Por mandato presidencial, Brasil busca ponerle un tatequieto al lucrativo negocio de los conciertos al regular las condiciones en las que se llevarán a cabo estos eventos masivos. Luiz Inácio Lula da Silva, presidente de Brasil, emitió dos nuevos decretos que rápidamente se hicieron virales por el nombre con el que han sido popularmente conocidos: la Ley Taylor Swift.
Te puede interesar:
Estas normativas establecen que los eventos con un aforo superior a 100 espectadores deberán ofrecer agua potable de forma gratuita y obligatoria. Además, deberán garantizar que los asistentes puedan ingresar con sus propios recipientes para consumirla.
Otra de las prácticas que busca combatir Lula da Silva con estas regulaciones es la creciente reventa de boletos, un fenómeno que ha cobrado fuerza alrededor del mundo. La nueva legislación enfrenta directamente esta problemática y exige mayor transparencia en las tarifas de los eventos masivos, además de prohibir los cobros adicionales por la transferencia oficial de boletos.
En la normativa, el presidente señaló que la reventa digital consiste en acaparar entradas en cuestión de segundos para después ofrecerlas a precios mucho más elevados. Por ello, la nueva medida también refuerza las garantías para que las personas que tienen derecho a boletos con descuento puedan acceder efectivamente a ellos.
“La cultura es un derecho de todos. Quienes apoyan a sus artistas favoritos —y se esfuerzan por asistir a conciertos y espectáculos— merecen ser tratados con dignidad. Lo que hemos hecho hoy es un ejercicio de democracia”, declaró Lula da Silva.
Estas normativas —y el nombre con el que se les conoce— surgen casi tres años después de la muerte de Ana Clara Benevides Machado, una joven de 23 años y fan de Taylor Swift que falleció durante el concierto de la cantante en Brasil, en medio de una ola de calor extremo que marcó uno de los episodios más trágicos del Eras Tour.
Durante el anuncio de las nuevas legislaciones, Lula da Silva estuvo acompañado por fanáticos de grandes artistas internacionales, entre ellos Taylor Swift, BTS, BLACKPINK, Ariana Grande, Lady Gaga, Harry Styles, Justin Bieber, Katy Perry y Olivia Rodrigo. La presencia de estos seguidores evidenció el respaldo de distintos fandoms a las medidas impulsadas por el mandatario.
“La cultura es un derecho de todos. Y quienes aman la música, el arte y a sus artistas favoritos merecen respeto. Ayer firmé dos decretos para garantizar más derechos a quienes asisten a conciertos y espectáculos. Vamos a combatir a los ‘revendedores digitales’ y a garantizar un mayor acceso a las entradas con descuento. También reforzamos la oferta gratuita de agua potable en grandes eventos y el derecho a ingresar con tu propia botella en eventos abiertos. Más acceso, más respeto y más democracia para quienes viven la cultura”, compartió el presidente en redes sociales.
Um grande prazer receber representantes de fandoms de todo o Brasil para este dia especial. Juntos, vamos combater o cambismo digital e dar mais segurança e oportunidades para quem quer se divertir e ver seu artista preferido
@ricardostuckert pic.twitter.com/BT28qavviK
— Lula (@LulaOficial) August 31, 2026
The post ¿De qué trata la ‘Ley Taylor Swift’? appeared first on Rolling Stone en Español.
Omakase es, sin duda, uno de los lanzamientos del año. Destacado por ROLLING STONE en Español como uno de los mejores proyectos hispanos de la primera mitad de 2026, Álvaro Díaz sorprendió con un álbum disruptivo y lleno de matices en el que se tomó la libertad de hacer lo que le diera la gana. El público respondió de gran manera. Ahora, la tarea del puertorriqueño era llevar esa experiencia a los escenarios y vivir junto a sus fans no solo este último disco, sino también celebrar toda su trayectoria, lo que, al menos en Bogotá, logró con creces en su primera fecha del Omakase Tour.
Según comentan algunos asistentes, las afueras del Movistar Arena de la capital colombiana comenzaron a recibir a los primeros fans de Álvaro desde antes de que el sol se asomara por el cielo de la ciudad. Con el pasar de las horas, a esas primeras personas en llegar se unieron muchas más, algunas dejando de lado sus trabajos y estudios para acudir a la cita con el cantante.
Camisetas, pañoletas y carteles referentes a todos los proyectos del puertoriqueño enriquecieron un panorama en el que miles de personas, desde colegiales y universitarios hasta padres acompañando a sus hijos, desbordaron las filas de entrada al venue. Las expectativas estaban por las nubes y la impaciencia por entrar crecía con cada minuto. La espera terminó a las 6 de la tarde, cuando las puertas se abrieron y los asistentes pudieron dirigirse a sus ubicaciones para esperar el comienzo de la presentación.
Te puede interesar:
Aproximadamente a las 8:30 de la noche, con el Movistar Arena casi lleno, el show comenzó con la presentación de la telonera: Melodie. La puertorriqueña, quien ha venido construyendo una propuesta que combina el pop alternativo con sonidos urbanos y una marcada estética visual, fue la encargada de preparar al público para la llegada de Alvarito. Durante cerca de 30 minutos, la artista y su banda ofrecieron un sólido performance que logró conectar rápidamente con los asistentes. El set cerró con una canción inédita, próxima a estrenarse, que terminó de despertar la atención de un público que la recibió con entusiasmo y quedó listo para el acto principal de la noche.
Alrededor de las 9:00 p. m., los asistentes comenzaron a gritar “Sí, chef” en repetidas ocasiones, anticipando la entrada de Álvaro, quien, al igual que en su último álbum, dio inicio al show con ‘SICHEF.’, llevando al público al éxtasis desde el primer minuto.
Del mismo modo que en Omakase, el espectáculo estuvo dividido en cuatro etapas separadas por videos protagonizados por un chef oriental que hablaba en japonés, con doblaje del propio Álvaro. En cada interludio —acompañado por un cambio de vestuario—, el cocinero explicaba la preparación de un plato: comenzaba con la selección de la materia prima, continuaba con el fuego y el sazonado y terminaba con el emplatado. Así, la cocina se convirtió en el hilo conductor de un espectáculo que, más que presentar las canciones del álbum, buscaba trasladar su concepto al escenario.
Aunque el concierto estuvo lleno de grandes momentos, con los que el público pasó de la euforia a la tristeza casi sin darse cuenta —como la aparición de Papi Sousa para cantar ‘1% Remix’ o la interpretación visceral de ‘NO PODEMOS SER AMIGOS.’—, hubo instantes que quedarán por siempre en la memoria de los fanáticos de Álvaro.
El primero de esos momentos llegó al principio del show, con un homenaje a Milkman, íntimo amigo y colaborador creativo de Álvaro Díaz, quien falleció en febrero de este año. Fue durante ‘PIENSO EN TI.’, una canción que nació a partir de una de las pistas del productor. Mientras la canción llegaba a su final, las imágenes de Milkman comenzaron a llenar la pantalla a espaldas de Álvaro. Por unos segundos, el tiempo pareció detenerse: el cantante contempló el rostro de su amigo, levantó su botella de aguardiente y le dedicó un trago. Un pequeño gesto para alguien cuya ausencia, aunque dolorosa, sigue encontrando una forma de permanecer sobre el escenario.
El segundo gran momento llegó a la mitad del show, cuando Álvaro invitó a una fanática al escenario y le entregó, por unos instantes, las riendas de la noche. Frente a ella se abrieron tres caminos posibles para continuar el concierto. El primero llevaba de regreso a los primeros días de su carrera, con la posibilidad de rescatar uno de los temas que alguna vez subió a SoundCloud o alguno de los clásicos de sus primeros álbumes. El segundo viajaba hasta Felicilandia. El tercero apuntaba hacia una canción que, por distintas razones, había quedado afuera.
La decisión, sin embargo, no fue completamente suya. Desde la tarima, la fanática buscó la respuesta entre los gritos del público, que terminó inclinando la balanza hacia Felicilandia. Entonces sonaron los primeros acordes de ‘Chinita linda’ y el Movistar Arena se transformó. Miles de voces acompañaron la canción entre gritos, saltos y lágrimas, como si por unos minutos Álvaro no hubiera escogido una canción de su pasado, sino abierto una puerta hacia un recuerdo que el público todavía llevaba consigo.
Si hasta ese momento el público estaba completamente emocionado, el segundo invitado de la noche hizo explotar el venue: Feid.
