El término ‘afrofuturismo’ fue acuñado en 1993 por el crítico cultural Mark Dery, y refleja una mezcla de ciencia ficción, fantasía, espiritualidad africana, historia, tecnología, cosmologías ancestrales y crítica política. No busca escapar del pasado, sino dialogar con él. El trauma histórico permanece presente, pero deja de ser una condena para convertirse en el punto de partida de una imaginación radical. Los ancestros conviven con las inteligencias artificiales; los rituales tradicionales coexisten con naves espaciales; los dioses yorubas pueden caminar entre ciudades hipertecnológicas.
Esta visión rompe con la idea occidental del progreso como una línea recta. Para el afrofuturismo, el tiempo es circular. El futuro no consiste en abandonar el pasado, sino en regresar a él para reconstruir aquello que fue interrumpido. La escritora Octavia E. Butler, los músicos Sun Ra y George Clinton o la académica Kodwo Eshun ayudaron a consolidar un movimiento que hoy atraviesa prácticamente todas las disciplinas artísticas.
El cine afrofuturista
Reducir el afrofuturismo a Black Panther sería confundir la puerta de entrada con la casa completa. Wakanda volvió masivo un imaginario, pero el cine africano y afrodescendiente ya venía construyendo futuros más extraños, dolorosos y radicales. Unos futuros donde la tecnología no siempre brilla, donde el archivo habla, donde los muertos regresan como preguntas políticas y donde la memoria colonial no se supera: se hackea.
Uno de sus ejemplos más poderosos es Neptune Frost, de Saul Williams y Anisia Uzeyman. La película funciona como musical, manifiesto queer, ciberpunk africano y ritual anticolonial. En su universo, un minero de coltán y un hacker intersexual se encuentran en una comunidad hecha de restos tecnológicos. La película conecta directamente la tecnología global con la extracción de recursos africanos.
En el documental autobiográfico Milisuthando, el afrofuturismo aparece de forma menos evidente, pero quizá más profunda. No hay naves ni androides; hay archivos, apartheid, infancia y una pregunta: ¿qué significa descubrir que uno era negro dentro de un sistema que había organizado el mundo antes de que uno pudiera nombrarlo? La película trabaja como un ensayo íntimo y decolonial, mezclando historia personal, historia nacional y una forma fragmentaria que rompe con el documental tradicional.
La noche de reyes, de Philippe Lacôte, dialoga con el afrofuturismo desde otro lugar y es el de la palabra como tecnología ancestral. Ambientada en la prisión MACA de Costa de Marfil, la película convierte el acto de narrar en una herramienta de poder, supervivencia y transformación. Un joven preso debe contar una historia durante toda la noche para seguir vivo.
En On Becoming a Guinea Fowl, Rungano Nyoni trabaja desde Zambia una forma de futurismo moral. Aquí, el futuro solo puede existir si se rompe el pacto de silencio alrededor del abuso, la misoginia y la complicidad familiar. La película, atravesada por el humor negro, el duelo, el ritual y el surrealismo, muestra cómo una muerte abre una grieta en una estructura social podrida.
Y luego está Dahomey, de Mati Diop, una obra fundamental para pensar el futuro africano desde la restitución. El documental sigue el regreso a Benín de 26 tesoros reales saqueados por Francia, pero Diop no filma los objetos como piezas muertas de museo. Les da voz, recuerdos, sombras y consciencia.
Por eso, el cine afrofuturista contemporáneo debe entenderse en un sentido amplio. No se trata solamente de ciencia ficción negra, sino de una constelación de películas que imaginan otros modos de tiempo. Black Panther se pregunta cómo sería África sin colonización. Neptune Frost se pregunta quién paga el costo material del futuro tecnológico; Milisuthando se pregunta cómo reconstruir una subjetividad después del apartheid; La noche de reyes se pregunta qué puede salvar la palabra cuando todo está perdido; On Becoming a Guinea Fowl se pregunta qué futuro puede nacer si una comunidad se atreve a escuchar a sus víctimas; y Dahomey se pregunta qué ocurre cuando la memoria saqueada vuelve a casa. Ese es el verdadero corazón del cine afrofuturista: no predecir el mañana, sino disputar quién tiene derecho a imaginarlo.
