Veinte años pueden transformar por completo el significado de un disco. Las canciones permanecen, pero cambian quienes las escribieron, quienes las escucharon y el mundo que las rodea. En el caso de Esquemas juveniles, el paso del tiempo produjo un efecto particular: el debut de Javiera Mena conserva algo de aquella sensibilidad adolescente con la […]

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En algún punto del camino desde el Mercury Lounge hasta la era moderna, Interpol se convirtió en la banda de rock neoyorquina más constante de su generación. Nunca se han separado ni implosionado, aunque estuvieron cerca al menos una vez, y han mantenido un ritmo constante de nuevos lanzamientos, es decir, sacan un álbum cada tres o cuatro años desde su debut en 2002 que marcó toda una generación. Esto hace que la fantástica calidad de This Mirror Weighs a Ton no sea sorpresa, el octavo álbum del grupo.

Sin embargo, para llegar hasta aquí se requirió algo de creatividad. El disco cuenta con la participación de dos colaboradores nuevos: el productor, Andrew Wyatt, y el bajista, Brad Truax, un veterano de sus giras anteriores que nunca antes había grabado antes en el estudio con ellos. El líder, Paul Banks, expresa que “es como un nuevo comienzo para la banda, toda esta alquimia inesperada se siente revitalizadora”.

El 28 de agosto, a unas semanas antes del lanzamiento, Banks y el guitarrista, Daniel Kessler, almuerzan en el restaurante de un hotel en el centro de Manhattan. Ya ninguno de los dos vive en Nueva York; Kessler pasa gran parte de su tiempo en Barcelona, ​​y Banks habita, cómodamente instalado, en Berlín con su esposa y sus dos hijos pequeños. El baterista Sam Fogarino, el tercer miembro de la agrupación, vive en Filadelfia. Ambos afirman que se encuentran felices de estar de vuelta en la ciudad. Kessler confiesa, “Hay algo que comprendí cuando empezamos a girar. (…) Cuando sea que vuelvas, podrás retomar justo donde lo dejaste. Regresas aquí y puedes volver a tu vida sin problemas”.

Empezaron a grabar este álbum no muy lejos de aquí, en el estudio de Wyatt en el sótano del West Village. Se reunieron durante unos días para improvisar y componer con Fogarino y Truax en la primavera de 2024. Wyatt podría parecer la opción menos obvia como colaborador para Interpol; es un experimentado creador de éxitos pop que lideró el trío suecoestadounidense, Miike Snow, a finales de la década de 2000 antes de coescribir éxitos para Bruno Mars como ‘When I Was Your Man’, y para Lady Gaga con ‘Shallow’, pero descubrieron que les abrió nuevas posibilidades.

“Pasamos unos días muy divertidos”, dice Banks, quien conoció a Wyatt hace unos 10 años cuando produjo algunas canciones para Banks & Steelz, el dúo del cantante con RZA de Wu-Tang Clan. “Ser amigo del productor es una dinámica muy interesante. Cuando funciona, es una maravilla tener un momento el compañero de banda que tiene toda esa sabiduría sobre cómo realizar discos con un sonido increíble”.

El otro cambio, posiblemente, aún más importante en el proceso de la agrupación para este proyecto fue incorporar a alguien a quien conocen desde hace muchísimo más tiempo. Truax ha tocado el bajo en la formación en vivo de Interpol desde 2011, cuando se unió para llenar el vacío dejado por el volátil cofundador de la banda, Carlos Dengler, cuya salida fue como “perder una extremidad” para Banks. Mientras tanto, Banks se ha encargado del bajo en los tres discos que han grabado durante ese periodo: El Pintor de 2014, Marauder de 2018 y The Other Side of Make-Believe de 2022. Asumió este rol por necesidad, pero llegó a disfrutarlo. Recuerda, “Daniel y yo nos reunimos inmediatamente después de que se fuera Carlos para descubrir ¿Qué tenemos aquí? (…) Y funcionó, funcionó de maravilla. Seguimos así un tiempo hasta que llegó a un buen final natural”.

Luego de una década trabajando de esta manera, a Banks le atrajo la idea de dejar que Truax se encargara de componer líneas de bajo para acompañar las progresiones de acordes de Kessler. “Me permitió volver a mis orígenes en mi proceso de composición, cuando tocaba la guitarra o cantaba”, comenta que “Fue como volver a casa, frente al micrófono”.

Kessler rememoró, “Fue un momento muy emocionante, me sentí como si estuviéramos jugando en el sótano haciendo lo que sea. Me recordó mucho a cuando tenía 16 años y todo era divertido”.

Tras cinco días en casa de Wyatt, tenían los bocetos de cuatro canciones nuevas: ‘Wings on Fire’, el clásico y enérgico tema de Interpol, ‘So Rides the Reindeer’, un tema inusualmente suave, ‘Iron City’, con sus ritmos complejos, y la balada sombría de ‘Sudden’. Para Banks, se sintió como un regreso a lo mejor de la banda, afirmó, “Vayamos una sala ruidosa y desahóguemonos con la música. (…) Gritaré por encima de la batería y construiremos canciones con esa energía visceral que surge de tocar en directo, así fue como empezamos”.