Algo parecía decirle al público que el paisa estaría allí. Poco a poco, los gritos comenzaron a crecer y su nombre empezó a apoderarse de la Arena, hasta que finalmente apareció sobre el escenario. Junto a Álvaro, interpretó ‘Llori Pari’, ‘GATITAS SANDUNGUERAS – VOL.1’ y ‘A mí también’, canciones que los asistentes cantaron de principio a fin con la misma emoción con la que habían recibido los primeros temas de la noche.
Para cerrar, no podía faltar el recordatorio de BABYXITA MOR, el EP colaborativo entre ambos artistas que llegará en octubre y que se ha convertido en uno de los proyectos conjuntos más esperados de los últimos años dentro de la escena urbana.
El show llegó a su fin con ‘INAROW62’, uno de los temas mejor recibidos de Omakase y de esas canciones que parecen perfectas para cerrar todo el viaje que representó la presentación. Tras toda la euforia del show, bajar las revoluciones con este tema romántico, acompañado por una instrumental acústica y drums profundos, hizo que el público pudiera despedirse de Álvaro desde un lugar mucho más íntimo. Después de saltar, gritar, llorar y recorrer junto a él distintas etapas de su carrera, el concierto terminó casi como comenzó: con la música tomando el control y dejando a miles de personas cantando juntas, pero esta vez con la calma de quien acaba de llegar al final de un largo viaje.
Al final, la sensación entre los asistentes era la de haber vivido algo más que un concierto. Álvaro Díaz consiguió convertir el universo de su más reciente LP en una experiencia que recorrió distintas etapas de su carrera y, al mismo tiempo, encontró espacio para crear nuevos recuerdos junto a quienes han seguido su música durante años.
La respuesta del público a lo largo de la noche dejó poco espacio para las dudas: entre canciones coreadas de principio a fin, invitados inesperados, lágrimas, saltos y una energía que se mantuvo hasta el último acorde, la mayoría salió del Movistar Arena con una sonrisa. Las expectativas eran altas desde antes de que se abrieran las puertas, pero Álvaro demostró que estaba a la altura del reto.
The post Omakase Tour: un viaje entre el romance, la nostalgia y la gastronomía japonesa appeared first on Rolling Stone en Español.
La Academia de Cine ya ha seleccionado sus películas favoritas para representar a España en los Óscar 2027. Miriam Garlo, ganadora del Goya a Mejor Actriz Revelación por su papel en Sorda, fue la encargada de anunciar las cintas que competirán por ser la elegida para representar al país en la categoría de Mejor Película Internacional en una de las premiaciones más importantes del séptimo arte.
La primera cinta preseleccionada fue La bola negra, de Los Javis, Javier Calvo y Javier Ambrossi. La producción se perfila como una de las grandes favoritas tanto del público como de los académicos y, además, figura entre las posibles candidatas en otras categorías, como Mejor Película, Mejor Película Internacional y Mejor Guion Original. La historia presenta un drama que explora la identidad, la búsqueda, el deseo, la memoria y la experiencia de ser homosexual en España a través de distintas generaciones, todo ello enmarcado en una historia de fantasía ambientada alrededor de la Guerra Civil. El filme encuentra su génesis e inspiración en la novela inacabada y homónima de Federico García Lorca, de la que el escritor granadino solo llegó a completar cuatro páginas antes de ser asesinado en 1936.
El siguiente largometraje seleccionado por la Academia es El ser querido, la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, protagonizada por Javier Bardem y Victoria Luengo. La producción llegó a los cines españoles la semana pasada y se adentra en la compleja relación entre Esteban y Emilia, un padre y una hija marcados por problemas sin resolver. La historia explora los resentimientos, las expectativas, la ausencia afectiva y las heridas familiares que han marcado su vínculo, todo a partir del deseo de Esteban de ayudar a su hija a impulsar su carrera como actriz.
Por último, está Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa. El largometraje es un drama familiar que gira en torno a Ainara, una joven de 17 años interpretada por Blanca Soroa. Brillante y con un futuro prometedor por delante, su familia espera que curse una carrera universitaria y construya una vida profesional convencional. Sin embargo, Ainara sorprende a todos cuando anuncia que quiere convertirse en monja de clausura, convencida de que siente una profunda vocación religiosa. La película fue reconocida con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y posteriormente obtuvo cinco premios Goya, incluido el de Mejor Película.
Uno de los grandes temas y cuestionamientos que surgieron en torno a la decisión de la Academia de Cine fue inevitable: ¿y Almodóvar? Sin embargo, el cineasta quedó fuera de la carrera en los prestigiosos galardones junto con su película Amarga Navidad.
La película que representará a España en la carrera por el premio a Mejor Película Internacional se dará a conocer el próximo 16 de septiembre. La 99.ª edición de los Premios Óscar se celebrará el 14 de marzo de 2027 en el Dolby Theatre de Los Ángeles.
The post La Academia de Cine ya escogió a las cintas preseleccionadas para los Óscar 2027 appeared first on Rolling Stone en Español.
Jason Isbell y otros músicos llevaron nuevamente a los tribunales el debate sobre el uso de inteligencia artificial en la industria musical. El cantante y compositor estadounidense presentó, junto a otros tres artistas, una demanda colectiva contra Suno, una plataforma de generación musical basada en IA, a la que acusan de utilizar sus identidades sin autorización para crear canciones que imitan sus estilos.
Te puede interesar:
La demanda fue presentada el lunes 31 de agosto ante un tribunal federal de Massachusetts y, a diferencia de otros procesos que actualmente enfrentan las compañías de inteligencia artificial en la industria musical, no se concentra exclusivamente en el uso de grabaciones, composiciones o letras protegidas por derechos de autor. En este caso, los músicos sostienen que Suno está explotando comercialmente elementos relacionados con su nombre, imagen, semejanza e identidad artística.
Además de Isbell, los demandantes son David Lowery, integrante de Cracker y Camper Van Beethoven; el músico de blues Guy Forsyth; y el saxofonista Eduardo Calle. De acuerdo con la demanda, Suno habría incorporado las características identificables de numerosos artistas a sus modelos de inteligencia artificial sin obtener su consentimiento, permitiendo posteriormente que los usuarios generen música que busca reproducir esas identidades.
Uno de los ejemplos incluidos en el documento involucra directamente a Isbell. Los músicos aseguran que, pese a que Suno afirma bloquear las instrucciones que contienen los nombres de artistas específicos, la plataforma puede responder a este tipo de solicitudes. Según la acción legal, al introducir el nombre de Isbell se obtuvo una canción titulada ‘Paper Bell’, descrita como una pieza de americana que imitaba características asociadas con su voz y su estilo country.
Los demandantes también señalan que el sistema habría sido capaz de producir resultados inspirados en otros artistas, entre ellos Carly Simon, Buddy Guy, Common y Chief Keef. Para los músicos, el problema no radica únicamente en que una inteligencia artificial pueda producir música parecida a determinado género, sino en que pueda utilizar la identidad reconocible de un intérprete como una herramienta comercial sin que este haya dado su autorización.
La diferencia es importante. Un artista puede haber cedido los derechos sobre determinadas grabaciones a una discográfica, pero eso no necesariamente significa que haya transferido el derecho a utilizar su propia identidad. Precisamente sobre ese punto se construye la demanda, que busca obtener una compensación económica y una orden judicial que impida a Suno continuar utilizando las semejanzas de los músicos de esta manera.
Suno, por su parte, rechazó las acusaciones y aseguró que considera que los reclamos carecen de fundamento. La compañía sostiene que su plataforma está diseñada para ayudar a los usuarios a crear música original y no para aprovecharse del nombre de ningún artista. También afirma que cuenta con medidas de protección, entre ellas el bloqueo de instrucciones que mencionen determinados artistas o canciones protegidas por derechos de autor.
El proceso abre así un nuevo frente en la disputa entre los músicos y las empresas de inteligencia artificial. Mientras buena parte de las demandas anteriores se ha concentrado en determinar si las compañías pueden utilizar material protegido por copyright para entrenar sus modelos, el caso de Isbell y los demás artistas plantea una pregunta distinta: ¿hasta dónde puede llegar una herramienta de IA al reproducir la identidad artística de una persona sin su consentimiento?
La respuesta podría tener consecuencias importantes para una industria en la que las herramientas capaces de generar canciones a partir de simples instrucciones son cada vez más accesibles. Por ahora, el caso Isbell v. Suno Inc. apenas comienza, pero suma una nueva dimensión al complejo debate sobre quién controla la voz, la imagen y el estilo de un artista en la era de la inteligencia artificial.
The post Músicos demandan a Suno por usar su identidad y estilo sin autorización appeared first on Rolling Stone en Español.
