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A punto de cumplir cuarenta años, Nora (Natalia Plascencia) descubre que la adultez no se parece en nada a la versión que imaginó cuando era joven. Su relación sentimental atraviesa una crisis, el desempleo amenaza su estabilidad, los conflictos familiares siguen abiertos y el futuro parece más incierto que nunca. A partir de esa premisa, La vida es se convierte en una exploración de las expectativas incumplidas y de la necesidad de reconstruirse cuando los pilares que sostenían nuestra identidad comienzan a tambalearse.
El guion de Lorena Villarreal e Ian Martin parte de Que no se case Kelly, una historia original de Diana López y Alba Garza, para construir un retrato contemporáneo sobre las crisis afectivas, familiares y existenciales que acompañan la entrada a la madurez. La directora Villarreal (Silencio, Las lloronas), aborda estos temas desde una estructura fragmentada que salta constantemente entre presente y pasado. Los flashbacks, la ruptura ocasional de la cuarta pared y la división narrativa entre distintos personajes permiten observar una misma historia desde perspectivas complementarias. Lejos de sentirse dispersa, la película encuentra coherencia en las emociones de sus protagonistas, mujeres que intentan comprender quiénes son cuando dejan de definirse únicamente por sus relaciones, sus trabajos o sus responsabilidades.
Nora nunca aparece como una víctima de las circunstancias ni como una heroína ejemplar. Es una mujer contradictoria, impulsiva, vulnerable y profundamente humana. A su lado, Naian González Norvind aporta una sensibilidad distinta con Ely, un personaje que funciona como espejo emocional y contrapunto narrativo. La química entre ambas resulta fundamental para que la película encuentre autenticidad en sus momentos más íntimos.
La actriz chilena Paulina García (Gloria, Querido trópico), se adueña de cada escena en la piel de Greta, una figura cuya presencia atraviesa gran parte del relato. Más que un personaje secundario, representa una filosofía de vida que la película utiliza para reflexionar sobre la aceptación del dolor, la pérdida y la capacidad de seguir adelante incluso cuando las respuestas nunca llegan del todo.
Villarreal no reduce la experiencia femenina a un único conflicto. La película habla del amor romántico, pero también de la amistad, la maternidad, la sexualidad, la muerte, los vínculos familiares y la violencia que atraviesa la vida cotidiana de muchas mujeres mexicanas. Temas complejos que aparecen integrados de forma orgánica dentro de una narrativa que nunca pierde de vista a sus personajes.
La fotografía de Matías Goth aprovecha los paisajes de Baja California para construir imágenes luminosas que contrastan con la confusión emocional de los personajes. Las playas, los caminos abiertos y los espacios naturales funcionan como extensiones del viaje interior que experimenta Nora. La banda sonora de Jesse Voccia termina de reforzar esa mezcla de nostalgia, melancolía y esperanza que atraviesa toda la película.
Más que una historia sobre la crisis de la mediana edad, La vida es habla de la capacidad de aceptar que la vida rara vez ocurre como la planeamos. Lorena Villarreal encuentra belleza en ese caos cotidiano y construye una película profundamente empática con quienes alguna vez han sentido que llegaron a una etapa de su existencia sin las respuestas que esperaban encontrar.
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Adaptar a Haruki Murakami al cine siempre ha sido una tarea complicada. Sus historias rara vez dependen de la trama; funcionan a partir de estados de ánimo, silencios, recuerdos fragmentados y elementos surrealistas que irrumpen en la realidad con absoluta naturalidad. Por eso resulta tan interesante que Pierre Földes, un compositor de música para videojuegos (Hitman: Blood Money, Robotech: Invasion) haya optado para su ópera prima por la animación para acercarse de una forma fluida y orgánica a un universo literario que muchas veces parece resistirse a cualquier forma convencional de representación.