La música afrofuturista
El gran arquitecto de esta revolución fue Sun Ra. Pianista de jazz, poeta y filósofo, afirmaba provenir del planeta Saturno y convertía cada concierto en una ceremonia cósmica. Sus discos mezclaban free jazz, electrónica primitiva, mitología egipcia y especulación espacial. Para muchos, Sun Ra comprendió que la ciencia ficción podía ser una forma de resistencia política.
Durante los años setenta, Parliament-Funkadelic llevó estas ideas al funk. Bajo el liderazgo de George Clinton, sus presentaciones incluían naves espaciales gigantes, personajes intergalácticos y complejos relatos de ciencia ficción.
Más adelante, aparecieron artistas que incorporaron la electrónica, el hip hop y el R&B para ampliar el lenguaje afrofuturista. Janelle Monáe convirtió al androide Cindi Mayweather en protagonista de una extensa narrativa musical sobre libertad, discriminación e identidad.
Flying Lotus exploró la inteligencia artificial, la espiritualidad y el jazz desde la electrónica experimental, mientras Moor Mother fusionó ruidos, palabra hablada y memoria histórica para denunciar las violencias del pasado.
Incluso artistas del mainstream como Beyoncé incorporaron elementos afrofuturistas en proyectos audiovisuales como el álbum visual Black Is King, donde la tradición africana, el futurismo y el orgullo identitario dialogan constantemente.
Pero el afrofuturismo musical del siglo XXI ya no se expresa únicamente mediante referencias explícitas a la ciencia ficción. Hoy se manifiesta en la conquista del espacio cultural global. Si durante décadas Occidente imaginó el futuro desde Nueva York, Londres o Tokio, una nueva generación de artistas africanos ha desplazado ese centro creativo hacia Lagos, Johannesburgo o Accra.
En ese cambio de paradigma, Wizkid ocupa un lugar fundamental. Con Made in Lagos y, especialmente, con el tema Essence junto a Tems, el afrobeats dejó de ser un fenómeno regional para convertirse en uno de los sonidos más influyentes del pop mundial. La canción no solo abrió definitivamente el mercado estadounidense para la música africana, sino que demostró que el futuro del pop podía cantarse en inglés, yoruba o pidgin sin renunciar a su identidad.
Tems representa quizá una de las evoluciones más interesantes del afrofuturismo contemporáneo. Su música es minimalista, introspectiva y casi espectral. En lugar de construir personajes cósmicos como Sun Ra o Janelle Monáe, crea paisajes sonoros donde la vulnerabilidad, la espiritualidad y la experimentación electrónica producen una sensación de tiempo suspendido. Su colaboración en Black Panther: Wakanda Forever reforzó además ese vínculo entre el imaginario afrofuturista y la nueva música africana.
Algo similar ocurre con Burna Boy. Él prefiere definir su propuesta como “afrofusion”, una mezcla de afrobeats, reggae, dancehall, hip hop y highlife. En discos como Love Damini, I Told Them… o Twice As Tall, Burna Boy convierte la historia, la política y la identidad africanas en el centro de un lenguaje musical pensado para estadios de todo el mundo.
La revolución también llegó desde Sudáfrica con Tyla. Su fusión entre amapiano, pop y R&B representa una nueva etapa del afrofuturismo: una generación que ya no necesita explicar África, sino que simplemente la convierte en tendencia mundial. Water transformó un ritmo nacido en los barrios de Pretoria y Johannesburgo en un fenómeno planetario. Dentro de esa misma expansión global aparecen las figuras del rapero Drake y el DJ alemán Adam Port. Sus trabajos con artistas africanos y la incorporación del afro house y el amapiano a su repertorio musical ilustran cómo las estéticas sonoras nacidas en África han comenzado a reorganizar la música de baile mundial.