Low Clika llega a su primer álbum con una idea clara: no encasillarse. Después de conocerse en un reality y comenzar a trabajar como grupo, sus integrantes han pasado más de un año construyendo un proyecto que busca combinar el regional mexicano, la raíz desde la que parten, con otros sonidos y géneros que hacen parte de sus referencias.
El resultado es un álbum de 12 canciones en el que conviven el R&B, la cumbia, el trap, el reguetón y diferentes vertientes del regional mexicano. Más que seguir una fórmula, Low Clika quiso utilizar el proceso para descubrir qué podía sonar propio. Para hacerlo, trabajaron junto a productores como Wiker All Side, Julia Lewis, Tuncourt y Ribs, entre otros.
“Empezamos justo recién salimos del reality donde nos conocimos y empezamos a trabajar poco a poco en el álbum, en encontrar un sonido para Low Clika”, cuentan. Para ellos, trabajar desde el comienzo con productores de distintos perfiles fue también una manera de crecer como artistas y entender mejor qué querían hacer.
El trabajo en estudio tuvo una dinámica poco convencional. En lugar de llegar con todas las canciones terminadas, el grupo construyó buena parte del material durante un camp de composición y producción en el que varias ideas avanzaban al mismo tiempo. Mientras algunos integrantes componían, otros trabajaban en beats y otros grababan instrumentación.
“Realmente teníamos como que varios booths de trabajo. Estábamos de una estación a la otra y luego a la otra. Todos estábamos chambeando cosas diferentes, pero de las mismas rolas que se estaban haciendo ahí mismo”, explican.
El proceso se convirtió, de alguna manera, en una pequeña fábrica creativa. Una canción podía comenzar con un beat, pasar a la composición, regresar a la producción y terminar tomando forma con la grabación de los instrumentos. Al final de cada semana, el grupo se reunía para escuchar lo que había surgido.
La experiencia también les permitió descubrir que el detalle puede cambiar por completo la intención de una canción. Uno de sus integrantes, por ejemplo, habla de lo que aprendió trabajando el bajo quinto: un mismo adorno puede interpretarse de distintas maneras y producir sensaciones completamente diferentes.
“Importa mucho un adorno que hagas de una manera. Puedes hacer el mismo adorno de otra manera y te da completamente otra intención, y la gente sí lo percibe a la hora de que queda la canción”, explican.
Esa búsqueda también atraviesa las temáticas del álbum. Aunque las 12 canciones son diferentes entre sí, la intención era que todas conservaran una misma esencia. Antes de decidir el concepto definitivo, incluso contemplaron llamar al proyecto Disociado y Agüitado, una idea que resumía la convivencia entre dos estados y dos universos sonoros: una parte más ligada al beat y otra al regional mexicano y a la emoción.
Uno de los momentos más especiales del proceso fue ‘Julieta’. La canción nació en Guadalajara, fuera del camp de composición, durante una sesión mucho más espontánea con el equipo de Golden Ink. El grupo terminó reunido en una terraza, guitarreando y aportando ideas hasta que apareció la historia de ‘Julieta’ y ‘Romeo’.
“No pensamos cómo iba a acabar”, recuerdan. “Cada quien empezó a aportar y ahí fue saliendo la rolita”.
La canción terminó convirtiéndose en una pieza especialmente significativa para el grupo. No solo alcanzó el número 25 en Billboard, sino que tiene la particularidad de haber sido escrita por todos los integrantes de Low Clika, algo que no ocurre con el resto del álbum.
La distribución de tareas dentro del grupo también responde a esa búsqueda de identidad. Low Clika funciona como un equipo en el que cada integrante tiene diferentes responsabilidades: composición, producción, arreglos, ingeniería, contenido y el trabajo relacionado con los shows en vivo. Esa división les ha permitido ser cada vez más autosuficientes.
“Cada quien tiene como que sus roles internos”, explican. “Hay muchos expertos en producción, otros son más buenos en composición, otros son más buenos editando videos y así. Creo que es un equipo completo”.
La misma lógica se traslada a los escenarios. Uno de los integrantes se encarga principalmente de los shows en vivo y de elementos como las secuencias, mientras otros trabajan en la ingeniería y los arreglos. La idea es que las habilidades individuales terminen fortaleciendo el proyecto colectivo.
Para su primer álbum, además, quisieron mantener las colaboraciones en un mínimo. El disco cuenta con una sola invitada: Nani, una amiga del grupo de Monterrey. Su participación surgió casi de manera accidental. La canción había sido pensada inicialmente para Low Clika, pero sentían que algo faltaba.
Después de considerar diferentes voces femeninas, llegaron a Nani. Su participación terminó transformando la canción: incorporó diferentes voces de fondo y le dio una nueva dimensión al tema.
“Le dio una vibra totalmente diferente. Metió muchas voces de fondos; con su voz llenó la rola de una manera que no esperábamos”, dicen.
Aunque el álbum apenas está por salir, Low Clika ya piensa en lo que viene después. Entre los artistas con los que les gustaría colaborar mencionan a Fuerza Regida y a George de Street Mob, mientras que también cuentan que están cerca de cerrar una colaboración con Frontera.
El siguiente paso será llevar el material a los escenarios. El grupo tiene varios shows programados, entre ellos una presentación en el Flow Fest de Ciudad de México. Allí planean combinar canciones del álbum con algunos covers reinterpretados desde su propio estilo y, posiblemente, presentar canciones que todavía no hayan sido lanzadas.
“Para esa fecha tal vez todavía no están fuera, pero va a ser un poco de lo que se viene después del disco, de nuestro concepto, nuestro sonido y todo eso”, adelantan.
Más allá de las canciones, el último año también ha servido para que Low Clika entienda mejor qué significa funcionar como grupo. La experiencia del estudio se ha complementado con actuaciones, grabación de contenido y diferentes experimentos audiovisuales. Incluso han salido a las calles a promocionar sus canciones y han aprendido a enfrentarse a una cámara desde un lugar distinto al que conocían por el reality.
“Actuar o estar en un set con tanta gente viéndote y todos en silencio es diferente”, cuentan. Esa experiencia, dicen, les ha ayudado a perder la vergüenza y ganar herramientas que ahora pueden trasladar a distintas áreas de su trabajo.
El aprendizaje, sin embargo, no ha venido únicamente de los aciertos. Para ellos, reconocer los errores ha sido igual de importante para entender hacia dónde quieren ir.
“Hay deficiencias y cosas malas que justamente se tienen que tener. Esa conciencia de lo que estás haciendo mal para en un futuro corregirlo. Ya eres mejor y dices: ya no soy la misma persona que antes, ya tengo un poco más de experiencia”.
Esa evolución es, quizá, una de las claves para entender el momento actual de Low Clika. El grupo todavía está construyendo su identidad, pero lo hace desde una dinámica colectiva en la que cada integrante aporta desde un lugar distinto. Después de más de un año de trabajo, el primer álbum representa tanto un punto de llegada como el comienzo de una etapa nueva.
Y mientras esperan que el disco finalmente vea la luz, también miran hacia los escenarios, las próximas colaboraciones y las canciones que ya están preparando. El objetivo parece ser el mismo que tenían cuando entraron por primera vez al estudio: seguir descubriendo qué puede ser Low Clika.
The post Low Clika: “Este álbum nos ayudó a encontrar nuestro sonido” appeared first on Rolling Stone en Español.
Juanes volvió a los escenarios para comenzar una nueva etapa de su carrera. Este jueves 3 de septiembre, el músico colombiano inauguró en Orlando, Florida, su Juanes World Tour 2026, una gira de más de 29 fechas por Norteamérica con la que celebra 25 años de trayectoria como solista y presenta una renovada propuesta en vivo.
El concierto en el Hard Rock Live de Orlando marcó el punto de partida de un espectáculo diseñado alrededor del universo de JuanesTeban, su duodécimo álbum de estudio, pero que también recorre algunas de las canciones que han convertido al artista en una de las figuras fundamentales del rock latinoamericano.
La nueva puesta en escena busca diferenciarse de sus anteriores giras a través de una mayor energía, interacción con el público y una propuesta visual inspirada en las distintas emociones y contrastes que atraviesan JuanesTeban. El resultado es un espectáculo que conecta la etapa actual del músico con un repertorio construido durante más de dos décadas.
Durante el concierto, Juanes interpretó canciones de su más reciente álbum como ‘Una Noche Contigo’, ‘Hagamos Que’, ‘Muérdeme’ y ‘Timelapse de Sol’, que convivieron en el repertorio con clásicos como ‘Es Por Ti’, ‘Mala Gente’ y ‘Volverte A Ver’.