Poco después de dichas sesiones, Interpol dio su concierto más grande hasta la fecha. Estremecieron a 160.000 fans en Ciudad de México y regresaron a Nueva York a finales de 2024 para trabajar durante un par de semanas en Gonzo’s, un local de ensayo ubicado en la antigua locación del añorado Mondo Kim’s en St. Mark’s Place. En 1997, cuando todavía era una tienda de música y vídeos, fue donde los miembros del grupo conocieron a Truax, quien trabajaba como comprador. “Yo solía pegar allí los folletos de Interpol, fue genial trabajar allí. Fue como volver al inicio”, apunta Kessler.

Grabaron la mayor parte del nuevo álbum en ese lugar, un cuarto fantasmagórico, lleno de reliquias de la Nueva York de principios del milenio. Kessler comenta, “El hecho de poder ir y venir del estudio caminando… Me recordó a los viejos tiempos de Interpol, caminando juntos a los ensayos, saliendo juntos, rumiando las canciones que no se te quitan de la cabeza. (…) Momentos emocionantes que surgen inesperadamente, ese tipo de cosas es lo mejor”.

Tras las giras de enero del 2025 se vieron de nuevo en Nueva York, en un nuevo estudio que Wyatt abrió en último piso de un edificio de oficinas en Chinatown, “Es un espacio muy poco convencional, es como una oficina de 325 metros cuadrados sin divisiones. Hay una sensación de amplitud, que es precisamente la idea” apuntó Kessler.

Mientras contemplaba esas cambiantes “New York vistas” (paisajes de Nueva York) por las ventanas, Banks dejó volar su imaginación. Luego regresó a Alemania, donde pasó el resto de 2025 escribiendo las letras del nuevo disco. “De febrero a octubre, ese fue mi trabajo: escribir las letras de este proyecto y tener un bebé”, afirma Banks.

Banks conoció a su esposa hace siete años y viven juntos desde que quedó varado en Edimburgo durante la pandemia. (Me dijo que fue “una situación digna de La isla de Gilligan” en 2021). Se casaron el año pasado, tienen un hijo de tres años y una hija de, aproximadamente, un año.

“Tengo una vida maravillosa en Berlín”, dice Banks, cuyo antebrazo izquierdo muestra las marcas desvanecidas de dos tatuajes temporales que le puso su hijo, un dinosaurio azul y un elefante rosa. Añade, “Soy una persona más feliz”.

Como muchos antes que él, ha descubierto que la paternidad ha renovado su impulso creativo de maneras sorprendentes. “Me hizo concentrarme en que, si voy a ser músico, voy a darle un significado. Al mismo tiempo, me he tomado las cosas con más calma en lo que respecta a mi carrera, porque mi satisfacción proviene de la felicidad y la salud de mis hijos”. Hace una breve pausa y confiesa, “Podría ponerme muy cursi”.

“Por favor”, le digo, “continúa”.  Prosigue, “Convertirme en padre es como si se encendieran nuevas luces en mi alma que me convierten en una versión más completa de mí mismo. En la vida, a veces nos guardamos un poco el amor que damos, porque amar es bien vulnerable. Quizás yo, en particular, era de esas personas que no se abrían del todo. Cuando tuve hijos, pensé: ‘Dios mío, este es todo el amor que mi alma es capaz de crear’. Simplemente, abre esa válvula por completo y déjalo fluir”

Banks y Kessler han sido compañeros de banda durante más de la mitad de sus vidas. Se conocieron en el verano de 1996, hace 30 años, cuando ambos participaban en un programa de estudios de verano en París. Kessler recuerda ese momento de sus 20 años, relata, “Conocí a Paul meses después de que cumpliera 18, es increíble cómo puedes conocer a alguien así de repente. Puede ser un encuentro fugaz, y de pronto… Te cambia la vida en muchos sentidos. Me ha aportado muchísima riqueza”.

Ninguno de los dos da por sentado ese vínculo de colaboración. Kessler declara, “Quiero mucho a este hombre como persona, pero luego está esa química al hacer música. Se encuentran esos momentos de los que hablábamos antes, como ensayar en el sótano. Es algo muy especial cuando ya no eres un niño. ¿Sabes a lo que me refiero? El tener esa sensación es algo que hay que atesorar”.

Charlamos apenas unos días después del lanzamiento de Reality Awaits, el nuevo y muy discutido álbum de The Strokes, contemporáneos de Interpol de la era de Nueva York de Giuliani, aunque los dos grupos no se conocían bien. Banks los menciona cuando le pregunto qué ha estado escuchando últimamente y responde que le gusta ‘Lonely in the Future’ en especial. El tema donde Julian Casablancas con voz de Auto-Tune ignora a los supuestos enemigos e imitadores de su agrupación. En realidad, es más aficionado al hip-hop. Añade, “He estado disfrutando de dos de los tres discos que ha publicado Drake, Iceman y Maid of Honour”.