En realidad, el gran logro del afrofuturismo musical contemporáneo no consiste únicamente en producir nuevas sonoridades, sino en desplazar el eje de la innovación. Hoy, el afrobeats, el amapiano, el alté y el afro house se han convertido en laboratorios desde los cuales el pop internacional se reinventa.
El afrofuturismo desafía la hegemonía colonial y el racismo sistémico, empleando elementos de la ciencia ficción para construir futuros de liberación y autodeterminación.
La moda afrofuturista
Si el cine dio imágenes al afrofuturismo y la música le dio un ritmo, la moda terminó por convertirlo en un lenguaje cotidiano. Durante décadas, la industria de la moda occidental utilizó motivos africanos como simples recursos exóticos, despojándolos de su contexto cultural e histórico. El afrofuturismo invierte esa lógica. Ya no toma elementos africanos para adaptarlos al gusto europeo, sino que convierte las estéticas del continente y de su diáspora en el punto de partida desde el cual imaginar el futuro.
No se trata de vestir “como África”, sino de preguntarse cómo vestiría una civilización africana que nunca hubiera sido colonizada, o cómo dialogarían las tradiciones textiles ancestrales con la inteligencia artificial, la impresión 3D, los nuevos materiales y el diseño digital.
Pocas personas han influido tanto en esta conversación como Ruth E. Carter. Su trabajo en Black Panther consistió en construir una identidad visual para Wakanda a partir de decenas de referencias culturales reales del continente. Carter investigó comunidades como los zulúes, los himba, los surma, los tuareg, los masái o los dogón para crear un vestuario que evitara los estereotipos y propusiera una visión compleja de África: diversa, sofisticada y profundamente contemporánea.
Entre los diseñadores que comenzaron a explorar con mayor libertad una estética afrofuturista, que ya existía, se destacan el camerunés Imane Ayissi, quien ha llevado tejidos tradicionales africanos a la alta costura parisina sin renunciar a su origen. También la diseñadora nigerianobritánica Mowalola Ogunlesi, cuya obra mezcla cuero, vinilos, colores intensos y una visión provocadora de la identidad negra contemporánea. En Sudáfrica, Laduma Ngxokolo ha reinterpretado los tejidos xhosa mediante procesos industriales que dialogan con el lujo internacional sin abandonar sus raíces culturales.
El fenómeno también ha encontrado un aliado inesperado en la tecnología. La inteligencia artificial, el diseño paramétrico, la fabricación digital y la moda virtual han permitido que numerosos creadores africanos experimenten con prendas que hace apenas unos años resultaban imposibles de producir. Las grandes pasarelas ya miran hacia Lagos Fashion Week, Dakar Fashion Week o South African Fashion Week, pues se han convertido en laboratorios donde el futuro de la moda dialoga con la artesanía, la sostenibilidad y las cosmologías africanas.
Latinoamérica y África, un nuevo futuro
Si el afrofuturismo nació como respuesta a la historia de la diáspora africana, América Latina representa hoy uno de sus territorios más fértiles. La región alberga una de las mayores poblaciones afrodescendientes del planeta. Países como Brasil, Colombia, Cuba, República Dominicana, Panamá o Venezuela conservan tradiciones africanas que sobrevivieron a pesar de siglos de violencia colonial.
Sin embargo, estas comunidades también fueron marginadas de los grandes relatos nacionales. Por eso, comienza a hablarse cada vez con mayor frecuencia de un afrofuturismo latinoamericano. En la televisión colombiana, apareció el Chocó futurista del Profesor Super O mientras que en el cine surgen cineastas como Óscar Ruíz Navia (El vuelco del cangrejo), Jhonny Hendrix Hinestroza (Chocó), Juan Andrés Arango (La playa D.C.) o Ángela Carabalí (Soñé su nombre) que exploran nuevas formas de representar la identidad afrodescendiente sin reducirla al trauma histórico.
