Parece que el Grinch aún tiene mucho que enseñarnos sobre el espíritu navideño. Imagine Entertainment y Universal ya trabajan en una secuela de la icónica película de 2000 Cómo el Grinch robó la Navidad, y todo apunta a que Jim Carrey podría regresar para interpretar una vez más a uno de los personajes más entrañables y recordados de su carrera. Según informes recientes por The Hollywood Reporter, el actor se encuentra en negociaciones para retomar el papel del famoso gruñón verde.
En esta secuela, Ron Howard también se encuentra en la lista de regresos esperados para la cinta, nuevamente como director. El cineasta trabajará junto a su socio de Imagine Entertainment, Brian Grazer. El equipo creativo también será conformado por Alec Berg, Jeff Schaffer y David Mandel en el guion.
El medio también compartió que aún no hay detalles de título para esta nueva secuela de El Grinch. No obstante, la supervisión del proyecto por parte de Dr. Seuss Enterprises recaerá en su directora ejecutiva, Susan Brandt. En representación de Universal, la vicepresidenta sénior de desarrollo de producción y proyectos especiales, Britt Hennemuth, junto con la ejecutiva creativa Christina Hoffrogge, estarán a cargo del seguimiento de la iniciativa.
La historia de El Grinch se ha convertido en un éxito atemporal que trasciende generaciones. En su momento, fue la cinta más taquillera del año en Estados Unidos con 260 millones de dólares y recaudó un total de 345 millones de dólares alrededor del mundo.
La impresionante transformación de Carrey conllevaba un proceso de maquillaje de ocho horas diarias, y lo recuerda como una de las transiciones más complejas y dolorosas de su carrera. Esto hizo que se llevaran el Óscar al mejor maquillaje para Rick Baker y Gail Rowell-Ryan, quienes transformaron al actor para el papel.
“¡Ay, Dios mío! Si pudiéramos descifrar al Grinch”, dijo Carrey a ComicBook en 2024. “Lo que pasa es que, el día del rodaje, me maquillo muchísimo y apenas puedo respirar. Fue un proceso extremadamente doloroso. Los niños estaban en mi mente todo el tiempo. ‘Es por los niños. Es por los niños. Es por los niños’. Y ahora, con la captura de movimiento y cosas así, podría ser libre de hacer otras cosas. En este mundo todo es posible”.
Por ahora, queda esperar más noticias sobre la nueva secuela de El Grinch.
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Los artistas suelen abrirnos una parte de su vida a través de sus canciones, una ventana que nos permite comprender su esencia desde distintas perspectivas. Sin embargo, existen experiencias profundamente personales que continúan ocupando un lugar significativo en su mente y que resultan difíciles de expresar con palabras, momentos que aún permanecen en las sombras. En algunas ocasiones, estas experiencias vuelven a cobrar vida a través de una música y una lírica cargada de emoción, y, es ahí, donde esos sucesos que los acompañaron durante toda la vida, adquieren un significado más profundo y pueden convertirse en una vía de liberación y sanación. No obstante, exponer una herida tan íntima ante el público es un acto de valentía que no todos están dispuestos —ni obligados— a asumir. En ‘Te perdono’, Tiago PZK atraviesa cada una de estas etapas para enfrentar, liberar y sanar la historia que ha marcado la relación con su padre.
En esta entrevista exclusiva con ROLLING STONE en Español, la estrella argentina se toma un momento de introspección para hablar sobre el proceso detrás de una de las canciones más vulnerables y catárticas de su carrera. Abrirse al mundo desde una herida que permaneció abierta durante años no es una tarea sencilla; implica revivir emociones, enfrentar recuerdos y transformar el dolor en arte. Hoy, desde una perspectiva más madura, consciente y marcada por el perdón, comparte una canción que trasciende su propia historia. En ella encuentra una forma de sanar, pero también de conectar con quienes han atravesado experiencias similares. Así, convierte un relato profundamente personal en un reflejo universal de sentimientos y emociones que dejan huellas imborrables y marcan un antes y un después en la vida de una persona. También habló sobre lo que representa su barrio en su camino y reveló detalles inéditos de sus planes a corto plazo.
Lee aquí la entrevista completa:
Presentaste ‘Te perdono’, una canción que implica tu relación con tu padre. ¿Cómo te sientes al mostrar esta parte tan personal al público?
La verdad, siento que me liberé y sané a cierto punto con esa canción. Cuando pasa a ser del público ya deja de ser personal. Va más allá de mí y de mi historia la canción. Cuando empieza a representar a un montón de gente, fuera de quién soy yo, sale algo más grande. Tampoco creo que sea una canción para dar lástima porque es una canción sincera que intenta simpatizar con el otro lado. Esto hace que mucha gente se sienta identificada, no solo hijos, sino también padres.
Siento que después de esta canción, también cobran mucho sentido algunos temas como ‘Casa de chapa’.
Es verdad. En general, van de la mano. Mucha música que he hecho, como en Portales u otros discos, ha tenido el motivo de hacer sentir bien y que haga bailar. Pero también tengo música personal, que marca un precedente de lo que viví, de mi historia y muchos otros sentidos. Creo que este tema es perfecto para sacarlo ahora porque mi nueva etapa en la que estoy tiene que ver más con eso: mi barrio, quién soy y mi historia, pero sin dejar el lado divertido del baile para que escuches una noche en la previa o en la fiesta. Es para tener esa sazón barrial y ese lenguaje.
¿Por qué crees que este fue un buen momento para contar tu historia en ‘Te perdono’? ¿Por qué hasta ahora?
