Monumentum: Bogotá Distrito Rave 2026, el encuentro de música electrónica con entrada libre más grande de Colombia. Desde la 1:00 p.m. hasta las 9:00 p.m., miles de asistentes podrán reunirse en uno de los lugares más emblemáticos de la capital para una jornada dedicada al sonido, la cultura rave y las nuevas expresiones creativas de la ciudad.
Organizado por la Alcaldía Mayor de Bogotá, a través de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA) y la estrategia Bronx Distrito Creativo Presenta, Monumentum llega a su quinta edición como una plataforma que busca llevar la electrónica más allá de la pista de baile. El evento ha construido un puente entre artistas, clubes, emprendedores e instituciones, consolidando una escena que continúa creciendo y reclamando nuevos espacios dentro de la conversación cultural.
Para esta edición, la iniciativa contará con Páramo Presenta como aliado estratégico y la participación de algunos de los clubes que han marcado la identidad de la noche bogotana como Gate Club, Kaputt Club, Octava, Radio Berlín y VideoClub, además del apoyo de organizaciones como la Cámara de Comercio de Bogotá, el Clúster DJ de Asobares, DNA Music, Mad Skills Academy y Pelado B.
En sus cuatro versiones anteriores, Monumentum ha reunido cerca de 42.000 asistentes y más de 25 artistas, convirtiéndose en una de las apuestas más importantes para visibilizar el movimiento electrónico en Colombia. Su regreso en 2026 también llega acompañado de un nuevo capítulo institucional: la aprobación del proyecto de acuerdo que convierte a Monumentum: Bogotá Distrito Rave en una política pública enfocada en fortalecer la música electrónica, las industrias culturales, el turismo y los espacios de convivencia alrededor de la música.
Pero la experiencia irá más allá del escenario. La edición 2026 incluirá una zona de emprendimientos desarrollada junto a la Secretaría Distrital de Desarrollo Económico y su estrategia Hecho en Bogotá, con 20 propuestas locales seleccionadas que abarcarán gastronomía, bebidas, accesorios, moda y diseño. El objetivo será conectar la música con otros sectores creativos y abrir nuevos espacios de circulación para el talento de la ciudad.
El evento también mantendrá su componente de Fiesta Segura, una estrategia enfocada en el bienestar de los asistentes. La jornada contará con acompañamiento especializado para mujeres por parte de la Secretaría Distrital de la Mujer, zonas de recuperación, atención médica, orientación en reducción de riesgos, puntos de hidratación y espacios adecuados para personas con movilidad reducida.
El ingreso será gratuito hasta completar aforo y estará permitido únicamente para mayores de edad. La organización recomienda llegar temprano, utilizar transporte público, llevar ropa cómoda y seguir las indicaciones del equipo logístico.
Además de la celebración en la Plaza de Bolívar, Monumentum revelará próximamente los detalles de su programación académica, que buscará abrir conversaciones alrededor de la profesionalización de proyectos artísticos, la economía creativa, la construcción de audiencias, la tecnología y el futuro de la cultura electrónica.
Con una nueva edición, Bogotá reafirma su lugar dentro del circuito electrónico latinoamericano y convierte nuevamente uno de sus espacios históricos en una pista de baile colectiva.
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La fiebre por la nostalgia en Hollywood se niega a bajar y ahora es el turno de Free Willy de tener un reboot. Warner Bros. y AGBO, el estudio de los hermanos Anthony y Joe Russo, están detrás del desarrollo del proyecto que reimaginará la famosa historia de la búsqueda de un niño por liberar a una orca.
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Aún no se conocen detalles sobre el formato o los cambios que tendrá el relato, no obstante, The Hollywood Reporter informó que los estudios eligieron a Mary-Margaret Kunze (Agents of SHIELD y Daredevil) y Jade Halley Bartlett (Miller’s Girl) para crear el guion. Angela Russo-Otstot, Michael Disco y Kassee Whiting estarán a cargo de la producción, mientras que los hermanos Russo se desempeñarán como productores ejecutivos.