Földes entrelaza seis relatos del escritor japonés (Sauce ciego mujer dormida, Rana salva Tokio, Todos los hijos de Dios bailan, Tailandia, Pastel de miel y La mujer del martes y el pájaro que da cuerda al mundo), en una narrativa coral situada después del terremoto que sacudió Japón. Sin embargo, el desastre natural funciona más como una onda expansiva emocional que como un acontecimiento físico. Los personajes caminan por una ciudad aparentemente intacta mientras sus vidas se desmoronan por dentro. Matrimonios que se rompen, oportunidades perdidas, sentimientos de culpa y una profunda sensación de desconexión recorren cada una de las historias.
La película encuentra en la animación un vehículo ideal para trasladar la lógica de Murakami al cine. Aunque técnicamente no utiliza rotoscopia pura, su estilo visual recuerda inevitablemente a las exploraciones metafísicas de Richard Linklater en Waking Life y A Scanner Darkly, donde los personajes parecen existir en un estado intermedio entre lo real y lo imaginado, como si estuvieran flotando dentro de un sueño del que nunca terminan de despertar. Esa sensación de inestabilidad permanente encaja perfectamente con la escritura de Murakami.
También hay ecos de obras como Donnie Darko y Twin Peaks. No porque compartan historias similares, sino porque las tres entienden que lo extraño resulta más inquietante cuando aparece sin explicación. Un sapo gigante que conversa sobre filosofía, gatos que desaparecen y reaparecen, personajes que parecen conocer secretos imposibles o encuentros que desafían cualquier lógica racional forman parte de un mundo donde lo extraordinario convive con lo cotidiano sin necesidad de justificarse.
Lo admirable es que Földes evita convertir estos elementos en simples curiosidades surrealistas. Bajo la fantasía existe una reflexión constante sobre la soledad, el paso del tiempo y la incapacidad de las personas para comunicarse realmente entre sí. Como ocurre en las mejores novelas de Murakami, los acontecimientos más extraños terminan revelando emociones profundamente humanas.
La película posee una belleza discreta y melancólica. Los fondos acuarelados, los espacios vacíos y los personajes que parecen desdibujarse en ocasiones transmiten una sensación de fragilidad permanente. Todo parece a punto de desaparecer, como un recuerdo que se desvanece lentamente.
Más que una adaptación literaria canónica, Sauce ciego, mujer dormida captura algo mucho más difícil: La atmósfera emocional de Murakami. Esa mezcla de tristeza, humor absurdo, deseo, misterio y nostalgia que convierte sus relatos en experiencias tan difíciles de explicar como de olvidar. Es una película que no busca respuestas ni conclusiones claras. Como los sueños, simplemente invita a dejarse arrastrar por la corriente y aceptar que algunas preguntas no están hechas para ser resueltas.
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Tras varios años sin publicar un álbum de estudio, Cultura Profética regresa con En Bucle, un trabajo que marca una nueva etapa para la banda puertorriqueña. Más íntimo, romántico y luminoso que sus antecesores, el disco surge como una respuesta personal y emocional a un momento marcado por la sobreinformación y el agotamiento colectivo.
Conversamos con Willy Rodríguez sobre el proceso creativo detrás del álbum, la importancia de tener finalmente un estudio propio, la colaboración con nuevos compositores y el futuro de una de las agrupaciones más influyentes de la música latinoamericana.
¿Cuál fue el detonante para hacer En Bucle?
Ya era más que tiempo de tener un disco nuevo. Además, desde hace dos años tenemos nuestro estudio propio por primera vez. Acabamos de cumplir 30 años y nos tomó 28 tener un estudio, así que sentíamos que ahora sí teníamos las herramientas para sacar música constantemente.
Nos metimos a producir hace exactamente un año y muchas cosas se acomodaron. No todo fue positivo; también hubo rupturas y desilusiones. Pero incluso esas experiencias me llevaron al lugar emocional correcto para crear este disco tan meloso. Porque sí, es un disco muy meloso.
Hay canciones que hablan de temas difíciles, pero la energía general del álbum está atravesada por el amor. Sentí que lo que necesitaba era hacer música que me hiciera sentir bien y que también hiciera sentir bien a los demás.
El disco parece alejarse de los temas sociales que tradicionalmente han abordado.