La conversación se desvía hacia la gira de otoño de Interpol, que los llevará a teatros de Norteamérica y Europa, además de una noche en un estadio de Vancouver como teloneros de Sombr, que nació casi un año después del lanzamiento de Antics. Están pensando en cómo ajustar sus listas de canciones junto con un nuevo repertorio de canciones bien potentes. “No vamos a ponernos a tocar sets de tres horas de la nada, eso es demasiado, así que hay que encontrar el equilibrio. Es un problema estupendo”, concluye Kessler.

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Aunque para muchos pase desapercibida, la escena venezolana es de las más interesantes de la actualidad. Desde referentes como Rawayana, Big Soto y Micro TDH, pioneros que pavimentaron el camino para las nuevas generaciones, hasta talentos emergentes como suei y Underaiki, el país no se cansa de exportar propuestas versátiles que no discriminan entre lo clásico y lo contemporáneo, encontrando un punto perfecto en el que ambas corrientes se cruzan con naturalidad e ingenio para mantener su panorama a la vanguardia de los movimientos que marcan el pulso de la cultura latina.

Es justo ahí donde aparece LOS MENOR3S, agrupación que, gracias a la fusión de sonidos urbanos, ritmos tropicales y una visión creativa moderna, ha desarrollado una identidad propia, consolidándose como uno de los actos emergentes más emocionantes del ecosistema urbano hispano.

Compuesta por Santiago Hiller Beyloune (Big Bowe), Sebastián Primera (Sheba) y Diego Primera (Nego) —estos últimos, familiares de los hermanos Servando y Florentino Primera del icónico dúo venezolano Servando y Florentino—, LOS MENOR3S comenzaron como tres simples adolescentes movidos por una inquietud artística que poco a poco los llevó a incursionar con fuerza en el mundo de la música.

Su debut llegó en 2022 con ‘BOWE’, un enérgico dembow que demostraba sus influencias en los ritmos tropicales. El tema funcionó como una carta de presentación en la que los integrantes pudieron poner sobre la mesa su capacidad interpretativa y su talento en la composición, al igual que un interés genuino por llevar esos sonidos clásicos del país a nuevos horizontes.

A partir de esa primera canción, la agrupación no paró de crecer. El lanzamiento de singles vibrantes y divertidos como ‘de parranda’ y ‘BURDA DE FLORES’, que se movían entre la música urbana y el folclore caribeño, llamó rápidamente la atención del público joven, lo que impulsó la presencia del grupo en redes sociales y plataformas digitales, donde alcanzó miles de seguidores y millones de reproducciones.

En medio de esa expansión en el circuito emergente, LOS MENOR3S presentan CALLAÍTO SAFARI, un EP de siete temas y su proyecto más completo hasta la fecha.

Este trabajo, sucesor de Regla de 3 (2024), fue creado a lo largo de dos años en Future Culture Studios y tomó forma a través de un proceso creativo colaborativo bajo la producción ejecutiva de Servando Primera, dando como resultado un EP en el que cada canción ofrece algo diferente y que al mismo tiempo contribuye a una propuesta musical cohesiva.

“Este EP siempre ha sido un proyecto muy personal y visionario para nosotros. Queríamos crear estas canciones junto a nuestros productores favoritos, las personas que nos han ayudado a formarnos a lo largo de este recorrido musical”, comenta Sheba, refiriéndose a la participación de reconocidos productores como el venezolano Dani Crazytown, YIYI, y el ganador del Grammy FKI 1st.

“Dani Crazytown fue el primero en tendernos realmente la mano, actuando como el gran mentor que es. YIYI también tuvo un papel enorme al presentarnos un sonido increíblemente fresco, y tuvimos la increíble oportunidad de trabajar con FKI 1st para crear algo completamente nuevo que, sinceramente, suena increíble”, comenta el intérprete, quien también muestra otra faceta artística al trabajar en la producción de ‘a las mil’. “Me propuse el reto de producir una canción con un groove realmente único e inesperado, y estoy agradecido con los chicos por confiar en mí durante todo el proceso”.

Aunque la producción es uno de los puntos fuertes del EP, la composición no se queda atrás. Incorporando desde canciones urbanas relajadas hasta tracks influenciados por el house, la versatilidad del grupo es latente, mientras reúne a un talentoso equipo de colaboradores. Junto a LOS MENOR3S, Lio Kan, Plumber y Servando Primera contribuyeron al proceso de escritura a lo largo del lanzamiento.

“El proceso creativo detrás ha sido bastante loco, porque algunas de estas canciones fueron escritas hace más de dos años, mientras que otras las terminamos apenas una semana atrás. Por eso, el proyecto reúne tanto energías antiguas como nuevas”, explica  Big Bowe. “Llevamos mucho tiempo construyéndolo y poniendo muchísimo amor en cada detalle. Después de todo ese trabajo, finalmente colocamos la última pieza del rompecabezas y está listo para que todo el mundo lo escuche”.