Uno de los momentos más cercanos de la noche llegó con ‘Para Tu Amor’. Juanes abandonó el escenario para interpretar la canción entre el público, convirtiendo uno de los temas más queridos de su catálogo en un momento íntimo y compartido directamente con sus seguidores.
El disco también representa una nueva conexión de Juanes con artistas de distintas generaciones y escenas. JuanesTeban incluye colaboraciones con Bomba Estéreo, Conociendo Rusia, Mon Laferte, Rawayana y Vivir Quintana, además de ‘Una Noche Contigo’ junto a La Arrolladora Banda El Limón, canción que le permitió conseguir su primer número uno en el listado Regional Mexicano.
Este momento adquiere una dimensión especial al coincidir con el aniversario número 25 del inicio de la carrera solista de Juanes. Desde entonces, el músico ha construido un catálogo que atraviesa el rock, el pop y distintos sonidos latinoamericanos, convirtiendo canciones como ‘Es Por Ti’, ‘A Dios le Pido’, ‘La Camisa Negra’ y ‘Volverte A Ver’ en parte del imaginario musical de varias generaciones.
Tras su primera fecha en Orlando, Juanes continúa este viernes 4 de septiembre en el Kaseya Center de Miami, donde tendrá como invitada a la cantautora venezolana Joaquina. El recorrido seguirá por Jacksonville, Atlanta, Charlotte, Nashville, Columbus, Cleveland, Indianapolis, Newark, Toronto, Montreal, Boston, Chicago, Houston, Los Ángeles y San Diego, entre otras ciudades.
A partir del 18 de septiembre, Andrea Bejar se incorporará como acto de apertura para las siguientes fechas. La gira norteamericana concluirá el 22 de octubre en San Diego, en Gallagher Square at Petco Park.
Con JuanesTeban como punto de partida y un repertorio que resume un cuarto de siglo de música, Juanes apuesta por un espectáculo que mira simultáneamente hacia adelante y hacia atrás: presenta una nueva etapa artística sin dejar de lado las canciones que construyeron su historia.
The post Juanes celebra 25 años de carrera con el inicio de su gira más ambiciosa appeared first on Rolling Stone en Español.
Es increíble como una cosa que parece pequeña puede terminar convirtiéndose en una historia mucho más grande. Eso es lo que logró Veintiuno con La balada de Delirio y Equilibrio, su álbum de 2025 que partió de una canción incluida en Gourmet (2018) y que le dio rienda suelta a su imaginación. “Es un disco muy de lore. Hemos desarrollado cierto lore que estaba de manera intrínseca en la banda. A mí me gusta mucho esta cosa de la intertextualidad, de introducir ideas que se desarrollen entre canciones”, comenta Diego, frontman de la agrupación. “Quiero pensar que es una cosa de construir un pequeño cosmos de lo que tú haces”.
Este universo es expansivo por naturaleza, así que ahora Diego, Pepe, Yago y Rafa presentan una ramificación más: El último baile de Delirio y Equilibrio. Este álbum no figura como una edición deluxe, sino más bien se presenta como un trabajo que conserva su independencia al contar con temas nuevos y reversiones de las canciones de su antecesor en manos de artistas invitados. Repion, Rufus T. Firefly, Puño Dragón, Grande Amore, Malmö 040, DJ Nano, XAS y Yarea dotan los cortes de un nuevo aire que permite entender que para los de Toledo los límites no existen.
Semanas antes de su lanzamiento, Diego y Yago conversaron con ROLLING STONE en Español sobre la reedición, cómo logran crean historias extensas sin perder el sentido, la influencia de la mitología en su música y lo que hay detrás de ‘Magia negra’, el corte que solo se podrá escuchar en formato vinilo.
¿Por qué decidieron seguir expandiendo este universo que crearon con La balada de Delirio y Equilibrio? ¿Por qué hacerlo con reinterpretaciones?
Diego: Cuando estás hablando de una relación de pareja, como ocurre con La balada, hay una pregunta que es inevitable: “¿Cómo habrían sido las cosas?”. Es un pensamiento que creo que tenemos todos, sobre todo, cuando algo ha salido mal. Raramente te lo preguntas cuando las cosas van bien. En la génesis de La balada incluso estaba como un easter egg porque estaba en la portada. Estaba la idea de las vidas pasadas, de qué nos ha llevado a ser quiénes somos y cómo nos comportamos, y qué podría haber sido si estuviéramos en otra posición. Con esa premisa, nos pareció que había un camino a desarrollar y hacer algo que en parte es un juego, pero también somos una banda muy interesada por ver dónde están los límites de lo que hacemos.
Somos una banda de pop, eso está en el ADN del grupo, pero nos nutrimos de muchas cosas más o menos visibles, más o menos explícitas. Cuando hemos tenido la posibilidad, hemos intentado explorar esos caminos. El hecho de poder abrir las canciones y expandirlas es muy estimulante. Ahora que la banda tiene un tamaño, podemos desarrollar la posibilidad de irnos al estudio con Rufus T. Firefly y trabajar una canción nuestra a ver a dónde nos lleva. Ese juego siempre habíamos querido hacerlo [porque], en lo creativo, es muy estimulante, mucho más que la tentación de meter una voz de un artista que te gusta y ya está. Es una búsqueda muy artística, es lo que más nos interesa hacer.
¿Qué tan inspirador resulta trabajar de esta manera y escuchar sus canciones en un estilo que ustedes no suelen trabajar?
Yago: Esa es la parte que más me ha gustado: el hecho de entregarle una canción a Repion o a Rufus. Darles una guitarra y decirles, “¿Cómo lo hubierais hecho vosotros?”. Creo que ha sido lo más enriquecedor de todo este proceso.
D: Porque se aleja de ti.
Y: Se aleja de ti, pero es tuyo.
Sí y justo quería preguntarles por esta diferencia. Diego mencionaba que una cosa es invitar a un artista para que escriba o cante un verso que ustedes ya escribieron, y otra es darle la libertad de hacer con la canción lo que le plazca. ¿Cómo llegan a darle esta confianza a alguien?
D: Hemos colaborado con gente que ya nos gustaba. No hemos tenido que arriesgarnos al abismo de alguien con quien no tuviéramos nada en común. Yo con Puño Dragón, por ejemplo, me he subido a cantar en conciertos suyos. Yarea es alguien con quien hemos coincidido mucho en el estudio y que conocemos de hace mucho tiempo. Rufus es la banda que ha servido de ejemplo para que exista Veintiuno no solo por la música que hacen, sino por la carrera que han hecho, por cómo han avanzado contra viento y marea, por cómo se han peleado con el mundo para desarrollar lo que ellos querían desarrollar. Repion son íntimas amigas desde hace 13 o 14 años.
Malmö fue un collab que llegó a nosotros. Los habíamos invitado a cantar en otras canciones y fue el bajista quien me escribió, “Tío, vengo de una ruptura, no había conectado con ‘Estarás’ y cuando lo dejé con mi pareja, volví a esa canción de manera random y me ha atravesado por la mitad”. Entonces, hemos tirado de gente con la que teníamos la confianza de saber que si les dábamos la mano, el lugar al que iba a ir, iba a estar bien de partida.
A mí me gusta que, además de ser una reedición, bien podría funcionar como un disco independiente justamente por eso. Son versiones diferentes añaden canciones que no estaban en el disco original, pero también juegan con el orden de las canciones. ¿Qué historia querían contar aquí jugando con el orden de del disco?
D: Hay canciones que han cambiado mucho su energía. Yago es una persona muy preocupada de los set, pero es que ‘Mitología’ tenía una energía profundamente diferente. Para nosotros es una canción muy Bleachers y de pronto cuando ha pasado por Grande Amore, se ha convertido en una rave. Entonces, no tenía sentido que se mantuviesen en los mismos lugares porque son canciones distintas.
Y: Sí. Igual, originalmente, La balada lo hicimos de una manera más narrativa y El último baile lo hemos hecho por sensaciones, por intensidad. Creo que ese ha sido un poco el criterio.
La conclusión que yo saqué entre el sonido, las letras y el texto que escribiste es que hay un mundo dentro de un mundo, dentro de otro mundo. Delirio y Equilibrio siempre se encuentran y al final de sus vidas recuerdan que pasaron la vida juntos, pero luego tienen que olvidarlo para volver a iniciar. ¿Cómo ha sido este proceso de expandir el universo de una canción que salió, aparte, en 2018?
