Rose llega a una aldea alemana en medio del invierno, con una cicatriz en el rostro, dinero en el bolso y la historia necesaria para reclamar una granja abandonada. Los vecinos creen que es un hombre; ella lleva años viviendo como tal, primero en el ejército y ahora entre campesinos que miden el valor de cada persona por su trabajo, su fe y su capacidad de obedecer. Sandra Hüller construye a Rose desde el cuerpo: los movimientos secos, la espalda recta, la mirada que calcula antes de responder. Su trabajo vuelve visible el esfuerzo de una vida entera dedicada a sobrevivir bajo una identidad que también la protege.

Crítica: Tierra de mi padre (Fatherland)

La película se sitúa en el siglo XVII, después de la Guerra de los Treinta Años, pero su mundo parece desenterrado de una época remota. La fotografía en blanco y negro de Gerald Kerkletz convierte la granja, los campos y la iglesia en piezas de una vida austera, marcada por la madera, el barro y la nieve. Schleinzer compone cada escena con una calma severa; los rostros y los gestos ocupan el centro, mientras la voz de una narradora relata los hechos y, a la vez, pone en duda la manera de juzgarlos. Hay ecos de La pasión de Juana de Arco y La palabra, de Carl Theodor Dreyer, en la atención al rostro, la fe y el precio de desafiar una autoridad que se proclama divina.

Rose obtiene la granja gracias a su disciplina y se gana la confianza de los aldeanos cuando mata a un oso que amenaza a un muchacho. El orden comienza a admitirla cuando puede ser útil. Después, un granjero vecino le ofrece tierras a cambio de que se case con su hija Suzanna (Caro Braun). La mujer queda convertida en parte de un contrato, una pieza necesaria para que la propiedad y el apellido sigan pasando de una generación a otra. Hüller y Braun encuentran en esa unión una intimidad cautelosa, hecha de silencios y miradas, que empieza como un arreglo práctico y termina abriendo un espacio propio para ambas.

Crítica: Proyecto fin del mundo (Project Hail Mary)

La llegada inesperada de un bebé altera el destino de la familia y deja preguntas que la película se niega a cerrar. Rose no sabe quién es el padre; Suzanna guarda silencio. Schleinzer tampoco ofrece una explicación que ordene el misterio. Esa decisión prolonga la incertidumbre del relato y evita que el embarazo se vuelva una solución sencilla para las tensiones de la pareja. El niño trae consigo una promesa de continuidad, pero también expone el peso de una sociedad que solo reconoce a las mujeres cuando pueden cumplir con las funciones que les asigna.

La película genera rabia porque entiende que las reglas no son una abstracción inocente. Organizan quién puede poseer la tierra, formar una familia y decidir qué vida merece protección. Cuando alguien las quebranta, la violencia aparece como defensa de un orden que ya ejerce violencia todos los días. Rose consigue por un tiempo trabajar, casarse y construir una familia, pero cada paso depende de que el mundo la lea como hombre. La libertad que encuentra es real y, al mismo tiempo, frágil.

Crítica: Anatomía de una caída

Schleinzer dirige con rigor y sin prisa. A veces lleva sus imágenes religiosas hacia una solemnidad demasiado grandilocuente, pero la interpretación de Hüller sostiene la película incluso cuando el relato roza el melodrama. Rose nunca se deja reducir a una explicación única. Puede ser pragmática, afectuosa, orgullosa y vulnerable, a menudo en el mismo gesto. La cinta mira de frente la crueldad de las convenciones y encuentra, en la obstinación de una mujer, una forma de belleza que no depende de que el mundo la comprenda.

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Clayface nació en las páginas de Detective Comics como Basil Karlo, un actor que, al ver cómo su fama se marchitaba, adoptó la identidad de un villano inspirado en una película de terror. Con el tiempo, otros personajes asumieron ese nombre y la historia cambió. Matt Hagen, el segundo Clayface, era un buscador de tesoros que adquirió poderes para transformar su cuerpo; después llegaron nuevas encarnaciones, cada una con su propio origen. La película escoge a Hagen, pero lo reinventa como una estrella de Hollywood cuya carrera queda destruida cuando un jefe criminal lo desfigura.

Crítica: El Pingüino (The Penguin)

La operación recuerda a Joker, con Joaquin Phoenix, y El Pingüino, con Colin Farrell: Sacar a un antagonista de Batman de su papel secundario y concederle una tragedia propia. Matt (Tom Rhys Harries) busca ayuda en la científica Caitlyn Corr (Naomi Ackie), cuyo tratamiento experimental le devuelve la apariencia, pero altera su cuerpo y su mente. Mientras él se aferra a la posibilidad de recuperar la vida que tenía, la transformación lo empuja hacia la violencia y la venganza. En torno a Corr también está John Borrelli (Max Minghella), detective de Gotham y pareja de la científica, una presencia que inserta el drama en la ciudad de Batman sin convertirlo en una aventura del Caballero Oscuro.

Crítica: Linternas (Lanterns)

La película mira demasiado hacia Darkman, la magnífica pesadilla de superhéroes que Sam Raimi dirigió con energía febril, y hacia la tradición gótica de El fantasma de la ópera y El jorobado de Notre Dame. Como esos personajes, Matt es un hombre marcado por la tragedia que anhela amor y reconocimiento, pero transforma su dolor en deseo de castigo. También hay un parentesco evidente con La sustancia: ambas películas convierten el cuerpo y la belleza en campos de batalla, aunque Clayface cambia la sátira por el melodrama romántico y el relato de monstruos.