Mira, uno nunca está listo, la verdad. Antes de que el tema saliera tenía un montón de dudas y cuestiones, pero es normal cuando uno va a sacar algo tan personal y ponerse al desnudo ante un montón de gente. Me dije: ‘Está bien. Si no cuento mi historia, ¿quién la va a contar?’. Yo la puedo contar porque fui quien la vivió y quien empatiza con lo que me pasa. Pase lo que pase, y como la gente se lo tome, yo ya había hecho mi trabajo y había hecho mis charlas internas con mi familia y todos los involucrados en la canción. Había buscado el camino de la tranquilidad por el lado personal, así que todo estaba listo: la canción estaba hecha, me representaba y el videoclip estaba hecho en la esquina de la casa de mi tía donde crecí. Todo me llevaba a sacarla y perder el miedo, que la gente pudiera ver que estaba volviendo sacar estas canciones que me representan, sin buscar otra cosa, solo expresarme a través del arte.
Son temas muy vulnerables de tocar con tu familia, ¿cómo fue volver a poner esto sobre la mesa?
Hay detalles que me gustaría quedarme porque son cosas muy personales. Lo que sí puedo decir es que todo está bien. Hablé con mi papá y entendió que va más allá de él y de mí. Me pasó en el videoclip que se me acercó uno de los padres de los niños que estaban en el coro y me dijo: ‘Mirá, yo soy un ex adicto y pude dejar el mundo de las drogas. Por mi hija estoy sobrio hace un año y medio’. La niña del coro estaba llorando. Esos momentos es cuando puedes palpar lo que la música puede llegar a hacer y cómo te puede ayudar a reflexionar, y quizás sea por un rato, pero te puede dejar algo. En cuanto a la charla, mi papá se lo tomó bien. Tuvimos una charla previa para avisarle y tener el gesto de decirle que sacaría esta canción, que sería una carta para él y que esperaba que se lo tomara de la mejor manera posible.
¿Crees que el alter ego de Gotti te dio la libertad de contar cosas que no te animabas a decir siendo solo Tiago? Siento que, en esta era de Gotti, en realidad salió Tiago en esta canción. ¿Tú también lo ves así?
Nunca me salió ser Gotti, la verdad. Tengo canciones que sí que soy Gotti y me disfrazo de él, pero Tiago siempre está ahí. Nunca dejó de estar ahí. No me sale ponerme en un personaje. De alguna u otra forma, siempre termino siendo yo. La verdad es que no pudimos cambiar el nombre de Instagram [Risas]. Esa es la realidad, por eso sigue mi nombre como Gotti. Yo ya me hubiera puesto Tiago nuevamente.
Hablando de la lírica, ¿crees que ha sido la canción más difícil de componer hasta ahora?
Uf, creo que no. Componerla no tanto porque me fluyó todo. La compuse con unos amigos míos que saben mi historia. Ellos estaban ahí en el estudio ese día. La canción no empezó con la idea de hablar sobre mi historia. Cuando la empezamos a hacer, era hablar sobre la perspectiva de un padre que abandonó a su hijo, pero no del mío. Después, cuando la canción fue evolucionando, y escuché la intro, dije: ‘Esta es mi historia’. Ahí escribí el coro, el verso y el último párrafo al final que es como hablado. Eso lo habré hecho en 15 minutos. Fue una ráfaga de inspiración que me bajó en el momento y fue increíble. Lo que sí, es que esa vez no lo pude grabar; se me cerró la garganta y estaba muy conmocionado porque había escrito sobre eso. Eran muchas sensaciones y cosas que habían recorrido mi cuerpo. Fui otro día y la grabé con todo más digerido.
A ver cómo lo experimentas en el en vivo…
¡Sí! Eso va a ser loco. Va a estar bueno. Estoy esperando cantar en vivo porque, si mal no recuerdo, este año no he tenido shows. Ya mitad del año y todavía no subo a un escenario, imagínate, qué locura. Ahora que me acuerdo, el último que tuve fue en noviembre del año pasado, en el Movistar Arena en Argentina.
Yo deseo ir a uno de tus shows en Argentina…
Igual en México me siento como en casa. Cuando es un festival, puede ser difícil porque no es un show tuyo, y puede haber gente que no sabe quién soy, pero los shows míos, en México, son de los mejores. Internacionalmente, en México lo siento muy lindo. Son muy amorosos y muy buenos conmigo. Me traigo un montón de regalos y recuerdos. Es hermoso estar por allá.
El video de ‘Te perdono’ se filmó en Monte Grande, tu ciudad natal en la provincia de Buenos Aires. ¿Qué te generó regresar ahí desde una perspectiva diferente con respecto a esta situación personal y familiar?
Fue muy loco. Sin mentirte, es el video más lindo. Más allá de la súper cámara y el equipo, con toda la gente corriendo de acá para allá, yo estaba parado en la esquina de mi casa donde yo crecí. Mil recuerdos se me vinieron en ese momento, de mi yo pequeño. Veía la casa de mi amigo Esteban, quien fue mi mejor amigo cuando yo era chiquito. Él no estaba porque se encontraba trabajando, me dijo mi tío. Fue hermoso. Me encontré con un montón de gente que fue al videoclip desde otras ciudades para sacarnos fotos ahí en la puerta de mi tía. A la vez, también me encontré con muchas personas de mi infancia que ya tienen hijos, o amigos y amigas de esa época, de casi cuando tenía ocho o nueve años. Era muy pequeño. Miraba todo el tiempo a la esquina para ver si salía alguien, viste. También compartir con los nenes del coro fue hermoso. Son unos divinos y se quedaron ahí hasta el último momento filmando conmigo, mientras nos divertíamos. Siento que también pude conectar con ellos a nivel humano. La mayoría de artistas que trabajan con un coro, van en el papel de artistas y esperan que ellos solo canten y se van. Pero con ellos, desde el primer día en la grabación de la canción, nos conectamos como seres humanos y como personas, porque sería que me vieran como uno más y no como Tiago. Fue muy emocionante y lindo. Para mí, a nivel sensaciones, fue el video que más he disfrutado.
