Romeo Santos y Prince Royce siguen dándole vida a su álbum colaborativo Better Late Than Never. En esta ocasión, las estrellas de la bachata nos presentan la historia audiovisual de su tema ‘Ay! San Miguel’, haciendo una homenaje a la cultura dominicana con una artista celebrada de la región y la más reconocida intérprete femenina del merengue típico en la producción: Fefita La Grande. 

‘Ay! San Miguel’ nos narra una historia llena de cultura y referencias religiosas, donde Romeo Santos y Prince Royce se dirigen a San Miguel Arcángel para proteger una relación de las malas energías. En la iglesia, se le reza para obtener protección contra todo mal, librar batallas espirituales y alejar las malas energías.“Ay, San Miguel, destruye al maleficio / De lo malo protege a mi amorcito / En nombre de Dios, rompe ese hechizo / Con tu espada vence al enemigo”, se canta al inicio.

Las primeras imágenes del video oficial nos muestra a Romeo Santos y Prince Royce entrando en un cuarto lleno de velas y cuadros de santos de la Iglesia Católica. En esta primera escena, hace una aparición especial Fefita La Grande, cantante y acordeonista dominicana, considerada una de las figuras más importantes del merengue típico (también conocido como merengue de acordeón) en la República Dominicana. Esta colaboración extiende, aún más, el homenaje hacia las raíces dominicanas, que las estrellas de la bachata buscaban realizar en el tema. 

Musicians On Musicians: Romeo Santos & Prince Royce

Fefita, Romeo y Prince entablan una breve conversación sobre las envidias, egoísmo y malas vibras de otras personas, donde la acordeonista dominicana les asegura que “no se tienen que preocupar por nada porque están con Dios y conmigo”. Posteriormente, se recorren sonidos y bailes típicos de la región, que preserva el mensaje principal de ‘Ay! San Miguel’.

El álbum Better Late Than Never se ha consolidado como un hito en la trayectoria de ambos artistas. Durante años, los seguidores esperaron una producción conjunta que reuniera sus talentos, ya que sus propuestas artísticas siempre han mostrado una conexión natural y complementaria. Este álbum no solo cumple con esas expectativas, sino que confirma la extraordinaria química creativa que existe entre ellos. “Trabajar al lado del Rey de la Bachata fue, ante todo, muy inspirador y todo un honor. No solo por su perfeccionismo (me empujaba constantemente en el estudio, en la grabación, en las armonías), sino porque al mismo tiempo sentía la responsabilidad de que debíamos romper, de que yo debía reinventarme y, a la vez, dejar mi esencia plasmada en el álbum, de hacer algo perfecto”, compartió en exclusiva Prince Royce en su historia de portada para ROLLING STONE en Español.

Mira aquí el video oficial de ‘Ay! San Miguel’:

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“Estamos en shock. Como todos. No sabemos bien qué hacer. El durísimo golpe nos da en el cuerpo, pero abatidos como estamos, el corazón nos pide juntarnos”, decía el comunicado con el que Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado anunciaron que, a pesar de la tristeza por la muerte del Indio Solari, realizarían el concierto en Comodoro Rivadavia, el sábado a la noche, tal cuál estaba previsto. Y que, además, lo trasmitirían en directo, por streaming, vía YouTube. Fue uno de los shows más extraños, potentes y emotivos que la patria ricotera tenga memoria. La emoción desbordada, en el público y, especialmente, entre los músicos, fueron la constante de una noche con pocas sonrisas, lágrimas y abrazos.

Como era de esperar, los homenajes al Indio se multiplicaron. En su concierto del sábado, en el estadio Aldo Cantoni de San Juan, Divididos se despachó con una versión de “Mejor no hablar de ciertas cosas”, una canción compuesta por Solari, pero que nunca llegó a grabar: Luca Prodan se la apropió y la sumó al repertorio de Sumo.  “Alguien que nos ha dado tanta felicidad y ha abierto tantas cabezas, merece ese amor que están dando así tan masivo y tan lindo”.

Lali, que llenó dos veces el estadio de River, el sábado y el domingo, y tuvo como invitados estelares a Duki, Dillom y la cantante australiana Kylie Minogue (también al violinista Javier Casalla y el Cuarteto Divergente que dirige Alejandro Terán) cerró su extenso concierto con una versión de “Jijiji”, en el mismo escenario en que el Indio había inmortalizado su célebre frase: “¡Vamos a hacer el pogo más grande del mundo!”.

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El domingo, en el Movistar Arena, se celebró una nueva fiesta ¡Fa!, con Mex Urtizberea como anfitrión. Allí, los homenajes fueron varios. Lula Bertoldi, de Eruca Sativa, cantó “La Bestia Pop” y luego, junto a Andrés Ciro y Luli Bass, recrearon “Me matan, Limón”, otro clásico ricotero que el cantante ya había revisitado en ese mismo ámbito.

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A más de 7000 kilómetros de allí, en en Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, Milo J cerraba su gira mexicana. Para ese concierto multitudinario, que fue transmitido en vivo a través de su cuenta de Instagram, el artista oriundo de Morón lució una remera de los Redondos, con la estampa de Oktubre, el icónico álbum de 1986, en homenaje al Indio. 

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En las presentaciones porteñas en La Tangente por el vigésimo aniversario de El evangelio según mi jardinero (Lovemonk/Los Años Luz), el uruguayo Martín Buscaglia hizo un par de citas ricoteras. En la noche del viernes, cantó una versión acústica de “Motorpsico”, a solas con su guitarra. Al día siguiente,  en un contexto eléctrico, citó la introducción de “El pibe de los Astilleros”, otro clásico ricotero.

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La dualidad del ser humano ha atravesado durante siglos algunas de las discusiones filosóficas más interesantes e importantes de la historia. Desde Carl Jung hasta Friedrich Nietzsche, distintos pensadores han intentado comprender cómo ideas aparentemente opuestas pueden convivir dentro de una misma persona. “¿Me contradigo? Muy bien entonces, me contradigo. Soy amplio, contengo multitudes”, escribió alguna vez el poeta Walt Whitman uniéndose al debate y abrazando la idea de que las contradicciones no necesariamente deben resolverse, sino aprenderse a habitar.