Mike Flanagan concibió la historia y escribió el guion junto con Hossein Amini, mientras que James Watkins (The Woman in Black) asumió la dirección. Flanagan tiene talento para conducirnos de una escena a otra y mantener el relato en movimiento, pero su prestigio como autor de terror parece mayor que la fuerza de sus películas para producir miedo verdadero. Clayface captura la atención con su transformación, a partir de escenas escatológicas y repugnantes de rostros deformes que colman de gore su tragedia, aunque rara vez encuentra una intensidad que la aparte de sus referentes o vuelva inolvidable el sufrimiento de Matt. La narración funciona mejor como un cuento de venganza que como la gran epopeya de DC.

Crítica: Supergirl

Conviene aclarar el lugar de la película en el universo de James Gunn. Clayface sí pertenece al DCU y el Matt Hagen que interpreta Harries es el mismo que apareció en Creature Commandos. La historia ocurre antes de los acontecimientos de la serie, así que la película funciona como su origen. Sin embargo, esa conexión se percibe más en la cronología que en el relato. Se menciona Gotham, pero Batman no aparece; tampoco Superman, Supergirl o Green Lantern. La continuidad existe, aunque el espectador podría no advertirla sin conocer la serie animada.

Crítica: Creature Commandos – Temporada 1

Esa autonomía puede frustrar a quienes esperábamos que la aparición de Clayface en Creature Commandos preparara un cruce más tangible. La película cuenta la historia de Hagen sin depender de los otros proyectos, pero también deja su vínculo con el DCU en un segundo plano. Clayface tiene una premisa poderosa, un protagonista trágico y suficientes imágenes de horror corporal para sostener la atención; que todo eso alcance para convertirla en una gran película de DC es otra cosa. Habrá que esperar para saber si la siguiente temporada de Creature Commandos o los futuros proyectos de Batman desarrollan la conexión que aquí apenas asoma. Por lo pronto, tenemos aquí una cinta de terror genérica y nada más.

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Los hijos que no abandonan el nido suelen llegar a la adultez con una independencia a medias. Toman algunas decisiones, pero todavía esperan que mamá resuelva las demás. Del otro lado están las madres dominantes y posesivas, que confunden el amor y el cuidado con el control y convierten la cercanía en una forma de retener. ¡Basta mamá! encuentra en esa relación una fuente de humor y una herida familiar reconocible: criar también significa aprender a dejar ir.

Crítica: Un poeta

En su segunda película como directora, después de Itzia, tango y cacao, Flora Martínez, la actriz de Rosario Tijeras, adapta una obra teatral argentina escrita por Mechi Bove y lleva ese conflicto al terreno de la comedia edípica. Fernando (Rafael Zea), un hombre que ya pasó los cuarenta, vive con Victoria (Marcela Benjumea), su madre, aunque su novia Leticia (Martínez) cree que pronto compartirán casa con Pachita, la hija de ella. Fernando ha ocultado la verdad; la invitación a cenar para que ambas mujeres se conozcan convierte la mentira en una cadena de indirectas, equívocos y maniobras desesperadas.

Marcela Benjumea compone a una suegra temible e infernal capaz de convertir la mesa familiar en un campo minado, mientras Rafael Zea interpreta a un hombre que todavía no consigue emanciparse de la sombra materna, añiñado y que sube la voz cuando habla con su madre, pero la baja para hablar con su novia. Martínez sostiene el contrapunto como la novia descomplicada, paciente y de mente abierta, y Bernardo García aparece como Charlot, un payaso que cumple la función de consejero y terapeuta para Leticia. La película encuentra su mejor ritmo cuando deja que esas personalidades choquen; el humor puede ser deliberadamente burdo (una escena alrededor de un mojón en el baño lo deja claro), pero el elenco mantiene la energía de la disputa.

Crítica: La invitación (The Invite)

La producción de aire retro hace pensar por momentos en los años ochenta o noventa, aunque algunos detalles contemporáneos desarman esa impresión. Esa indefinición no alcanza a descarrilar la comedia, pero sí deja la ambientación a medio camino entre una época evocada y el presente. La puesta funciona mejor como escenario de la batalla doméstica que como recreación precisa de un periodo.

¡Basta mamá! puede provocar pena ajena en quienes todavía confunden ser adultos con seguir bajo la falda materna, y también les habla a las madres que necesitan aceptar que criar a un hijo no significa conservarlo para siempre. La independencia de Fernando exige que él deje de mentir y que Victoria suelte el control; mientras ninguno lo haga, la casa seguirá siendo un nido, sí, pero también una jaula. ¡Basta mamá!

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El cine para niños trabaja con una vara muy alta. Pixar, DreamWorks, Laika y Ghibli han demostrado que una película familiar debe impresionar, entretener, conmover y hablar de asuntos complejos sin subestimar a su público. En latinoamérica el ejemplo a seguir lo tiene el maravilloso universo chileno de 31 minutos, con una serie y dos grandes películas en su haber.  La sinfonía de los bichos raros parte de una idea prometedora: reunir a criaturas que no responden a los modelos habituales de belleza y convertirlas en protagonistas de una historia sobre la exclusión. 

Crítica: 31 Minutos: Calurosa Navidad

Macha (Catalina Calle Rodríguez) es una cucaracha adolescente; entre sus amigos están Yei-Si (Karla Lucía Cajamarca), una araña rapera; Turbo (Jarlyn Murillo), un ciempiés grafitero; Caneca (Jairo Pinzón), un chulo con problemas estomacales; y Zary (Valeria Willis), una zarigüeya madre soltera. Su rareza podría abrir una conversación fértil sobre quiénes quedan fuera y quién decide qué merece ser celebrado.