La franquicia inició en 1993 con el estreno de Free Willy, cinta que sigue la historia de Jesse (James Richter), un niño huérfano de 12 años que desarrolla un vínculo emocional con Willy (Keiko), una orca que es mantenida en cautiverio con fines de entretenimiento. Gracias a su éxito en taquilla, se extendió a tres filmes más —que contaron con estrenos teatrales o domésticos— y una serie animada de dos temporadas.
Parte del éxito de la primera entrega correspondió a que ‘Will You Be There’ de Michael Jackson fue utilizada como canción principal de la banda sonora. En un principio, el equipo de producción de la película planeaba que el Rey del Pop compusiera un tema original, pero por cuestiones de agenda no le fue posible hacerlo.
Free Willy tuvo importantes repercusiones en la cultura popular pues la escena en la que la orca salta sobre Jesse hacia su libertad ha sido referenciada en distintas producciones de Hollywood. A su vez, desencadenó la creación de la Free Willy Keiko Foundation, una organización que buscaba que Keiko, como se llamaba el cetáceo en la vida real, regresara a su hábitat natural. Tras varios esfuerzos y un proceso de adaptación, el animal fue liberado en el lugar en el que fue capturado en 1979, pero nunca pudo acoplarse a otros grupos de orcas y al final fue mantenido en un estado de semi-libertad hasta su fallecimiento en 2002.
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Este nuevo veredicto preliminar de la Comisión Europea, emitido en la mañana del 10 de julio desde Bruselas, Bélgica, marca un nuevo hito en el historial de batallas y demandas legales de la compañía Meta (Antes Facebook, propietaria de Instagram, Facebook, WhatsApp, Messenger y Threads, entre otros).
En esta ocasión, el brazo ejecutivo de la Unión Europea establece que “Meta no evaluó adecuadamente los riesgos de su diseño adictivo para el bienestar físico y mental de los usuarios, incluidos menores y adultos vulnerables.” La investigación señala elementos como el “autoplay”, “scroll infinito”, recomendaciones altamente personalizadas y la optimización de formatos como reels e historias pueden llevar al consumo compulsivo y excesivo.
La comisión considera que las medidas establecidas por Meta de control parental para combatir la adicción en niños son insuficientes, ya que “Solo son eficaces si los padres y tutores poseen los conocimientos técnicos adecuados, además de dedicar tiempo y esfuerzo a comprenderlos eficazmente.” También cuestiona la efectividad de los consejos y enlaces a recursos de salud mental que provee Meta, porque “no parecen mitigar suficientemente el riesgo de diseño adictivo en Facebook e Instagram.”
Este comunicado marca una nueva etapa en el procedimiento formal de la comisión a la compañía de redes que inició en 2024 el cual establece su preocupación de que los sistemas algorítmicos de Facebook e Instagram puedan estimular adicciones al comportamiento en los niños y, por lo tanto, infringe la Ley de Servicios Digitales (DSA) por parte de Meta.
Según The Guardian, Un portavoz de Meta declaró: “No estamos de acuerdo con estas conclusiones preliminares que no tienen en cuenta las medidas significativas que hemos tomado para proteger a los adolescentes. Desde que comenzó esta investigación, implementamos las “Cuentas para Adolescentes”, que protegen automáticamente a los jóvenes y otorgan a los padres el control, permitiéndoles bloquear el acceso a Instagram por la noche y limitar el tiempo de pantalla diario a tan solo 15 minutos”.
La comisión recomienda “Deshabilitar por defecto funciones clave adictivas como la reproducción automática y el scroll infinito, implementar pausas efectivas para controlar el tiempo de pantalla y adaptar el sistema de recomendaciones para que sea menos dependiente de la interacción.”, añade que si la posición del organismo es corroborada, esta puede resultar en una multa de hasta 6% de las ganancias anuales totales de Meta (en el 2025 tienen rendimiento estimado de 200 mil millones de dólares, por lo que la infracción puede llegar a costar más de 12 mil millones). Sin embargo, cabe aclarar que estos hallazgos preliminares no prejuzgan el resultado final de la investigación.
Cc: Santiago Urquijo / Getty Images
Las redes y el bienestar de los niños
En los últimos años, se han establecido múltiples acciones por parte de diferentes actores privados, públicos y escolares, como las medidas de prohibición de teléfonos en instituciones educativas a nivel mundial, la prohibición del celular para niños menores de 16 en Australia y el más reciente jurado del pasado 25 de marzo en Los Ángeles, California donde YouTube e Instagram fueron declarados responsables de descuidar la salud infantil al implementar el diseño y funcionamiento algorítmico de sus plataformas.