Es justamente esa idea —la de habitar diferentes facetas sin limitarse a escoger una sola para construir una identidad propia— la que atraviesa ULTRASWAN, el nuevo álbum del cantante canario de raíces indias ABHIR. Un proyecto donde esas “multitudes” que menciona Whitman encuentran forma en un abanico de emociones que va desde la fragilidad y delicadeza de un cisne, representación de la vulnerabilidad, hasta la fuerza y brutalidad de una excavadora, símbolo del ego y el caos.

A pesar de comenzar formalmente su creación y producción en otoño de 2024, ABHIR comenta que, quizás sin saberlo, el germen de ULTRASWAN ya comenzaba a desarrollarse desde meses antes. El cantante explicó en una video reacción del disco junto al creador de contenido Hezzy (shout out pa’ Hezzy) que, tras el lanzamiento de BROWN BOY —su segundo álbum— comenzó a trabajar en ‘ALO’, una colaboración junto a RALY prevista para el verano de 2024 que escondía algo aún más interesante.

Según recordó, aquella canción originalmente contaba con una segunda sección —producida junto a Saint Lowe y PMP— que terminaría transformándose en ‘Dicen que todo’, uno de los temas que finalmente encontró su lugar dentro de este último disco. “En el verano de 2024 ya existía algo que iba a ser ULTRASWAN y no lo sabíamos”, reveló. Finalmente, el tema terminaría viendo la luz en 2025, luego de que ABHIR decidiera lanzar durante aquel verano canciones como ‘nené’, ‘mykonos 2007’ y ‘LENNY’. Sin embargo, la semilla de una nueva propuesta ya había nacido, y solo era cuestión de tiempo para que llegara el momento de desarrollarla.

Fue así como el verdadero punto de partida del disco llegaría meses después, específicamente un 29 de octubre, momento en el que nació ‘Duomo’, la primera canción creada para el álbum y una de las piezas más importantes dentro de su narrativa emocional. A partir de ahí, el proceso creativo tomó forma a través de distintos camps realizados durante 2025 en los que el artista y sus colaboradores se encerraron en varias casas para experimentar con nuevas ideas, texturas y sonidos. Fue en medio de esas sesiones donde comenzaron a entender que tenían algo distinto entre manos. “Encontramos el sonido y dijimos ‘vale, tenemos algo’”, explicó ABHIR sobre el momento en que finalmente se empezó a definir el proyecto. De esa forma, el 22 de mayo de 2026, llegó a todas las plataformas ULTRASWAN, su tercer trabajo discográfico. 

Compuesto por 14 canciones y una duración total de 32 minutos, el proyecto se mueve entre el pop alternativo, el rap melódico, el R&B alternativo y distintos elementos tomados de corrientes experimentales y emergentes, contando además con featurings de AKRIILA, ShakeDaBlock!, Ralphie Choo y Ledbyher. En la producción también aparecen varios de los nombres habituales dentro del trabajo del canario, como los ya mencionados Saint Lowe y PMP, además de Tuiste, Mayo, Choclock, Blurred y Freeza, piezas fundamentales a la hora de construir todos los matices, contrastes y texturas que terminan dándole identidad propia al álbum.

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Si algo ha caracterizado la carrera de ABHIR es el cambio. Desde sus primeros lanzamientos hasta ULTRASWAN, el cantante ha construido una discografía marcada por la exploración constante, tanto en lo sonoro como en lo lírico. Sin embargo, lejos de ver esa transformación como una ruptura con sus trabajos anteriores, el artista la entiende como una parte natural de su ser.

“Una parte de mi identidad naturalmente es un poco el cambio”, explica. Aunque reconoce que ha mantenido un tono conversacional a la hora de escribir y abordar sus canciones, también considera que la evolución es una consecuencia inevitable de la curiosidad que siente por la música. A lo largo de los años ha seguido trabajando con varios de los productores que lo acompañaron desde sus inicios, pero también se ha rodeado de nuevas voces y se ha aventurado en géneros que antes no dominaba. Para él, salir constantemente de su zona de confort es una forma de crecer sin perder de vista quién es.

Esa búsqueda permanente termina convirtiéndose en el corazón conceptual de su último disco. Más que un álbum construido alrededor de un género o una estética específica, el proyecto gira en torno al contraste y la dualidad. Inspirado, entre otras cosas, por la película El cisne negro, el disco parte de una pregunta sencilla pero profunda: ¿por qué elegir una sola versión de uno mismo?

“El concepto principal detrás de ULTRASWAN es el contraste. Es poner juntas dos cosas que no pegan y hacer que funcionen, porque también creo que habla un poco de cómo somos las personas. Va de no elegir si soy una cosa u otra y entender que soy las dos, que me gusta ser las dos y que no tengo que ser ni un cantante de pop alternativo ni tampoco el más rapero del patio”.

Desde esa idea, ABHIR construyó un álbum donde conviven baladas íntimas y sensibles con momentos de distorsión, agresividad y energía desbordada. Si Swan representa la parte más vulnerable, emocional y delicada del artista, Ultra encarna su faceta más impulsiva, ególatra y segura de sí mismo. El verdadero corazón del proyecto, sin embargo, no está en ninguno de los dos extremos, sino en el espacio donde ambos se encuentran: el Ultraswan, la convivencia de fuerzas aparentemente opuestas que, juntas, terminan dibujando un retrato mucho más honesto de quien las habita. 