En la música, ritmos como el currulao, el bullerengue, la champeta, el maracatú, el reguetón o los sonidos afrocubanos dialogan con la electrónica, el hip hop y las producciones digitales. Artistas como Luedji Luna, Xênia França o Systema Solar muestran que la tradición puede proyectarse hacia el porvenir sin perder su raíz.
En la moda, ocurre algo similar. Diseñadores afrocolombianos y afrobrasileños reinterpretan tejidos, turbantes, fibras naturales y símbolos ancestrales para construir una estética contemporánea que ya no necesita validarse desde Europa.
Quizá el mayor aporte del afrofuturismo latinoamericano sea comprender que el futuro no pertenece exclusivamente a Silicon Valley ni a las grandes potencias tecnológicas. También puede nacer en el Pacífico colombiano, en Salvador de Bahía, en Cartagena o en La Habana. Porque el afrofuturismo nunca ha sido simplemente una estética de luces de neón o ciudades futuristas.
En un mundo donde la inteligencia artificial, la biotecnología y la exploración espacial vuelven a definir el destino de la humanidad, el afrofuturismo recuerda que ninguna innovación será verdaderamente revolucionaria si no incorpora todas las voces y todas las formas posibles de imaginar el mañana.
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La muerte de un colombiano de 26 años durante un operativo del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE) en Biddeford, Maine, vuelve a poner bajo escrutinio las tácticas de la política migratoria estadounidense. Lo que comenzó como una operación de vigilancia terminó con un joven abatido a tiros frente a su esposa y su hija de tres años y una nueva ola de cuestionamientos sobre el uso de la fuerza por parte de las autoridades federales.
El caso ha causado especial indignación porque, según organizaciones defensoras de migrantes y varios legisladores, el colombiano contaba con permiso de trabajo y número de Seguro Social vigente. Además, el senador independiente Angus King aseguró que el fallecido ni siquiera era el objetivo principal del operativo, una afirmación que cambia por completo la narrativa inicial presentada por las autoridades.
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La versión oficial del Departamento de Seguridad Nacional (DHS) sostiene que el agente abrió fuego después de que el conductor intentara utilizar su vehículo como arma para escapar. Sin embargo, testigos, organizaciones civiles y congresistas han pedido cautela ante esa explicación, recordando que aún no existen grabaciones corporales del incidente y que la investigación apenas comienza. El FBI y la Oficina del Inspector General del DHS ya asumieron el caso.
Más allá de lo que determine la investigación, el episodio vuelve a exponer una realidad incómoda: para miles de migrantes, tener documentos parciales o autorización para trabajar ya no garantiza seguridad frente a operativos migratorios cada vez más agresivos. En los últimos meses, distintas actuaciones del ICE han generado protestas y fuertes críticas por el aumento de incidentes con desenlaces fatales, alimentando el debate sobre los límites del poder de las agencias federales en materia de inmigración.
La muerte del colombiano también tiene un peso simbólico para América Latina. Durante décadas, Estados Unidos promovió la idea de que regularizar el estatus migratorio era el camino hacia una vida más estable. Hoy, este caso parece demostrar que esa promesa resulta insuficiente cuando las operaciones de control terminan resolviéndose con disparos antes que con procedimientos transparentes.
Mientras la investigación avanza, la principal pregunta sigue sin respuesta: ¿por qué un operativo que aparentemente buscaba detener a otra persona terminó con un colombiano muerto? Hasta que exista una reconstrucción independiente de los hechos, el caso permanecerá como un nuevo capítulo en la creciente controversia alrededor del ICE y de una política migratoria que, para muchos críticos, ha convertido la aplicación de la ley en un escenario de confrontación permanente.