Te pega demasiado el tiempo…
100%. En un momento, también pasó alguien que me dijo: ‘Loco, gracias por lo que hiciste por Monte Grande. Gracias por no olvidarte del barrio’. Eso fue tremendo. Estoy muy agradecido. Por ahí, el chabón no se da cuenta que para mí es imposible olvidarme del barrio y de lo importante que es, ¿me entendés? También es muy importante representar a mi ciudad y que se conozca, porque no es tan conocida a nivel Buenos Aires. Es clave alzar la bandera de mi ciudad y que se sientan representados conmigo. A lo largo del tiempo, han pasado varios acontecimientos que le han dado renombre a mi ciudad. Mi idea también de esta nueva etapa es reconectar con esto porque me reconecta con quién soy.
Cuéntame de esta nueva etapa que mencionas: la conexión con tu barrio, raíces y volver a lo esencial.
Lo principal, que a la vez me genera un poco de miedo, es que siempre fui un artista a nivel habla en mis canciones, es decir, en la forma de escribir mía, que siempre fue muy internacional. En las canciones siempre internacionalice mi vocablo, porque en Argentina no decimos ‘tú’, decimos ‘vos’, o no decimos ‘eres’, decimos ‘sos’. Y esta vez, será la primera vez que hablaré en mi vocablo 100% argentino, y eso puede limitar demasiado a nivel internacional, o puede ser muy cool la forma de escucharlo y pueda generar algo distinto. No sé lo que pueda pasar en ese sentido, pero sí que estoy contento. Esto es uno de los rasgos que me conecta con mis raíces y barrio. A nivel sonoro, también habrá referencias de lo que escuchaba cuando era chico: la cumbia y otros sonidos. Será R&B, pero tiene mezclas con ritmos de mi infancia.
Si se pudo internacionalizar el vocablo puertorriqueño, chileno, mexicano, entre otros, no veo por qué no apostar por el argentino.
Es verdad. Además, apenas estaba hablando con los pibes sobre eso, con LIT y todos los demás. Todos acordamos de que estábamos haciendo discos conceptuales y sinceros con nosotros mismos, no tanto como para vender, sino para conectarnos con quiénes somos como artistas. Pero apareció Milo J y nos dio una cachetada y nos dijo que éramos todos unos estúpidos, y así escribiéramos bien [Risas]. Todos estamos conectando con eso y está buenísimo. Yo también creo eso. Creo que Milo ha sido la incorporación argentina que nos hizo abrir los ojos a un montón de artistas para reflexionar de que podemos llegar a donde queremos siendo nosotros mismos, sin vendernos como una industria y sin tener que complacer a unos oídos solamente por llegar lejos. Se puede llegar lejos siendo uno mismo, y eso me parece súper auténtico. Aprovecho para agradecerle al Milo porque lo quiero un montón y creo que él nos ayudó un montón a todos los artistas.
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Con el paso de los años, muchos artistas dejan de perseguir a una industria insaciable y empiezan a preguntarse: ¿cuál es la verdadera esencia de mi arte? ¿Qué es lo que realmente quiero lograr con mi música? Porque, aunque para muchos lo más importante es alcanzar los primeros puestos de las listas con canciones genéricas y sin mayor trasfondo, para otros prevalecen el arte y la emoción. Ese es el caso de Llane.
La nueva propuesta del cantante ofrece una mirada mucho más profunda a los sonidos que lo han acompañado desde su infancia y adolescencia. Además, cuenta historias poco convencionales dentro del mainstream musical, que abarcan desde las problemáticas sociales en las periferias y la pérdida de la inocencia en las ciudades hasta el asesinato de su padre cuando tenía apenas doce años.
Ya habíamos hablado de tu amor por la música llanera y de dónde nació. Ahora me atrevería a decir que, por mucho, Aguacero es la propuesta más íntima y con más alma de toda tu carrera. ¿Tú también lo ves así? ¿Cómo te has sentido en estos días desde que el disco salió al aire?
Me siento súper contento y emocionado. No hay nada mejor que lanzar algo que nace tan profundamente del corazón.
Así como lo dices, yo también lo definiría: Aguacero es alma. Es un disco que reúne todo lo que siempre quise y soñé hacer, tanto en lo musical como en lo visual. Para mí, este proyecto es verdaderamente arte en todos los sentidos: en las emociones, en las situaciones de la vida y en las vivencias que lo inspiran. Son expresiones que permiten que la gente conozca quién es uno realmente.
¿Por qué decidiste que era el momento de hacer ese sentido homenaje a tu papá en ‘Cucho,’?
Uno va sintiendo los momentos. Hace unos seis meses me fui para Venezuela con un amigo y gran artista que se llama Noreh. Conectamos porque ambos somos amantes del bolero y hacemos música contemporánea con elementos clásicos. Estuvimos en Valencia y terminamos uniéndonos a través de nuestras historias familiares, porque a los dos nos asesinaron a nuestros padres.
Él iba en el carro con su papá cuando un sicario lo asesinó frente a él. Incluso también intentó matarlo, pero el revólver se quedó sin balas. Yo le conté la historia del asesinato de mi padre y nos dimos cuenta de una coincidencia muy fuerte: ambos nos quedamos sin papá a los doce años.
Compusimos esta canción juntos y siento que no es casualidad que se haya dado esta hermandad entre un venezolano y un colombiano justo en este momento. La colaboración nació sin ninguna pretensión; fue algo completamente orgánico y, para mí, obra de Dios.
‘Cucho,’ es una canción con un mensaje fuerte que funciona como un recordatorio para Colombia y Venezuela de esos momentos difíciles. Es narrar esa realidad desde un lugar adecuado. No podemos volver a vivir situaciones tan horribles; yo no quiero tener un hijo que tenga que crecer sin su padre.
‘Don Jacinto’ es también una canción tan triste como hermosa. Además, cuenta una historia muy real que muchas veces la gente desconoce. ¿De dónde nace esta canción y por qué decidiste incluirla?