D: Para mí esa es la parte más sencilla. Yo creo que lo más difícil cuando escribes una canción es adoptar un punto de vista. Hay infinitos caminos, tienes que coger uno, comprometerte con ese uno y que eso acabe siendo una canción entre los tres y seis minutos. Cuando tengo una premisa narrativa, para mí es mucho más sencillo trabajar. El ejercicio complejo es cerrarlo. ‘Magia negra’ es un cierre, porque tenía que haber uno; es una despedida.
Estoy muy enfermo de la ficción y, seguramente, La balada sea el resultado de cuatro o cinco libros que me tuvieron muy absorbido durante uno o dos años. Ahí es donde a mí me apeteció la idea de desarrollar un cosmos y así se lo conté a los chicos. Creo que tenemos una fanbase muy intensa y muy sentimental que podía disfrutar de eso. Afortunadamente, lo bueno que tiene no ser un grupo mainstream es que cuando construyes una comunidad al margen de los dos hits que tenga la banda, puedes desarrollar cosas y a lo mejor la gente se queda. Es una cosa muy increíble.
Has hablado del texto que cierra el álbum. Ese texto, con variaciones, es un compendio de varias cosas que están en mi libreta desde hace dos años porque, no sé si es una historia lineal, pero yo sé la historia que estoy contando en el disco, tengo muy claro a lo que remite. Tanto es así que remite a una canción de hace ocho años, pero también remite a otra canción de hace cinco y remite a otra de hace tres. Los temas de los que yo siento que tengo para hablar, que me interesa hablar, son muy pocos y están todos aquí porque hay una dimensión de cómo y desde dónde escribo canciones que he tenido la oportunidad de condensar aquí.
Nosotros en directo unimos ‘Desvelo’ y ‘Estarás’ porque están contando la misma cosa, están hablando de un mismo momento. Si ese momento es literal o no, es irrelevante. Lo importante es que es un momento que me ha dado para, al menos, dos canciones, casi tres.
Yo escuchaba el disco y pensaba, “¿Cómo llegó a tanto desde tan poco?”.
Y: Al final, es que una emoción ya sea amor, atracción, odio, lo que sea, es como Star Wars. Puedes extenderlo por todos los lados que tú quieras, contar historias paralelas, después hacer un What If como Marvel. Entonces, lo puedes alargar todo lo que quieras. La cosa es que sea un camino muy interesante.
Y que tenga sentido.
D: Sí, pero lo bueno es que incluso aunque creas que estás hablando de otra cosa, te va a llevar allí. A mí todo me va a llevar a un momento en el que recuerdo haber estado mirando hacia arriba en la Plaza de la Paja en una noche de verano, haciendo fiestas aquí en Madrid, y por el motivo que sea tuve una experiencia muy plástica por cómo se filtraba la luz en los árboles. Me quedé enganchado ahí y me apetecía ponerlo dentro de una canción. Puedes querer hablar del universo, pero acabarás hablando de ti.
En una declaración, Diego, dijiste que tú no terminabas las canciones, sino que las abandonabas. Pero con todo lo que ha surgido con estos dos discos, no siento que las abandones del todo. ¿Cómo sabes cuál es el momento de “abandonar” una canción?
D: Lo que lo define es la fecha de entrega. A mí me ayudan muchísimo las fechas de entrega porque es un condicionante más y te obliga a acabarlo. Es gracioso que preguntes esto porque estoy haciendo un esfuerzo muy grande ahora en acabar canciones y decir, “Creo que hasta aquí no hay más”. Es un ejercicio que estoy intentando, pero es que siempre podría ser un poco mejor.
No sé si las acabo. Alguna, por cojones, la acabaré, pero que los chicos me han visto cambiar letras en la cabina, grabando. Soy el peor compañero del mundo. Reabriría la canción, cambiaría cosas y tendría a todo el mundo condenado a repetir otra vez lo mismo, y lo peor es que no sería mejor canción, solo es inseguridad.
Yago, desde su lado, ¿cómo logran entender la mente de Diego?
Y: Bueno, porque son muchos años ya currando juntos. Lo de abandonar las canciones he de reconocer que creo que no es ni nuestro, creo que esa cita célebre se la robamos a alguien porque tiene toda la razón del mundo.
Tú en el estudio te puedes liar, hacer ahí todo lo que quieras. Entonces, es cierto que las fechas de entrega… hay que entregarlo y hay que darlo. Al final, tenemos de compañeros de viaje a una discográfica a la que hay que responder con una agenda.
Yo se lo digo a Diego, cuando me pasa alguna maqueta en acústica y voz, si creo que no es una canción terminada, le digo lo que creo que podría molar; si creo que es algo terminado, que simplemente habría que juntarse a vestir la canción, le digo que es un muy buen tema.
Es muy complejo hacer pop porque no te puedes salir de unas estructuras muy variopintas, no puedes irte a hacer estructuras de metal progresivo de repente. En cuanto tú tienes una razón de ser de esa canción y tienes una estrofa y un estribillo (parece super sencillo lo que estoy diciendo, pero ese proceso es super complejo), después hay que encontrar el sitio, el vestido. Eso es lo que lo que hacemos. En cuanto tú tienes una estrofa, un estribillo y tienes un vestido, ya tienes una canción. Lo demás es darle vueltas y empeorarla.
En La balada hay unas referencias directas al cine como Suspiria y La La Land. En este disco hay referencias a la mitología griega con ‘Troya’ y está ‘Orphee’. ¿Qué lugar tiene la mitología El último baile de Delirio y Equilibrio?
D: Yo soy un loco de la mitología, confieso. En ‘Delirio y Equilibrio’ ya había una referencia directa a Eurídice y Orfeo en el puente porque a mí ese mito me encanta. Creo que, igual que ocurre con todos los mitos clásicos, da una explicación muy bella a una serie de realidades muy complejas y me encanta la forma parabólica de contar esas cosas. Hablan de la confianza y de traicionar la confianza. Hablan de la duda y me encanta la idea de que en los últimos 3000 años la forma en la que percibimos la duda sea la misma. Tú le cuentas a una a un niño pequeño el mito de Eurídice y Orfeo, y va a entender con bastante grado de acierto por qué Orfeo miró hacia atrás.
Por responderte otra pregunta, yo soy enfermo de ficción. Soy un niño rata. Soy un crío que creció encerrado en casa leyendo, viendo películas, cómics y escuchando discos, y ahora me pagan por hacerlo. Se va a hinchar la gente de que lo haga porque me encanta y me libera.
Citar una película como Orphée, que no es solo que haga referencia al mito, sino que hace referencia a una manera de leer el mito que tuvo Jean Cocteau, es mucho más interesante que lo que yo tenga que decir.
En los vídeos de ‘Vidas pasadas’ y ‘Troya’ hay imágenes que son fotogramas de pelis y de series que hemos buscado clonar. Si alguien cree que ha encontrado una referencia a Twin Peaks dentro de ‘Vidas Pasadas’, no se lo está inventando.
¿Las canciones extra ‘Troya’, ‘Pide un deseo por mí’ y ‘Magia Negra’ surgieron durante las sesiones de La balada o se crearon después?
D: Ya estábamos trabajando en ‘Pide un deseo por mí’ antes de terminar La balada. Había una maqueta. ‘Troya’ creo que ya es posterior. ‘Vidas pasadas’, sin duda, es anterior. Dejé un pequeño easter egg en la portada de La balada porque sabía que en algún momento esa canción iba a estar. ‘Magia negra’ es una canción muy ex novo y se queda para el fan de la banda que haya hecho el esfuerzo que gastarse 40 y pico euros en un vinilo. Es una canción que vamos a dejar para quien quiera entrar.
Hablando de la canción, por el título me imaginé que iba a ser más mística a nivel sonoro, pero cuando la escuché me sorprendí porque la sentí un poco más country. Además, la “magia negra” la tomé como si fuera algo positivo o algo de lo que el protagonista de la canción sabe de sus riesgos, pero no le importa recurrir a ella. ¿Por qué justo esta es la canción oculta y no otra?
D: En parte porque es la última. Yo creo que es una forma muy bonita de cerrar lo que queríamos contar. Para que veas, el texto de la contraportada del disco es anterior a la canción. Tan al final fue que ese texto es anterior a la canción. El texto ya buscaba ser conclusivo con la narración, y aun así la canción es posterior. Entonces, es una canción que está muy pensada para ser el final de algo.
Y: Sí, también como has dicho que tenía un toque country, hacer un ghost track es una buena oportunidad para probar cosas que quieres hacer sin que sea el siguiente super single de la banda. No sabemos si en algún futuro estará en plataformas digitales, pero se va a pasar un buen tiempo siendo ghost en el vinilo.