Esa dualidad tampoco fue algo impuesto de manera artificial. Por el contrario, surgió de forma natural durante el año y medio que duró la creación del disco. ABHIR explica que cada canción nació del estado emocional que atravesaba en ese momento, sin forzarse a escribir desde sentimientos que no estaba experimentando realmente. “Yo no hacía música triste si no me sentía triste y no hacía música fuerte si no me sentía fuerte”, recuerda. Durante ese periodo pasó de momentos de inseguridad y desánimo a una etapa marcada por la confianza, el autoconocimiento y una energía renovada. En consecuencia, el álbum terminó funcionando como una especie de diario emocional donde conviven los buenos y malos momentos. “Tampoco ha sido un tramo en el que he estado supermega motivado todo el rato. También he tenido momentos de bajón y están reflejados en este disco”.

Quizás por eso la dualidad que plantea ULTRASWAN resulta tan convincente y atrapante. No se trata de un concepto diseñado únicamente para articular un álbum, sino del reflejo de una etapa en la que ABHIR aprendió a convivir con todas sus contradicciones y a convertirlas en parte fundamental de su identidad artística.

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Lejos de organizar las canciones por similitudes sonoras o emocionales, el canario optó por enfrentar unas con otras, haciendo que los extremos dialoguen constantemente a lo largo de los 32 minutos que dura el álbum.

La intención era que el oyente pudiera pasar de una colaboración con Ralphie Choo a otra junto a ShakeDaBlock!, dos artistas con propuestas radicalmente distintas, y aun así sentir que todo forma parte de una misma conversación. “Hay un montón de decisiones como poner ‘Acapulco’ y luego ‘Plié Relevé’, o poner ‘Backflips’ y luego ‘Duomo’. Agarrar canciones que son contrarias y ponerlas juntas para que se complementen”, explica el artista sobre una secuencia pensada para que la dualidad del proyecto no solo esté presente en las letras o en la producción, sino también en la forma en la que se escucha el álbum.

Esa intención se hace evidente desde el primer minuto. Antes de que aparezcan las inseguridades, la vulnerabilidad o las dudas que atraviesan varios momentos del disco, la canción que abre el disco es ‘Ultra’, una melodía solemne, casi cinematográfica, que prepara al oyente para el viaje sonoro que está por comenzar. Su función es elevar el telón antes de desembocar en ‘Vanidad’, una de las canciones que mejor representa la faceta más segura y grandilocuente del proyecto.

“Me gusta entrar a los discos arriba de energía y con una sensación de fuerza”, comenta. Por eso, antes de mostrar las grietas y contradicciones que aparecerán más adelante en canciones como ‘Acapulco’, el artista prefirió comenzar celebrando la confianza en sí mismo, convirtiendo a ‘Vanidad’ en el primer gran manifiesto de la faceta Ultra del álbum. La transición también queda plasmada en el apartado visual. 

Por un lado, ‘Ultra’ aparece acompañada por la figura de un cisne, mientras ‘Vanidad’ hace lo propio con una excavadora, una imagen tan imponente como agresiva que funciona como representación perfecta de esa energía arrolladora con la que comienza el viaje. 

Si ‘Vanidad’ representa uno de los momentos más explosivos, la siguiente parada del recorrido introduce un matiz diferente. ‘Balasera Santana’, la primera colaboración del álbum, encuentra en la chilena AKRIILA la compañera perfecta para explorar una de las muchas contradicciones que atraviesa el proyecto: la convivencia entre el amor y la violencia emocional.

Para el canario, la presencia de la artista nunca estuvo en duda. Más allá de la admiración que siente por su trabajo, considera que posee una capacidad poco común para transmitir experiencias y emociones con una madurez que trasciende su edad. “Es una persona muy joven, pero canta con mucha madurez. Es como si me transmitiera que hubiera vivido un montón de cosas”, explica.

Sin embargo, la elección también respondía a las necesidades propias de la canción. Aunque ‘Balasera Santana’ es, en esencia, un tema de amor, su narrativa está atravesada por imágenes intensas y una carga emocional que roza lo destructivo. “Quería una canción de amor que tuviera una vuelta un poco violenta, porque habla de morir por amor”, comenta el artista.

En ese sentido, AKRIILA aportaba exactamente el equilibrio que la composición necesitaba. Según explica, la chilena posee una dualidad similar a la que da vida a ULTRASWAN: una sensibilidad evidente, pero también una oscuridad creativa que se manifiesta a través de la distorsión, la intensidad y la fuerza de sus interpretaciones. Una combinación que termina convirtiendo al tema en una de las primeras expresiones de cómo el álbum logra encontrar belleza incluso en medio del caos.

Si hay un momento donde toda la teoría detrás de ULTRASWAN se vuelve tangible, no está necesariamente en una canción específica, sino en un tramo concreto del tracklist. “Más que una canción, hay un momento que para mí resume lo que es Ultra, lo que es Swan y lo que son ambas juntas”, explica el artista. Ese instante llega justo en la mitad del recorrido. Después de ‘J22p’, aparece ‘Hermes’, una de las composiciones más delicadas del proyecto. Poco después, cuando la canción comienza a desvanecerse, irrumpe ‘Boostamante’, una pieza completamente opuesta en energía, intención y carácter, realizada junto a ShaketheBlock!.

Para el canario, esa transición representa el corazón conceptual del álbum. “Para mí ‘Hermes’ es la máxima expresión del Swan y ‘Boostamante’ es la máxima expresión del Ultra. Creo que ‘Boostamante’ es incluso la canción de la parte Ultra que más me gusta. Obviamente me encanta ‘Vanidad’, me encanta ‘J22p’, me encantan todas las canciones que están en esa faceta, pero esta tiene algo muy especial para mí. Tiene un replay value muy especial y siento que suena exactamente a lo que yo me imagino cuando pienso en Ultra”.

Pero más allá de lo sonoro, el momento también se sostiene en el encuentro creativo que hace posible esa energía. Sobre trabajar junto a ShaketheBlock!, ABHIR destaca la conexión inmediata en estudio y la personalidad del rapero dentro del track. “ShaketheBlock es una persona que tiene tanta personalidad y una forma tan peculiar de rapear que creo que va a tener su hueco en esta industria, de verdad lo pienso. Yo quería una colaboración de rap en el disco porque vengo de ahí, y no quería perder esa raíz. Meterlo en ‘Boostamante’ fue como traer a la canción al rapero que más me gusta ahora mismo”.