Yo soy un amante de la historia. Me encanta escuchar a Diana Uribe en sus pódcast. Desde hace algún tiempo he venido estudiando mucho más nuestra historia, la historia colombiana, porque me ha interesado entender ese gen de violencia que parece acompañarnos.
En ese proceso me he centrado especialmente en los campesinos, en sus vivencias y en lo importantes que son. Ellos son el pulmón de nuestras ciudades.
Cuando compuse esta canción junto a Vibarco quisimos contar una historia. La música llanera tiene esa magia: se presta para narrar historias. Queríamos visibilizar a todos los Don Jacinto de Colombia, su estilo de vida y todo lo que enseñan desde su conocimiento empírico de la naturaleza y desde su sensibilidad. También queríamos mostrar el conflicto y la resiliencia que muchos de ellos han tenido que vivir.
Creo que, por mis padres y por todo lo que he vivido, siempre he sentido una empatía especial por el dolor de las personas. Esas tres canciones —‘Cucho,’, ‘Don Jacinto’ e ‘Inocencia’— retratan una realidad muy dura de nuestro país.
La música tiene el poder de contar historias y transmitir mensajes que no siempre son felices, pero sí necesarios. En este disco lo haces justamente con esas tres canciones. ¿Por qué decidiste que este era el momento para que tu música fuera más allá de lo comercial o superficial y llevara un mensaje más profundo?
Cuando salí de Piso 21 hice una canción llamada ‘La reina’. Esa fue una especie de intento de lo que hoy es ‘Inocencia’, pero aunque tenía buenas intenciones, no terminó de funcionar como yo quería. Recuerdo que en ese momento tenía una necesidad muy grande de hacer algo más con mi música. Quería ayudar a través de ella, como lo ha hecho Bono con U2, pero sentía que todavía no encontraba la manera correcta.
Con ‘Inocencia’, que cuenta la historia de Valentina —y Valentina significa valiente—, y a través de la música llanera, encontré la oportunidad de hablar de estos temas desde una esencia propia, porque lo estoy haciendo con música colombiana y no desde sonidos foráneos. Es una oportunidad para empatizar con estas realidades; una necesidad que nace de mi corazón y de una profunda honestidad.
El verdadero éxito de este disco está en la conexión que pueda generar. Ya no existe esa necesidad de querer ser el número uno. La vida tiene etapas. Con Piso 21 y como solista ya he alcanzado grandes cosas, pero esto es algo que realmente proviene del corazón y me sorprende la aceptación tan bonita que está teniendo.
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“ No podemos volver a vivir situaciones tan horribles; yo no quiero tener un hijo que tenga que crecer sin su padre”.
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Siento que después de un disco tan sólido como Aguacero, tanto en lo sonoro como en lo lírico, debe ser difícil pensar en un futuro únicamente desde lo comercial, ¿no?
Sí. En este momento estoy recogiendo los frutos de un proyecto que nació completamente desde el corazón. Los arreglos musicales para el show en vivo son preciosos. Siento que este proyecto cuenta historias desde todos los frentes y que todo en él es verdaderamente orgánico.
Hoy me siento muy cómodo con mi arte y, sobre todo, muy feliz. Hacer este proyecto abrió una puerta enorme para mí y, musicalmente, quiero seguir creando canciones que realmente me hagan feliz. Me siento muy pleno.
Hablando de la industria, este es un disco que seguramente no estará en los primeros lugares de los listados. Además, no parece que ese sea su principal objetivo. Antes de lanzarlo, ¿sentías respaldo por parte de la industria?
Siempre hubo apoyo y, con modestia aparte, siento que existe un gran respeto por este disco por parte de mis colegas. Eso es muy bonito.
Hubo momentos en mi carrera en los que me sentí un poco perdido, pero vengo de un padre muy perseverante, alguien que siempre trabajó para sentirse tranquilo con lo que hacía y para ser feliz. Con este disco siento que finalmente encontré a Llane y encontré su sonido. Eso es lo que siento.
Al final del día, eso es lo que buscamos los artistas cuando hacemos arte de verdad: generar conexión desde nuestra esencia y no desde aquello que simplemente está de moda.
Estoy viviendo un nuevo comienzo, donde cada paso es lento, pero seguro. Te puedo asegurar que estamos en el camino correcto y se siente el cariño, el respeto y la motivación por parte de compañeros, industria y público.
Ese es el camino.
Gracias, mi hermano.
Para terminar, ¿cuál dirías que es el gran objetivo de Aguacero?
El título del disco estuvo entre Mi alma llanera y Aguacero. El primero era hermoso, pero Aguacero terminó representando algo mucho más amplio. Puede significar para cada persona lo mismo que significó para mí: un proceso de limpieza, transformación y renacimiento.
Durante este camino me conecté conmigo mismo y entendí quién era realmente. Eso me ayudó a perdonar muchas cosas que tenían mi corazón herido, a transformar lo negativo en algo positivo y a renacer en muchos sentidos. Ese es el gran objetivo del álbum: propiciar un renacimiento y una reconciliación con uno mismo y con los demás.
El Llano une a Colombia y Venezuela, y no me gusta ver los enfrentamientos que muchas veces ocurren entre dos pueblos que son hermanos. Yo quiero ser un puente que nos conecte a través de la música. En una sociedad tan dividida, es importante construir y unir.
Con profundo respeto por la música llanera, pienso mucho en mi padre, que se enamoró de este género hace veinticinco años. Tal vez esa sea una de las razones por las que hoy estoy llevando esta música y tendiendo puentes entre nuestros dos países. Esa es la historia que me gusta contarme y la que resume el gran propósito de Aguacero.