La película, creada a partir del universo musical de Puerto Candelaria, sigue a Macha mientras intenta salvar la tienda de su padre, un hombre sapo (Jhon Fernando Ospina), y cumplir su sueño de convertirse en cantante. Para lograrlo, reúne a su pandilla y se inscribe con ellos en un concurso de talentos humanos. El salto de las canciones al cine de acción real, con criaturas caracterizadas mediante prótesis y maquillaje, le da al proyecto una identidad visual propia que no se debe demeritar.

El problema aparece cuando la historia deja en segundo plano la exclusión que parecía sostenerla y se acomoda a la estructura de Sing con un negocio familiar en peligro, un grupo de aspirantes a la canción y un concurso que debe conducirlos al triunfo. La película presenta a Macha como alguien apartada por su aspecto, pero explora poco lo que significa vivir con esa marca. Su madre murió (una ausencia que el guion despacha como parte del equipaje melodramático de la protagonista) y la relación con su padre no adquiere suficiente profundidad para darle peso emocional al conflicto.

La música tampoco logra mantener el impulso que debería mover la aventura. El score es entrometido y algunas canciones son pegajosas, pero la audición de la banda no convence y el desenlace depende de una aprobación que parece llegar por decreto. Barón de las Casas (Jacques Toukhmanian), el juez humano que detesta a los bichos raros debería pulsar el botón de eliminación apenas empieza la presentación; que las fuerzas por encima de él terminen aprobando al grupo deja una arbitrariedad que la película no convierte en una sorpresa graciosa ni emocionante. Para ser sinceros, la audición deja mucho que desear.

Grandes canciones de 31 Minutos

Los disfraces y la fotografía tienen encanto, y el trabajo de maquillaje ayuda a darles cuerpo a criaturas nacidas en canciones y espectáculos. Sin embargo, ese cuidado no alcanza para animar una narración que se siente demasiado larga, repite situaciones y encuentra pocos momentos de humor. El gag en el que el joven chulo se tira varios pedos provoca más asco que risa, como si la película confundiera la irreverencia con la escatología. Y estamos hablando de uno de los momentos más memorables.

La sinfonía de los bichos raros quiere celebrar la diferencia, pero termina pidiendo que sus personajes ganen un concurso para demostrar que merecen ser aceptados. Ahí se diluye su premisa más potente. La película puede atraer a los niños con sus canciones y sus criaturas, aunque su relato no sabe qué hacer con ellos. Para los adultos, la aventura resulta aburrida y agotadora. Los amigos se pelean, vuelven a ser amigos, el malvado juez es desenmascarado  y los bichos triunfan. La rareza está en la pantalla, pero la historia acaba cantando una melodía demasiado conocida.

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“Nunca hubo una reunión donde dijéramos ‘vamos a firmar argentinos’. Siempre buscamos artistas que no se parecen a nadie y que pueden ser estrellas en cualquier parte del mundo. Y una y otra vez, esa búsqueda nos llevó a Argentina”, dice Nir Seroussi, fundador en 2019 de Interscope Capitol Miami.

Ocurre que Interscope, el histórico sello que vio nacer y catapultó al estrellato global a artistas como Eminem, Dr. Dre, Lady Gaga, Kendrick Lamar, Billie Eilish y Olivia Rodrigo, puso la lupa y su estructura global en la escena vernácula.

¿Qué es lo que cautiva a un gigante mundial como Interscope a inmiscuirse con artistas locales? Según Seroussi, existe un factor cultural intransferible: “Hay algo en el artista argentino que me fascina: la actitud de rockstar”, confiesa. “Argentina es uno de los pocos países de habla hispana donde el rock fue la música de todos, y eso queda en la sangre. Un chico que hoy hace trap creció viendo a sus padres cantar en un recital como si estuvieran en la cancha. No sube a cantar una canción, sube a dar un show. Y eso no se enseña. Saramalacara, Maia Reficco, Tobika, MHTRESUNO: yo no veo artistas para una playlist, veo artistas que pueden llenar estadios”.

Al frente de esta avanzada del sello en el Cono Sur se encuentra María Florencia Puppo, Managing Director de Interscope Capitol para la región. Con una trayectoria de más de dos décadas en la industria, Puppo asume el desafío con entusiasmo. “Como argentina, primero que nada, es una emoción y un orgullo enorme formar parte de un sello tan icónico y poder acercarles esta oportunidad a los artistas locales”, le cuenta a Rolling Stone. “Pero, fundamentalmente, creo que esto habla de los artistas argentinos, de su talento y de la solidez de sus propuestas. Es un privilegio poder trabajar codo a codo con un equipo internacional que está detrás del desarrollo de carreras globales como las de Kali Uchis, Karol G o Selena Gomez. Poder conectar esas dos cosas —el talento que tenemos acá con una estructura y una mirada global— es, para mí, una oportunidad enorme”.

“Las raíces siempre van a ser una parte fundacional de nuestros proyectos, pero nos gusta pensar en grande y no ponernos límites”, explica Puppo. “Nuestro objetivo es que nuestros artistas puedan llevar su música y sus carreras a escenarios internacionales sin perder aquello que los hace únicos. En el caso de MHTRESUNO, trabajamos su último disco en Santo Domingo, República Dominicana. Él siempre tuvo una conexión muy fuerte con el dembow y quería hacer un álbum atravesado por ese sonido. Trabajamos el proyecto junto a nuestro A&R en Puerto Rico, Raymond Vélez, quien lideró el proceso creativo, reuniendo a compositores y productores en distintos camps realizados en la isla para el desarrollo del disco”.