La identidad visual de CALLAÍTO SAFARI también juega un papel clave dentro de la contrucción del imaginario del trabajo discográfico. Fue desarrollada junto a los directores creativos Le Rick y Rodri Hiller, responsables de los videos musicales del EP, y su trabajo le da a cada pieza una identidad propia, al mismo tiempo que crea una estética única a lo largo de todo el lanzamiento.

“Es imposible no admirar las mentes brillantes de hermanos como Ricky y Rodri”, comenta Nego. “Los he admirado durante años por la manera en que trabajan y su capacidad para convertir las ideas en realidad. Honestamente, sin ellos, este proyecto no sería lo que es hoy”.

Más allá de este lanzamiento, el trío también ha dedicado las últimas semanas a impulsar MOVIMIENTO CAMINA, una iniciativa inspirada en su canción del mismo nombre junto a la Kanaimö Choral Symphony. En alianza con Bajo el Árbol, el grupo organizó recientemente un encuentro comunitario para más de 100 niños en Naiguatá, continuando con su compromiso de crear conexiones significativas a través de la música y retribuir a las comunidades que los han apoyado.

Así, LOS MENOR3S se consolidan como uno de los actos más prometedores de la nueva generación de la música latina, demostrando un interés genuino por desmarcarse de las fórmulas tradicionales para experimentar con sonidos y corrientes que parecen no tener relación, desarrollando una identidad distintiva definida por la versatilidad, la autenticidad y una constante búsqueda de exploración musical.

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Fernanda Villalobos es un claro ejemplo de perseverancia, pasión y fortaleza. Criada en la comuna de Conchalí, Chile, en el seno de una familia humilde, descubrió desde muy temprana edad que tenía algo especial que compartir con el mundo. A los 13 años comenzó a crear contenido en Musical.ly, plataforma que años más tarde se convertiría en TikTok. Lo que comenzó como un sueño de adolescencia pronto se transformó en el inicio de una trayectoria extraordinaria. Con un carisma arrollador, una personalidad que conquistaba a quienes la seguían y, sobre todo, unas inmensas ganas de salir adelante, Fernanda logró abrirse camino en medio de una creciente generación de creadores de contenido. Su historia demuestra que el origen no determina el destino. Desde Conchalí y con apenas 13 años, comenzó a construir, paso a paso, una carrera que terminaría convirtiéndola en una figura única dentro de su generación.

Sus primeros pasos en internet no tardaron en convertirse en una historia de crecimiento y conexión. Con el paso de los años, Fernanda logró construir una comunidad fiel que creció junto a ella y que hoy se traduce en una impresionante audiencia de 12.8 millones de seguidores en Instagram y 45.1 millones en TikTok. Pero detrás de esas cifras existe una visión mucho más profunda: para Fernanda, las limitaciones no son fronteras, sino desafíos que pueden superarse. Esa convicción la impulsó a perseguir uno de sus sueños más grandes desde niña: convertirse en artista. Sin embargo, el camino hacia ese sueño no ha estado exento de dificultades. Detrás del éxito, las luces y los millones de seguidores también han existido momentos de incertidumbre, tropiezos y duras batallas personales. Una cuesta arriba marcada, en buena parte, por desafíos relacionados con su salud mental, que la han obligado a enfrentarse no solo al mundo exterior, sino también a sus propias luchas internas.

Dejó atrás el nombre de Iamferv para convertirse en Katteyes, consolidándose como una de las artistas chilenas con mayor proyección internacional. Comenzó su camino en la música a los 18 años y, aunque una pausa de un año puso su carrera en espera, nunca logró detener su sueño; por el contrario, volvió con más fuerza y determinación. Su álbum debut, Deseo, se posicionó entre los proyectos femeninos latinos más exitosos de 2026, superando los 400 millones de reproducciones en plataformas y más de 600 millones en YouTube. Compartiendo espacio con artistas como Bad Gyal, Anitta, Kenia OS y Luísa Sonza, Katteyes demuestra que su propuesta musical llegó para trascender fronteras.

Este proyecto fue apenas la carta de presentación de Katteyes y uno de los primeros grandes hitos de su regreso a la música. Para ella, su carrera se construye sobre pilares fundamentales: la salud mental, el trabajo en equipo y, sobre todo, creer en sí misma. Y esto es solo el comienzo. Katteyes continúa dando pasos firmes con un objetivo claro: llevar el nombre de Chile cada vez más lejos y demostrar que los sueños, cuando se persiguen con pasión y determinación, no conocen fronteras.

Lee aquí nuestra entrevista completa con Katteyes:

Creo que las entrevistas, o en su mayoría, se centran en la figura artística y se quedan en lo superficial, que queda en cámaras o en lo que vende. Pero me interesa saber y me gustaría iniciar con un: ¿Cómo estás? ¿Cómo se encuentra Fernanda Villalobos? 

