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Después de varias secuelas improvisadas y de una popularidad cada vez más tenue, la franquicia de terror ficticia Camp Miasma cae en manos de Kris (Hannah Einbinder), una joven cineasta independiente convocada para devolverle la vida a este viejo universo slasher. Su búsqueda la conduce hasta Billy Presley (Gillian Anderson), la misteriosa y recluida protagonista de la película original, quien vive en el campamento donde fue rodada aquella cinta.

El encuentro entre ambas mujeres abre una puerta hacia un territorio bañado en sangre, deseo, miedo y delirio. Lo que comienza como una sátira sobre la obsesión de Hollywood con las franquicias y los reinicios se convierte paulatinamente en una exploración sobre la identidad queer, la fantasía sexual, el trauma y las imágenes cinematográficas que continúan habitándonos mucho después de que la pantalla queda en negro.

Escrita y dirigida por Jane Schoenbrun, responsable de We’re All Going to the World’s Fair y I Saw the TV Glow, Teenage Sex and Death at Camp Miasma se apropia de los códigos del terror de los años ochenta para construir una película tan lúdica como visceral. Anderson y Einbinder conversaron sobre el tono de sus interpretaciones, la cercanía entre el sexo y la muerte, la creación de personajes femeninos complejos y una filmación que las obligó a abandonar las certezas y entrar, como sus personajes, en el bosque de lo desconocido.

La película posee un marcado tono camp. ¿Hasta qué punto incorporaron conscientemente ese registro en sus interpretaciones? ¿Hablaron con Jane Schoenbrun acerca de cuán lejos podían llevar la voz, los gestos y la dimensión física de sus personajes?

HANNAH EINBINDER: Sinceramente, creo que son dos personas raras, y lo digo con mucho cariño. Solo puedo hablar por mí, pero tuve que aproximarme al personaje pensando: “Esta es una persona real, así es ella, esta es su realidad; estos son sus gestos y sus movimientos particulares”.

Como actriz, no puedes interpretar un personaje manteniendo una conciencia meta narrativa sobre él. Es importante asumir que esa persona es así. Kris y Billy no son mujeres convencionales, pero tiene sentido que se encuentren tan profundamente conectadas porque ambas son, cada una a su manera, un poco extrañas.

GILLIAN ANDERSON: Agradezco mucho que Jane me permitiera inclinarme hacia el camp y llevarlo tan lejos como quisiera. Entre el acento, el vestuario y el maquillaje, el equipo estuvo completamente abierto a todo lo que yo pudiera aportar.

Al mismo tiempo, para mí era fundamental que Billy permaneciera anclada en una verdad emocional, incluso cuando se presenta y habita el mundo de una manera tan particular. No quiero utilizar palabras que puedan sonar peyorativas porque, en realidad, me enamoré de ella. Fue una enorme alegría habitarla.

Debía conservar esa humanidad por la naturaleza de su relación con Kris. Quería que los espectadores que hubieran atravesado experiencias semejantes a las de ellas sintieran, a través de Billy, que existe alguien capaz de comprenderlos. Si ella hubiera sido demasiado afectada, exagerada o irreal, corríamos el riesgo de que quienes se identificaran con la historia no se sintieran vistos ni escuchados. No quería contribuir a una representación negativa o burlona de los temas que aborda la película. Fue un equilibrio muy interesante.

El título reúne el sexo y la muerte como si fueran experiencias inseparables y ritos de iniciación. ¿Por qué creen que ambos elementos suelen ocupar un mismo espacio emocional en los relatos sobre el paso a la adultez?

HANNAH EINBINDER: El villano de la película se llama Little Death, una alusión a la expresión francesa petite mort, utilizada para referirse al orgasmo como una pequeña muerte. Creo que allí se encuentra la síntesis de esa asociación.

El sexo y la muerte son dimensiones primitivas y fundamentales de la experiencia humana, desde los primeros seres humanos hasta nuestros días. Forman parte de una lista muy breve de asuntos que siempre han sido centrales para la humanidad. Quizá están relacionados precisamente por esa condición profundamente humana, pero también porque ambos implican renunciar al control.

GILLIAN ANDERSON: Es una pregunta muy buena. Cuando somos adolescentes, aunque nos encontremos muy lejos del final de nuestra vida, muchas experiencias parecen adquirir la magnitud de la muerte. Recuerdo que todo se sentía enorme, importante, devastador y difícil.

Jane ha contado que, después de su transición, sintió que estaba descubriendo nuevamente su adolescencia porque, de alguna manera, había vuelto a nacer. También ha hablado de la alegría y el alivio que encontró al explorar una sexualidad recién descubierta y reencontrarse consigo misma y con su cuerpo en una nueva encarnación.

Uno puede imaginar que, como les sucede a otros adolescentes al explorar su sexualidad, también deben aparecer el miedo, la ansiedad y todas esas emociones tan humanas. A lo largo de la historia, la conexión entre el sexo y la muerte ha alimentado relatos, canciones, novelas y películas. Esta historia lleva felizmente esa relación hasta el extremo.

Gillian, has transitado por géneros y personajes muy distintos, desde The X-Files hasta The Crown y Sex Education. ¿Qué hilo conductor encuentras entre esos papeles, especialmente entre aquellos que exponen una mayor vulnerabilidad sexual? ¿Esa clase de interpretación resulta vulnerable o liberadora para ti?

GILLIAN ANDERSON: Mi propósito siempre ha sido escoger personajes tan variados como sea posible y hacer cosas diferentes para no repetirme. Por un lado, he intentado aceptar papeles desafiantes, pero últimamente también he querido interpretar mujeres más humanas y cotidianas: mujeres que no necesariamente tienen todo resuelto, que son más vulnerables o que están atravesando verdaderas dificultades.