Algo similar sucedió con Mataderos, el álbum más reciente de Saramalacara. “El disco se hizo en Los Ángeles, manteniendo a sus productores de toda la vida, Evar y Dayvan, pero sumando al proceso creativo a productores como Opium, F1lthy, Lucian, Ojivolta, Dylan Brady y Casey MQ. En este caso, el trabajo de A&R lo lideró Aron Dombey, de nuestro equipo de Capitol en Los Ángeles”, explica Puppo.

“Para mí, ahí está lo interesante de formar parte de una compañía global: no se trata de llevar a un artista afuera para cambiar lo que es, sino de darle acceso a nuevas escenas, productores y posibilidades creativas que puedan potenciar su identidad y ampliar hasta dónde puede llegar su música”, sostiene la directiva.

El éxito de la música latina en mercados como el de Estados Unidos, Europa y Japón no es una novedad para Seroussi. “La globalización de la música latina ya pasó, y fue hace casi una década”, argumenta. “Lo que vino después es más interesante. Hoy una comunidad se arma por afinidad, no por país. Un chico en Tokio y una chica en Rosario pueden tener más en común entre ellos que con sus propios vecinos. Saramalacara creció con la cultura otaku, habla de una ‘fe digital’ y grabó con Hatsune Miku. No es una estrategia para Japón. Es ella. MHTRESUNO creció en la Villa 31, agarró el dembow dominicano y lo hizo argentino. Su disco se llama De la villa pal mundo. No hay mejor resumen. No fue el éxito afuera lo que nos impulsó. Fue entender que el mapa cambió: cuanto más específico es un artista, más lejos llega”.

Al momento de fichar nuevos artistas, Seroussi dice que el talento es prioritario. Luego, se enfoca en dos cosas: “Primero, una propuesta que solo pueda venir de esa persona. Buenas canciones hay miles. Busco a alguien con un universo propio, algo que el público quiera habitar, no solo escuchar. Segundo, resiliencia. Ser artista es el trabajo más difícil del mundo. Uno recibe muchos más ‘no’ que ‘sí’. Eso no aparece en ningún número, y es lo que más define a un artista. No necesito que lleguen con todo resuelto. Si el artista pone la resiliencia, nosotros ponemos la paciencia”.

Seroussi no es un ejecutivo convencional. Varios artistas han destacado el vínculo personal que construye con ellos, especialmente en el día a día. Saramalacara, por ejemplo, lo invitó a salir a ‘tagear’ con ella por París. “Después de treinta años, lo que más disfruto sigue siendo estar cerca del artista”, explica. “Me veo como un coach. La carrera y la vida están entrelazadas, y si uno no entiende a la persona, no puede ayudar a la carrera. Es como un tenista y su entrenador. El talento lo trae el tenista. Mi trabajo es ver qué herramienta le falta. A veces es un productor. A veces es una charla que no tiene nada que ver con música. Muchas veces es solo escuchar. Un buen entrenador dice lo que el tenista necesita oír, no lo que quiere oír. Eso se gana con confianza, y la confianza se construye en el día a día”, asegura.

De Saramalacara, agrega: “Me obsesioné con su música cuatro años antes de firmarla y me pasé todo ese tiempo insistiéndole a su equipo de Bohemian Groove. Es una verdadera rockstar”.

Y posa su mirada en otros valores locales del sello. Habla de MHTRESUNO: “Con Martín no firmamos a un artista, firmamos a un barrio entero. Es una navaja suiza. Hoy hace dembow, mañana hace cantos gregorianos y los hace sonar brutal. Vimos apenas una parte de lo que puede hacer”. De Tobika: “La primera vez que lo escuché sentí que estaba viendo nacer algo gigante. Diecinueve años, agarró la música de sus abuelos y la hizo sonar a futuro”. De Maia Reficco: “La sorpresa más linda de este año. Al principio tuve dudas: es una actriz increíble, ¿puede ser también una artista increíble? Cuando empezamos a trabajar me voló la cabeza. Es un monstruo como vocalista, una cantautora fenomenal, y tiene muy claro quién quiere ser”.

Puppo sostiene que uno de los principales desafíos del sello tiene que ver con el momento particular que atraviesa el mercado argentino. “Hoy las audiencias están mucho más fragmentadas, es más difícil identificar un mainstream claro y conviven muchísimas escenas, expresiones y propuestas diferentes. Y eso, que para mí también es algo súper interesante y positivo, hace que entender el mercado requiera una mirada cada vez más profunda y más amplia”.

El diagnóstico de Seroussi sobre la industria musical en esta era es certero. “Hay mucha confusión y mucho ruido. Nunca fue tan fácil hacer música y nunca hubo tanta, y gran parte es descartable, hecha para durar lo que dura un scroll. Estamos en la fase del humo”.

¿Y cómo será la evolución? “A mediano plazo, se trata de aceptar que la industria de antes no va a volver. Cuando la música es infinita, lo escaso es la atención y la confianza. Ahí lo que hoy llamamos un sello cobra más importancia que nunca, como puente entre el artista y su gente. A largo plazo, en cambio, pronostico un equilibrio. Que la relación con los fans y la longevidad de las carreras vuelvan al centro, y que el negocio cuide al artista sin dejar de ser rentable. La próxima revolución no va a ser tecnológica. Va a ser volver a lo básico”.