D: El último disco de Noah Kahan y el último disco de Mumford & Sons tienen mucha culpa de que exista esa canción.
¿La canción resultó siendo lo que esperaban?
D: Menos mal que no. Eso es aburridísimo.
Y: Si no te sorprende, igual estás haciendo algo mal.
D: Yo sí que te reconozco que quería desde hace bastante tiempo que la última canción de ese disco se refiriera al “último baile”. Quería que se diera, pero no tenía una canción. Tardé muchísimo en tenerla y no creía que fuera llegar a nada y ese tipo de canción no es algo que nosotros hayamos hecho mucho. Shuffles Veintiuno tendrá dos, y este será el segundo o el tercero. No es un estilo de canción que hayamos trabajado mucho. Pero era, “Cuando está lo sabes. Cuando no está, te puedes perder y tirarte buscando muchísimo tiempo, pero cuando la tienes, lo sabes”. Esa canción está escrita en una mañana. Cuando la tuve fue como, “Me voy a ir con esto a muerte con vosotros”, porque tenía clarísimo que esa canción era.
Me gusta eso de que sea diferente porque va muy con la vibra del disco de llevar las canciones de Veintiuno a otras dimensiones que quizás no uno no se imagina al escuchar la banda en general. Este álbum es un standout en su discografía.
D: Sí. También es que cualquier proyecto artístico, creo, es muy preso de lo que se hace popular del proyecto. Es algo que, desgraciadamente, no eliges tú. Yo soy consciente de que somos una banda a la que la gente puede que recurra para otros momentos que no son sentarte melancólicamente delante de una ventana, pero bueno. No ser lo que alguien espera de ti, creo que es lo mejor que te puede pasar.
Sí. Y justo lo que me mencionabas al principio de que ustedes siempre se han apropiado mucho de su sonido, no intentan apelar al mainstream, sino van a su ritmo y van defendiendo lo que ustedes creen que es bueno para la banda.
D: De lo contrario, puede ser muy agotador. Cuando sí estás buscando lo que es la tendencia en todo momento, si la tendencia se pone de tu parte, vivirás en una jaula de oro. Pero casi que prefiero que tengamos un proyecto en el que disfrutamos de dónde está la banda emocionalmente y qué es lo que acaba proyectando creativamente.
The post El universo expansivo de Veintiuno appeared first on Rolling Stone en Español.
“El principio del placer”, esa es una de las consignas de Cubilete, el ciclo de conciertos que durante los viernes de septiembre, octubre y noviembre propone un viaje por una amplia gama de lenguajes, tradiciones y geografías musicales. Todos los viernes, a las 20 y con entrada libre, la Sala Astor Piazzolla del Centro Cultural Borges (Viamonte 525, CABA), se convertirá en un territorio de cruces sonoros. Las entradas se retiran en boletería una hora antes de la función.
El curador del ciclo es nuestro editor, Humphrey Inzillo, que realizó una selección ecléctica de artistas y proyectos unidos por la curiosidad y el riesgo. El nombre del ciclo, “Cubilete”, hace referencia a la música y el azar. La programación es ecléctica y va del tango y el rock progresivo hasta la música tradicional de la India, del candombe uruguayo a la intimidad de la canción de autor, y del jazz al folclore psicodélico.
La función inaugural es este viernes 4 con la presentación de Odisea Tango XXII, un grupo liderado por el pianista y compositor Ulises Thayer, de apenas 19 años, que explora distintos ritmos —como el tango, la milonga y el candombe— rompiendo sus formas tradicionales e incorporando lenguajes del jazz y del rock progresivo. Su universo musical incluye referencias a proyectos de los años 70, como Alas, de Gustavo Moretto; el octeto electrónico de Astor Piazzolla y ecos de La Máquina de Hacer Pájaros, pero desde una perspectiva original y contemporánea.
En septiembre se presentan la cantante uruguaya Samantha Navarro (el 11), que celebra las tres décadas de su disco debut; Juan Manuel Tavella y Catalina Felipín exploran la música devocional de la India (el 18), y el baterista Teo Pérez, discípulo de Pipi Piazzolla, presenta The Drum Key, su álbum debut al frente de su cuarteto.
Octubre arranca con dos cantantes uruguayas: Isabel Lenoir presenta su nuevo álbum Amanda (el 2), y Florencia Núñez cruza el charco para mostrar su repertorio que integra canción de autor, pop contemporáneo y música de raíz latinoamericana (el 9); Noveno Maturín, un cuarteto que entrelaza las raíces del rock nacional y el candombe, toca el 16; desde Formosa, Nde Ramírez fusiona las raíces del Litoral y el chamamé con rock y psicodelia (el 23); y el 30, la cantante y contrabajista Lara Fichera despliega un universo íntimo que borra fronteras entre el jazz y el folclore.
En noviembre, Santiago Moraes, se presenta junto al grupo de guitarras cordobés La Nafta para rendir homenaje a la obra de Alfredo Zitarrosa (el 6);. el 13, se presenta el dúo acústico Merienda; el 20, Julián Baglietto y Sebastián Lans abordan la obra de Luis Alberto Spinetta. Y el 27, Sergio Dawi (Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, La Kermesse) presneta VideoSaxMachine, un espectáculo audiovisual donde sonoriza en tiempo real cortometrajes mediante melodías del mundo e improvisaciones que transitan del blues al rock, la electrónica y el funk.
Más música en el Borges: Generador, el ciclo de los jueves
Con curaduría del músico y compositor Javier Burin (tecladista de Ca7riel y Paco Amoroso y una de las figuras más destacadas de la escena del jazz argentino), el ciclo Generador pone el foco en proyectos liderados por una nueva camada de artistas jóvenes, quienes comparten escenario con algunos de los referentes más destacados de la música argentina.
A lo largo de trece conciertos, el ciclo propone un espacio de encuentro entre trayectorias, estéticas y géneros musicales diversos. Jazz, improvisación, música contemporánea, folklore, rock y nuevas búsquedas sonoras conviven en un mismo escenario, donde el diálogo entre generaciones funciona como un verdadero generador de energía creativa. Cada fecha invita a descubrir nuevas perspectivas sobre la identidad musical argentina, poniendo en valor tanto la experiencia como la renovación y el intercambio entre artistas de distintos recorridos.
El ciclo empezó el jueves 3 de septiembre con un concierto del Mono Fontana y, en septiembre sigue el jueves 10 con Tomás Ferrario Grupo, que presenta Tester de Violencia, una recreación del histórico álbum que Luis Alberto Spinetta editó en 1988. El jueves 17, el pianista, compositor y arreglador Andrés Beeuwsaert presenta un concierto de improvisación en el que el piano se convierte en el punto de partida para una creación en tiempo real. Y el jueves 24, la cantante, guitarrista y compositora Sayi Sinyasiki presenta Arrecife Blanco junto a su banda, un proyecto que construye un universo sonoro donde conviven la canción, la palabra y una marcada identidad estética.
The post Nuevos sonidos y músicas eclécticas en el Centro Cultural Borges appeared first on Rolling Stone en Español.
Dice que hace pocos planes porque cada vez que los hizo no le salieron del todo. “Así que opté por dejar de hacer planes y confiar en el devenir”, explica Guillermo Piccolini. Inmediatamente, por supuesto, pasa a enumerar una cantidad de… ¡planes!: acaba de publicar un nuevo disco solista, Peor, y lo presentará en el CAFF (Club Atlético Fernández Fierro, Sanchez de Bustamante 772, CABA), el 16 de octubre; sale de gira junto a Pablo Dacal y viaja a España para reencontrarse con la banda que formó en los 80, en Madrid: Los Toreros Muertos. “Bueno, es cierto, grabar un disco es un poco hacer un plan –se queda pensando, en diálogo con Rolling Stone–. Pero se me vinieron encima una serie de situaciones personales, mudanzas, esas pequeñas tragedias, y todo se retrasó muchísimo”.
La trayectoria de Piccolini está cargada, quizás no de planes, pero sí de música. Después de unos movimientos iniciáticos en Buenos Aires, su vida se trasladó tempranamente a Madrid, donde armó Los Toreros Muertos (junto al cantante Pablo Carbonell), el hitero grupo de rock satírico. También tocó con Lions in Love (de Daniel Melingo) y Pachuco Cadáver (dúo post-rock con Roberto Pettinato) e impulsó Venus, ya de vuelta en Argentina.