He interpretado a muchas mujeres que parecen tener todo bajo control, que son las jefas o están al frente de alguna institución. Buscar personajes diferentes también ha sido una manera de cambiar ese recorrido.

Una de las cosas que más me gustan de Billy es la manera simultánea en que conviven en ella la fortaleza y la vulnerabilidad. Encontré una puerta para acceder a esas dos dimensiones mediante el acento específico que elegí para el personaje. Sentí que me ayudaba a encarnar ambas cualidades al mismo tiempo.

Billy ha logrado comprender muchas cosas sobre sí misma. Incluso dentro de su vida solitaria, ha aceptado aspectos muy profundos de su identidad, y eso exige una enorme valentía. Sin embargo, su camino hacia el crecimiento y la comprensión personal no es precisamente el más convencional.

No sé cuál pueda ser el hilo conductor entre todos esos personajes, excepto que, al final del día, soy yo quien los interpreta. Billy ocupa un lugar junto a las demás mujeres que he encarnado, aunque se sienta muy diferente. Ella lleva su vulnerabilidad mucho más expuesta, casi sobre la piel, mientras que otras quizá han preferido ocultarla.

¿Qué encontraron en la visión de Jane Schoenbrun que las llevó a participar en la película y qué las sorprendió de su manera de dirigir?

HANNAH EINBINDER: Saber que Jane deposita en sus películas una parte tan grande de su experiencia emocional y de su verdad fue muy importante para mí. Cada obra funciona como una especie de cápsula del tiempo sobre aquello que está viviendo, su recorrido y su crecimiento personal. Eso revela una conexión muy profunda con el trabajo y la voluntad de mostrarse vulnerable a través del arte.

Jane fue exactamente así durante el rodaje. La experiencia de hacer esta película resultó profundamente conectiva y transformadora. Evidentemente, las imágenes son extraordinarias: Jane posee una mirada hermosa para la cámara y utiliza recursos cinematográficos increíbles. Pero también tiene la capacidad de establecer conexiones muy profundas con los demás, y esa es mi parte favorita del trabajo.

GILLIAN ANDERSON: Jane es extraordinariamente honesta con respecto a su propia experiencia y está dispuesta a hablar de ella con absoluta transparencia. Hay algo profundamente entrañable en esa actitud.

Aunque te pide que seas vulnerable y participes en algo emocional, revelador y crudo, también está dispuesta a entrar contigo en ese terreno y a exponerse de la misma manera. No había vivido algo así anteriormente. Lo disfruté mucho y fue un gran honor tanto presenciarlo como ser invitada a participar en algo que permanecía vivo y emocionalmente abierto durante todo el proceso.

¿Cuál era su relación personal con el cine slasher antes de esta película? ¿Qué pensaron al leer un guion que inicialmente parece una versión intelectual de Wes Craven’s The New Nightmare, pero que después avanza hacia territorios diferentes?

GILLIAN ANDERSON: No tengo ninguna relación con el slasher. El género y yo tenemos una cita pendiente.

HANNAH EINBINDER: Yo era aficionada al terror, pero el slasher constituía un subgénero que no había explorado con tanta profundidad. Me interesaban más la comedia de terror, lo sobrenatural, algunas películas de Saw, muchas adaptaciones de Stephen King y el terror clásico de John Carpenter.

Siempre bromeo diciendo que asistí a la “Academia de Cine Jane Schoenbrun para Señoritas”, porque Jane me entregó un programa de estudios extraordinario que me permitió sumergirme profundamente en el slasher.

Sin embargo, creo que el género más relevante para comprender la película es el drama psicosexual. Observamos obras como Persona, Crash, The Duke of Burgundy, Carol y Secretary: películas que exploran las relaciones y el deseo. En nuestra historia, el slasher rodea a los personajes y alimenta su universo de fantasía, pero su verdadero centro es psicosexual. Esa fue nuestra principal referencia.

Crítica: Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma (Teenage Death and Sex at Camp Miasma)

Hannah, la película trabaja con ideas de identidad y transformación. ¿Crees que el público —especialmente las mujeres y las audiencias queer— busca personajes femeninos más complejos y no necesariamente agradables? 

HANNAH EINBINDER: Siempre queremos personajes complejos, sin importar quiénes sean. Por supuesto que necesitamos mujeres complejas. Si tienes el privilegio de hacer una película, deberías asumir la responsabilidad de construir personajes que se sientan como seres humanos.

En ese sentido, ayuda muchísimo que las mujeres y las personas queer tengan la oportunidad de escribir sus propios personajes. Esa ha sido una de las claves del éxito de Hacks y también lo es en esta película. Cuando les permites a las personas ser autoras de sus propias historias, el impacto es enorme.

Crítica: Hacks (2021-2026)

Quiero seguir interpretando seres tridimensionales. Es muy importante para mí y normalmente puede percibirse desde la primera lectura del guion. Esta fue una oportunidad extraordinaria para encarnar a una persona que atraviesa una transformación. Poder observar cómo alguien cambia durante el transcurso de una película es algo muy difícil de conseguir, porque el tiempo es limitado.

Esas son las historias que me inspiran, las que me encienden por dentro y las que deseo encontrar cuando voy al cine.

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Una isla puede ser un refugio, pero también puede convertirse en un lugar del que resulta imposible escapar. Esa contradicción atraviesa Sterling Point, la serie creada por Megan Park que comienza con una herencia aparentemente concreta y termina abriendo preguntas mucho más difíciles sobre la familia, el duelo, la pertenencia y las historias que una generación deja sin resolver para la siguiente.