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Los nuevos artistas son la columna vertebral de la música, desde estrellas en crecimiento hasta voces que parecieran que llevan años cantando, nos mantienen escuchando y descubriendo nuevos sonidos. Este año celebramos a los exponentes de la industria que han dado todo para hacerse escuchar.

Link: https://premiosrsee.com/ 

Los ZYN Premios ROLLING STONE en Español han reunido los artistas que, con sus propuestas creativas han creado su propio camino en la industria musical, innovado en el sonido y llegado a impactar la escena.

En pocas palabras, la categoría Promesa musical del año reconoce al artista emergente que ha irrumpido con una propuesta sólida, una identidad propia y un impacto notable durante el año.

A continuación, un poco más acerca de los nominados. Estos son los exponentes que consiguieron el éxito al lograr capturar los corazones y tímpanos del público.

AKRIILA

Una artista que es la definición de disruptiva. La chilena llegó para quedarse con una imagen única, un sonido lleno de distorsión y letras que recuerdan a la fórmula, pero no podrían ser más alejadas de lo que se espera del pop alternativo. Mezcla géneros como Arca y entrega un pedacito de su ser con cada canción. Ella es una de esas artistas cuyos conceptos no gustan, sino que obsesionan. Desde 2023 lleva trepando la escalera del éxito y 3 años después, continúa recordando por qué no hemos podido olvidarla. Tal como su cabello, su alma brilla de rojo, una tonalidad intensa, vibrante y provocadora.

Aria Vega

Barranquillera de corazón. Representa el sonido de la costa con elegancia y originalidad, ella es salsa, vallenato, mambo y porro. Su presentación lo dice todo. Se destaca la manera en la que viste los colores y patrones de la región, representando la colombianidad y la naturaleza. Además, hasta las portadas de sus sencillos son dibujos y patrones elaborados a mano que traen a la vida el recuerdo de aquella chica que creció leyendo a Gabriel García Márquez. No obstante, su música no es solo una referencia, es “el realismo mágico de Aria Vega”, una expresión del amor y el cariño que le brinda al mundo musical.

Calle 24

Todos han reconocido el impacto de la música mexicana en los últimos años, los corridos están en auge y este artista oriundo de Chihuaua viene con una bandeja de diversos géneros y sabores como la banda, el norteño y el trap. Es alguien que, con su personalidad y visión artística, ha cautivado a oyentes a lo largo y ancho del mundo latino. Él toca lo que siente, habla del amor y de la fiesta, pero no le da miedo tocar temas sensibles como la falta de educación y oportunidades que plaga a la juventud de México. Se le destaca su versatilidad, el pensamiento crítico y, sobre todo, su autenticidad.

Duplat 

Su música habla por sí misma. Con pianos, guitarras, instrumentos de viento y una hermosa producción luminosa, hace que te sientas en medio de la piscina o como si fuera fin de semana, incluso en camino al trabajo. Tiene un estilo suave, una letra “pretenciosa” y, orgulloso de ello, continúa sacando temas de amor contemporáneo que aprietan el corazón, abrazan los errores y sintonizan al oyente a una alta frecuencia que emociona a las almas perdidas. Pianista desde su adolescencia, hoy reluce como uno de los músicos bogotanos más reconocibles y respetados del pop en español.

Ela Taubert

Se destaca por su honestidad y vulnerabilidad. Llega a los premios con un sonido pop que se te queda pegado en el paladar. En 2022 conectó con sus primeros sencillos y hoy ha viajado por el mundo, demostrando su destreza sobre la tarima. Le encuentra el humor a la tragedia y brilla cuando usa sus vivencias como un espejo para aquellxs que lo han vivido. Ella es para ellxs, lxs jóvenes que, a pesar del dolor, aún ríen, se divierten y buscan compartir lo que sienten para encontrar refugio en historias honestas. Aunque a veces estas terminen en consecuencias desastrosas, ella nos ha enseñado a seguir con la cara en alto y a estar listos para afrontar un día más.

J Noa

Desde República Dominicana, trae versatilidad, habilidad, pasión y dedicación. Con una personalidad singular, deja a muchos boquiabiertos. Trae una creatividad única a todo lo que hace, se demuestra en la manera que se expresa, se viste y presenta sus rimas que fluyen como si nada. Trata temas como la crítica social, el empoderamiento e identidad en sus piezas donde teje historias, emociones y narrativas sobre una cama de ritmos que se te pegan en el alma. Ella representa a los raperos que no se quedan con la pluma en la mano, sino que sacan a relucir lo mejor del gremio con solo un beat, su intelecto y el micrófono.

Joaquina

Una artista venezolana que viste las emociones con orgullo. Se describe como una persona sensible, hermética e introspectiva. En su catálogo muestra esa sensibilidad poética hecha música con guitarras, baterías, pianos y una identidad sonora que pone al centro y al frente su voz. Este regalo funciona como el vehículo para las letras que escribe desde ese mundo interno que ha compartido con el mundo desde 2023. Inspirada por artistas como Avril Lavigne y Gwen Stefani, ha florecido en una visionaria que muestra todo lo mejor del pop en inglés y español.