No obstante, la importancia de este punto del álbum no está únicamente en las canciones por separado, sino en la forma en que dialogan entre sí. “Con ‘Hermes’ pasa lo mismo pero en la parte Swan. Entonces, para mí, ese momento en el que está terminando ‘Hermes’ y empieza ‘Boostamante’ se siente como la tesis del disco. Es como un ‘wow’. Ahí están las dos caras. Ahí está todo lo que quería contar con ULTRASWAN”.

No es casualidad que esa transición ocurra justo en la mitad del proyecto. Después de varios temas moviéndose entre extremos, ese punto funciona como un encuentro entre ambos mundos: la sensibilidad y la fuerza, la introspección y el impulso, el cisne y la excavadora coexistiendo durante unos segundos en un mismo espacio.

“Creo que ‘Hermes’ y ‘Boostamante’ son mis canciones favoritas del álbum”, reconoce.

Curiosamente, mientras el artista identifica ese tramo como el núcleo conceptual del proyecto, el público ha encontrado otro punto de conexión inesperado. Según cuenta, una de las mayores sorpresas tras el lanzamiento ha sido el desempeño de ‘Acapulco’, una canción que el equipo esperaba que tuviera un papel mucho más discreto dentro del disco. “Pensábamos que iba a ser una de las canciones más pequeñas y está resultando ser una de las más grandes sin contar las colaboraciones”, comenta.  Aunque reconoce que no resume por sí sola todo el concepto del álbum, sí encuentra en ella algunos de los elementos que lo definen. “Tiene una sensación muy sensible, pero al mismo tiempo tiene mucha fuerza en lo que estoy diciendo. Entonces también sería un eje central del disco”.

La conversación sobre las colaboraciones continúa con uno de los nombres más reconocibles: Ralphi Choo en ‘Baby baby’. Su reencuentro dentro del proyecto no solo funciona como continuidad artística, sino también como una forma de medir el crecimiento de ambos desde su primera unión creativa, que ya había tenido lugar en SUPERNOVA, el álbum de Ralphi, concretamente en la canción que da nombre al proyecto.

 “Creo que los dos somos artistas más maduros, creo que los dos estamos más sueltos. Hemos crecido tanto como artistas de estudio como artistas de directo”, explica el canario. A su juicio, ese cambio no es solo técnico, sino también de seguridad y visión dentro del proceso creativo. “A Juan lo veo más grande, obviamente también porque tiene más edad, pero sobre todo lo veo más grande en las cosas que propone, en cómo se mueve en el estudio. Lo veo más seguro”.

Más que una simple evolución individual, el reencuentro con Ralphi Choo también funciona como una constatación de recorrido compartido dentro de una escena en constante transformación. “Creo que es una evolución natural, pero que no hay que dar por hecha, la de un artista tan único como él, que siga creciendo y siga abriendo nuevos caminos”. En ese sentido, el artista también menciona la influencia que otros proyectos del propio Ralphi ejercen sobre su forma de entender la música. “El disco en el que está trabajando justo ahora y que llegará pronto, creo que va a volver a hacer algo como el anterior, algo muy propositivo. Eso a mí me inspira mucho”.

En el penúltimo tema del disco, ‘Backflips’, llega la última colaboración, aunque su posición no le resta peso dentro del proyecto. Se trata de Ledbyher, una aparición que abre otra dimensión de ULTRASWAN donde la conexión —y la admiración— de ABHIR por escenas emergentes alejadas del radar más comercial queda completamente evidente. 

“A Ledbyher la quise traer porque yo quería hacer un puente entre la escena emergente de Londres, que es la escena que a mí más me gusta, la que más consumo ahora mismo”, explica. No se trata solo de una colaboración puntual, sino de una forma de diálogo con lo que considera una de las corrientes más interesantes del momento. “Yo lo que más estoy escuchando es música de Inglaterra. Ledbyher, Fimiguerrero o Lancey Foux son artistas que no son tan grandes todavía, pero para mí representan una nueva escuela, de las más interesantes del mundo”. En su visión, esta escena incluso supera en frescura a otros centros tradicionales de la industria. “Para mí son más interesantes incluso que lo que está pasando en Estados Unidos ahora mismo”. 

La presencia de Ledbyher en el álbum, en ese sentido, no es casual. Responde a una intención clara de conectar con ese movimiento antes de su consolidación global. “Tener a una integrante de esa nueva escuela en mi disco es un sueño. Yo siento que esto es algo que va a crecer muchísimo. De hecho, creo que Ledbyher va a ser gigante y toda esta escena también”.

ABHIR incluso reflexiona sobre la diferencia de percepción entre mercados y territorios, consciente de que estas corrientes aún no tienen el mismo impacto en todos los países. Aun así, insiste en su potencial de expansión. “Puede que en lugares como Colombia todavía no tenga tanto peso, pero creo que esta escena de Inglaterra tiene un potencial enorme, algo que podría convertirse en lo que fue Opium en su momento”.

Más allá de la referencia cultural, la colaboración también responde a una idea más íntima del proceso creativo del propio artista. “Uno de mis trabajos también es poder visibilizar el talento a tiempo, tener gusto para saber qué cosas van a aportar a mi carrera y a mi alma”. En ese sentido, Ledbyher encarna algo más personal dentro del proyecto. “Esto es como lo que el mini ABHIR pequeñito quería: cumplir sueños, trabajar con gente que admira, con escenas que consume y con lo que cree que es el futuro. Ledbyher es exactamente eso”.

El corte final de todo este viaje por la vanidad y el ego, por la fuerza y la vulnerabilidad, llega con ‘Duomo’, una canción que ya había sido mencionada como una pieza clave dentro del origen del proyecto y que, en retrospectiva, termina adquiriendo un peso casi estructural dentro del álbum.