Annie, interpretada por Ella Rubin, llega desde Nueva York después de heredar un lugar que pertenece a una historia familiar que todavía no comprende. Sterling Point no tarda en convertirse en algo más que una propiedad. Es un territorio poblado por personas que ya tienen una relación con la isla, por recuerdos que Annie no comparte y por secretos cuyos efectos siguen presentes aunque quienes los originaron no siempre estén dispuestos a hablar de ellos.

Esa tensión permite que la serie se expanda mucho más allá de su protagonista. Ramona, Connor, Una, Mabel, Sully, Rory y Ellis ocupan posiciones distintas frente a ese mismo espacio. Algunos pertenecen a él. Otros quieren marcharse. Algunos encuentran allí una familia que no podrían reproducir en otro lugar. Otros cargan con decisiones tomadas por los adultos antes de que pudieran siquiera comprenderlas.

En conversación con Rolling Stone en Español, Park y el elenco de Sterling Point reflexionan sobre esas contradicciones. Reunimos sus voces para hablar sobre aquello que heredamos, la diferencia entre pertenecer y sentirse atrapado, las verdades incompletas de los adultos y ese momento de la juventud en el que una decisión puede parecer capaz de cambiar una vida entera.

Megan, tanto en The Fallout como en My Old Ass hay momentos en los que el tiempo parece fracturarse: El trauma impide avanzar o el futuro regresa para transformar el presente. ¿Qué relación con el pasado hereda Annie en Sterling Point y hasta qué punto esa herencia amenaza con definirla antes de que pueda definirse a sí misma?

MEGAN PARK: Creo que la herencia funciona casi como aquello que inicialmente piensas que será simplemente algo del pasado, pero que termina moldeando su futuro. Cuando estaba escribiendo la serie pensaba mucho en cuál era realmente el arco de Annie. ¿Qué está buscando? ¿Qué necesita?

Al comienzo de la serie, Annie se ve a sí misma como una joven cuya madre murió. Por supuesto que es algo triste, pero no considera que sea algo que la defina demasiado porque ocurrió cuando ella era muy pequeña. Existe esa idea de: ¿cómo puedes extrañar algo que nunca conociste?

Al final de la serie, se da cuenta de que aquello que pensaba que no la había afectado en absoluto, en realidad la ha afectado más que cualquier otra cosa en su vida y ha moldeado quién es. De alguna manera, empieza a aceptar que es una chica cuya madre murió, a falta de una mejor manera de decirlo, y que eso realmente constituye una parte enorme y definitoria de su vida. Ese es el elemento del pasado que, para mí, termina haciéndose muy presente.

Ella, Annie no hereda solamente una isla, sino también una historia familiar llena de preguntas sin responder. ¿Cómo abordaste la diferencia entre descubrir de dónde viene y decidir quién quiere ser?

ELLA RUBIN: Creo que ese es, en cierto modo, el centro de su recorrido como personaje: la transición entre su antigua vida y su nueva vida, y descubrir con cuál de las dos, o con qué punto intermedio entre ambas, conecta realmente.

Annie está librando una gran batalla entre la cabeza y el corazón. A lo largo de la serie intenta descubrir, a partir de lo que le pide el corazón, qué es lo que realmente quiere. Lo que quiere no necesariamente es algo que pueda definir perfectamente o para lo que pueda encontrar una lógica absoluta. Y creo que empieza a aprender que no necesita analizar a la perfección cada parte de una decisión para que esa decisión siga siendo válida.

Aprende a soltar cierta necesidad de aferrarse con todas sus fuerzas a cada elección y de tener una razón perfecta para todo. Creo que Muskoka, como lugar, y la familia que encuentra allí son un vehículo increíble para ese acto de dejar ir.

Una isla puede ofrecer libertad y, al mismo tiempo, hacer que escapar parezca casi imposible. ¿Cómo afectó esa tensión el comportamiento de Annie mientras el lugar que hereda comenzaba a revelar aquello que llevaba ocultando?

ELLA RUBIN: Es curioso porque ella viene de Nueva York, un lugar en el que se supone que deberías sentirte increíblemente libre, donde deberías tener acceso a ir prácticamente a cualquier parte. Sin embargo, allí se sentía enormemente limitada y asfixiada en muchos sentidos.

Después llega a esta isla, donde está completamente aislada, y dentro de esa privacidad, en este mundo que al principio casi le parece falso, termina atrapada en una situación que la obliga a enfrentarse a su realidad.

La isla funciona como una especie de espejo para Annie. Cuando la conocemos en Nueva York está atravesando un momento de su vida en el que las grietas empiezan a aparecer y ya no consigue contener completamente todas las cosas que se ha estado ocultando a sí misma o que su familia le ha ocultado. Llegar a la isla hace que todo eso se abra de golpe, pero sucede dentro de un espacio seguro y cerrado, tanto literal como figurativamente.

Creo que eso le permite pensar algo como: “Estoy en un mundo falso, estoy viviendo una vida falsa, puedo sentirlo todo aquí”. Puede experimentar las emociones de una manera libre y abierta en lugar de imponer reglas constantemente. Por eso creo que la isla fue, por parte de Megan, un escenario realmente brillante para mostrar a una chica intentando encontrar su lugar frente a nuevas revelaciones, una nueva libertad y una nueva versión de sí misma.

Megan, la isla puede parecer un refugio, pero también es un mundo cerrado donde los secretos familiares pueden desarrollar sus propias reglas. ¿Cómo utilizaste ese aislamiento para explorar los mitos que construyen las familias, la culpa que esconden y los silencios que pasan de una generación a otra?