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Para esta producción, elegimos una casaca con historia. Es una obra del diseñador Oscar Tubío de mediados de los 80, que utilizaron Charly García (cuando cantó su versión del Himno Nacional Argentino en la presentación de Filosofía barata y zapatos de goma, en noviembre de 1990) y Diego Armando Maradona. Era la prensa diseñada por este pionero del márketing deportivo, responsable de la camiseta de Boca con las cuatro estrellitas que Diego había lucido en 1981 y que haría colaboraciones históricas con arqueros como José Luis Chilavert, Hugo Gatti y Carlos Fernando Navarro Montoya (el “Mono”), entre otros.
Tubío era el dueño de “El jardín de Oscar”, un negocio en la célebre Galería Jardín de la calle Florida, en el que hacía estampados de remeras deportivas. También fue el responsable del León que usó River en su camiseta cuando ganó la Copa Libertadores (y la Intercontinental) en 1986.
La historia comenzó con una idea disruptiva: Tubío quería que la Selección Argentina estrenara en la Copa del Mundo un diseño que incorporara la bandera nacional junto con el sol. Sin embargo, se topó con un obstáculo legal inesperado: un viejo decreto firmado por Juan Domingo Perón prohibía explícitamente el uso del sol en la vestimenta.
Lejos de rendirse, el diseñador decidió ir directo a la cima del poder. “Le llevé la camiseta a don Raúl Alfonsín. Le gustó mucho y le pedí ayuda para derogar el decreto de Perón”, recuerda Tubío. La gestión presidencial prosperó rápidamente gracias a la intervención del entonces ministro del Interior, Antonio Tróccoli, y la traba legal quedó eliminada.
Con el decreto derogado y un nuevo gobierno en el poder, Tubío redobló la apuesta y se reunió con Carlos Menem para la fase final del plan: el debut mundialista. “En el partido inaugural tenemos la oportunidad de meterle a 2000 millones de televidentes la bandera argentina por los ojos y Diego (Maradona) está de acuerdo”, le planteó al mandatario de la Rioja. Entusiasmado, Menem convocó de inmediato a una reunión clave con Julio Grondona, mandamás de la AFA, y Fernando Galmarini, secretario de Deportes. El proyecto tenía luz verde y el consenso de todos.
Sin embargo, el destino de esa camiseta no se definió en los despachos presidenciales, sino en la mente obsesiva del director técnico. A pesar de tener la aprobación política y el visto bueno de Maradona, el diseño innovador jamás pisó el césped de San Siro.
“Hubo diferencias que prefiero no mencionar”, desliza Tubío sobre el final de la historia, aunque el motivo principal fue el folklore más puro del fútbol argentino: “Bilardo le bajó el pulgar por un tema de cábalas y quiso usar la tradicional a rayas”. El desenlace es conocido por todos: Argentina debutó con la indumentaria clásica y terminó cayendo 1 a 0 ante Camerún.
Cuando Charly García grabó su versión del Himno Nacional Argentino para Filosofía barata y zapatos de goma (1990), Oscar supo que tenía que hacerle llegar una de sus camisetas. Todo comenzó durante un ensayo. Tubío llegó al lugar cargado con siete prendas. Allí también estaba el “Zorrito” Von Quintiero, músico y amigo cercano del diseñador que solía pasar horas en su local. Sin embargo, lo que parecía una entrega amistosa pronto tomó un tinte dramático cuando la hermana de Charly se acercó a Tubío con un recado urgente: “Charly quiere hablar con vos aparte”.
Al quedarse a solas, el bicolor expuso su reclamo con una mezcla de celos profesionales y devoción mística por aquella prenda: “La camiseta es para mí. La usa Diego [Maradona] y la uso yo. Si la van a usar los músicos, me la saco”. Finalmente, Tubío intercedió con los músicos, recuperó la prenda que ya descansaba sobre una silla del escenario, se la entregó en mano y Charly volvió a sonreír.
Pero el verdadero broche de oro de esta historia tiene como escenografía la Avenida 9 de Julio, en el concierto que García ofreció ante unas 120.000 personas.
García salió a tocar vestido con una remera negra. El concierto avanzaba con la energía habitual hasta que, de pronto, comenzaron a sonar los primeros acordes de su mencionada versión del Himno Nacional Argentino. En ese preciso instante, Charly se despojó de la remera negra y dejó ver la camiseta argentina. La respuesta de la multitud fue inmediata: una ovación unánime de “¡Argentina, Argentina!”. Para Tubío, ver su diseño envuelto en semejante comunión popular fue una experiencia imborrable: “Fue maravilloso. La verdad es que ese es el video más lindo que tengo”.
Trueno recoge la antorcha y se emociona. “Es un orgullo y un placer. Al enterarme de la historia que tiene esta camiseta y los ídolos que la usaron, me toca representarla bien porque el peso es demasiado grande”, expresa. Y sabe que es una ocasión especial. “Todos los mundiales nos generan expectativas a todos los argentinos, es un momento donde sabemos que un poco se para el mundo para nosotros. Y se juega el orgullo, también: las ganas de verlo, de poner todas tus emociones en ese momento, de juntarse con los demás argentinos. Siempre digo que nosotros nos estamos peleando todo el tiempo, pero cuando toca defender la bandera somos uno solo. Y eso es lindo. Este mundial también me llega muy cercano porque ya me llega con una madurez. Todos los otros mundiales los vi de muy chiquitito. Entonces, me dan ganas de ir a verlo, de vivirlo ahí, en persona. Tengo muchas ganas”.
Leé la entrevista completa de Trueno en la edición de julio de Rolling Stone.
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Más de seis décadas después de su emisión original, una pieza considerada perdida de la historia de The Beatles ha sido recuperada. Se trata de imágenes de la primera aparición del grupo en el legendario programa británico Top of the Pops, registradas el 19 de marzo de 1964, en pleno auge de la Beatlemanía.
El hallazgo corresponde a una copia en negativo de 35 mm que permaneció durante décadas fuera de los archivos oficiales de la BBC. El material fue entregado recientemente a la organización de preservación audiovisual Film is Fabulous!, que confirmó su autenticidad y anunció que será restaurado antes de regresar a los archivos de la cadena británica.