“‘Duomo’, al haber sido la primera canción que hicimos, fue durante mucho tiempo la intro. Era lo que abría este proyecto”, recuerda el artista. Sin embargo, a medida que el disco fue tomando forma, esa posición inicial terminó desplazándose hacia el final, en un gesto que responde más a la narrativa emocional del álbum que a una lógica cronológica. “Decidí no poner ‘Duomo’ al principio porque la siento como un mensaje existencial, algo más profundo, como una pregunta de hacia dónde creo que voy yo. Sentí que ese tipo de mensaje tenía más sentido cerrando que abriendo”.

Esa decisión también redefine la lectura del proyecto completo, construyendo un recorrido que comienza desde la seguridad y la expansión de Ultra para terminar en un espacio más introspectivo y vulnerable, propio de Swan. “Creo que fue un acierto poner ‘Vanidad’ arriba y dejar ‘Duomo’ abajo, en vez de hacerlo al revés. Porque el orden también cambia completamente lo que dice el disco”. En el fondo, ‘Duomo’ condensa una de las capas más personales del álbum. “Es una canción que escribí cuando estaba un poco más triste, cuando no me sentía con tanta fuerza y estaba buscando una especie de fuerza mayor que me ayudara. Por eso se llama ‘Duomo’, que significa catedral en italiano. Tiene esa connotación religiosa”.

Más allá de su simbolismo, el tema funciona también como un espacio de fragilidad dentro del proyecto. “Para mí representa un poco la delicadeza que tengo yo, el hecho de que no estoy hecho de piedra. Y creo que es una canción con la que mucha gente puede empatizar cuando se siente low y necesita agarrarse a algo más grande que uno mismo”.

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Así, llega una pregunta que funciona casi como una pausa dentro de todo lo que ha implicado el proceso de ULTRASWAN: ¿qué es lo más gratificante que le deja este proyecto después de un año y medio de trabajo?

“Para mí, lo que más me enriqueció fue sentir que el proyecto está muy conectado a cómo yo me percibo y cómo yo imagino que sueno”, responde. A partir de ahí, su reflexión se convierte en una lectura casi interna del propio disco, donde la estructura, el orden y las decisiones creativas terminan diciendo tanto como las canciones.

“Es decir, el disco suena porque tiene ‘J22p’, que es una cosa rara, es una canción rara, pero luego tiene ‘Hermes’, que es una balada que a mí me encanta, en la que siento que lo di todo en esa letra, y después tiene ‘Boostamante’. La forma en la que van entrando las canciones es algo que siento muy conectado a mi personalidad”, explica. “Siento que es algo muy mío, sin querer sonar pedante, pero muy original también: que primero suene una cosa como ‘J22p’, que no tiene nada que ver con ‘Hermes’, y aun así convivan dentro del mismo disco”.

En ese sentido, la satisfacción no está únicamente en el resultado final, sino en la coherencia interna que logra encontrar al escucharlo completo. “Yo escucho el disco de principio a fin y siento orgullo de ver cómo va cambiando, cómo cada canción tiene su lugar. Incluso cuando terminas una canción con Ralphi Choo y empieza ‘Glasgow’, que no tiene nada que ver, igual sientes que todo está conectado de alguna forma”. Esa sensación, reconoce, ha sido una de las más repetidas en los días posteriores al lanzamiento. “Es algo que he escuchado mucho esta semana: que es un disco coherente. Y eso era algo que, honestamente, yo arriesgaba que no fuera así”.

“Siento esa gratificación de haber hecho algo coherente, y sobre todo de haber hecho algo propositivo”.

El universo de ULTRASWAN no se entiende únicamente desde lo sonoro. En lo visual, el proyecto despliega una capa cinematográfica que atraviesa portadas, videoclips y dirección creativa como parte esencial de su identidad. En ese sentido, el apartado audiovisual no funciona como complemento, sino como una extensión directa del propio disco.

“Para mí hay una cosa muy buena cuando sucede con los álbumes, que es que una imagen pueda explicarte cómo va a sonar el disco o qué propone el artista sin que el artista tenga que hablar”, explica el canario. En su caso, esa idea se materializa desde el primer contacto visual con el proyecto. “Creo que ULTRASWAN lo consigue con la portada”.

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Para el artista, esa imagen inicial no solo presenta el disco, sino que amplía su lectura conceptual. “La portada me ayuda a expandir la narrativa. La estética del nombre, cómo suena el nombre, ya te da una pista de que hay dos cosas, y la portada termina de cerrar esa conversación”. Una conversación que, según recuerda, se activó incluso antes de la salida del álbum. “Cuando salió la portada, se generó mucha conversación alrededor del proyecto, de que efectivamente iba a tratar del contraste y la dualidad”.

A partir de ahí, el trabajo visual se convierte en una herramienta para construir lenguaje propio. “Todo lo que es la dirección creativa amplía el universo para que la gente entienda los códigos que me han inspirado y pueda estar un poco en la misma página”. Pero más allá del concepto, también hay una intención clara de diferenciación estética dentro de la cultura visual contemporánea. “Para mí tiene un peso crítico. Es muy importante que lo visual esté bien enlazado y que, sobre todo, sea propositivo, que sea curioso, que no sean elementos de la cultura popular que ya están muy vistos o que se reutilizan constantemente”.

En su visión, esa construcción visual no solo vive dentro del proyecto, sino que termina filtrándose en el día a día del público. “Aquí metemos cosas que dices ‘ah, entiendo por qué esto es Ultraswan’. Eso me gusta, porque se mete un poco en tu vida cotidiana”. Incluso, reconoce que ese imaginario ya ha empezado a trascender el propio lanzamiento. “Ahora hay gente que me manda fotos de palas excavadoras en la calle, y eso es increíble. Es como si el proyecto hubiera penetrado su lenguaje y su imaginario personal”.