MEGAN PARK: Creo que, por naturaleza, un lugar como este, y específicamente una casa de campo en una isla real, se convierte en una especie de mundo propio, donde a veces el tiempo deja de existir. Puedes escapar de las reglas del mundo exterior o ignorarlas. Puedes olvidarte de lo que está sucediendo fuera de ese espacio.

Específicamente para Ramona, después de haber vivido allí con Gordon durante tantos años, ella se siente como una persona que ni siquiera sabe realmente cómo vivir fuera de ese lugar. Annie, obviamente, es una chica de la gran ciudad y al principio la idea de estar en una isla le resulta un poco asfixiante. Así que tienes a estas dos chicas que están muy definidas, o que terminarán siendo definidas, por la manera en que esa isla las hace sentir. Me pareció un giro interesante.

Creo que este tipo de lugares terminan convirtiéndose naturalmente en el cementerio de muchos secretos familiares. Son espacios que parecen existir fuera del tiempo. Y lo digo mientras estoy sentada precisamente en uno de esos lugares que ha pertenecido a mi familia durante mucho tiempo.

Amélie, Ramona entra en la vida de Annie en un momento en el que amistad, deseo y sospecha pueden resultar difíciles de separar. ¿Cuál identificaste como la contradicción emocional que está en el centro de su relación con Annie?

AMÉLIE HOEFERLE: Probablemente la confianza. Conocemos a Ramona en un momento en el que siente que no tiene a nadie, especialmente desde su propia perspectiva. Puede que el público sepa más que ella en determinados momentos, pero ella siente que no tiene a nadie. La última persona que tenía acaba de morir y ahora aparece Annie en su vida. Eso está lleno de dudas y de preguntas como: ¿Por qué está aquí?, ¿bajo qué circunstancias?

Creo que existe cierta desconfianza hacia Annie. Es como si Ramona se preguntara: ¿por qué siente que puede estar aquí de repente? Por supuesto que existen razones perfectamente lógicas, pero en la mente de una chica de 16 años como Ramona, al principio todo está mucho más basado en las emociones, que la mayoría de las veces no responden a la lógica.

Hay mucha desconfianza y muchas dudas. Eso se convierte en un conflicto cuando empieza a comprender la relación que podría llegar a tener con Annie y lo hermosa que podría ser si se permitiera confiar.

Keen, en una historia impulsada por secretos heredados, los personajes jóvenes muchas veces terminan obligados a vivir con las consecuencias creadas por los adultos. ¿Cómo responde Connor ante un pasado que no eligió, pero que aun así se espera que cargue?

KEEN RUFFALO: Es difícil porque él no siente esa conexión que, supongo, Annie sí tiene. Recibe toda esta responsabilidad sin sentir realmente ninguna de las recompensas emocionales que vienen con ella. Al final del día, él todavía se ve a sí mismo como adoptado y no tiene ese apego emocional hacia la isla o hacia descubrir más cosas sobre ella de la misma manera que Annie.

Para él es mucho menos gratificante y, muchas veces, se convierte más bien en una carga. Y creo que incluso al final sigue siendo difícil porque todavía no encuentra esa conexión. Es algo que quiere encontrar, pero no creo que pueda hacerlo todavía. Así que cargar además con todo ese peso no le parece justo.

Bo, Oona pertenece a una comunidad que Annie apenas está comenzando a comprender. ¿Qué reconoce Oona en Annie que los demás personajes inicialmente no consiguen ver?

BO BRAGASON: Una de las cosas que realmente admiro de Oona como persona es su disposición a aceptar de todo corazón a las personas que acaba de conocer. No hay juicio, y eso fue algo que disfruté muchísimo de ella. 

Annie llega desde un mundo completamente diferente. Creció en Nueva York, mientras que Oona es una especie de nómada. Ha pasado toda su vida viajando con su hermana, viviendo en distintos lugares. Creo que, precisamente porque creció en tantos sitios y conoció a tantas personas diferentes, está muy abierta a recibir a Annie de esa manera. Me parece algo muy bonito. Además, cuando Annie llega, eso introduce una dinámica distinta dentro del grupo. Es refrescante.

¿Qué contradicción dentro de Oona, entre lo que quiere y lo que está dispuesta a admitir, se convirtió en la clave para comprenderla?

BO BRAGASON: Creo que en la vida, en general, siempre vas a cometer errores. Especialmente cuando eres adolescente, cuando tienes 18 años y estás intentando descubrir las cosas en tiempo real. Siempre vas a contradecirte. Puedes decir una cosa y de repente equivocarte y hacer otra.

Hay muchas cosas que Oona hace con las que yo, personalmente, no estoy de acuerdo. Pero me encanta entrar en su manera de ver el mundo y justificar desde su perspectiva las razones por las que quizá toma una decisión equivocada. Es muy real, tiene muchas capas y muchos defectos, como todo el mundo.

Mabel, en una historia donde las familias esconden partes del pasado, ¿cómo ha aprendido Maple a distinguir entre proteger a alguien y proteger una mentira?

MABEL STRACHAN: Creo que una parte importante tiene que ver con cómo está pendiente de su hermana, de una manera muy sutil, y trata de guiarla. Hay una escena en la que intenta asegurarse de que tenga cuidado con su relación, pero no se lo dice realmente de forma directa. Es más como si estuviera tratando de asegurarse de que todo esté bien, de vigilar y orientarla sin necesariamente decirlo.

¿Qué carga ha estado llevando Maple sin comprender completamente de dónde proviene?

MABEL STRACHAN: Evidentemente está la ausencia de su madre. Ella carga con eso y está dolida, pero termina expresándose a través de la rabia. Teníamos esta idea con ella de preguntarnos: ¿realmente estás enfadada o en realidad estás muy triste?