No sé cuándo fue la última vez que me preguntaron eso, de una forma genuina [Risa nerviosa]. He estado descubriendo todo lo que conlleva ser artista dentro de lo que ha sido el año pasado y este año. Es un sube y baja de emociones. El lado bueno es cuando te está yendo bien. Lo que más me gusta de hacer música es crear, pero también hay un lado negativo, que son las frustraciones de cuando tienes muchas cosas encima y no sabes qué tienes que hacer. Yo he estado descubriéndome, pero también he estado descubriendo cómo se siente mi equipo. La verdad es que ha sido bastante entretenido, pero también una aventura estos dos últimos años desde que volví a sacar música. Por ahora, podría decir que me siento muy bien y plena. 

Mi pregunta es genuina debido a que te mostraste real en redes sociales con un mensaje diciendo que cada vez más pierdes el gusto de hacer música. Cuéntame sobre este sentimiento y lo que te llevó a externarlo. 

Yo sentía en esos momentos que hacía cosas que quizá no estaba sintiendo del todo. Yo vengo de crear contenido; del mundo de TikTok y de ser influencer, entonces a mí me gusta mucho ver estadísticamente los resultados y que el trabajo está yendo hacia algún lugar. Pero llegó un momento en el que no sabía a lo que le estaba trabajando o lo que iba a venir después. Sentí que ese miedo e indecisiones que pasaron por mi cabeza, terminó siendo en mucha incertidumbre para mí en lo que iba a pasar. Creo que fue un momento de colapso mental. Pero ya recapacité conmigo misma. Al final, también creo que eso le gusta a la gente: verme real y que no todo es un mundo de colores. Una realmente está teniendo frustraciones como cualquier otra persona, y no por ser un personaje público tenemos que ser un robot con una sonrisa de oreja a oreja todo el tiempo. Con mi recapacitación, me dije que no debería de estarme quejando porque con mi gente, con todos lo que me han dado y convertido en lo que soy. Más que mostrarles mi frustración, entendí que no puedo enseñar ese tipo de frustraciones; puedo mostrar cuando me sienta triste por otra cosa, pero no por culpa de mi trabajo, porque gracias a la gente es que mi trabajo funciona. Fue una recapacitación. 

Me encanta esta faceta de los artistas en los que esta nueva era les da la fuerza de mostrarse como seres humanos y no como héroes que por mucho tiempo las personas creyeron que eran. Al final, es una realidad que necesita el público y la industria. 

Total. Igualmente, en ningún momento quise minimizar el trabajo de otras personas porque creo que se malinterpretó y se sintió como que me estoy quejando de mi vida, cuando hay gente con trabajos mucho más pesados y horas laborales más complejas. Jamás quise minimizar eso, solo quise mostrar que yo también tengo complejidades en mi vida, solo que se malinterpretó de una manera. El significado principal era la salud mental. Así tengas la vida resuelta y tengas un montón de privilegios, no vas a ser feliz si no tienes una buena salud mental. Todos deberíamos tener el mismo valor de la salud mental.

Por eso me parecía importante platicar de esta situación contigo, porque mucha gente no entendió bien el mensaje sobre la importancia de la salud mental. 

Mil gracias. 

¿Ya no tienes el sentimiento de querer dejar la música?

No, no, no. Para nada [Risas]. Me encanta lo que hago: la música, bailar y todo. Sí fue un momento de recapacitar hacía dónde estoy yendo hacia dónde quiero llegar. Tuve que volver a tomar conversaciones con mi equipo y sentirme cercana con todos para que me ayuden a llegar a donde quiero. Quiero que todas las opiniones sean escuchadas. Siempre he sentido que mi equipo me ha apoyado en mis decisiones, así que esto no ha sido nada difícil. Pero sí cambié mis decisiones que tenía en el momento.

¿Qué es lo que ha hecho mantener tu fuerza y convicción en lo que alguna vez fue tu sueño? Eso que no te deja rendirte.

Ufffff. Cuando tenía 16 años, recuerdo que estaba en la playa en la casa de mi abuela y no tenía ni idea de qué se trataba las manifestaciones y el universo, en lo absoluto. Me compré un libro que se llama El secreto. Ese libro cambió mis creencias limitantes, y comencé a sentir que con 16 años yo me podía comer el mundo. Creía que todo lo que soñara se me iba a dar. Fue tanto el poder de manifestación y el poder que tenía en mí misma que me ayudó a complir mis sueños. Comencé a tener alternativas y a tomar las oportunidades que Dios me puso en esos momentos para ir hacia mi cometido. Cada vez que me siento perdida, o cuando estoy viviendo muy rápido y se me olvida sentir, agarro mi libro y regreso a mis creencias. Me recuerda que nunca me debo poner límites. 

Tanto así que pasaste de ser TikToker a una de las artistas más escuchadas y reconocidas de Chile. ¿Cómo te sientes con eso? ¿Qué se siente representar a tu país a un nivel internacional?