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En un proyecto que se mueve constantemente entre géneros, estéticas y emociones, la pregunta sobre el riesgo creativo aparece de forma casi inevitable. Desde su propio recorrido —marcado por la falta de etiquetas claras desde BROWN BOY—, ABHIR ha construido una propuesta que se resiste a encajar en una sola dirección, incluso en un contexto donde la industria tiende cada vez más hacia lo homogéneo.

“Yo la verdad es que hay muchos días en los que amanezco y me pregunto si he elegido un camino un poco más complicado”, admite. Pero esa duda, más que freno, funciona como parte del proceso. “Eso es una micra de todo lo que agradezco haber cogido este camino”.

En su reflexión, el mayor desafío no está en el riesgo en sí, sino en la relación con las tendencias y la dependencia que pueden generar dentro de la industria. “Hay una cosa muy peligrosa hoy en día que es la tendencia, y cuando un artista depende totalmente de la ola, nunca sabe cómo va a avanzar esa marea. Yo creo que me da seguridad no depender de la ola, sino sentir que tengo mi propia ola”, Una idea que, aunque reconoce que puede sonar ambiciosa, para él se ha construido con el tiempo y la constancia. “Eso igual suena un poco pedante, pero creo que es una realidad que se trabaja durante años, álbum tras álbum. No quiero decir que haya creado una escuela, porque no me siento así, pero sí que he intentado apostar siempre por lo que a mí me gusta, para que eso sea lo que la gente espere de mí”.

Esa coherencia, según cuenta, es también lo que le permite sostener las dudas cuando aparecen. “La micra de momentos en los que me pregunto si hice bien las cosas se disuelve muy rápido cuando veo que canciones como ‘Acapulco’ funcionan. Es una canción que no tiene nada que ver con lo que está sonando, pero la gente la está eligiendo, y eso me da mucha alegría”.

En ese contexto, la posibilidad de incomodar o dividir opiniones nunca ha condicionado el resultado final del disco. “No ha influido para nada en cómo he hecho el álbum. No he mantenido elementos de proyectos anteriores solo por contentar a mi público, y eso es algo que a una parte de mi audiencia puede no haberle gustado, pero también ha abierto a otra nueva”.

Para el artista, esa decisión responde a una convicción más profunda sobre el vínculo con su público. “No puedo estar a la merced de lo que quiera la gente. No puedo depender de eso, porque creo que les haría un mal si siempre hiciera lo que esperan de mí y no lo que yo siento que debo hacer”, y ahí es donde aterriza su conclusión, casi como una reflexión abierta sobre su propio camino creativo. “Al final, creo que hay que confiar en uno mismo. La pregunta real es: ¿por qué conecta mi público conmigo? ¿Porque hago lo que ellos quieren o porque conectan con lo que yo considero que tengo que hacer?”.

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Si retomamos a los filósofos, encontramos que para Jung la psique humana solo puede entenderse plenamente cuando integra sus partes en conflicto —la sombra, lo consciente, lo reprimido—. Para Nietzsche la identidad no es una esencia fija sino un proceso de superación constante. Así, ULTRASWAN puede leerse como un punto de encuentro inesperado entre ambas lecturas. No desde lo teórico, sino desde lo vivido: ABHIR no intenta resolver la tensión entre opuestos ni decantarse por uno de sus extremos, sino sostenerlos como fuerzas activas dentro de una misma narrativa. En ese sentido, lo que la filosofía plantea como reflexión sobre el ser, el álbum lo traduce en experiencia sonora, donde el conflicto no se elimina sino que se convierte en estructura creativa.

Por eso, más que un concepto puntual o una etapa en su carrera, ULTRASWAN termina funcionando como una afirmación de permanencia. Un proyecto que no solo dialoga con su presente creativo, sino que se proyecta más allá de él por la solidez de su idea central y la forma en que la convierte en sonido, imagen y narrativa. En esa convergencia de opuestos, el álbum se sostiene como una de esas obras que no se agotan en su momento de lanzamiento, sino que permanecen, precisamente, porque entienden que la identidad —como la música— también es múltiple, cambiante y difícil de fijar en una sola forma.

Así, y tras un año y medio de trabajo en el proyecto, ABHIR mira hacia adelante sin plantear una pausa real, sino una continuidad que se desplaza entre los escenarios y el estudio. Durante los próximos meses emprenderá una gira que se extenderá entre octubre y febrero, con presentaciones por distintos puntos de España y Europa, incluyendo ciudades como Londres y Berlín, además de un cierre especial previsto en Gran Canaria. Mientras tanto, el álbum seguirá ocupando el centro de su atención, permitiendo que el álbum continúe desarrollando su propio recorrido antes de pensar en nueva música.

Esa mirada hacia el futuro también incluye el deseo de fortalecer su vínculo con Latinoamérica. Entre los territorios que espera visitar se encuentran Colombia, Chile y México, países donde confía en poder encontrarse próximamente con nuevas audiencias. Más que acelerar el siguiente capítulo, el artista parece decidido a dejar que este proyecto siga creciendo a su propio ritmo, mientras prepara una nueva etapa marcada por los escenarios, la expansión internacional y la misma voluntad de exploración que atraviesa todo ULTRASWAN, una búsqueda que, al menos por ahora, parece estar lejos de agotarse. 

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María SOA y Sara Faro han atravesado un sinfín de experiencias, reflexiones y cuestionamientos que hoy toman forma en Tertúlia, su nuevo álbum de estudio. Con este trabajo, el dúo gallego abre un espacio de encuentro para quienes estén dispuestos a escuchar, dialogar y debatir sobre algunas de las cuestiones que atraviesan su universo creativo: los afectos, la lucha por la libertad individual y la justicia social, el imaginario gallego y el legado de aquellas tataravoas que, hace más de un siglo, ya trabajaban, cuidaban y compartían saberes en comunidad. Mujeres que, en esencia, ya hacían tertulia. 