Kevis & Maykyy

Los hermanos mexicanos que han traído frescura, irreverencia y energía al rap mexicano. Se les ha describido como una propuesta que necesitaba la escena; unas nuevas voces que resuenan con la potencia y chispa de los Beastie Boys, pero con una identidad propia. Basta con escuchar una canción para saber que tenían razón. Les distingue su producción excepcional y un flow elegante que incomoda, divierte e inspira. Traen de vuelta el sonido de antes con el sentido del humor de ahora. Los define su estilo experimental y espontáneo, con una habilidad empírica y una ambición que se siente en todo lo que hacen, vale la pena decir que son un dúo revolucionario.

Macario Martínez

Honestidad, esa es la palabra que describe mejor a este artista mexicano. Con una guitarra y mínimos teclados conquistó a TikTok en principios del 2025, luego, demostró que esa sensibilidad no tiene límites. La esencia de su sonido es como una cebolla, tiene capas de significado y te saca las lágrimas como una quebrada. Puede que haya incorporado más instrumentos y que haya crecido bastante en los últimos años, pero, por dentro, sigue siendo un joven sensible que le gusta crear la música de color azul.

Paloma Morphy

El pop alternativo de esta cantante mexicana aporta una perspectiva que le ha permitido captar un estilo que expone esa sátira densa, esas cicatrices amorosas y personales que expone a través de sus letras. Su voz es conmovedora, su producción trae elementos experimentales que complementan esa terapia sonora que le brinda al público. Tiene de todo mood¸ lo sentimental, lo introspectivo y lo bailable. Esta artista, inspirada en referentes de oro como Natalia Lafourcade, Silvana Estrada, Mon Laferte y Julieta Venegas, trae diversidad con sus melodías adictivas que la han establecido como una de las artistas más prometedoras de la escena alternativa. 

Santos Bravos

Una boy band pura y dura sin precedentes que impactó la industria musical como una banda latina dentro del k-pop con su debut a inicios del 2025. Drew Venegas (Estados Unidos), Alejandro Aramburú (Perú), Kenneth Lavíll (México), Kauê Penna (Brasil) y Gabi Bermúdez (México) se juntaron por HYBE Latin America, la misma compañía que maneja a grandes nombres como BTS y SEVENTEEN. Cada uno de los integrantes han contribuido a la construcción de los puentes entre Latinoamérica y Corea del Sur. Decididos en hacer historia, están orgullosos de representar a la región y de abrirle las puertas a los latinos que aspiren entrar en este género.

Sofi Saar

Dueña del denominado “popteño”, una mezcla entre el pop, el norteño y más géneros como el tumbado, sierreño y country. Es una pionera que fusiona estos mundos en un mosaico de lentejuelas, cuero y emoción. Se le reconoce por su estilo que se atreve a buscar nuevas maneras de gozar entre las historias de amor y deseo, al igual que de tragedia y despecho. Ha luchado por defender su voz y su lugar como mujer en la industria. Continúa trayendo ese sabor regional a las alturas que se merece. Al final, lo único que hace falta decir es “¡Arriba, Monterrey!”.

Xavi

Este cantante de Phoenix trae un poquito de todo, ha tocado los géneros tradicionales mexicanos y otros como la bachata y la música en inglés. A sus 21 años había llegado a las alturas de la viralidad con ‘La Diabla’ y hoy continúa explorando los límites de su creatividad con cada proyecto nuevo. Su enfoque que combina aspectos culturales de México y Estados unidos han cautivado a las audiendias de ambos lados de la frontera y el mundo latino. Como cantautor, no se limita al molde, sino que busca construir su propia marca.

Los ZYN Premios ROLLING STONE en Español serán celebrados en la Ciudad de México los días 25 y 26 de noviembre. Manténte al tanto de las novedades. 

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La música electrónica es un universo en constante movimiento, donde la experimentación sonora, las nuevas tecnologías y la energía de los escenarios abren caminos para reinventar la manera de escuchar y vivir la música. 

En Latinoamérica, estas búsquedas dialogan también con los sonidos, ritmos e identidades de la región, que encuentran nuevas formas de expresión dentro de una escena global. Desde los sets que convierten la pista de baile en una experiencia colectiva hasta los espectáculos en vivo que exploran nuevas posibilidades sonoras y visuales, sus artistas construyen propuestas que expanden los límites del género y conectan con audiencias de distintas generaciones.

En una escena que evoluciona al ritmo de nuevas tendencias y formas de creación, los DJ y performers latinoamericanos encuentran distintas maneras de imprimirle identidad a sus proyectos y abrirse espacio dentro del panorama electrónico. La innovación en sus producciones, la búsqueda de un sonido propio y la capacidad de convertir cada presentación en una experiencia singular son parte de los elementos que mantienen viva una cultura musical que no deja de transformarse.

La categoría Mejor artista de música electrónica reconoce al DJ, live act o performer que haya destacado por su propuesta artística, innovación, calidad de sus presentaciones e impacto dentro de la escena electrónica.

Conoce aquí a todos los nominados en la categoría: 

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Adriana Lopez

Nacida en Bogotá y radicada en Barcelona desde 2003, Adriana Lopez es una de las figuras que ayudaron a establecer las bases de la escena techno colombiana a finales de los años noventa. Sus primeros años como DJ transcurrieron en clubes capitalinos como La Sala, BarC y Cinema, donde comenzó a desarrollar una aproximación a la música electrónica que privilegia la exploración sonora y el control de la mezcla. Con el paso del tiempo, su estilo evolucionó hacia un techno profundo, crudo e hipnótico, construido a partir de capas que se despliegan gradualmente y generan tensión sin recurrir a cambios abruptos. Además de su trabajo como productora, dirige Grey Report, sello independiente con el que continúa explorando los matices más experimentales del género.