Es algo que siempre me propuse, desde muy pequeña. Me encanta Chile, mi país, la gente y todo lo que lo conforma. Nunca lo cambiaría. Una de mis metas personales era que la gente de acá se sintiera orgullosa de mí. Me lo propuse, trabaje, trabaje y trabaje, hasta que la gente de acá vio que me lo tomé en serio y tomaron en cuenta mi esfuerzo y trabajo, que me la empezaron a dar poco a poco. Siento que si todo hubiese sido de la noche a la mañana, y no me hubiese puesto a trabajar, la gente diría que fue muy fácil, pero la verdad es que el cambio de influencer a artista fue lento. Todo lo que construí como influencer lo hice sola, no fue gracias a ningún privilegio porque yo vengo de una familia muy humilde de Chile. Me fui a los 16 años de mi casa para trabajar a México, después a Estados Unidos. Cuando la gente ve eso en entrevistas, entiende un poco de dónde vengo y me familiariza más. 

¿Crees que ha sido difícil el cambio de influencer a artista? 

Lo que se me ha hecho pesado es llevar las dos vidas. Siento que ser artista requiere todo tu tiempo y toda tu dedicación. Entonces, ser artista y ser influencer, tengo que esforzarme el doble porque tengo que estar haciendo música, entrevistas, ensayos, visuales y más cosas, mientras grabo contenido, y que sea contenido orgánico, no sólo contenido para mis canciones o que sea publicidad, porque al final tengo una comunidad muy linda. Llevar esas dos vidas se me ha hecho difícil, pero lograble. Siento que es una herramienta muy grande. Más que perjudicarme el antes solo ser influencer, me ha ayudado. 

¿Cómo fue tu regreso a la música? ¿Hubo emoción, miedo, incertidumbre? 

Yo empecé a sacar música en el 2023. Estaba yendo a estudios en Chile y me quedaba en casa de mi abuela trabajando, pero en 2024 no pude sacar nada de música. Fue un año muy difícil emocionalmente porque tenía una relación tóxica; lo único que pude hacer en ese año era grabar videos y solo me pude dedicar a eso. Tenía unos problemas de contrato en esos momentos. En el 2025, apenas termino mi relación tóxica y salgo de ese contrato, todo cambió. Al dejar los malos hábitos y la toxicidad, puse mi energía en mí en vez de ponérsela a otra persona. Dios me destapó un montón de bendiciones y oportunidades. Ahí fue cuando empecé a sacar música y que todo se empezó a dar y a fluir. En el 2024 nada se podía dar porque mi energía estaba puesta en alguien más. Apenas me recuperé como mujer y todo cambió. Solo comencé a ser segura de mí misma, a elevar mi autoestima y dejé de darle todo a un narcisista, y Dios me dio lo que realmente era para mí. Fue increíble. Es un momento en el que te quitas la ceguera y por fin puedes ver lo que el mundo tiene para ti; antes no lo podías ver porque estabas viendo a alguien más. 

Desde que regresaste a la música, ¿sientes que tu éxito ha pasado muy rápido? ¿Cómo lo vives?

Siento que rápido rápido no ha sido. Hago música desde los 14 años. En 2023, que ya tenía 18 años, me dediqué a hacer un montón de música, y en 2024 también. Estuve haciendo un montón de música pero no la podía sacar. Era mucho más frustrante hacer esa música y no poder sacarla. Iba al estudio a trabajar con la mentalidad de que no iba a poder sacar el trabajo que hiciera, pero también pensaba que el día de mañana podría hacerlo y quería estar preparada para ese momento. Quería ir a Chile y agarrar todo el sonido chileno, que fuera muy mi esencia. No quería hacerme una popstar o irme al rock. Me pregunté: ‘¿Qué es lo que realmente me llena?’. Pasé por un montón de estilos musicales: trap, alternativo, R&B, dancehall, de todo. Llegó un momento en el que encontré lo que me hacía sentir cómoda y hacía que mis melodías fluyeran. Todo hacía sentido cuando empecé a hacer reggaetón. La gente me dice que me estoy apropiando de algo, pero, ¿cómo me puedo apropiar de un sonido que escucho desde los 12 años? No es que me apropie de algo, estoy inspirándome para crear algo que es 100% mío. 

El que trabajaras en silencio te dio la oportunidad de lanzar tu álbum debut, Deseo, a los pocos meses de tu regreso a la música. 

Así es. Yo he de tener 115 canciones, pero en el álbum solo salieron 10. Imagínate. Yo creía que muchas de esas canciones no servían para nada, pero la verdad es que sí me sirvieron para practicar y hacerme mejor como artista. De todas esas, agarramos las mejores. He estado haciendo música desde los 18 años. 

También hablando de Chile, ¿qué opinas de la escena musical de la región?

Siento que falta más apoyo en las mujeres. Creo que el género masculino ya está más sólido, pero hace falta mucho más apoyo en la escena femenina urbana, así como voces femeninas para que la gente pueda escucharlas. Esto es algo que quiero implementar, por eso hace poco grabé con Loyaltty, una mujer urbana acá de Chile que le mete demasiado. Ella trabaja muchísimo: todos los fines de semana tiene shows y mil cosas. Aún siento que hace falta mucha música femenina a niveles internacionales. Me quería proponer eso para el siguiente año: darme a conocer full internacionalmente y que mi voz se escuche, una mujer cantando reggaetón, porque no solo los hombres puedes romperla al cantar reggaetón. 