En este nuevo disco, Fillas de Cassandra emprende una exploración sonora que trasciende lo estrictamente personal para adentrarse en un territorio colectivo y colaborativo de la mano de Çantamarta. El proyecto se atreve a incorporar géneros, hasta ahora, inéditos en su repertorio, sin renunciar a una identidad artística construida sobre bases electrónicas, melodías de raíz gallega y letras atravesadas por una mirada claramente feminista. El resultado es una obra que amplía sus horizontes musicales mientras reafirma la esencia que ha definido al grupo desde sus inicios.

Lee aquí la entrevista que ROLLING STONE en Español tuvo con Fillas de Cassandra: 

Están presentando su álbum Tertúlia. Quisiera que me contaran la historia detrás de este material, de dónde nace la inspiración, concepto o necesidad de crearlo.

Sara: Primero fue intentar entender qué habíamos compuesto intuitivamente, porque después vino el nombre de Tertúlia. En estos tiempos, hemos notado una vuelta a unos pensamientos bastante conservadores, que nos están tirando unos años para atrás. Tenemos que mantenernos fuertes en nuestras posiciones. Es un momento muy individualista, que precisamente deshace la posibilidad de desarticular la lucha social, porque si no, no sentimos empatía. Si no conocemos a la vecina, cómo vamos a sentir empatía desde algo tan básico como eso. Para nosotras, la tertulia es el hablar, pero sobre todo, es el lugar de encuentro para que esto se pueda dar. 

¿Cuál fue la transición más importante de Fillas de Cassandra en este álbum? ¿Qué cambió más notorio encontraron en su composición, producción y proceso creativo? 

María: Creo que, aun con todas las expectativas que se ponen sobre un segundo disco, fue la calma con la que tratamos toda la parte de composición. Lo fundamental es que no existió cambio en la ilusión a la hora de tener las ideas. Este es el cambio más significativo. Hicimos las cosas con paz y armonía, que vienen de todos estos años de experiencia para saber qué cosas nos apetecen hacer. También sabemos no tener vergüenza alguna a la hora de hacer las cosas que realmente quisimos. Creo que es un cambio muy grande. En el primer trabajo, sí se palpaba hacer las cosas a lo loco, y en este disco, era muy difícil seguir haciendo las cosas así. Me parece muy importante haber tenido la calma para hacerlo. No hubo tantos cambios, pero si fue una sinvergüenza mayor. Hicimos lo que nos apetece, como un juego. 

Además de que sus dos mentes creativas se unen de manera muy equilibrada. 

María: Claro. Es que los Çantamarta, que son los productores del álbum, nos dijeron: ‘Vosotras, enseguida, se meten en una tésis doctoral cada vez que habléis de un tema’. Nosotras discutimos, pero en la parte buena de la tertulia de decir: ‘Vamos a llegar hasta la cuesta final de esta cuestión, cuando ya no tenga nada de sentido. Vamos a reflexionar al final y casi que vamos a discutir por lo contrario para ver qué pasa’. Así llegamos a lugares muy interesantes y se ve en una letra que habla de las dos. 

Sara: En este caso, fue muy interesante trabajar con referentes que estaban fuera de la música y que venían de otras artes. Son otros universos de otros artistas para hablar de nuestros sentimientos y encontrar un punto en común. Creo que también nos referimos a otras artistas, para acoger sus discursos iconográficos y ayudar a encauzar sus sentimientos de cada una a través de la obra. 

María: Cuando empezamos el proyecto fue: comenzar con la música y también hablar cómo es la otra persona. Sabemos de dónde parte y pudimos hablar más de sentimientos a comparación del trabajo anterior. 

Con todas estas respuestas tan profundas, me pregunto: Si no fueran cantantes, ¿qué les gustaría ser?

María: Aunque ahora no nos dedicamos al arte escultórico, acabamos de hacer una exposición de esculturas. Pienso realmente que no seríamos únicamente músicas, porque creo que ya estamos ahondando en el arte, y, sin eso, no sé si me vería habitando este mundo. 

Sara: Es que el arte es una manera de comunicar muy fuerte. Es casi imposible de no tener para alguien que tiene inquietudes artísticas, que en verdad es todo el mundo. 

María: Llegaríamos a la música de cualquier forma, aunque fuéramos pintoras o lo que sea.

Sara: O ingenieras [Risas].

Justo tienen una canción en donde mencionan su amor a las artes, donde no siempre se necesita el lenguaje para expresarlo. 

Sara: Totalmente. Hay muchas maneras para nosotras, no solo está la palabra. No hay que centralizar solamente el texto, y creo que de ahí parte Tertúlia. 

María: La tertulia puede ser un baile en el que no dices nada pero te estás comunicando y generando un espacio de comunidad. 

Sara: Además, la mayoría de veces, el silencio es donde más se comunica. Tener espacios para esos silencios dentro de la conversación, implica que la conversación puede darse con pausa y puede extenderse en el tiempo. No tiene que ser con la prisa frenética de contarlo todo a la de ya. Podemos esperar. 

Mencionaron un poco sobre su trabajo en este disco con Çantamarta. Cuéntenme sobre esta experiencia.

Sara: Entendieron nuestra visión desde un respeto absoluto para saltarse todas las normas. Esto fue lo más interesante. Nosotras llegábamos con una canción, a la que no le poníamos en principio ningún ritmo, pero en nuestras cabezas resonaba algo de la música tradicional, y la lectura de ellos era desde cualquier otro lugar rítmico. Esto nos volaba la cabeza. 

María: Nos dieron un repertorio enorme de posibilidades a la hora de la producción y de los instrumentos para saber cómo entender los diferentes géneros, para, además, tener la total confianza de entenderlos todos. Nos sentimos súper cómodas con ellos. Ahora tenemos una amistad muy fuerte. Tenemos mucha emotividad con esto. 

Pasan de ritmos muy drásticos con mucha naturalidad. 

María: Son unos sinvergüenzas, como nosotras ahora [Risas]. Nos ayudaron a serlo aún más. Eso te ayuda a cualquier lugar.