CLUBZ

Desde Monterrey, México, Coco Santos y Orlando Fernández comenzaron a construir CLUBZ en 2013, a partir de una afinidad por el pop alternativo, los sintetizadores y los sonidos que marcaron las décadas de los ochenta y noventa. Su propuesta combina electropop, funk, dream pop e indie, con guitarras, cajas de ritmos y melodías que equilibran la nostalgia con una sensibilidad contemporánea. En lugar de reproducir de manera literal las influencias que los acompañan, el dúo las transforma en canciones con una identidad propia, muchas veces atravesadas por una atmósfera luminosa y melancólica. Trabajos como Destellos (2019) consolidaron ese universo sonoro, mientras que su desarrollo en vivo demuestra cómo una propuesta que nace del pop puede dialogar con la energía y la estética de la música electrónica.

Ela Minus

Antes de convertirse en una de las exponentes colombianas más singulares de la electrónica contemporánea, Gabriela Jimeno —conocida artísticamente como Ela Minus— pasó años tocando la batería en la banda de hardcore Ratón Pérez, dentro de la escena independiente de Bogotá. Más adelante se trasladó a Boston para estudiar jazz y diseño de sintetizadores en Berklee College of Music, una experiencia que amplió su relación con el ritmo y la composición. Su proyecto solista surgió del encuentro entre esos dos mundos: la energía física del punk y la experimentación con máquinas analógicas. En sus presentaciones construye música en tiempo real, combinando sintetizadores, cajas de ritmos y voz sin depender de una computadora para generar el sonido. Álbumes como Acts of Rebellion (2020) y DÍA (2025) reflejan una búsqueda en la que la electrónica también funciona como vehículo para explorar la autonomía, la intimidad y las contradicciones del presente.

Funk Tribu

El productor colombiano Funk Tribu, nacido en Bogotá y actualmente radicado en Berlín, encontró en el trance, el techno y la cultura rave las bases de un proyecto que ha crecido hasta alcanzar escenarios internacionales. Su acercamiento a la electrónica comenzó desde la adolescencia, influido en parte por la música que escuchaba en casa y por el descubrimiento de los sonidos asociados a la escena de clubes europea. Con canciones como ‘Phonky Tribu’, desarrolló una identidad marcada por ritmos acelerados, melodías eufóricas y referencias al trance de los noventa, que conecta con una generación interesada en recuperar la intensidad de las raves. Sin embargo, su propuesta no se limita a la nostalgia: el productor también ha comenzado a construir universos conceptuales y visuales alrededor de sus lanzamientos, ampliando la música hacia una experiencia artística más completa.

Indira Paganotto

De raíces españolas e italianas, Indira Paganotto nació en las Islas Canarias y creció rodeada de referencias musicales diversas. Su padre, DJ durante los años ochenta, le acercó desde pequeña al disco, el acid house y el trance de Goa, mientras que la música clásica formaba parte del entorno familiar por influencia de su madre. Esa mezcla de referencias terminó por alimentar una propuesta que cruza el techno con el psytrance, dos vertientes que combina a través de bajos contundentes, ritmos vertiginosos y melodías de carácter psicodélico. Su sonido busca mantener un equilibrio entre la intensidad de la pista y una construcción musical llena de matices, capaz de pasar de pasajes hipnóticos a explosiones de energía. A través de Artcore, su sello discográfico, también impulsa una visión de la electrónica en la que conviven la experimentación, la cultura rave y una marcada identidad estética.

Julio Victoria

Originario de la región cafetera colombiana, Julio Victoria encontró parte de su camino artístico en el descubrimiento del house y el techno mientras vivía en el sur de Alemania. Desde entonces, ha desarrollado una propuesta que entiende la electrónica como algo más amplio que la música destinada a la pista de baile. Sus producciones transitan entre ritmos de club, texturas ambientales y elementos de la música clásica contemporánea, con una atención especial a la construcción de atmósferas y a la evolución gradual del sonido. Esa búsqueda también define sus presentaciones en vivo, en las que ha trabajado con músicos y formatos orquestales para explorar el encuentro entre instrumentos acústicos y síntesis electrónica. En Punto Cero (2026), su proyecto Live-Band profundiza en esa dirección con sintetizadores, bajo y batería interpretados en tiempo real, dando lugar a una experiencia donde la improvisación y el componente humano transforman la estructura habitual de un set.

Mëstiza

El dúo español formado por Pitty Bernad y Belah nació en 2021, después de que ambas desarrollaran sus carreras por separado como DJ y productoras. Al unir sus caminos, encontraron un punto de partida común: explorar la relación entre la música electrónica y las tradiciones sonoras de España. Su propuesta incorpora referencias al flamenco y al folclore español sobre bases de house y ritmos contemporáneos, en una búsqueda que se extiende también a la imagen, el vestuario y la narrativa de sus presentaciones. Más que una combinación de géneros, Mëstiza construye un universo artístico en el que la herencia cultural ocupa un lugar central dentro de la experiencia de club. A través de su sello y concepto creativo Sacro, el dúo ha desarrollado una identidad que conecta música, moda y puesta en escena, llevando sus raíces a algunos de los escenarios más importantes de la electrónica internacional.