Sí. Nosotros siempre hemos hablado de temas importantes y de situaciones sociales que merecen atención. Pero sentí que el mundo está atravesando un momento en el que las malas noticias nos persiguen desde que despertamos y miramos el celular.
Las redes sociales exigen que tomes postura sobre todo. Parece una competencia permanente por demostrar quién está del lado correcto de la historia. Y muchas veces las personas opinan sin entender realmente los contextos históricos o geopolíticos.
Llegó un punto en que pensé: basta. Quiero hacer música que funcione como un abrazo. Eso no significa volvernos indiferentes ni dejar de preocuparnos por lo que pasa, pero ya no depende exclusivamente de la música generar conciencia. El activismo está en todas partes.
Sentí una necesidad extrema de crear canciones que acompañaran y permitieran respirar un poco.
¿Cómo fue el proceso de composición y producción?
Yo compongo la mayoría de las canciones, pero esta vez trabajamos de una manera distinta. Antes nos reuníamos a improvisar y construir las ideas juntos. En este álbum gran parte de las canciones nació a partir de patrones de batería que yo creaba.
Primero construíamos el ambiente musical y después llegaban las letras. Era como decir: ya tenemos la música, ahora hagamos la canción.
Todo el mundo aportó desde la personalidad de su instrumento, pero es un disco bastante íntimo, muy personal.
Además, por primera vez compuse con otras personas. Trabajé con Jayce, de Perú, con quien escribimos dos canciones, y también con Spreadlof, un compositor español que ha trabajado con muchísimos artistas y que recientemente ganó un Grammy junto a Alejandro Sanz.
También hay canciones escritas por otros autores.
Sí. Hay un tema escrito por Mati Zapata, tecladista y director musical de Dread Mar I. Escuché una versión que subió a Instagram y me enamoré inmediatamente de la canción. Le pedí permiso para grabarla y luego terminé de desarrollar la letra para convertirla en una canción completa.
También hay una composición de Frido Vargas, uno de los integrantes más recientes de Cultura Profética. Tiene apenas 26 años y es un genio: toca prácticamente todos los instrumentos, canta increíble y escribe muy bonito.
Todo eso terminó dándole al disco una personalidad distinta y una variedad de estilos que antes no habíamos explorado tanto.
¿Hay una canción que represente el corazón del álbum?
No diría que hay una sola canción que sea el alma del disco, pero En Bucle, la canción que le da nombre al álbum, resume muy bien su espíritu.
Tiene un sonido muy representativo de Cultura Profética. Si alguien piensa en nuestra banda, esa canción recoge muchos de los elementos que nos caracterizan.
En tiempos donde predominan los álbumes cortos, ustedes lanzan un disco extenso.
Las canciones son catorce, aunque hay varios interludios y notas de voz que completan la experiencia.
Para nosotros era importante que el álbum funcionara como una obra completa, no simplemente como una colección de canciones. Queríamos que hubiera una narrativa y que una canción condujera naturalmente hacia la siguiente.
Incluso organizamos el repertorio como si fuera un vinilo clásico, con un lado A y un lado B. En el lado A están las canciones más directamente asociadas al amor y a la dulzura; en el lado B aparecen los temas relacionados con la duda, la distancia y las rupturas.
¿Cómo ven hoy el lugar que ocupa el reggae en América Latina?
Yo siento que Cultura Profética es mucho más que una banda de reggae, aunque evidentemente nuestras raíces están ahí y nos sentimos orgullosos de representar esa estética.
Lo que sigue vivo dentro del reggae latino es el respeto por la música y por los temas que aborda. Hay una energía muy bonita alrededor de esta escena.
Quizás lo que faltó fue una mayor colaboración entre los grupos. Los artistas urbanos entendieron que trabajar juntos fortalecía el movimiento entero. En el reggae latino eso ocurrió mucho menos y creo que ahí hubo una oportunidad perdida.
Los tiempos cambiaron, muchos artistas tomaron otros caminos y los que seguimos aquí somos pocos. No ha sido fácil.