Sara: A todas partes.

¿Cuál dirían que es el eje o mensaje principal del álbum?

María: Uf, qué complicada. Dentro de una Tertúlia entran muchísimas cosas de las que hablar, unas con mucha importancia, y otras con ninguna, pero todas sin igual de importantes. Quizá ese es el mensaje: estáte listo, y ten los oídos abiertos, para escuchar y hablar con tranquilidad, con el tiempo que sea necesario. Habla y organízate mucho. También deja que entren otros discursos. Hay que crear comunidad de nuevo. 

Sara: Pequeñito el mensaje, eh [Risas]. 

María: Hay que ser cuidadosos con los otros discursos porque hay una ofensiva muy clara, pero sí hay que saber escuchar y platicar tranquilamente. 

No querer estar a la defensiva. 

María: Justo eso es: no querer tener la razón frente a todos. 

Hablando del lado sonoro, ¿cómo fue la experiencia tan transformadora y experimental?

María y Sara: [Risas]

Sara: Fue tan divertido probar de tantas maneras. Hay muchas cosas que quizá en el primer disco son muy ajenas, como el grito y el alboroto. 

María: Pero llegó el momento de probar de todas las maneras. 

Sara: Tuvimos la suerte de poder arriesgarnos inmensamente para probar cualquier género, además de tratar las canciones en diferentes géneros. Esto fue muy interesante, para después hacer una elección de las finales. Tuvimos el placer de hacer las canciones de tantas maneras, que llegar hasta este resultado, sonoro y musical, fue la prueba final. El camino fue la experimentación. 

María: Tener tiempo para hacerlo fue lo mejor. 

Algo que me parece sumamente importante de destacar es su lírica y mensaje, que son atravesadas por un letras claramente feministas. Cuéntenme un poco de esto.

Sara: En este disco, mucho punto de partida fueron los universos artísticos de otras mujeres creadoras a las que admiramos, que son de todos los ámbitos. En nuestro momento de creación, nos llevamos muchos libros. Entonces ellas, a lo largo de estos años, nos han inspirado. Hemos recogido citas, y durante el proceso de composición, cuando nos quedábamos arrancadas o lo que fuera, nos dábamos un rato para leer nuestras citas y volvíamos con cosas frescas. 

María: Nos ayudó mucho porque fue la primera vez que compusimos un disco todo a la vez. Pasábamos de una canción a la otra en la residencia, entonces era muy difícil separar los conceptos tan claros. Cómo no reiterarlo si lo que te está atravesando es lo mismo que hace dos minutos. El mensaje era verlo de qué manera y cómo lo estábamos viviendo, para así transmitirlo a través de nosotras y nuestras emociones. Sí fue un arduo trabajo. Sí nos teníamos que poner de acuerdo en cada palabra, imagínate [Risas].

¿En qué momento llega Tertúlia?

María: Pienso más en lo que nos va a dar Tertúlia, sin poner expectativas. Pero creo que estamos en un momento donde, por fin, nos podemos dedicar únicamente a esto. Podemos llevar la música a más sitios. Tertúlia llega en un momento de calma, pero también de ilusión y de efusividad que ojalá siga, por lo menos dos años. 

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La masiva despedida pública de Carlos “Indio” Solari en Avellaneda llegó a su fin este lunes por la mañana. Tras horas de homenaje popular y una multitud que pasó frente al féretro para darle el último adiós, el entorno del músico compartió un mensaje en redes sociales para anunciar el cierre del velatorio y agradecer el acompañamiento de los seguidores.

“Ya está. Todas y todos los que tuvieron la posibilidad de acercarse a despedirlo, lo hicieron”, comienza el texto difundido desde la cuenta oficial de Solari. “Él nos anticipó que las despedidas son estos dolores dulces. Lo que no nos avisó fue que dolores dulces como estos iban a durar toda nuestra vida”, agrega.

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Según relató su entorno, Solari dejó encendido el equipo Marshall de su guitarra y el sistema de sonido donde escuchaba las canciones en las que trabajaba. “Nos sugirió, así, que la música debía seguir sonando, más allá de lo que ocurriese. Hagamos eso. Que su música no pare nunca más”, expresaron en el comunicado.

La despedida del Indio comenzó mucho antes de la apertura del velatorio. El viernes, apenas se confirmó la noticia de su muerte, miles de seguidores se congregaron espontáneamente en distintos puntos del país. La Plaza de Mayo, en Buenos Aires, fue uno de los principales escenarios, pero también hubo homenajes en parques y espacios públicos de todo el país.

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El sábado, la convocatoria se trasladó al Obelisco porteño, el punto de encuentro por excelencia de la capital argentina. A la noche, el homenaje más emotivo fue el show que Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado ofrecieron en Comodoro Rivadavia. El concierto, seguido además por streaming, se centró en la obra de Solari con una banda conmovida, pero que decidió honrar a su compañero con canciones.

Finalmente, el domingo tuvo lugar el velatorio público en el Polideportivo José María Gatica de Villa Domínico, en la ciudad bonaerense de Avellaneda. Desde temprano, una extensa fila de seguidores que llegó a superar las 50 cuadras se acercó para rendir homenaje al artista.

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La jornada estuvo marcada por la emoción, los aplausos, los cánticos y las muestras de afecto de miles de personas que quisieron despedir a su ídolo. El ingreso al predio estuvo delimitado por un vallado escoltado por policías que quedó cubierto por banderas y carteles, ramos de flores y pañuelos.

En la antesala a la capilla ardiente, una pantalla transmitió durante toda la jornada lo que pasaba en el interior, donde se encontraba el féretro, rodeado de fotos, camisetas, flores y banderas. Arriba, una gran bandera negra con la palabra Indio en su clásica tipografía y la fecha del transcurrir de su vida: “1949 – ∞“.

Adiós, Indio: “Ojalá nos encontremos en un planeta más amable”

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