El debate mundial acerca de los riesgos para niños en línea parece alinearse en contra de las compañías que proveen los servicios de las plataformas de redes en general como YouTube, Snapchat, TikTok y X (Twitter), no solo las incluidas bajo la marca de Meta. La negligencia de dichas compañías frente a la crisis de seguridad para menores de edad en internet ya es conocimiento común. Casos como una demanda impuesta a X por la publicación videos de pornografía infantil cargados en el sitio web (el video en cuestión fue eliminado de la plataforma 9 días después de su denuncia, para ese momento sobrepasó las 167 mil vistas), existen como un recordatorio de lo que puede suceder en el internet sin regulación. Ahora, con la inclusión de las tecnologías de inteligencia artificial en todas las plataformas, empeoran las condiciones para niños en línea.
A pesar de los riesgos, organizaciones y expertos como Save the Children consideran que la prohibición del acceso a redes no es efectivo, “Los adolescentes son curiosos por naturaleza y hábiles para sortear las normas que no se ajustan a la realidad de sus vidas. Si simplemente les prohibimos el acceso a los espacios en línea, lo más probable es que sigan conectándose, pero fuera de nuestra vista, no busquen ayuda cuando la necesiten y no estén preparados para usar estos espacios adecuadamente cuando sean adultos.” Esto se ve evidenciado en los casos de abuso infantil en plataformas de videojuegos como Roblox, las cuales no son redes sociales, pero presentan el mismo problema, la falta de regulación.
Además, advierten que la prohibición total del uso de internet limita el acceso a información y apoyo sobre temas que los niños no se sientan cómodos hablando con sus padres (tales recursos son fundamentales para menores de edad en situaciones de violencia o de riesgo, como la juventud LGBTI+).
Puede que el internet no haya sido diseñado para los niños, es más, solían existir espacios dedicados únicamente a menores de edad, como Club Penguin o Neopets, sin embargo, a medida que la red crece y nuevas modalidades de manipulación, abuso y adicción se desarrollan, incluso volver a ofrecer dichas “zonas seguras” pueden tener una efectividad limitada.
Algo que ha mejorado es que los adultos, organizaciones y los propios niños son más conscientes de lo que sucede en el ciberespacio, según una encuesta de Ipsos UK del 2025, la mayoría de padres de familia no confían en el internet, están dispuestos a conversar acerca de riesgos con sus hijos y a limitar su tiempo en línea, Además, según la Encuesta TIC en hogares (ENTIC) en Colombia del 2021, más del 60% de la población toma acciones para proteger su información como establecer contraseñas seguras y limitar acceso a su perfil o contenido a las redes sociales.
Para concluir, se esperan nuevas innovaciones, debates y cambios a normas existentes para salvaguardar la salud, integridad y el futuro de los niños. También se debería esperar y ratificar muchas más acciones legales para garantizar que las personas a cargo de las plazas virtuales del mundo tengan en cuenta los derechos del consumidor.
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Casi siete años después de la muerte de Dilan Cruz Medina, el Tribunal Administrativo de Cundinamarca confirmó la responsabilidad de la Policía Nacional por el asesinato del joven de 18 años durante una jornada de movilización social en Bogotá. Con esta decisión se concluyó que existió una falla en el servicio en el uso de un arma catalogada como “menos letal”, pero con capacidad de causar la muerte durante uno de los momento más álgidos de las protestas en la historia reciente de Colombia.
La decisión fue adoptada por la Sección tercera del Tribunal, con una ponencia del magistrado Juan Carlos Garzón Martínez. El fallo determina que la institución incurrió en una actuación irregular al clasificar la munición tipo Bean Bag empleada por el entonces Escuadrón Móvil Antidisturbios (Esmad) como un arma “menos letal”, sin advertir de manera suficiente a sus integrantes sobre el riesgo real que representaba.