Al mismo tiempo, me encanta la escena en Chile. Todos nos apoyamos muchísimo, hay un montón de talento y sonidos nuevos. Todos los días sale alguien nuevo con propuestas nuevas. Me gusta que finalmente Chile está escuchando música chilena. Cuando era pequeña, se daba que solo escuchábamos música internacional. Habían exponentes, pero quizá en otros géneros que estaban pasando. Escuchábamos mucha música de Argentina, Colombia, Puerto Rico y otros países, pero hacía falta que los chilenos escucharan de Chile. Me gusta lo que está pasando con la escena urbana de Chile. 

Algo que también me gusta de mis colegas es que todos venimos de abajo, todos hemos hecho el mismo recorrido, por decirlo así. Todos somos súper trabajadores. Obvio habrá uno que otro que está medio loquito [Risas], pero le ponen mucho esfuerzo en la música y se nota en todo su proyecto. Se ve en todo lo que hacemos que queremos que lo nacional sea igual que lo internacional, no menos. Hubo un momento donde lo chileno se minimizaba mucho, y nos minimizabamos mucho, como que el talento internacional era mejor. Ahora, mis colegas y yo queremos demostrar que somos iguales o mejores. Queremos estar al mismo nivel que los artistas globales. Para allá es a donde queremos ir. 

¿Algunos artistas que nos puedas recomendar de Chile?

Ufffff. Me encanta Lua Lacruz, ella es divina; me ayuda a componer, pero tiene un proyecto musical que es súper lindo y acaba de sacar un álbum. Su novio, Cris Melej, también es un súper artista y tiene un proyecto muy lindo. Hace poco conocí a Ober, y él hace R&B y es un poco experimental y alternativo, se me hace muy bueno. Estos son los artistas que me gustaría recomendar. 

Para ir finalizando. ¿Qué te gustaría agregar, Katt?

Me gustaría hacer una mención especial a mi comuna que se llama Conchalí en Chile. Es una comuna que no es pobre, pero tampoco es clase alta ni privilegiada, es común y corriente. Me gustaría motivar a todos los niños que vienen de abajo y de familias humildes para que persigan sus sueños y que demuestren lo que tienen en su corazón y dentro de sí mismos. Siento que la misma sociedad te hace limitarte y creer que no eres suficiente y capaz, pero el talento puede salir de cualquier lugar, así como el esfuerzo. Si se lo proponen, pueden cumplir sus metas. 

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Después de décadas persiguiendo al Correcaminos, cayendo desde acantilados, explotando con su propia dinamita y comprobando que prácticamente ningún producto comprado a Acme funciona como debería, Wile E. Coyote finalmente descubre un arma que nunca había utilizado: la ley.

Esa es la deliciosa premisa de Coyote vs. Acme, una película que toma una de las bromas más persistentes de la historia de la animación estadounidense y la convierte en algo inesperadamente más complejo. Porque detrás de yunques, cohetes, catapultas y explosivos defectuosos aparece una pregunta bastante razonable: ¿qué ocurriría si alguien obligara a una gigantesca corporación a responder por todos los desastres provocados por sus productos?

Inspirada en el relato satírico de Ian Frazier publicado por The New Yorker en 1990, la película mezcla animación y acción real para llevar el eterno enfrentamiento del Coyote con Acme hasta un tribunal. Pero bajo la superficie de esa comedia judicial existe también una historia acerca del fracaso, la perseverancia, la amistad y esa extraña capacidad humana (o coyotesca) de continuar intentando algo cuando todas las evidencias aconsejan rendirse.

Conversamos con Will Forté, Lana Condor y el director Dave Green sobre la manera en que la película encontró una dimensión emocional detrás de un personaje condenado durante generaciones a fracasar, la sátira contra el poder corporativo y una idea que atraviesa toda la historia: perder una y otra vez no significa necesariamente haber sido derrotado.

Quiero comenzar diciendo algo: Acme apesta. La genialidad de la premisa consiste en tomar un chiste animado repetido durante generaciones y preguntarse qué ocurriría si todas esas catástrofes tuvieran consecuencias reales. ¿En qué momento entendiste que esta idea podría convertirse en algo más que una comedia nostálgica?

DAVE GREEN: Es una gran pregunta. La película está basada en un artículo de The New Yorker de 1990 llamado Coyote v. Acme, que planteaba de una manera muy directa una pregunta: si Wile E. Coyote demandara a Acme, ¿tendría un buen caso? Es una pregunta muy absurda planteada de una forma absolutamente seria, y eso estableció las bases del tono de toda la película.

A partir de ahí, trabajando con nuestra guionista, Samy Burch, hablamos mucho sobre la posibilidad de explorar a Wile E. como personaje más allá de los límites de un cortometraje de siete minutos.