Creo que intenta, no exactamente ocultarlo, pero no habla de ello. Hay una escena realmente buena en la que ella puede sacar todo eso, y me parece increíble porque ahí consigue expresar esas emociones.

Nikko, ¿cómo influye la conexión de Sully con la isla en su manera de responder ante la llegada de Annie y ante el hecho de que ella reclame un lugar que ya significa algo para quienes estaban allí?

NIKKO ANGELO HINAYO: Creo que Sully creció allí, en Muskoka, así que siente una gran necesidad de proteger la comunidad que ha encontrado entre esas personas. Al mismo tiempo, como decía Bo, la llegada de Annie es emocionante porque no creo que sea un lugar al que llegue gente nueva constantemente. Es muy interesante ver cómo su presencia empieza a cambiar la dinámica.

Pero, en última instancia, creo que ese amor por la comunidad de Sterling Point, por Muskoka, es algo que Sully valora muchísimo.

¿Qué parte de la identidad de Sully está ligada a la isla y qué podría perder si algún día decide dejarla?

NIKKO ANGELO HINAYO: Su familia está allí. Y no solamente su familia física, sino también la familia que ha encontrado. No creo que pueda encontrar algo exactamente igual en ningún otro lugar. Tiene una dinámica tan específica dentro de ese grupo de amigos que sería muy difícil reproducirla si finalmente se marcha.

Obviamente espero que pueda irse y hacer lo que quiera hacer. Creo que eso también es muy importante. Pero sería triste. Si alguna vez se va, creo que necesitaría bastante tiempo para recuperarse de dejar todo eso atrás.

Daniel, en una comunidad marcada por secretos familiares, la lealtad puede convertirse fácilmente en complicidad. ¿Dónde traza Rory esa línea y qué hace que le resulte tan difícil defenderla?

DANIEL QUINN-TOYE: Es una pregunta realmente buena. Creo que has dado en el clavo con eso de cuándo la lealtad se convierte en complicidad. ¿Puedo robarte esa frase? Voy a usarla porque creo que lo resume perfectamente.

Rory nace dentro de unas circunstancias en las que participa y de las que forma parte. Pero tiene esta conciencia de sí mismo que casi se convierte en una carga, porque disfruta de ese estilo de vida y, al mismo tiempo, siente constantemente que quizá no sea lo mejor y que algo no está bien. Después aparece Annie y él quiere demostrarle lo conectado con la realidad y lo sensible que puede ser, pero empiezan a interponerse cosas.

Creo que en ocasiones traza la línea frente a algunos comportamientos y comentarios de su madre. Puedes verlo en algunos episodios empezar a enfrentarse a ella, o llegar a un punto en el que ya ha tenido suficiente y simplemente marcharse.

Y, sin entrar en spoilers, su mejor amigo Lincoln puede ser una mala influencia. Hay un momento en el que Lincoln hace algo para protegerlos y Rory no puede creerlo. Aunque quién sabe, quizá Rory también habría participado si la chica que le gusta no hubiera estado justo a su lado desaprobándolo. Creo que decidió intentar trazar una línea ahí. Como decías, todo consiste en tratar de separarse de un mundo del que también forma parte.

Crecer también implica descubrir que los adultos que te rodean quizá han construido sus vidas sobre verdades incompletas. ¿Cómo modifica esa comprensión la manera en que Rory se entiende a sí mismo?

DANIEL QUINN-TOYE: Creo que Rory tiene miedo. Le tiene miedo al mundo. Ha crecido muy protegido. Es un chico de Manhattan que nació rodeado de mucho privilegio y dinero, y se irá a Columbia en otoño. Creo que, en el fondo, eso le asusta.

También hay bastante ego involucrado. Se pregunta si debería estar yendo allí, si debería haber tomado otras decisiones. Sin entrar en spoilers, quizá si hubiera elegido de otra manera podría estar yendo a otro lugar. No está realmente en paz consigo mismo.

Puede que rechace algunos de los comportamientos de su madre o de las personas que lo rodean, pero al menos ellos parecen sentirse cómodos dentro de su entorno. Denise, por ejemplo, no parece tener ninguna duda de que está en el trabajo correcto o de que esa manera de vivir forma parte de su naturaleza. Pero él, como decía antes, está cargando con esa conciencia de sí mismo. Y eso produce cierta inestabilidad. En realidad, no quiere encontrarse en la situación en la que está.

Jacob, Ellis vive en un lugar que Annie inicialmente experimenta como una extraña. ¿Cómo desafía su comprensión de la isla la historia que ella empieza a construir sobre ese lugar?

JACOB WHITEDUCK-LAVOIE: Creo que Megan hizo un gran trabajo mostrando ambos mundos en la serie. Annie llega desde Nueva York a esta isla y descubre una vida completamente nueva. Allí la vida es muy diferente, y creo que Ellis le muestra gran parte de eso.

También pienso que ella encuentra paz allí. Encuentra esa paz y esa tranquilidad en medio de todo el caos que está viviendo y de todas las cosas que tiene en la cabeza. Creo que Ellis cumple ese papel de aportar calma y protección. Tiene mucha influencia sobre Annie y funciona, de alguna manera, como una especie de figura protectora para ella.

Megan, tu trabajo se toma en serio la vida emocional de los jóvenes sin tratar la adolescencia simplemente como una sala de espera antes de la adultez. ¿Qué querías que Sterling Point revelara sobre ser joven que las historias para adultos jóvenes todavía tienden a simplificar o interpretar desde una perspectiva adulta?