Según la providencia, esta omisión impidió que el uniformado que le disparó a Dilan Cruz, Manuel Cubillos, evaluara adecuadamente los principios de necesidad, proporcionalidad y racionalidad que deben orientar cualquier uso de la fuerza por parte de agentes del Estado.
Represión policial durante las protestas
Dilan Cruz era un estudiante de colegio que participaba en las movilizaciones del paro nacional de noviembre de 2019. El 23 de noviembre fue impactado en la cabeza por un proyectil disparado por el entonces integrante del Esmad Manuel Cubillos, en la Calle 19 con carrera 4ta, en el centro de Bogotá. Dos días después, el 25 de noviembre, falleció en el Hospital Universitario San Ignacio.
Tenía 18 años y estaba próximo a graduarse del colegio. Para entrar a la universidad sabía que necesitaba un apoyo y, como miles de jóvenes que salieron a las calles durante aquellas jornadas de protesta, ejerció su derecho a la movilización social encarnando muchas demandas al Estado colombiano.
Las imágenes registradas ese día y recogidas por medios como Cerosetenta, captaron el momento en que el agente Cubillos disparó la munición que lo hirió de muerte, convirtiendo el caso en uno de los episodios más emblemáticos de la violencia policial durante las movilizaciones sociales en Colombia.
El Tribunal descartó una amenaza que justificara el uso de la fuerza letal
En su análisis, el Tribunal concluyó que las pruebas recopiladas durante el proceso no demostraban la existencia de un escenario de violencia que hiciera necesario recurrir a un arma con potencial letal por parte del ESMAD. Para esto hizo tres precisiones fundamentales.
La primera, que el ejercicio del derecho constitucional y convencional a la protesta no puede convertirse en una circunstancia que permita a las autoridades vulnerar derechos fundamentales como la vida y la dignidad humana. La segunda, que Dilan Cruz se encontraba ejerciendo legítimamente ese derecho al momento de los hechos. Y la tercera, que incluso el hecho de haber devuelto gases lacrimógenos lanzados por el Esmad (como hacen muchos manifestantes para huir del uso de estos dispositivos policiales), no legitimaba el empleo de un arma capaz de causar la muerte en su contra.
Con base en estas consideraciones, el Tribunal descartó cualquier concurrencia de culpa por parte de la víctima y calificó lo ocurrido como una grave violación de los derechos humanos.
La reparación y la memoria
La familia de Dilan Cruz, y el movimiento social que ha respaldado su caso, han insistido a lo largo de los años en la necesidad de justicia y reparación para un hecho que se volvio un símbolo de la violencia policial en el marco de la protesta ciudadana. Frente a esto, el Tribunal ordenó aumentar las indemnizaciones reconocidas a los familiares de Dilan Cruz por concepto de perjuicios morales, por encima de los montos que habitualmente se conceden en este tipo de procesos.
Además, dispuso que el comandante de la Policía Nacional realice, en representación de la institución, un acto público de reconocimiento de responsabilidad y presente disculpas a la familia, al considerar que la muerte del joven ocurrió mientras ejercía legítimamente su derecho constitucional a la protesta.
La familia también solicitó la construcción de un monumento conmemorativo en memoria de Dilan, pero el Tribunal negó esa petición al considerar que el acto público de reconocimiento constituye una medida suficiente dentro del proceso de reparación integral. Aun así, es esta decisión judicial y la importancia de la lucha dada en torno al asesinato de Dilan Cruz tiene un alcance mucho más amplio. Precisamente, este pronunciamiento llega en un contexto en el que numerosas víctimas de violencia policial ocurrida durante el paro nacional de 2019 y el estallido social de 2021 continúan enfrentando obstáculos para acceder a la justicia, y en donde discursos del gobierno de Abelardo de La Espriella y simpatizantes han prendido alarmas por un enfoque estigmatizante de la protesta social, la cual se ha asociado a respuestas violentas por parte de agentes del Estado.
En ese escenario, el caso de Dilan tiene un significado que trasciende la responsabilidad individual del agente que disparó. Se convirtió en uno de los símbolos de la discusión sobre los límites del uso de la fuerza por parte del Estado, la protección del derecho a la protesta y la obligación institucional de rendir cuentas cuando se producen violaciones de derechos humanos.