La grabación muestra a los cuatro músicos interpretando “Can’t Buy Me Love” y “You Can’t Do That”, canciones que serían publicadas como sencillo apenas un día después de la filmación. El descubrimiento resulta especialmente significativo porque gran parte de los primeros episodios de Top of the Pops desaparecieron debido a la práctica habitual de la BBC de reutilizar y borrar cintas de video durante las décadas de 1960 y 1970.
Según los responsables de la recuperación, las imágenes no solo incluyen las interpretaciones musicales, sino también momentos entre tomas que capturan a los integrantes de la banda bromeando y moviéndose por el estudio mientras los técnicos resolvían problemas de producción. El material ofrece así una ventana poco común a la dinámica cotidiana de The Beatles durante uno de los momentos más intensos de su ascenso internacional.
La noticia se suma a otros hallazgos recientes relacionados con el catálogo audiovisual del cuarteto de Liverpool. En 2019 ya habían aparecido fragmentos de una actuación de 1966 en el mismo programa, considerados hasta entonces perdidos. Sin embargo, esta nueva recuperación tiene un valor histórico aún mayor al tratarse de la primera vez que el grupo apareció en el espacio musical más importante de la televisión británica.
Aunque todavía no se ha anunciado una fecha para su exhibición pública, la restauración permitirá que una nueva generación de fanáticos pueda ver imágenes que durante décadas se creyeron desaparecidas para siempre. En una era en la que prácticamente todo parece estar al alcance de un clic, el hallazgo recuerda que aún existen capítulos ocultos en la historia de la banda más influyente del siglo XX.
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Lewis Capaldi is already thinking about his next album. The Scottish singer-songwriter closed out TRNSMT Festival in Glasgow on Sunday night (June 21), using the headlining moment to tell fans that more music is on the way.
Capaldi told the crowd that after his remaining summer shows, he plans to step away from the road again to focus on writing. “After this summer,” he said, “I’m gonna go away for a bit and make an album.”
The update came during an emotional set at Glasgow Green, where Capaldi also spoke candidly about the difficult period that followed his last TRNSMT appearance in 2022. The singer released his second album, Broken by Desire to Be Heavenly Sent, the following year, but later stepped back from touring and public performance after struggling with his mental and physical health.
“My mental health took a beating,” Capaldi told the TRNSMT crowd, adding that he is now “back” and “feeling better.”
Capaldi’s return has carried added weight for fans. In 2023, he cut short his Glastonbury Pyramid Stage performance while dealing with tics caused by Tourette’s syndrome, with the crowd famously helping him through “Someone You Loved.” He later announced that he would be taking an extended break to focus on his health.
Since then, Capaldi has eased back into public life and live performance, including a surprise Glastonbury appearance last year and the release of “Survive,” his first new music since Broken by Desire to Be Heavenly Sent.
His comeback comes after a major commercial run. “Someone You Loved” spent three weeks at No. 1 on the Billboard Hot 100 in 2019, earned a Grammy nomination for song of the year and helped push his debut album, Divinely Uninspired to a Hellish Extent, into global breakthrough territory.
Capaldi is scheduled for additional summer dates, including major outdoor shows at BST Hyde Park and Roundhay Festival in July, as well as performances in Liverpool, Newcastle and at Sziget Festival. While he has not yet announced a title, release date or tracklist for his next album, his TRNSMT comments mark one of the clearest signals yet that a new full-length project is officially on his radar.
On Monday (June 22) a worldwide coalition of artists, songwriters and managers’ groups gathered together to release a letter aimed at record labels and publishers forming AI music licensing deals: “Stop the misuse of [our] rights in AI deals,” a press release announcing the letter said, adding “this is hypocrisy and an injustice which needs to stop now. Labels and publishers rightly argue that AI companies need permission to train on their music catalogue, but will not grant artists and songwriters the same rights.”
The letter follows a number of noteworthy licensing deals inked between publishers, labels and AI music companies — like Suno, Udio, ElevenLabs and others — in the past year. This includes Warner Music Group’s licensing deals with Suno, Klay, Udio and others; Universal Music Group’s deals with Udio, Spotify, Klay and others; Sony Music’s deal with Klay; Merlin and Kobalt’s deals with Udio and ElevenLabs and more.
In April, reporting from Billboard revealed that multiple top talent attorneys have been made aware that labels and publishers could feasibly use common contract language in U.S. record deals, related to blanket licensing and exploitation, to opt in artists’ works to train their AI partners’ models without seeking individual artist approval. “Some of the labels have already taken the position that they technically don’t need special approvals to train,” said Jason Boyarski, founding partner at Boyarski Fritz, at the time.
While many of the announcements about deals between AI firms and music companies note that artists can have the option to choose whether or not their name, image or likeness is used in relation to AI outputs, AI training is a different area of this licensing process that is never mentioned. “We’re seeing a differentiation between the way training — or inputs — and outputs are treated,” Audrey Benoualid, partner at Myman Greenspan Fox Rosenberg Mobasser Younger & Light, told Billboard in April.
“We are increasingly concerned that artists and songwriters in existing recording and publishing agreements are receiving letters from major labels and publishers informing them that they will be opted in to AI-related uses by default, with little actual choice offered,” notes the letter, which was signed by Music Artists Coalition, Songwriters of North America, the Ivors Academy, Black Music Action Coalition, Artists Rights Alliance and more.
“At the same time, artists and songwriters signing new agreements are being presented with AI rights clauses as a standard condition of signing,” the letter says. Billboard has previously reported some of this new language added to signing agreements, specifically clauses from BMG, Sony and Believe, including a provision that allowed the “unlimited, exclusive rights” for Sony-owned dance label B1 Recordings to “use the recording in models and systems of generative artificial intelligence and applications based thereon, including generative AI, including [but] not limited to the analysis of the Recording for the purpose of extracting information on patterns, trends and correlations (AI training).”