Realmente queríamos descubrir qué era lo que impulsaba a este personaje. Su deseo estaba clarísimo: sabíamos que quería atrapar al Correcaminos. Y su obstáculo también era evidente: tenía delante a esta corporación gigantesca que constantemente hacía estallar todas sus esperanzas y sus sueños.

Pero queríamos preguntarnos algo más: ¿qué siente realmente cuando resulta herido? ¿Cómo se relaciona con otras personas? Al colocarlo junto a Will y Lana y observar cómo sus personajes interactúan con Wile E., pudimos descubrir facetas completamente nuevas de quien, hasta entonces, había sido literalmente un personaje bidimensional.

Coyote vs. Acme funciona como comedia, pero también contiene una crítica sorprendentemente directa al poder de las corporaciones. ¿Cómo encontraron el equilibrio entre lo absurdo de la premisa y los temas muy reales que existen debajo de ella?

WILL FORTÉ: En realidad, el guion hizo por nosotros la mayor parte del trabajo. Estaba muy claro dónde debía aparecer el lado cómico y, al mismo tiempo, muchas de esas ideas podían plantearse todavía desde la comedia. Está tan bien escrito que nunca sientes que los momentos en los que la película quiere decir algo estén separados del resto. Todo pertenece naturalmente a la misma película.

Crítica: Coyote Vs. Acme

Porque esta película es muchísimas cosas. Tiene todo eso que mencionas, pero además hay momentos sorprendentemente emotivos que no esperaba que me afectaran tanto. Poseen una enorme resonancia emocional, pero se sienten merecidos y están muy bien arraigados dentro de la historia.

Cuando veo la película pienso: “Ni siquiera sé exactamente cómo describirla”. Evidentemente es un híbrido entre animación y acción real, pero no es solamente una comedia. Hay muchísimas cosas ocurriendo dentro de ella y están integradas de tal manera que resulta difícil decidir exactamente cómo llamarla.

Supongo que tendremos que llamarla comedia porque definitivamente lo es: es divertida y muy graciosa. Pero entras pensando que vas a ver una comedia y sales diciendo: “Vaya, también vi un drama judicial, un thriller de suspenso y una película emotiva sobre la amistad y sobre las complejidades de diferentes relaciones”. Recibes un poco de todo dentro de esta especie de montaña rusa que está viva en cada fotograma.

Además, es realmente una película para todas las edades. Cuando comenzamos, yo pensaba: “Es un drama judicial sobre personajes animados; quizá sea demasiado adulto para los niños y no suficientemente maduro para los adultos”. Y terminó sucediendo exactamente lo contrario: es para todo el mundo.

Todos pueden disfrutarla. Incluso las personas que no conocen a los Looney Tunes. No necesitas saber absolutamente nada sobre su historia para entender lo que está ocurriendo y disfrutar realmente de estos personajes.

Siguiendo precisamente esa idea, la película reimagina un universo animado muy conocido desde una sensibilidad contemporánea. ¿Qué fue lo que más te sorprendió al descubrir toda esa profundidad emocional de la que habla Will debajo de la mitología de los Looney Tunes?

LANA CONDOR: Es una gran pregunta. Tengo que admitir que la mitología de los Looney Tunes no es precisamente mi especialidad. No conozco demasiado bien toda esa historia, así que temo no poder responder exactamente esa parte de tu pregunta.

Pero sí puedo decirte algo, siguiendo lo que decía Will: me sorprendió muchísimo la cantidad de corazón que tiene esta película y, especialmente, lo que me dejó después de verla. Si pienso en mí misma simplemente como espectadora, lo que me llevé de ella fue tremendamente conmovedor. Me emocionó de una manera que realmente no esperaba. Salí de la proyección sintiéndome muy esperanzada, muy optimista y, sobre todo, con ganas de intentarlo.

Y adoro a Wile E. Adoro esa idea que representa: puedes continuar fracasando todos los días, pero si vuelves a levantarte y simplemente lo intentas… inténtalo. Ni siquiera tienes que triunfar. Puedes fracasar, pero inténtalo. Eso es lo más difícil. Porque si simplemente lo intentas, entonces quizá —solo quizá— mañana puedas conseguirlo.

Esa fue la idea fundamental que me llevé de la película. Supongo que ese tema ha estado presente durante toda la historia de los Looney Tunes y, si no ha sido así, bueno… de nada, Looney Tunes, por haberlo incorporado.

También estoy muy orgullosa de participar en una película como esta porque, últimamente, algunas de las películas hacia las que más me siento atraída son aquellas de las que el público sale llevándose un poquito más de esperanza y un poquito más de esa puta capacidad de maravillarse. Creo que necesitamos eso en la sociedad actual. Y este es el momento perfecto para esta película.

Esa respuesta fue incluso mejor de lo que esperaba. Muchas gracias a los tres, gracias por la película y felicitaciones por conseguir finalmente llevarla a las pantallas.

DAVE GREEN: Muchas gracias.

LANA CONDOR: Muchísimas gracias.

WILL FORTE: Gracias.

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