La memoria de Dilan ha sido objeto de disputa en el espacio público. Los monumentos y homenajes levantados en distintos momentos para recordarlo han sido retirados, vandalizados o destruidos en repetidas ocasiones, aunque varios han sido reconstruidos por organizaciones sociales. A esto se suman las constantes reacciones en redes sociales digitales que revictimizan tanto a su familia como a quienes murieron o resultaron gravemente afectados durante las movilizaciones sociales. De esta manera, el fallo no solo representa una reparación jurídica para una familia, sino que reafirma un principio esencial en una democracia, en el que el derecho a la protesta sea protegido y no represente una amenaza para la vida.
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Luego de una campaña de expectativa que trascendió las redes sociales y llegó hasta los escenarios, Arde Bogotá ha compartido su nuevo single, ‘Bigger Splash’. La agrupación de Cartagena adoptó el título de la canción como pseudónimo para colarse en los carteles de tres festivales musicales de España con actuaciones sorpresa.
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Para el segundo adelanto de su tercer álbum de estudio, el cuarteto se ha apartado del ímpetu punk rock de ‘Instrucciones’ y ha optado por un mid-tempo al estilo de ‘La torre Picasso’, dejando un estallido de guitarras para el final. En cuanto a la temática, Antonio García canta sobre la dicotomía entre el no querer aceptar los cambios y el deseo de enfrentarlos. “Quisiera ser capaz de darle play a las montañas/Hacerlas caminar y que hagan una marcha colosal hasta tu casa/Que no es mi casa ya”, canta en el coro.
La canción, producida por Joe Chiccarelli y grabada en Los Ángeles, es también una referencia directa a la obra del mismo nombre del artista británico David Hockney.
Desde finales de abril, Arde Bogotá ha ido construyendo el universo narrativo que constituirá al sucesor de COWBOYS DE LA A3, su álbum de 2023. El concepto ha girado en torno a un invento fallido de la fábrica ficticia Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS), cuyo jefe buscaba crear algo que les evitara el sufrimiento a las personas.
Desde hace semanas, los festivales Mad Cool, Cruïlla y Bilbao BBK Live habían incluido en sus carteles la actuación de una banda desconocida llamada Bigger Splash, levantando curiosidad por su origen, más no sospecha de que pudiera tratarse de uno de los actos más relevantes de España del momento. Solo hasta la semana pasada los fans más curiosos se dieron cuenta de la relación, cuando los de Cartagena publicaron un clip en el que un hombre llamado Asensio Belmonte, extrabajador de MCGS, explicaba el experimento fallido de la fábrica que solo arrojaba el error “Bigger Splash”.
Pese a que ‘Instrucciones’ y ‘Bigger Splash’ son los dos singles oficiales de su próximo LP, el cuarteto ha interpretado en vivo otras canciones inéditas como ‘Antifiesta’, ‘Club de la gente sola’ y ‘Asidero’. El trabajo discográfico aún no tiene fecha de lanzamiento, pero llegará más adelante en 2026.
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Grammy Award-winning band Cage the Elephant has inked a label deal with Big Loud Rock, Billboard can reveal.
The group has also released the new single “Beaches in Tennessee,” marking the band’s first new music in two years. Cage the Elephant includes Matt Shultz on vocals, Brad Shultz on rhythm guitar, Nick Bockrath on lead guitar, Matthan Minster on keyboards/guitar/backing vocals, Daniel Tichenor on bass and Jared Champion on drums.
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Big Loud Rock, the rock/alternative imprint of Big Loud Records, has a roster that also includes Dexter and the Moonrocks, Blame My Youth and Common People.
“What Cage The Elephant has accomplished over the last twenty years speaks for itself, and what excites me most is that they’re nowhere near finished,” Big Loud co-founder and Big Loud Rock president Joey Moi said in a statement. “They’re still taking risks, pushing themselves creatively, and finding new ways to connect with fans. Seeing that renewed energy and perspective carry into this next chapter is incredibly exciting. Welcoming a band of this caliber to Big Loud Rock, alongside the incredible team at Q Prime, is a huge moment for us. We couldn’t be more excited for what’s ahead.”