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Quilmes Rock 2027 ya está en marcha. Luego de una edición histórica en 2025, el festival confirmó su regreso con tres jornadas previstas para abril de 2027 y una invitación que marca un nuevo capítulo en su historia: por primera vez, el público podrá participar activamente en la construcción de la grilla de artistas.
Bajo el lema “Esta vez, lo armamos entre todos”, nace Prode Rock, una experiencia digital inspirada en la lógica de los pronósticos deportivos que traslada el juego al universo de la música.
Ingresando a Quilmesrock.com.ar, los fanáticos podrán registrarse y armar su festival ideal, eligiendo qué artistas quieren ver en cada jornada. Cada participación suma puntos, con una mecánica que premia a quienes hagan sus predicciones antes de que comiencen a conocerse los nombres oficiales.
El premio mayor es el “Quilmes Rock a tu casa”. Un único ganador obtendrá la oportunidad de realizar un evento privado en su propio hogar, donde una de las bandas del festival tocará un show en vivo para el ganador y hasta 10 amigos invitados. Adicionalmente, el premio incluye 2 entradas de categoría All Access para asistir al festival.
Desde su nacimiento en 2003, Quilmes Rock construyó algunos de los momentos más memorables de la música argentina: Gustavo Cerati, Pappo, Luis Alberto Spinetta junto a Divididos, Charly García cantando “Seminare” bajo la lluvia, la reunión de Sumo, Gorillaz junto a Trueno y tantos otros encuentros que quedaron grabados en la memoria colectiva.
La edición 2025 volvió a demostrar la vigencia del festival con hitos como el regreso de Los Piojos después de 15 años, la vuelta de Andrés Calamaro a los festivales, el reencuentro de Joaquín Levinton con el protagonista del histórico videoclip de “Yo no me quiero casar, ¿y usted?” y la emoción de volver a escuchar canciones de Serú Girán interpretadas por David Lebón y Pedro Aznar.
Con una trayectoria que lo convirtió en un clásico de la cultura argentina, Quilmes Rock vuelve a reinventarse apostando a una experiencia más participativa, donde la conversación con su comunidad comienza mucho antes de que se enciendan los escenarios.
Las entradas, en Enigma Tickets, ya están en venta en la Fase 1: Zorzal Madrugador, porque, según consignan, “al que madruga, el rock lo ayuda”.
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Swedish Entertainment Company Pophouse Entertainment said on Tuesday (July 14) it acquired 50% stake in British heavy metal icons Iron Maiden‘s publishing and master music rights, and a stake in their name, image, and likeness (NIL) rights
Formed 1975 by founder and bassist Steve Harris in London, Iron Maiden remains one of the most enduring and influential bands in music history with 100 million records sold, 17 studio albums, major honors including Grammy, Brit and Ivor Novello awards. Terms of the deal, which Pophouse says was structured and developed over the last year with the band’s co-manager Andy Taylor, were not disclosed. BMG retains its relation with the band as their publisher.
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“We are 50-50 partners with the band, and the plan is that we’re going to work together turbo charging Maiden’s plans for the future,” Jessica Koravos, CEO of Pophouse, which owns music rights of KISS, Cyndi Lauper and Tina Turner, tells Billboard. “With Pophouse, we’re always thinking around the visual identity and … there’s lots of world building that’s possible both in [Maiden’s] artwork, but also in the storytelling within the songs. The heavy metal genre, especially with the addition of Eddie, lends itself to a treatment potentially in the world of horror.”
Established by ABBA member Björn Ulvaeus and Conni Jonsson, founder of global private equity behemoth EQT AB, Pophouse is best known for its affiliation with ABBA Voyage, the London show where avatars of the ABBA members in their prime perform the band’s greatest hits. Koravos said Pophouse is collaborating with Iron Maiden on a film of its Run For Your Lives World Tour and other plans around interactive fan experiences and a digital universe centered around Eddie, Maiden’s longtime ghoulish mascot and a central part of the band’s imagery. The acquisition includes a stake in the rights relating to Eddie, alongside trademarks, personas and other associated IP covered by the NIL rights.