En 2021, lanzó un tardío, pero celebrado primer álbum solista: Futuro imperfecto. Y ahora acaba de editar el segundo, titulado Peor. “Las canciones son más pesimistas –admite–. Me di cuenta de que usaba la palabra peor tres o cuatro veces a lo largo del disco y llegué a la conclusión de que, aunque parezca difícil, quizás este es un mundo todavía peor que el de cinco años atrás, ¿no?”.
Peor es de lo mejor que ha producido Piccolini: diez canciones minimalistas, beneficiadas por una economía de recursos a rajatabla que empieza como consigna de trabajo y termina por realzar las virtudes de un artista del detalle.
“La idea es la simpleza. No quiere decir que no pruebe un montón de cosas. Pero es poco lo que queda. No me interesa sumar instrumentos haciendo cosas reiterativas. Es como la anti pared de sonido de Phil Spector. ¿Qué haría Spector? Bueno, yo hago lo contrario. Hay momentos en los que uno se entusiasma y agrega. Pero lo que no se negocia es que no que hay batería. Es una limitación autoimpuesta, que te lleva a buscar otras soluciones”.
Y es lo contrario también de Los Toreros, donde siempre suenan un montón de cosas…
Es que, a ver, los Toreros empezamos con Pablo, Manny [Moure] en el bajo y yo, arriba de un escenario de dos por dos, con una caja de ritmos. O sea, básicamente el sonido de Pachuco Cadáver. Yo vengo esquivando la vacuna de la batería desde hace mucho.
Además de decir varias veces “peor”, en el disco también hay un “podrido”, en tu versión del tema de Horacio Fontova [“Me tenés podrido”, el improbable hit del Fontova Trío de 1982]…
¡Claro! El primer disco de Fontova fue muy importante para mí, te diría que comparable con el primero de Los Twist. Cuando me fui a Europa, en 1985, me quedé sin guita inmediatamente y hacía canciones de ese disco de Fontova…
¿Lo escuchabas como un oyente más o tenías relación con Fontova?
No, no, como fan. Lo conocí a Fontova, me lo crucé un par de veces, pero no más que eso. Cuando nos juntamos con Pablo Dacal para hacer un show dijimos de hacer un par de canciones que no fueran mías ni suyas. Él eligió “Cambalache” y yo, “Me tenés podrido”. Terminamos de ensayar, nos quedamos cenando, tomamos un vino y esa misma noche la grabamos.
En el disco también está Daniel Melingo…
Fue lo último que se grabó [el músico falleció el 30 de junio, una semana después de la salida de Peor]. El tema estaba más o menos terminado. Habíamos hablado de grabar un clarinete para hacer esas cosas que nos gustaban, como la música europea de vanguardia de los años 30, 40; esa sonoridad. Y entonces llegó al estudio y dijo: “¿Sabés que me olvidé el clarinete?”. Y se inventó esto de que lo cantemos a dúo. Una genialidad. Agradezco haber tenido una última oportunidad de estar en un estudio con él.
¿Con Melingo se conocieron en Madrid?
No, yo ya lo conocía a Dani y cuando fue a tocar con Charly [García] a Madrid, se quedó por Europa y estuvo también en Marruecos. En ese momento estábamos con un cambio de formación en Toreros Muertos, así que les dije a mis compañeros: “Hay un tipo que puede tocar saxo, guitarra, teclado y percusión, y es genial en todo”. Lo traje, gustó y se quedó con nosotros dos años. Ahí grabamos Mundo caracol, donde hay varios temas de Dani. En ese ínterin se armó Lions in Love, y Daniel me invitó a participar.
¿Cómo es tu relación con Los Toreros ahora?
Yo me fui del grupo de una manera un poco extraña porque, cada tanto, vuelvo y toco. Y es divertido. Voy, veo a los amigos. Me encanta tocar con ellos, pero no quería estar constantemente en un proyecto tan absorbente. Preferí quedarme acá, en Argentina, y remarla con mi proyecto. Como diría Federico Peralta Ramos, a mí me gusta acá. Pablo [Carbonell] sacó un disco con el nombre de Los Toreros Muertos, bastante bueno. Pero no participé, no me siento parte del proyecto hoy como para armar canciones con esa marca. Una cosa es hacer un show y grabar un disco en vivo, y otra es ponerse más serio, a los 60, con el proyecto de los 20. Pero Los Toreros son mis hermanos, me encanta tomar cerveza con ellos, subirnos a la furgoneta, morirnos de risa. Es como juntarse con una ex…
Una ex española. ¿Es muy distinta de tus ex argentinas, es decir de tus colaboraciones con músicos argentinos?
Pablo es un tipo bastante particular. Es genial, nos llevamos bien, pero bueno, está comprometido con una idea musical que es, en algún sentido, burlarse de la música, como dice en muchas entrevistas, ¿no? Yo prefiero la emoción. No sé si me va a salir, pero prefiero hacer el intento.
Los Toreros también tienen sus temas conmovedores, como “Dejadme llorar” u “Hoy es domingo”…
Ahí está, ¿ves? Diste en el clavo. “Dejadme llorar” es justo un tema que Pablo no quiere cantar. Es el favorito de [la Negra] Poli, por otro lado. Y a mí también me encanta, pero no es lo más habitual.
Tu música también tiene una cuota de humor…
Puede ser, sí. Hay una mueca o una risa; una manera de jugar, espíritu lúdico. Volviendo a Dani, algo que nos unía era el gusto por el dadaísmo y el surrealismo. Y ahí había mucho humor también. Forma parte del puchero que uno es… Cuando canto “Sana, sana, patria, madre, hermana, sana sistema bancario internacional”, me doy cuenta de que digo un chiste, pero el espíritu de la canción no es de chiste. Quizás ese sea un problema; sería mejor que fuera completamente seria o completamente graciosa, puede ser. Somos así: acá le ponemos pasa de uva a la empanada.
En Peor participa Julieta Laso, otra artista muy cercana a Melingo.
Es que Dani influyó en muchos músicos y músicas. Su influencia es enorme. No es casual: a Juli la conocí justamente por Melingo, en estos Encuentros Maximalistas que hacía. Me invitó, toqué teclados en un par de temas y nos conocimos con Juli, hablamos un poquito en el camarín. Es una barbaridad la interpretación que hizo.
También toca en el disco Skay Beilinson, otro argentino con el que te cruzaste en Madrid.
Claro, yo los conocí a Skay y a Poli antes de irme a España. Tuvimos una pequeña relación simpática, y de admiración por mi parte. Era muy fan de Los Redondos a partir del 82, cuando los vi por primera vez. Era mi grupo favorito. Y, bueno, no es casual: en el primer disco de Fontova, del que te hablaba antes, toca Skay. Después nos vimos en Madrid y ellos me ofrecieron el puesto de tecladista de los Redondos y tuve que declinar con gran dolor, porque no podía en ese momento. Pero compartimos un viaje por España ese año y Skay subió a tocar con los Toreros un par de veces. Por supuesto que hubo una oferta para que se quedara en Los Toreros. Pero, bueno, creo que hizo bien en no aceptar [risas].
¿Y vos, te arrepentís de algunas decisiones?
Soy muy feliz con la decisión que tomé de dedicarme a esto, y más feliz aún de que me haya sido concedida esa decisión. Porque uno puede tomar la decisión, pero por ahí no tiene la suerte. Se suele decir: “A mí nadie me regaló nada”. Y no es así: la guitarra ya estaba inventada: me la regalaron. Me regalaron a los Beatles, a Cafrune, al Cuchi [Leguizamón], todo me fue regalado en algún aspecto. Los materiales, la realidad en la que vivimos está construida por muertos. El parlante que tengo acá enfrente lo inventó uno que está muerto; el tocadiscos, el sillón y la penicilina, también. Yo agradezco haberme parado del lado del arte. Porque, si bien tenemos nuestros celos y nuestras cuitas, es un mundo bastante colaborativo en el cual consumimos de la que vendemos. E intentamos que no esté muy cortada [risas].
The post Guillermo Piccolini: “Es un mundo peor que el de cinco años atrás” appeared first on Rolling Stone en Español.
Suede
Mariana Enriquez tenía 20 años cuando escuchó por primera vez las canciones del grupo inglés y comenzó así un intenso vínculo. Porque demasiado no es suficiente. Mi historia de amor con Suede (Montacerdos, 2023) acaso sea su libro más personal e íntimo, una historia privada de los 90 y dos mil, un relato espléndido sobre generaciones, estrellas y memorias fragmentarias.