“It’s definitely a new chapter,” Cage the Elephant’s Matt Shultz added. “We always try to write from life experience. Whatever we’re going through will undoubtedly make its way into the music. Even when going through difficult seasons, life can still prove to have no shortage of light memories. I’ve learned we don’t realize the things that we’re capable of making it through until we actually face them. Having fond memories during difficult times, is a blessing to say the least — which some of these songs do for certain. Navigating troubled waters many times reminds us how extraordinary life truly is. Life’s beautiful. It takes peaks and valleys to illustrate that beauty.”
The Kentucky-formed band is known for a steady string of hits including “Metaverse,” “Neon Pill,” “Come A Little Closer” and “Shake Me Down.” The group’s Grammy wins include two trophies for best rock album, for 2015’s Tell Me I’m Pretty and 2019’s Social Cues. They’ve earned 13 No. 1 hits on Billboard‘s Alternative Airplay chart.
Following the band’s run as special guests on Oasis Live ’25, it headed directly back into the studio. The group created its new song, “Beaches in Tennessee,” with producers Justin Raisen and SADPONY (Jeremiah Raisen).
“I liked several different albums Justin had worked on, including Kim Gordon and Yves Tumor,” says the group’s Brad Shultz. “For producers, he was at the top of my list. I flew out to L.A. and hung out with him in the studio one night. The energy was crazy. It was like two wool socks in a dryer. He brought in Jeremiah. There’s a common thread between them, but they make two different types of art. They have their own unique views and ways of doing things, so it’s been pretty cool to just jump between those two worlds. It’s made a pretty unique mix in what we’re doing. I knew they were the guys.”
“Beaches in Tennessee” creatively addresses a time when Cage The Elephant’s Matt Shultz weathered mental health struggles a few years ago. He said in a statement, “It’s no secret that I went through a mental health crisis a few years back; this song for me symbolizes me finally being able to move past it. I was hospitalized for nearly three months, the song addresses it by creating a fictionalized account of it. It was my attempt at reclaiming the ability to write about something serious that happened in my life, from a place of genuine experience.
“There’s a saying, ‘There’s nothing better than a poor Christmas,’” he continued. “It’s because you learn to make the most of what you have and appreciate it. Having gone through what I did, I’m grateful to have the perspective that I have now. The experience gave me a greater appreciation for my life when I came out on the other side. I’m thankful for where I’m at now in this new chapter. As a band, we were able to reclaim the ability to write a song rooted in a difficult and turbulent real-life event, but do it in a lighthearted way. I hope it helps someone else the way it helped me.”
“Musically, we always want to reinvent Cage The Elephant,” Brad Shultz said. “We’ve discovered a whole new side to our band, how we look at things, and how we make art. You’re growing constantly as an artist, and I think we’ve tapped into that growth. I do feel like we’re making the best music we’ve ever made. If anything, it’s definitely the most inspired.”
The Elegance Of Time, a glossy, 256-page coffee table book by Swiss-Iranian photographer Anoush Abrar, honors and illuminates the central tenet of Montreux Jazz Festival: this is an event for musicians to let go and collaborate spontaneously; to surrender to the moment.
“In the live business, what makes Montreux Jazz so different is the luxury of time that we’re giving to artists,” festival CEO Mathieu Jaton tells Billboard U.K. “That’s where the magic comes out. We want to give them time for creativity and inspiration, and for meeting people. When they’re staying in Montreux for two or three days, we will accept the cost of the hotel and catering et cetera and give them the space to fully be here.”
Released earlier this year to mark the festival’s 60th anniversary, The Elegance Of Time brings together more than 300 photographs spanning the past decade of performances and candid backstage moments, tracing the more recent evolution of Montreux Jazz through Abrar’s lens. Published alongside a new exhibition based in the Swiss resort town, the book features intimate images of artists including Sam Smith, Jon Batiste, RAYE and Benson Boone, capturing a newer slate of acts that have revitalized the concert series’ backstory; this year’s event, which kicked off on July 3, runs through July 18
Jaton, who has led the festival since 2013, inherited the role from founder Claude Nobs, whose vision transformed a small jazz gathering into one of the world’s most revered music events. Their shared backgrounds in hospitality are no coincidence. Before launching Montreux Jazz in 1967, Nobs worked as a fine dining chef, while Jaton began his career in Switzerland’s hotel industry. It is a lineage that continues to shape the festival’s identity today, with a particular emphasis on how artists are welcomed and cared for, treating them more like guests of the city.