MEGAN PARK: Gracias. Es un gran cumplido y una gran pregunta. La verdad es que no pienso demasiado en el hecho de que estoy escribiendo personajes jóvenes. En mi cabeza simplemente los veo como personas.

Es cierto que están en un momento de la vida en el que muchas cosas suceden por primera vez. Son experiencias a las que después nos acostumbramos como adultos y quizá dejan de parecernos tan importantes. Pero hay que recordar lo enormes y transformadoras que se sienten a esa edad y cómo, algunas veces, realmente terminan transformando una vida.

Lo que ocurre durante ese periodo de tu vida muchas veces termina definiendo el camino que tomas. Por eso esas decisiones se sienten tan enormes: ¿dónde voy a estudiar?, ¿voy a estudiar?, ¿me quedo?, ¿me voy? Todas esas cosas.

Creo que por eso existe un deseo inherente, ya sea entre los millennials o en cualquier otra generación, de regresar y volver a ver películas o series que exploran ese momento específico para cada uno de nosotros, porque es una etapa profundamente definitoria. Yo simplemente intento pensar en estos personajes como personajes completos, porque eso es lo que son.

Que sean jóvenes no significa que no tengan capas o matices, que no hayan experimentado mucho trauma o duelo, o que no puedan observar el mundo de una manera amplia y dinámica. Creo que sería hacerles un flaco favor a los jóvenes, especialmente a la Generación Z, verlos de cualquier otra manera. Me parece una generación fascinante, sabia y excepcionalmente amable.

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¿Quién no quedó fascinado con la música tan brutalmente honesta que cantaba una adolescente al lado de sus compañeros de EME-15?

Pues, 18 años después del inicio de la agrupación (y 16 de su debut como solista) Paulina Goto sigue conectada a la música de manera inmensa. El año pasado presentó Natural, un álbum que hacía honor a sus raíces y, al mismo tiempo, mostraba a una mujer madura que es dueña de su propia identidad.

Y ahora, Goto estrena ‘Cuídame de mí’, un sencillo que abrirá una nueva etapa musical para la cantante, actriz y compositora. En conversación con ROLLING STONE en Español, describió sus próximos pasos como el resultado de un fuerte trabajo de sombras, en el que logró aceptar sus emociones incómodas e incongruencias humanas, para poderlas convertir en lo que le da más fuerzas: la música.

¿Ayuda selectiva?

¿Cómo surgió la idea de escribir ‘Cuídame de mí’? Entiendo que sucedió al encontrar a una persona que tal vez salvó o rescató algo de ti que estaba roto, pero ¿cómo llegó el punto en el que tú decidiste escribir sobre esto y te diste cuenta de que había un encuentro, tal vez un poco irónico, entre esas emociones?

‘Cuídame de mí’ habla sobre el autosabotaje, sobre esas veces que nosotros mismos podemos ser nuestros peores enemigos, que creo que usualmente es así. Y sí, habla también de esas personas que se quedan contigo y que te acompañan en este proceso, que creo que es bien importante cuando estás viviendo un momento difícil y un momento de oscuridad, no vivirlo en soledad. Yo creo que nadie te puede salvar, pero cuando hay presencia de esas personas que te quieren, con eso es suficiente. Como su compañía, mientras tú atraviesas lo que sea que tengas que atravesar.

Este tema lo escribí con Cecy Leos, con Héctor Mena y Pepe Portilla, y lo produjimos en 3KMZ. Siempre mi música está inspirada en cosas que estoy viviendo y para mí ha habido muchos momentos en mi vida en donde he vivido transformaciones, y a raíz de esas transformaciones ha habido mucho crecimiento, pero cuando estás ahí, sientes que te ahogas, que no sabes cómo vas a salir de ahí o si puedes salir de ahí. Y habla de lo importante que es saber quedarte ahí, porque muchas veces queremos salir rápido y darle la vuelta a la página, y es fácil de pronto el positivismo tóxico, pero creo que la única forma de salir es realmente atravesar las cosas y verlas de frente. 

También me gustaría saber cómo encuentras fuerza para escribir música durante temporadas emocionales complicadas, porque, por ejemplo, aquí hablas de ese autosabotaje. Me explicas que sí es bien difícil frenarte a ti solita, pero cuando ya identificaste esa emoción o esa historia que estás viviendo tú, ¿cómo agarras fuerza para transportarlo a tu música y a tus letras?

La música me da fuerza.

¿En serio?

Sí, poder transformar esos momentos o ese dolor, y poderlo transformar en canciones, como que es algo que, cuando hablas las cosas, algo se libera. Para mí, hablarlo es cantarlo, escribirlo y hacer música, y he descubierto eso: una sesión de composición a veces es mejor que ir a terapia. Cuando conectas con tus amigos y con gente creativa, empiezan a salir las cosas.

Casi como agua, ¿no?

Exacto. Y no solo se trata de ti, pues la gente con la que estás componiendo en ese cuarto, o si estás con tu productor y también está creando contigo, se hace una energía muy padre de también sentirte en un lugar seguro. Siento que es súper poderoso poderlo hacer, porque no solamente es purgar y soltarlo, sino transformarlo en una canción que deja de ser solamente tuya o que se trate de tu historia, y que puede ser algo que pueda acompañar a otras personas en estos procesos también que todos estamos viviendo como humanos. Eso es lo más increíble de la música y lo que yo encuentro también de propósito en lo que hago. Al final el arte también es un servicio, y nada, me encanta, a mí la música me da fuerza y me ha salvado mil veces.