Midnight Generation

Formada en Chihuahua, México, en 2015, Midnight Generation surgió del interés de Fernando Mares por recuperar la energía del funk y el disco a través de una producción contemporánea. La banda fue tomando forma alrededor de los sintetizadores, las líneas de bajo y los ritmos bailables, con una sonoridad que también recoge elementos del pop electrónico. Sus canciones, interpretadas principalmente en inglés, se distinguen por una estética retrofuturista que evoca las pistas de baile de los años setenta y ochenta sin renunciar a una producción actual. A diferencia de los proyectos centrados exclusivamente en la figura del DJ, Midnight Generation apuesta por el formato de banda y por la interacción entre sus integrantes para construir una experiencia en vivo. Esa combinación le ha permitido llevar su particular mezcla de funk, disco y electrónica desde los escenarios mexicanos hasta festivales y presentaciones internacionales.

Paco Osuna

Nacido en Barcelona en 1974, Paco Osuna comenzó su trayectoria como DJ en los años noventa y encontró en la cultura de clubes un espacio para desarrollar una aproximación propia al techno y al house. Su carrera tomó un impulso importante a finales de esa década, cuando llegó a Ibiza y comenzó a consolidar su presencia en el circuito internacional. Desde entonces, ha construido un estilo caracterizado por la precisión técnica, la capacidad de leer la pista y una selección musical que combina contundencia rítmica con una exploración constante de texturas. Su trabajo no se limita a las cabinas: en 2003 fundó Shake Records, sello que más adelante evolucionaría hacia Mindshake, plataforma desde la que ha impulsado producciones vinculadas a la cultura underground. Con décadas de experiencia, Osuna representa una generación de artistas que ha contribuido a conectar la tradición del techno europeo con las transformaciones contemporáneas de la música de club.

Peces Raros

El proyecto argentino Peces Raros nació en La Plata en 2014, cuando Lucio Consolo y Marco Viera comenzaron a explorar un territorio común entre sus inquietudes artísticas y musicales. En sus primeros años, el grupo se acercó al rock alternativo, pero pronto empezó a incorporar sintetizadores, secuencias y estructuras propias de la música electrónica. Esa transformación dio lugar a un sonido en el que las guitarras conviven con beats insistentes y atmósferas envolventes, mientras las canciones se expanden en vivo hasta adquirir una dimensión cercana a la rave. En lugar de separar el concierto de la experiencia de club, Peces Raros los conecta mediante presentaciones que alteran la duración, la intensidad y la estructura de sus composiciones. Discos como Dogma (2021) y Artificial (2024) muestran la evolución de esa búsqueda, que ha convertido al dúo en una de las propuestas argentinas más interesantes en el cruce entre rock y electrónica.

Sinego

Nacido en Bogotá y radicado en Ciudad de México, Sinego ha encontrado en los sonidos tradicionales de América Latina el punto de partida para desarrollar una propuesta electrónica que conecta memoria e innovación. Su formación musical, que incluye estudios de música clásica y experiencias previas en el rock, le ha permitido acercarse a la producción desde una perspectiva que combina instrumentación, composición y experimentación con ritmos de club. Uno de los rasgos más distintivos de su sonido es el diálogo entre el house y el bolero: las melodías nostálgicas y las voces cargadas de emoción encuentran una nueva dimensión sobre bases electrónicas diseñadas para el baile. En Alterego (2023), el productor amplió esa búsqueda a través de un recorrido por distintos países de la región, incorporando colaboradores y referencias musicales de diversas tradiciones latinoamericanas. Su propuesta plantea así una manera de llevar esas identidades sonoras a la electrónica global sin reducirlas a estereotipos.

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David Byrne es conocido por ser del tipo de músico que no le teme a la innovación, sin embargo, ha sido crítico cuando los avances tecnológicos implican un retroceso para el ser humano. Recientemente, el músico habló sobre sus preocupaciones respecto a la Inteligencia Artificial, reconociendo que puede ser muy conveniente en ciertos ámbitos, pero contraproducente si se usa indebidamente.

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David Byrne: ¿Alguna vez voy a lograr entender todo esto?

“Me gusta pensar que ciertos aspectos de la IA pueden emplearse como una herramienta útil”, dijo en una entrevista con I-D Magazine. “Si estás analizando hojas de cálculo y quieres reconocer un patrón, puede servir para eso. He leído que es buena para cosas como ayudarle a los dermatólogos a reconocer los inicios del melanoma; la IA a veces puede reconocerlo mejor que cualquier doctor. Si es una herramienta confiable, parece ser provechosa”.

No obstante, el artista meditó sobre los casos en los que inclusive puede afectar el desarrollo del ser humano y su capacidad de aprender y hacer análisis. “He escuchado que los estudiantes la usan para escribir sus ensayos, por lo que terminan sin tener nada de conocimiento sobre lo que acaban de escribir. Entonces pienso, ‘Esto va a hacer realmente estúpida a la gente’”, señaló.

En un tono más pesimista, Byrne habló sobre la posibilidad de que la Inteligencia Artificial “supere a sus maestros”, mencionando los casos en los que los modelos han salido de su entorno de pruebas (o sandbox) inesperadamente. “Pude haber predicho eso, he leído suficiente ciencia ficción. Esto era inevitable y no va a terminar bien”, aseveró.

Esta no es la primeva vez en que el músico habla sobre la IA como una herramienta que debe emplearse con cautela. A inicios de este año, Byrne habló con BBC Newsnight sobre la relación entre la Inteligencia Artificial y la creatividad, mostrándose de acuerdo con la afirmación de que se trata de “el más grande robo de la historia”.

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