“I am very excited about our relationship with Pophouse and the ability we now have to pursue, facilitate, and finance our many plans and dreams quicker than we ever hoped,” Iron Maiden’s manager, Rod Smallwood, said in a statement. “The interest in the band has never been bigger and [with] this strategic partnership … the fans can be assured there is a great deal more to come for Maiden, and Eddie will rule, OK!!”
A mainstay heavy metal act for more than 50 years, Maiden has had four albums reach the top 10 of the Billboard 200 chart: Senjutsu, which in 2021 became Maiden’s highest-charting album debuting at No. 3, The Book of Souls in 2015, The Final Frontier in 2010, and A Matter of Life And Death in 2006. Maiden’s 1986 album Somewhere In Time notched the No. 11 spot on the Billboard 200.
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From Madonna to the Rolling Stones, the catalogs of legacy acts typically generate less revenue from streaming and more from physical sales, airplay spins, concerts, merchandise sales and licensing their music for other media, like concert films, video games and comic books, all of which Maiden has done. It’s latest film, the documentary Iron Maiden: Burning Ambition, came out earlier this year alongside news that the group will be inducted into the Rock & Roll Hall of Fame in November.
According to Luminate, the Iron Maiden catalog averaged about 191,000 album equivalent units over the past four years in the United States, of which album sales totaled about 136,000 units while streaming averaged almost 172 million on-demand streams annually. However, outside the U.S. where Iron Maiden has a large and growing audience, the group averaged 1.055 billion on-demand streams annually.
The band’s live presence is legendary, and Koravos says they have no intention of cribbing the band’s ability to tour.
“One of the attractions of this catalog is the incredible fandom that surrounds them, and they’ve done the most incredible job over the years of giving those fans amazing shows every single time,” said Koravos, whose husband, Stuart Galbraith, CEO of KMJ Entertainment Group, was the promoter of Maiden’s recent Eddfest shows in Knebworth, United Kingdom. “I have a deep understanding of the Maiden fan, and I think the band would say they’ve brought us on board to turbo charge them, [not] to help them hang up their boots.”
Iron Maiden has played more than 2,500 shows in 64 countries worldwide, according to Pophouse, touring the world in a personalized Boeing 747 piloted by frontman Bruce Dickinson. (Dickinson is a licensed commercial airline pilot who used to fly with the British charter line Astraeus and once flew a group of Royal Air Force pilots home from Afghanistan in a flight chartered by the British Ministry of Defence.)
Touring that much is lucrative. For the 745 shows for which industry sources reported figures to Billboard Boxscore charts, the band has sold 10.5 million tickets and grossed $681.1 million since 1984. Those numbers are incomplete, as boxscore data is subject to data submitted by official industry sources, and it does not include merchandise sales.
The group draws massive audiences in Latin America, particularly in Brazil where Maiden played their first Rock in Rio festival in 1985. In late November, 2024, Maiden sold 119,000 tickets to their double-header at Santiago, Chile’s Estadio Nacional, making that stop the group’s best-selling concert stop, according to Billboard Boxscore.
The group also draws large crowds across Europe, particularly in their hometown of London where they played their highest-grossing show on June 28, 2025, at London Stadium grossed $8.9 million from 75,000 tickets. That show, part of the group’s 50th-anniversary Run For Your Lives World Tour, helped make Iron Maiden the 14th highest-grossing touring act in 2025, with 59 shows and more than 1.5 million tickets sold grossing nearly $151 million, according to Boxscore.
Catalog investors consider acts that are currently touring more appealing than artists who aren’t because those live shows activate the band’s fanbase, with ticket and merch sales providing current data to measure consumer demand and drive new fans to stream their music.