Han logrado conectar con nuevas generaciones. Un ejemplo fue la invitación a Chuwi en Puerto Rico.
Precisamente los invitamos porque vimos en ellos algo que nos recordó muchísimo a nuestros inicios.
Cuando los escuché sentí la misma autenticidad que teníamos nosotros en los años noventa. No importa que el estilo sea diferente; la honestidad artística se reconoce de inmediato.
Fue perfecto para abrir aquella noche porque ayudaron a establecer el ambiente que queríamos crear.
¿Hay artistas jóvenes que estén siguiendo de cerca?
Me encanta Jayce. Es un talento impresionante.
Mucha gente lo conoce principalmente como rapero, pero también es un gran cantante, compositor y músico. Tiene una personalidad artística muy definida.
Siempre admiro a los artistas que son completamente ellos mismos. Puedes encontrar referencias o influencias, pero hay algo inconfundible en su propuesta. Jayce tiene precisamente eso.
¿Qué sigue para Cultura Profética?
Por primera vez en nuestra carrera decidimos detenernos un tiempo. No porque estuviéramos obligados, como ocurrió durante la pandemia, sino porque sentimos que el proyecto necesitaba un respiro para renovarse.
Queremos que la gente viva este disco con calma. En septiembre comenzaremos una gira reducida por algunas ciudades clave y, a partir de febrero del próximo año, arrancará la gira completa.
Tenemos mucha fe en este álbum. Creemos que va a conectar profundamente con la gente y que nos abrirá nuevas puertas.
Además, vamos a grabar varias sesiones en vivo y a trabajar más activamente en las plataformas digitales. Tener un estudio propio facilita muchísimo todo eso.
Y ya estamos pensando en el siguiente disco. En Bucle es nuestro primer álbum junto a Rimas Entertainment y el acuerdo contempla dos discos. Queremos aprovechar este impulso y no volver a esperar tanto tiempo entre un lanzamiento y otro.
Siento que estamos entrando en un nuevo escalón dentro de la historia de Cultura Profética. La idea es seguir haciendo toda la música posible y, si se puede, continuar otros 30 años más.
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Parece ser que la temporada de Babylon Club de Danny Ocean todavía no termina. Con su nuevo EP, babylona blue, el cantautor venezolano reveló una selección de canciones que habían permanecido ocultas dentro del universo creativo de su más reciente álbum de larga duración. El material captura la esencia de los días de verano, el amor sin prisas y la sensación de libertad que el artista ha convertido en su distintivo con el pasar de los años.
Conformado por ocho canciones, babylona blue atraviesa una mezcla de géneros como el reggae, afrobeats y pop, incluyendo colaboraciones especiales de Ryan Castro en ‘Desahógate’ y Timbaland en ‘Don’t Stop’. Este último ha colaborado con grandes estrellas como Beyoncé, Rihanna, Madonna y Justin Timberlake, consolidando la visión internacional de Danny Ocean.
babylona blue es parte creativa de Babylon Club que salió en 2025. El material está conformado por 14 canciones y cuenta con la colaboración de grandes estrellas internacionales como Sech, Kapo, Kenia Os, Arcángel, Aitana y El Alfa. En ese año, Danny Ocean, en su historia de portada con ROLLING STONE en Español, dijo sobre el álbum: “Estoy bien contento, la verdad. Este disco me lo vacilo full. A veces uno es muy picky con su trabajo, pero con este… me siento bien”.
Por ahora, ya puedes escuchar babylona blue en todas las plataformas streaming.
TRACKLIST BABYLONA BLUE
- ¿Por qué dudas de mí?
- Desahógate ft. Ryan Castro
- Caramel
- Real Time Love
- Don’t stop ft. Timbaland
- Si tu supieras…
- Calefacción
- Quelomamen
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Con el paso del tiempo, resulta cada vez más difícil encontrarse con música que represente algo más allá de lo comercial; música con identidad, mensaje y propósito. En medio de esa búsqueda, muchas veces abrumadora y marcada por la homogeneidad de sonidos y letras, Afro Legends presenta un proyecto en el que, como ellos mismos lo expresan, se entrelazan la sabrosura y la resistencia, lo ancestral y el presente.