When visiting Montreux, Jaton wagers, musicians “have less stress and more fun”; they are encouraged by the festival organizers to extend their trip and explore the surrounding locale, which is home to studios previously used by Queen and David Bowie and is recognized by UNESCO as a pivotal location for musical history. Montreux has a population of 27,000, and there is “no fanaticism in Switzerland,” Jaton says, meaning that audiences are appreciative but rarely intrusive, allowing artists to roam around with relative anonymity.
British soul-pop star Sienna Spiro, who returned to the festival on Monday (July 6) to perform in celebration of her debut LP Visitor, concurs. When Billboard U.K. meets the singer backstage at the newly-reopened Montreux Music & Convention Centre, home to venues Auditorium Stravinski and the Montreux Jazz Lab, she opens her iPhone camera roll to show us a montage of memories here: swimming in Lake Geneva, watching old Nina Simone footage from the Montreux Jazz archives, walking along the town’s cobbled avenues with her team at dusk.
“I feel at home performing here,” Spiro says. “I feel like the novelty of this festival doesn’t wear off. If I do some other festivals a second time, I don’t get that rush or ‘first time feeling’, but I definitely still have that for this. I’m so honored and grateful to be able to play this festival.”
So, what’s the magic in the water? Originally launched in 1967, Montreux Jazz has grown into an annual, two weeklong extravaganza that now spans genres far beyond its original remit. Such is its mythology that it has inspired some of music’s most enduring stories: Deep Purple’s “Smoke On The Water” was written after a fire at the Montreux Casino in 1971, which broke out during a Frank Zappa performance; Prince made the town a recurring creative home throughout the 2000s, with impromptu festival appearances and “Lavaux,” a song inspired by the breadth and beauty of the Alpine peaks. Ella Fitzgerald became a festival regular, while Miles Davis lent his name to a stretch of the lakeside promenade.
The question, then, is perhaps no longer whether the festival deserves its reputation, but how it continues to reinvent that legacy with every new generation of artists that passes through its site. Even a brief perusal of this year’s line-up will throw up names from the worlds of dance (Danny L. Harle), alternative pop and R&B (PinkPantheress, Giveon, Kwn), hip-hop (The Roots, Loyle Carner) and jazz (Marcus Miller, Charles Lloyd, Billy Cobham).
RAYE, meanwhile, kicked off proceedings this year with a curated show on July 3 billed as Moments In Time, inviting guests Alicia Keys and Mark Ronson to perform orchestral renditions of highlights from the London singer’s catalog. Its exclusivity was testament to Montreux’s unique pull: a festival powerful enough to bring global stars together for a one-off performance.
Outside of the main bill, attendees can explore dozens of free pop-up shows, while the Montreux Jazz ecosystem can be felt at almost every turn. Opposite the conference center stands a merch shop stocked with football jerseys, serving plates, Keith Haring-style art prints, flip-flops and even an eco bike. MJF-branded Porsches cruise through the streets. There is a Montreux Jazz cafe at Geneva Airport and other licensing projects are in the works. Public transport is made free in order to extend the festival’s reach into the neighboring villages, while colorful murals of the late Nobs adorn post boxes and pavement corners.
All of this serves to bring Montreux’s history into the present, as Jaton explains: “I’m so proud, honestly, that we have some Swiss journalists questioning whether what we are doing is purely that to attract a younger audience,” he says. “No, it’s not a strategy, it’s just that we have the opportunity to host some of the biggest artists that are making music today. When you have an artist like PinkPantheress recognized by The BRIT Awards as the first female act to win producer of the year, it means something. So, she simply has to play Montreux.”
Having played the previous year, and appeared at a Spotlight Sessions event in between editions, Spiro is a key ambassador for Montreux Jazz and her inclusion on the 2026 line-up is indicative of the festival’s search for new torchbearers. It is “a wild honor” to brush up against decades of musical history, Spiro explains, and even more so to be part of the 16 British acts represented at this year’s Montreux Jazz, the most of any nation from across the bill.