If you dream big enough, sometimes those dreams come true. Just ask Noah Kahan, who seems to be on an insanely hot streak this week. The New England native “Stick Season” singer-songwriter has a lot to celebrate after becoming the first-ever performer to sell out four nights at Fenway Park in Boston.
Not only did Watertown, Vt.-bred Kahan play for 150,000-plus fans during his run, but Massachusetts Gov. Maura Healey helped put the icing on the gravy by declaring Saturday (July 11) Noah Kahan Day in Massachusetts, with a proclamation that read: “Whereas, Noah Kahan has emerged as one of New England’s defining artists, writing songs that capture the people, places, and experiences that shape life across the region; and Whereas, As a former resident of Watertown, he has maintained a deep connection to Massachusetts and the communities that have influenced his music.”
Kahan, 29, played Fenway on July 7, 8, 10 and 11 and perhaps the highest of highs for a New Englander, Patriots quarterback Drake Maye dropped by Tuesday’s opening night with a video message for fans. “Hello? Drake? I thought you got canceled or Kendrick beat you or something, right? Why are you calling me? Well, I appreciate you coming to the show, I guess,” Kahan said before picking up a ringing pay phone receiver on stage during his nightly phone call segment.
“Wrong Drake, brother,” Maye assured him in his pop-in message. “I just wanted to welcome you to Boston, say what’s up. I know Fenway is rocking right now. I’m here in the crowd. You’re the man. Go Pats.” He also got a call from Boston Red Sox legend David “Big Papi” Ortiz on the second night and former Patriots tight end Rob Gronkowski on night three.
Then, on Saturday, it was his mom, Lauri Berkenkamp, who got on the phone to announce that her son had been inducted into the Fenway Music Hall of Fame. “I can’t believe you’re the only artist to ever sell out four consecutive nights at Fenway Park, but I’m not surprised. I knew you could do it, I’ve known all along,” Berkenkamp said in the prerecorded message to the singer, according to People. “I also have some news to share. On behalf of Fenway Park and the Boston Red Sox, you are officially being inducted into the Fenway Music Hall of Fame!”
Kahan joins Billy Joel, Paul McCartney and the Zac Brown Band in the Fenway Music Hall of Fame.
As if things couldn’t get better, Kahan posted a video on Monday in which he said he got a hole-in-one playing golf at the Boston Golf Club. “This is the best day of my life,” Kahan wrote in the caption to the video in which he’s seen retrieving his ball on the 11th hole while holding a beer. “I can’t believe that just happened!” he says.
But wait, there’s more. He followed up with one more note summing up his epic week. “Sold out 4 fenways made a hole in one then stole 5k off the dealer at encore [casino]. What a week! Love you Boston,” he wrote.
Kahan released his fourth studio album, The Great Divide, in April, with the LP debuting at No. 1 on the Billboard 200 chart with 389,000 equivalent album units, according to Luminate. It was Kahan’s first chart-topping album, as well as the largest first-week performance for any rock album since Billboard started tracking units in 2014.
The singer’s epic summer will roll on tonight (July 14) with the first of two shows at Wrigley Field in Chicago.
The Kelly Clarkson Show and The View were both nominated in both daytime talk categories — best daytime talk series and best daytime talk series host — for the 2026 Daytime Emmy Awards. Winners will be announced on Oct. 30.
Kelly Clarkson has been a double nominee in these categories for all seven seasons of her talk show, which is concluding this season. She has won four times in each category.
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Joy Behar, Whoopi Goldberg, Alyssa Farah Griffin, Sara Haines, Sunny Hostin and Ana Navarro are the nominated hosts of The View. Behar and Goldberg were among the hosts of the long-running program when the show’s hosts won in 2009. The View won best daytime talk series in 2003 and best talk show — informative in 2020.