Conformada por Liam V, nacida en Guapi; Sterling Delpa, nacido en Chocó; y Flowsiao, nacido en Buenaventura, Afro Legends se erige como un tridente artístico que lleva consigo un mensaje cultural de resistencia y reivindicación identitaria. Precisamente, esa premisa se ve reflejada en su álbum debut: Chobugu Dioses.
“Cada verso, cada jerga, es un ancestro recuperando su nombre”, afirma Sterling Delpa sobre la música de la agrupación. “Mis trenzas son la conexión directa con los que vinieron antes que yo”, se presenta Flowsiao. “Nací mortal en el Pacífico, renací diosa en el micrófono”, declara Liam V. Dancehall pacífico de sabrosura y resistencia: eso es Afro Legends.
Así como hace más de una década Chocquibtown presentó a su región y a su gente en ‘De dónde vengo yo’, Afro Legends hace lo propio en la primera canción de su álbum debut: ‘Chobugu (Rey del monte)’. El tema funciona como un abrebocas perfecto para un disco que tiene mucho que decir, que suena a pasado, presente y futuro, y que actúa como un megáfono para denunciar problemáticas que con frecuencia permanecen invisibilizadas y para presentar la verdadera identidad de su región. Chobugu Dioses es, ante todo, un grito de identidad.
Esta primera gran producción cuenta con colaboraciones de la maestra Nidia Góngora, Alexis Play, Semblanzas del Río Guapi, Kombilesa Mí y otros artistas fundamentales de la escena afrocolombiana. En ‘Blackface’, junto a Kombilesa Mí, la agrupación construye un puente sonoro entre el Pacífico y el Caribe para cuestionar los privilegios heredados del colonialismo y la apropiación cultural que, en muchas ocasiones, se ejerce desde una lógica puramente lucrativa.
“La existencia negra es ilegal / Y a mi gente la ley no cobija / Aquí nací, dicen que no soy de aquí / Que me vaya sin comida y sin cobija / Aquí nací y dijeron que no era de aquí / negro devolvete a tu país” cantan en ‘Aquí nací’; “Que imiten mi acento no me representa / Esas acciones que parecen todas buenas / Son para lucrarse, no me representa” expresan en ‘Blackface”; “Desde el silencio que me agobia / Una sombra que me aterra / Una peste que emperfuma con su maldad toda mi tierra” rapean en ‘Dime si puedo 2’, canción sobre las guerras y enfrentamientos que terminan dañando al pueblo y al campesino, al que no tiene nada que ver; “Que lo del negro es robado / Que porque anda cambiado / Es que lo mío es guerriado, igual van a hablar / Supuestamente no podemos sumar” interpretan en ‘Lo del negro es robado’, una crítica a estigmas sociales obsoletos; “Negro de casa, negro de campo / Negro que habla de negro no es acto / Negro que envidia a su hermano no es merecedor del título hermano, paisano” expresan en ‘Negro de casa o de campo’.
Y así podríamos seguir citando versos de canciones cargadas de mensajes elocuentes, incómodos, necesarios y profundamente potentes. Es precisamente eso lo que permite que un artista sobresalga en medio de una marea homogénea de propuestas que, en muchos casos, parecen concentrarse únicamente en alcanzar la fama. Tener un propósito que trascienda lo individual y lo económico, y que apunte al bienestar colectivo, marca la diferencia. En Afro Legends esa intención es clara: incomodar para derribar velos de mentira, cuestionar estigmas y exponer realidades que durante mucho tiempo han permanecido ocultas o simplemente no vistas.
No hace falta extenderse demasiado cuando la música y las letras hablan por sí solas. Chobugu Dioses es una declaración de principios, una obra que encuentra en el arte una herramienta para la memoria, la resistencia y la reivindicación cultural.
Todo indica que, en los próximos años, esta agrupación del Pacífico colombiano se consolidará como un referente artístico y cultural en la defensa y visibilización de la identidad afrocolombiana.
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