“The result is a serious imbalance: artists and songwriters are being asked to give permission without sufficient information, clear terms or guaranteed remuneration,” the letter says.
The musicians’ note also includes three core principles that they want recorded music companies, publishers, policy makers, AI companies, digital platforms and more to respect: “consent and control” for artists and songwriters, “fair compensation” and “clarity and transparency.”
It also asks these companies to make “clear and public commitment” to the following guidelines in AI licensing deals: “no default opt-ins, no forced AI clauses and no use of artists’ work, voice, performance, likeness or creative identity without meaningful consent, fair remuneration and full transparency.” “The future of music must be built with artists, songwriters and their representatives, not imposed on them,” the letter concludes.
Read the full letter below:
Artists and Songwriters Must Not Be Pressure into AI Deals Without Meaningful Consent
Across the global music industry, record companies and publishers are negotiating AI deals that could shape the future of music. Yet the artists and songwriters whose works, voices, performances, likenesses and creative identities make those deals valuable are not being meaningfully consulted.
Artists and songwriters remain the primary holders of many of the rights at stake, including moral, neighbouring, image and personality rights. These rights are not label or publishers assets to be licensed without clear authority, consent and accountability. This means that artists and songwriters should be (where applicable, through their managers) the primary parties approached by AI companies to discuss such rights.
We are increasingly concerned that artists and songwriters in existing recording and publishing agreements are receiving letters from major labels and publishers informing them that they will be opted in to AI-related uses by default, with little actual choice offered. At the same time, artists and songwriters signing new agreements are being presented with AI rights clauses as a standard condition of signing.
The result is a serious imbalance: artists and songwriters are being asked to give permission without sufficient information, clear terms or guaranteed remuneration. We support innovation and recognise that AI can create new opportunities for music. However artists are not simply catalogue assets, and innovation cannot be used to override artists’ rights.
We therefore call on record companies, publishers, policy makers, AI companies, digital platforms and all industry partners to respect and consider three core principles:
Consent & Control
Artists and songwriters must actively and specifically consent before their works, voice, performance, likeness or creative identity is used in connection with AI. There must be clarity around what they are being asked to approve, and they must have control over how it will be used. It cannot be buried in broad catch-all contract language or include rights in perpetuity. Consent cannot be imposed through default opt-ins and it should not be a condition of signing a new deal. Artists and songwriters must be able to say no without fear of penalization.
Fair Compensation
Where artists and songwriters choose to participate in AI-related uses, they must receive fair and meaningful remuneration. They must share in the value created by their works, and it cannot be considered a general label asset. Artists and songwriters must be consulted and it must be clear which percentage of revenue goes to the creator, to the label and to the AI company.
Clarity & Transparency
Requests must be purpose-specific. Artists, songwriters and managers must be given clear, timely and understandable information about any AI-related deal or proposal affecting their rights in order to make informed decisions. The information must encompass which rights it includes, what uses are permitted, the safeguards in place, duration of permission and how consent can be withdrawn.
We call on all companies entering into AI music deals to make a clear and public commitment:
No default opt-ins.
No forced AI clauses.
No use of artists’ work, voice, performance, likeness or creative identity without meaningful consent, fair remuneration and full transparency.
At a time when policymakers are reviewing copyright rules in response to AI, the protection of artists’ and songwriters’ rights, voices and remuneration is not negotiable. The structures being created now will shape the music ecosystem for years to come. The future of music must be built with artists, songwriters and their representatives, not imposed on them.
Signed,
European Music Managers Alliance, European Composer and Songwriter Alliance (ECSA), Music Artists Coalition, Songwriters of North America (SONA), National Independent Talent Organization (NITO), International Artists Organization (IAO), Artists Rights Alliance (ARA), Black Music Action Coalition (BMAC), Association of Artist Managers (Australia), Music Managers Forum Aotearoa (New Zealand), Music Managers Forum (Canada), Featured Artists’ Coalition, The Ivors Academy.
EMMA members who have signed also directly:
Music Managers Forum UK, Union des Manageuses et Managers de la musique (UMAN). Music Managers Forum Netherlands, Norwegian Entertainment Managers and Agents Association (NEMAA), Polish Artists Chamber of Commerce (IGMAP), Interessenverband Musikmanager & Consultants (IMUC) Music Managers Forum Sweden, AIM Ireland, Music Managers Federation (MMaF) Music Managers Forum Finland, Hungarian Managers Forum (ZEME) Music Estonia Managers, Danske Artist Managers, Music Managers Forum Ukraine, Music Managers Forum Iceland, Music Managers Forum Suisse, Foro de Mánagers (FORMA), Fédération des Bookers et Managers Unies.
Goose has paid tribute to a fan who died after falling from an elevated section during the band’s concert at Madison Square Garden on Saturday night (June 20).
According to the New York Police Department, 51-year-old Paul Kueker of Niantic, Conn., fell from an elevated position inside the venue shortly before 10 p.m. local time. Officers responding to a 911 call found Kueker unconscious and unresponsive with injuries indicating a fall from an “elevated position,” police said.
Authorities said Kueker was in Section 300 of the arena. He was transported to Bellevue Hospital, where he was pronounced dead. Police do not suspect foul play, and the investigation remains ongoing. Kueker was attending the concert with his wife, according to police.
Following the concert, Goose shared a statement on Instagram mourning the loss.
“We are deeply saddened and heartbroken to learn of the tragic event that occurred at tonight’s show,” the band wrote. “We extend our deepest sympathy to everyone affected. Thank you to the emergency personnel and venue staff who stepped in with care and support.”
Madison Square Garden also addressed the incident in a statement.
“While we await the police report on the tragedy at last night’s Goose concert, we are deeply saddened by the loss of a fan’s life at Madison Square Garden,” the venue said. “Our hearts go out to the family and friends of the concertgoer.”