The other nominees for best daytime talk series are Live With Kelly and Mark, hosted by Mark Consuelos and Kelly Ripa, which won last year; The Drew Barrymore Show, which has yet to win in the category; and two offshoots of The Today Show: 3rd Hour of Today, hosted by Craig Melvin, Al Roker and Dylan Dreyer, and Today With Jenna & Friends, the fourth hour of the venerable show, which was hosted this season by Jenna Bush Hager and a rotating series of guest co-hosts.
The other nominees for best daytime talk series host are Tamron Hall for Tamron Hall; Jennifer Hudson for The Jennifer Hudson Show; and Sherri Shepherd for Sherri. Shepherd won in the category in 2009 when she was one of the hosts of The View.
The last two winners of best daytime talk series host, Drew Barrymore (2025) and Kelly Ripa and Mark Consuelos (2024), weren’t nominated in that category this year.
Here are the nominees in the two talk show categories in list form:
Best Daytime Talk Series
3rd Hour of Today
The Drew Barrymore Show
The Kelly Clarkson Show
Live With Kelly and Mark
Today With Jenna & Friends
The View
Best Daytime Talk Series Host
Joy Behar, Whoopi Goldberg, Alyssa Farah Griffin, Sara Haines, Sunny Hostin, and Ana Navarro — The View
Kelly Clarkson — The Kelly Clarkson Show
Tamron Hall — Tamron Hall
Jennifer Hudson — The Jennifer Hudson Show
Sherri Shepherd — Sherri
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La exnovia de Bad Bunny podría continuar con la demanda que interpuso contra el cantante de reguetón por usar una grabación de su voz diciendo “Bad Bunny baby” en su canción ‘Dos Mil 16’ de 2022 sin su permiso.
En un fallo de 80 páginas obtenido por Rolling Stone, la Corte Suprema de Puerto Rico dictaminó que Carliz De La Cruz Hernández puede seguir adelante con su demanda, alegando que el uso de la grabación violó su derecho a proteger su identidad de la explotación comercial. Bad Bunny, cuyo nombre real es Benito Martínez Ocasio, ha estado luchando contra la demanda desde que fue presentada en 2023.
En su declaración, De La Cruz Hernández afirma que comenzó una relación con Bad Bunny en 2011 y grabó la frase a petición de él en 2015. La pareja se separó, se reconcilió en 2017 y volvió a romper, aunque continuaron comunicándose intermitentemente hasta 2019, según afirma.
Según De La Cruz Hernández, ella nunca autorizó el uso de la grabación en ‘Pa Ti’, lanzada en 2015, ni en ‘Dos Mil 16’, tema del exitoso álbum Un Verano Sin Ti. Alega que Bad Bunny y su compañía, Rimas Entertainment, utilizaron su nota de voz en plataformas de streaming, redes sociales, televisión, radio y campañas promocionales, convirtiéndola en un gancho publicitario que avivó el interés en la intermitente relación de la pareja e impulsó las ventas. Afirma que los demandados se lucraron injustamente con su voz sin compensarla, y la Corte Suprema determinó que presentó pruebas suficientes para respaldar su alegación de un uso comercial plausible.
Si bien De La Cruz Hernández puede seguir adelante con su demanda relacionada con ‘Dos Mil 16’, el tribunal determinó que esperó demasiado tiempo para reclamar daños y perjuicios por ‘Pa Ti’. El plazo de prescripción para la canción anterior había expirado, dictaminó el tribunal.
En su dictamen, la mayoría también revocó la desestimación previa de la demanda por derechos de autor de De La Cruz Hernández. Determinó que ella tenía derecho a continuar con sus alegaciones de que la grabación de su interpretación vocal personal e inconfundible podría estar protegida por derechos de autor.
Los intentos de contactar a los abogados de ambas partes el viernes no tuvieron éxito de inmediato. Un juez disidente afirmó que habría desestimado ambas demandas, al considerar que ninguna estaba fundamentada legalmente.
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