Crítica: Día D: Bajo presión (Pressure)

Sí, claro, y eso me llama mucho la atención, porque pienso ahorita como en la música que hiciste desde tus inicios, por ejemplo, con ‘Vete al Diablo’, que es una canción que hasta la fecha yo la pongo y comparto el enojo que sentías cuando la compusiste. Entonces, ¿cómo crees que has cambiado tú, desde escribir letras como las de esos primeros sencillos, hasta ahorita con canciones mucho más profundas y letras mucho más honestas, que a lo mejor uno no se puede identificar al estar en una etapa más madura y más consciente al momento de relacionarse?

Es parte también de crecer y de vivir experiencias. Justo hablaba hace rato de mis inicios, mi primer álbum, que es donde está ‘Vete al Diablo’, o mi etapa en EME 15, pues todo era nuevo para mí, y entonces yo no tenía la experiencia para involucrarme en todo lo que me puedo involucrar ahora. Con los años, que iba creciendo, he ido también conociendo cómo funciona, y he tenido oportunidad de escribir y trabajar con diferentes productores. Vas aprendiendo y te vas nutriendo también, y teniendo más idea de lo que quieres decir y cómo lo quieres decir. Y digo, no que no quería decir lo que dije en su momento, me encanta porque es súper honesto. Era mi verdad en ese momento.

Y por eso sigue resonando tanto actualmente. 

Sí, pero vas viviendo nuevas experiencias y la música va creciendo contigo y vas evolucionando, y eso me gusta. Me gusta mucho porque creo que tu repertorio se vuelve un diario, pero no solamente mío, sino de las personas que han crecido conmigo y que han escuchado mi música desde entonces. Me encanta cómo de pronto escucho una canción de Taylor Swift que me recuerda a mis 17, 18 años y que me estaba enamorando, y me hace recordar estos momentos clave que me remontan directo allá. Eso es padrísimo.

Yo ‘Súper loca’ todavía la escucho cada que tengo un crush y me pega muchísimo. ¿Cuál es la canción de Taylor que mencionas ahorita?

‘Long Live’

Buenísima, es divina.

Oye, lloré. La fui a ver en vivo y no sabía que esa era mi canción hasta que la escuché ese día y me puse a llorar. Fue increíble, pero fue de que me conectó esa etapa de mi vida muy linda e inocente.

De mucha esperanza. Y ya para casi finalizar. ¿Hay algún género en especial que te gustaría explorar en esta nueva etapa?

Yo soy fiel a mi pop. Claro que he explorado otros géneros. Por ejemplo, en mi álbum Natural, que es mi álbum más reciente, exploramos con ritmos latinos, con un poquito de salsa. Tengo una colaboración con Emilio, una canción que se llama ‘Cómo Olvidar’, que también es más latin pop. Creo que dentro del pop he explorado. Tengo una colaboración con Rafa Loar, de Elefante, una versión de ‘Vete al Diablo’, mucho más rock, y me encanta poder jugar con otros géneros. Tengo rolas que tienen toquecitos de urbano, porque la música también es para jugar y para experimentar. En esta nueva etapa, con ‘Cuídame de mí’, también estoy explorando otros géneros, pero dentro del pop, porque yo amo el pop. El pop es lo máximo, y yo crecí escuchando pop, y nada, creo que también se necesita buena música pop en México y en Latinoamérica.

¿Cuáles son tus otros referentes? Aparte de Taylor Swift, ¿a quién más escuchabas?

Cuando era más chica, me encantaba Shakira, esos primeros álbumes de ¿Dónde Están los Ladrones?, Pies Descalzos, me encantaba, pero también escuchaba a Kabbah, me encanta, escuchaba Britney Spears. También escuchaba mucho la música que escuchaba mi papá, y a mi papá le encantaba Alejandro Sanz, Joaquín Sabina. Yo empecé a escribir mis primeras canciones con él. Creo que como que mi amor por la música comenzó también en casa. Obvio vamos creciendo y te van interesando tus artistas y te vas nutriendo, pero pienso que somos un poco toda la música que escuchamos.

Sí, 100%. Y ahora sí, para finalizar, ¿emocionada por el Lunario?

Estoy súper emocionada, estoy muy emocionada porque, pues, es el cierre de esta era de Natural y vamos a cantarla una última vez. Refiriéndome al concierto de Natural, no de que ya nunca voy a cantar una canción del álbum, pero cuando te armas un show, pues ya metes canciones de otras eras y así. Entonces, con este show cerramos esta etapa, pero también me emociona mucho que voy a mostrarles ya de lo nuevo. Entonces va a ser como una fusión entre Natural una última vez y esta nueva etapa que estoy explorando para mi segundo álbum de estudio, después de mi debut, que fue en el 2010.

Sí, pasaron 15 años.

Pasaron 15 años. Entonces, para mí está siendo increíble. Estoy trabajando con 3KMZ [Tres Kamikazes] y creo que estamos encontrando cosas padrísimas en cuanto a sonido. Me estoy encontrando ahí y estoy explorando también partes de mí que no me había atrevido a ver. Mi música y, en general, siempre ha sido más fácil mostrar esta faceta mía y este lado mío más luminoso, y ahora, en esta nueva exploración artística, estoy entrando como más a la sombra, a este lado B, más oscuro, esas cosas que no me atrevía a decir, que no me he atrevido a sentir, a hacer, y bueno, ‘Cuídame de mí’ es lo primero de esto.

¡Qué increíble! ¿Cómo describirías esas sombras? Son más como estos sentimientos incómodos que a veces uno no acepta, como tal vez los celos, el enojo, ¿o por dónde te estás yendo?