The Connecticut-based rock band proceeded with their scheduled SummerStage performance in New York City’s Central Park on Sunday evening. Before the show, Goose said they had considered whether to go ahead with the concert, but decided to move forward as a way to bring fans together.
“We considered whether or not we were going to play and came to the decision that the best thing we can do right now is bring our community together, lean on one another, and offer a space for healing,” they said. “So let’s be kind to each other tonight and remember our friend.”
The band also said proceeds from the SummerStage show would go toward a charitable fund providing support and resources for their fans.
At the start of Sunday’s performance, multi-instrumentalist Peter Anspach addressed the crowd and led a moment of silence for Kueker.
“We just wanted to take a moment to address some of the tragic events that happened at last night’s show, and extend our deepest condolences to Paul, his family, his friends and everybody who was affected by what happened,” Anspach said.
“In moments like this, you realize life is so fragile, we’re so lucky to have an incredible community here around us,” he continued. “Everybody, if you’re struggling with something, please don’t be afraid to reach out to somebody in your life or send us a message. You know, please.
“We got to help each other out. That’s why we’re here. People are meant to talk and be with people, so thank you everybody for coming tonight, and we really appreciate you guys so much. We love you.”
The Madison Square Garden concert was part of a two-night New York run for Goose, who have built a devoted following through extensive touring and improvisation-heavy live shows.
At the time of publication, authorities had not released additional details about the circumstances surrounding the fall.
Metallica guitarist Kirk Hammett took an unplanned trip into the crowd during the band’s show at Dublin’s Aviva Stadium on Friday (June 19), slipping off the stage as the group launched into “Seek & Destroy” in front of approximately 40,000 fans.
The 63-year-old lost his footing on the stage edge and tumbled into the audience, missing only a few notes before being helped back onto the platform and continuing the performance without further incident. Confirmation that Hammett was uninjured came a few hours later when he shared fan-captured video of the fall on his Instagram Stories, captioning it “Slip & Destroy.”
The moment quickly went viral across social media, with multiple fan-shot clips circulating on YouTube and X. Hammett’s self-deprecating response drew praise from fans who noted the guitarist’s ability to laugh off what could have been a serious accident.
The Dublin date was part of Metallica’s ongoing European tour, which continues with shows at Glasgow’s Hampden Park (June 25), Cardiff’s Principality Stadium (June 28) and two nights at London Stadium (July 3 and 5). After the European run wraps, the band will embark on one of the most ambitious residencies in rock history — a 24-date run at the Las Vegas Sphere beginning Oct. 1, with dates stretching through March 2027.
One of the most commercially dominant acts in rock history, Metallica have sold more than 150 million albums worldwide and scored six No. 1 albums on the Billboard 200 — Metallica (1991), Load (1996), Reload (1997), St. Anger (2003), Death Magnetic (2008) and Hardwired… to Self-Destruct (2016).
Their most recent album 72 Seasons (2023) debuted at No. 2, their first album since 1988’s …And Justice for All not to open at No. 1. The band have won eight Grammy Awards and were inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 2009. “Seek & Destroy” — the song Hammett was launching into when he fell — is from the band’s 1983 debut Kill ‘Em All and has been a staple of their live set for more than four decades.
Gina Ortiz Jones, the mayor of San Antonio, Texas, is pushing for the cancellation of Kanye West’s Fourth of July concert at the Alamodome. Ye announced the show last week, and tickets are currently available via Ticketmaster at prices ranging from $127.50 for a standard admission, upper-level seat to $1,461.25 for the “YE – Front Row Experience,” a row-one seat in the lower level of the stadium closest to the floor.
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On Saturday night (June 20), the San Antonio Democrat, a U.S. Air Force veteran, shared her stance on Ye’s scheduled event in the south-central Texan city, citing the musician’s history of hate speech and antisemitic remarks as reason for the Alamodome — which can accommodate a crowd of more than 70,000 with an in-the-round concert layout like that of Ye’s globe-shaped stage — to pull the plug on the Independence Day booking.
“I support canceling the @kanyewest concert,” she wrote in a post on X.
“Military City USA should not host someone with a record of hate speech and antisemitic comments in a city-funded facility like our Alamodome—not ever, and certainly not on July 4th, our Nation’s 250th birthday,” Ortiz Jones said.
The San Antonio mayor added, “Standing up to antisemitism is exactly what it takes to achieve a more perfect Union.”
Ye’s July 4 San Antonio date lands in the middle of concerts in Tampa, Florida (June 26, 28), and Tirana, Albania (July 11). The rapper’s summer mini tour — as it stands right now — then brings him to Madrid, Spain (July 30), and Algarve, Portugal (Aug. 7), before routing back to the U.S. for a pair of homecoming shows in Chicago, Illinois (Sept. 3-4). He hasn’t had an official full-scale tour in this decade.
Though West has successfully put on his show this year in Mexico City and Los Angeles, and in cities in Turkey, the Netherlands and Georgia, he’s also had shows pulled in England, Poland and France.
Republican U.S. Sen. Rick Scott of Florida recently called for Ye’s performances to be called off in Tampa.
Scott wrote in a statement on June 4, “Kanye West’s consistent antisemitic attacks are an affront to the values of the people of the Hillsborough community. He has openly praised Nazis, called himself one, and slandered Jews across the world. Kanye West also funded a Superbowl ad in 2025 that directed viewers to purchase merchandise featuring swastikas.”
“West’s remarks are vile and a slap in the face to our state’s Jewish community,” said the senator. “It is troubling that a stadium supported by taxpayer dollars would openly subsidize an event led by an artist known for pushing this dangerous, hateful rhetoric, especially with Florida having one of the largest Jewish populations in our country.”
On Friday, Ye released a deluxe edition of his latest album, Bully, featuring updated mixes of its original tracks and new songs “OK” (featuring Don Toliver) and “Mission Control.”