Fuimos reyes
“Una historia de amor, locura y muerte”. Así se titula el prólogo que Enriquez escribió para la segunda edición (2021) de Fuimos reyes. La historia completa de los Redonditos de Ricota, de Mariano del Mazo y Pablo Perantuono. “Uno no iba a divertirse a un show de Los Redondos”, sostiene. “Iba a encontrarse con el peligro y con una especie intensa de fiesta, con euforia pero sin sonrisas, porque la dicha no es una cosa alegre”.
Las Cosas que Perdimos en el Fuego
Hernán Montenegro, escritor y músico marplatense es el líder de Las Cosas que Perdimos en el Fuego, una banda de hardcore que homenajea a la escritora, citando uno de sus libros más leídos. Mariana dio el aval no solo para que le pongan ese nombre al grupo, sino para que puedan usar frases de sus obras y así reinterpretarlas.
El año de la rata
Una crónica gráfica a dos voces, editada en 2020. Desde Ciudad de México, el diseñador e ilustrador argentino Dr. Alderete propone un articulado conjunto de provocativas imágenes que invitan a reflexionar sobre el momento crítico de la humanidad. Desde Buenos Aires, Mariana enriquece este proyecto con su propia narrativa: el terror sobrenatural permeando nuestras vidas cotidianas.
La Virgen de la Tosquera
Basada en los cuentos “Virgen de la Tosquera” y “El carrito”, la película de 2025 dirigida por Laura Casabé y escrita por Benjamín Naishtat, está protagonizada por Dolores Oliverio, Fernanda Echevarría y Luisa Merelas. Según RS Argentina, el film evidencia a Casabé como una de las voces más inquietantes del terror vernáculo.
“Este es el mar”
Mariana Enriquez figura como coautora de la letra de este cuartetazo de Alfonso Barbieri incluido en su disco Nubosidad bailable, construido como un collage de frases tomadas de la novela homónima que incluye en un mismo universo heavy metal, la Mona Jiménez, Pulp, porno californiano y estética Almodóvar.
Stephen King
La influencia germinal. El autor de It (1986) le enseñó que el terror moderno no habita en castillos lejanos, sino en la cotidianidad contemporánea: los pueblos costeros, la adolescencia, el matoneo escolar y el trauma colectivo. De él toma la construcción rica de personajes vulnerables y la fluidez para conectar la cultura pop con el horror.
Beloved
En esta novela, Toni Morrison utiliza la figura del fantasma y el horror sobrenatural no como una simple convención de género, sino como la única forma poética y visceral de narrar el trauma histórico, la esclavitud y las cicatrices del pasado. Mariana ha destacado su influencia en varias oportunidades.
Shirley Jackson
Es una de sus mayores tutoras en el arte del terror doméstico y la claustrofobia psicológica. Enriquez ha celebrado en reiteradas ocasiones cómo Jackson (La maldición de Hill House, Siempre hemos vivido en el castillo) logra que lo ominoso se filtre en la rutina familiar cotidiana, las casas victorianas y los pueblos pequeños.
Una charla con Rosalía
Rosalía y Mariana Enriquez grabaron un especial para Spotify en el emblemático bar Los Galgos de Buenos Aires. Conversaron intensamente, respondieron el cuestionario Proust y reflexionaron sobre el arte, la obsesión y el deseo. Se viralizó la respuesta de Rosalía al ser consultada por su ideal en un hombre: “Que sea gay”.
“Perdida en el fuego”
Santiago Moraes compuso, para Los Espíritus, esta especie de bolero, en un punto intermedio entre Roberto Carlos y Babasónicos, inspirado en Las cosas que perdimos en el fuego.
Manic Street Preachers
Enriquez ha seguido a la banda galesa desde sus inicios en los años noventa, declarando que escucha incluso sus discos menos celebrados con fidelidad de fanática. Una de sus crónicas más célebres detalla su travesía a La Habana orientando sus pasos en sintonía con la banda y la misteriosa desaparición de su guitarrista, anécdota plasmada en Alguien camina sobre tu tumba, su libro de 2013.
Cumbres borrascosas
El romanticismo sombrío y el gótico clásico de esta novela clásica que Emily Brontë publicó en 1847 están en el ADN de sus historias. De ahí proviene su fascinación por las pasiones enfermizas, los paisajes desolados, las maldiciones familiares que atraviesan generaciones y las dinámicas de dominación y deseo.
Possession
Enriquez tiene debilidad por el film que Andrzej Żuławski dirigió en 1981. Le fascina por llevar el drama conyugal al límite de la locura, el body horror y la histeria grotesca, con una actuación desbocada de Isabelle Adjani que encarna perfectamente el descontrol de la psique humana.
Otra vuelta de tuerca
“La traducción de la colección Mis Libros, de Hyspamérica, de Otra vuelta de tuerca, de Henry James, es la mejor de todas las que leí”, señaló en su libro Archipiélago (Ampersand, 2025), evocando sus lecturas de la infancia.
Nick Cave
El maestro de la narrativa macabra, las murder ballads, el gótico sureño y la imaginería religiosa teñida de culpa y redención. La influencia de sus letras y su atmósfera sombría se perciben directamente en el tono bíblico y oscuro de novelas como Nuestra parte de noche.
La ciénaga
Enriquez ha señalado a Lucrecia Martel como uno de sus principales referentes dentro del cine argentino. Esta película de 2001 ostenta un clima opresivo fruto del calor agobiante y retrata la descomposición de la burguesía provincial, los accidentes domésticos y lo siniestro que late debajo de lo cotidiano.
Alien, el octavo pasajero
Mariana suele recomendar (y citar) este clásico absoluto del cine de ciencia ficción y terror espacial. Le atrae la combinación perfecta entre el diseño orgánico/visceral del monstruo (a cargo de H.R. Giger), la claustrofobia industrial y el terror a lo desconocido.
Marttein
El fanatismo compartido por Suede unió los caminos de este artista veinteañero con Mariana, que recita en “Futurista” (Marttein, 2024) un texto que escribió Marttein. “Me encantó su puesta en escena, su despliegue visual y su sonido, bien Atari Teenage Riot. Me copó que tuviera en marcha un disco tan pensado y la ambición de hacer una película que indagaba en la noche, la ciudad y lo tóxico”, explicó.
La historia interminable
“Es complejo explicar la obra maestra de [Michael] Ende, pero leerla es muy fácil y es como un par de grilletes. No te deja soltarla, no te deja dormir”, dice Enriquez. “La historia interminable es, en mi vida, la explosión de las posibilidades y una especie de texto sagrado”.
Alejandra Pizarnik
“En años recientes, es la poesía la que me da alegrías. A diario. Investigar a Alejandra Pizarnik”, dice Enriquez, que en 2011 publicó el perfil biográfico “Alejandra Pizarnik, vestida de cenizas” en el libro colectivo Los malditos (2011), editado por Leila Guerriero. El texto explora la vida, la obra, los terrores nocturnos, la vulnerabilidad y el mito oscuro de la gran poeta argentina.
David Bowie
El Duque Blanco representa el mito de la metamorfosis, el ocultismo, la androginia y la teatralidad del artista. Enriquez ha explorado ampliamente cómo Bowie transformó el cuerpo y la identidad en una obra de arte viva.
Juan Forn
Una profunda amistad y un cruce generacional clave en la literatura argentina contemporánea. Forn, desde su rol de editor en Página/12 y Emecé, fue uno de los padrinos literarios, impulsores y lectores entusiastas de la obra de Enriquez.
Bajar es lo peor
Esta novela marca el debut de Enriquez, escrita cuando tenía apenas 21 años. Ambientada en una Buenos Aires oscura y marginal, narra la historia de un triángulo de jóvenes (Facundo, Carolina y Narval) atrapados en una atmósfera de rock, excesos, nocturnidad y desesperanza adolescente. Se convirtió en una obra de culto de la literatura contestataria argentina.
David Lynch
Aunque abarca la obra completa de Lynch por esa capacidad surrealista de generar pesadillas y extrañamiento, Twin Peaks: Fire Walk with Me, la película precuela sobre Laura Palmer, es una de sus debilidades. Enriquez celebra cómo aborda el trauma, el duelo y el horror que se esconde detrás de las fachadas cotidianas.
Los peligros de fumar en la cama
Un magistral recorrido por el terror contemporáneo ambientado en el conurbano y Buenos Aires. Doce relatos perturbadores en los que Enriquez indaga en los miedos cotidianos, los fantasmas de la historia argentina, la culpa y la descomposición social, donde lo siniestro acecha siempre a la vuelta de la esquina.
The post 27 claves del universo creativo de Mariana Enriquez: entre el rock, la literatura y el terror appeared first on Rolling Stone en Español.