“British music has just something special about it, our artists have a rare kind of honesty, grit and rawness to their work,” she says. “I feel like a lot of us are true musicians too. RAYE uses a proper live band, as does Olivia [Dean] and Lola [Young]. It shouldn’t be seen as ‘old school’ as this approach is obviously really connecting with people.”
During her set at the Montreux Jazz Lab, Spiro aired her own take on the jazz standard “Autumn Leaves,” as well as a cover of Otis Redding’s “Hard To Handle,” giving two classics a fresh perspective. There was evidence of that same cross-generational connection throughout: in Kwn’s set earlier in the evening, where an attentive, near phone-free audience revealed their surprise through their facial expressions as she joked that they “didn’t realize I make sex songs”, and in Nick Cave’s rapturous performance the night before, when he shouted “F–king Montreux” in delight over and over. Younger punters attending PinkPantheress lined buses towards the venue in tartan berets and fluffy stomper boots, with their parents in tow.
Those moments – a young artist discovering the festival archives that inspired generations before them, or a secret special guest arriving in town – are what keep Montreux moving forward, Jaton affirms. He points to 2026 headliner Conan Gray as an example of the festival’s approach to booking fresh faces. While the Gen Z-beloved singer is capable of selling out arenas in other European markets, he remains a comparatively new name in Switzerland.
“When I announced Conan Gray at our press conference, people said, ‘We don’t know him,’” Jaton recalls. “Meanwhile, he sold 18,000 tickets in Paris in 10 minutes this year, and sold out The O2 in London.” Many young Swiss fans are already traveling abroad to see artists like Gray, he says, making it all the more important to bring them to a domestic audience. That may mean attracting smaller crowds as awareness builds, or putting more resources into marketing output, but, for Jaton, it is a worthwhile investment in the festival’s future. He adds: “We have to bet on the potential of a new artist each time, but I’m happy to take that risk.”
In Jaton’s view, the artists who define and expand Montreux Jazz today may not be the ones audiences expect, but the festival’s principles remain the same as they were six decades ago: create the right environment for both artists and fans, and the history will take care of itself.
“We always have to look to the future. It’s good to have the past, the history, the patrimony of Montreux – that’s essential. But it’s even more essential to think about the future and the next generation,” Jaton concludes. “So when I’m criticized for booking an act because ‘it’s not jazz’, I actually find it interesting. My answer is simple: I don’t care what you think – I know it’s right.”
BTS are bringing their immersive “BTS The City ARIRANG” experience to New York. The group announced on Friday (July 10) that following successful earlier editions in Seoul, Las Vegas, Busan and London, the traveling exhibition will open in New York City on July 24 and stay open through Aug. 3 in conjunction with the K-pop supergroup’s world tour in support of their ARIRANG album.
According to a release, “the citywide project will transform New York into an immersive extension of the concert experience, where fans can experience BTS’ music, storytelling, and artistry far beyond the concert stage.”
BTS is gearing up to perform at MetLife Stadium in East Rutherford, N.J. on Aug. 1 and 2 and “BTS The City ARIRANG NEW YORK” will give ARMY a chance to check out a diverse group of attractions and experiences across New York, including at the Korean Cultural Center New York, where ARMY can customize their light sticks and another at Grand Central Terminal, where “THE CITY” banners will be displayed and fans can customize T-shirts. There will also be a Samsung Galaxy Experience booth at the Korean Cultural Center with a chance to get some limited-edition BTS THE CITY merch and craft one-of-a-kind stickers, as well as a display of some of the band’s iconic stage outfits from the “LOVE YOURSELF: SPEAK YOURSELF” concerts at London’s Wembley Stadium.
Other experiences throughout New York include, a citywide stamp rally at Bank of Hope, as well as fan events including Random Play Dance with I LOVE DANCE and exclusive offerings from local partners such as Black Tap Craft Burgers & Beer, Kim’s Kimbap and others. Some of the details of the experiences have not yet been announced, but the list includes a BTS pop-up shop and brand activations with a range of restaurants and hotels.
BTS’ tour in support of their ARIRANG album will hit Allianz Arena in Munich, Germany on Saturday (July 11) and Sunday (July 12).
Check out a map and schedule with the full list of “BTS The City ARIRANG NEW YORK” events here.