Sí, justo todo eso. La sombra es todo lo que desde chicos nos dijeron que no podíamos ser, como esos mensajes de que ser vulnerable o llorar no está bien; o que enojarte no está bien porque tú tienes que ser una niña buena, bonita. Incluso sentir celos y la sensualidad en las mujeres, por ejemplo, que es algo también que como sociedad nos reprimen un montón. Entonces, la sombra es todo aquello y para cada quien es diferente, pero todo aquello que vas guardando en un armario. Y no porque esté ahí significa que no exista, que no es parte de ti; al revés, cuando no lo ves, justamente todo eso se convierte en esos patrones que controlan tu vida sin que tú lo sepas, de manera inconsciente. Entonces, estoy haciendo mi shadow work y lo estoy traduciendo en música y estoy fascinada.

Pues muchas felicidades, Paulina, ya la estaremos escuchando en cuanto salga. Muchas gracias.

Gracias a ti.

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En 2021, Selena Gomez, su madre Mandy Teefey y la fundadora de The Newsette, Daniella Pierson, lanzaron Wondermind con el objetivo de hacer más accesibles las costosas herramientas de salud mental.

El sitio web de la plataforma mediática, que cuenta con una opción para suscribirse a su boletín informativo, describe sus orígenes: «Un día, mientras hablábamos del tema, nos dimos cuenta de que no existía un espacio sencillo e inclusivo donde la gente pudiera reunirse para explorar, hablar y gestionar sus sentimientos. Así que pensamos: “¿Por qué no hacerlo realidad?”. Y así nació Wondermind».

Ahora, cinco años después de su creación, Wondermind y sus fundadores enfrentan una demanda de inversores que afirman haber inyectado cerca de 1,2 millones de dólares en Wondermind Global Inc., tras haber recibido falsas promesas sobre la infraestructura, el liderazgo y los recursos de la empresa.

Según una nueva demanda presentada el miércoles, se hizo creer a los inversores que se desarrollaría una aplicación revolucionaria de Wondermind, que cerrarán acuerdos publicitarios y que ya estaban en marcha reportajes de portada con celebridades. Por el contrario, la demanda alega que “durante tres años, mientras la empresa se desmoronaba silenciosamente a su alrededor, ninguno de sus fundadores, directivos o miembros del consejo dijo una palabra a los inversores cuyo dinero financiaba dicho colapso”.

El próximo álbum de Selena Gomez podría ser el último

El trío y Wondermind han sido demandados por fraude de valores, fraude bajo el derecho consuetudinario e incumplimiento de contrato. Los demandantes solicitan la rescisión de sus inversiones en Wondermind, así como una indemnización por daños y perjuicios y el reembolso de las costas procesales.

La demanda también alega que los inversores desconocían los hechos completos detrás de sus reclamaciones hasta que The Cut publicó un artículo el año pasado sobre las operaciones de la empresa; dicho reportaje informaba sobre tensiones en la relación entre Gomez y su madre, así como sobre una lucha de poder entre Teefy y Pierson. El informe reveló a los demandantes el «caos absoluto» en el que se encontraba la empresa, incluyendo el presunto «trastorno por abuso de sustancias y la gestión flagrantemente deficiente» por parte de Teefy; el «abandono total de sus funciones» por parte de Gomez y sus «esfuerzos activos por desvincularse» de la compañía; y el incumplimiento de obligaciones básicas de la empresa, tales como «pagar a sus empleados y proveedores» a tiempo.

Pierson —quien fue apartada de Wondermind en 2023— es la única demandada en otro litigio por fraude de valores, en el que se alega que hizo declaraciones falsas a los inversores para incentivar la compra de acciones; asimismo, se le acusa de apropiación indebida y enriquecimiento injusto. La demanda hace referencia a un artículo de Forbes de agosto de 2025 en el que se afirmaba que Pierson infló las cifras de lectores y la valoración de su boletín sobre estilo de vida durante las presentaciones comerciales. También se acusa a Pierson de desviar fondos de inversión para sus «propios fines personales» y de haber «empobrecido a los demandantes sin justificación alguna».

«Daniella niega categóricamente las acusaciones en su contra y acoge con satisfacción la oportunidad de presentar documentación concreta y registros financieros que esclarezcan los hechos», declaró un representante de Pierson. «Para que quede claro: ella nunca utilizó fondos de los inversores para gastos personales. Más bien al contrario: Daniella invirtió su propio dinero en el negocio y no percibió ningún salario de la empresa».

Los representantes de Wondermind, Gomez y Teefey no respondieron de inmediato a las solicitudes de comentarios.

Este artículo se actualizó el 14 de agosto a las 11:05 a. m. para incluir una declaración de Daniella Pierson.

¿Por qué las estrellas del pop siguen amenazando con abandonar el estrellato?

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Tras el terremoto que sacudió Colombia, distintos festivales y encuentros musicales han decidido sumarse a los esfuerzos de ayuda para las comunidades afectadas. Estos son los eventos que han convertido sus escenarios en espacios de solidaridad y que destinarán parte de sus recursos a apoyar a quienes más lo necesitan.

1. COLOMBIA: VOCES POR LA VIDA 

Fecha: Domingo 23 de agosto de 2026

Lugar: Vive Claro Distrito Cultural (Bogotá)

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2. UNIDOS POR LOS NUESTROS 

Fecha: Domingo 16 de agosto de 2026

Lugar: Kaseya Center (Miami, EE. UU.)

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3. ¡Colombia, Medellín te quiere!

Fecha: Sábado 15 de agosto de 2026

Lugar: Centro de eventos La Macarena (Medellín)

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4. SI NOS ORGANIZAMOS CABEMOS TODOS

Fecha: Sábado 29 de agosto de 2026

Lugar: Movistar Arena (Bogotá)

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