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Pink Pablo sabe que incluso las relaciones que comienzan desde la ilusión terminan enfrentándose a momentos agrios. En Pink Lemonade, su nuevo EP, el músico puertorriqueño convierte esas experiencias en siete canciones que se mueven entre el pop alternativo y la electrónica, con elementos de la música urbana.
“Esos limones fueron sentimientos agrios durante una relación, cuando está empezando o cuando se está acabando”, explica Pink Pablo. Para él, esos momentos resultan inseparables de la parte más dulce de cualquier vínculo. “Si uno le quita lo agrio, tampoco puede saborear lo dulce”.
El EP tiene una serie de cartas dirigidas a distintos amores, o a él mismo, una forma de escritura que ha acompañado al artista desde que comenzó a hacer canciones. “Todas las canciones están dedicadas a alguien”, señala. “Siempre han sido como journal entries, diario, querido diario. Pequeños mensajes para las personas”.
Pink Pablo intenta mantener un flujo constante de creación porque considera que los sentimientos funcionan mejor cuando todavía están frescos. Para él, escribir una canción no ocurre después de entender completamente una experiencia, sino durante ese proceso.
“Si lo proceso mucho no llega la canción, porque ya la canción me está ayudando a procesarlo”, explica. Incluso reconoce que algunos de sus periodos más turbulentos han terminado siendo especialmente productivos. “A veces la turbulencia es buena para crear arte”.
La frustración ocupa por ello un lugar importante dentro de Pink Lemonade, Pink Pablo la entiende como una fuerza capaz de provocar movimiento. “La frustración es una energía”, dice. “A veces es lo que nos empuja a ser mejor, a darle más duro o a buscar alternativas”.
Musicalmente, el concepto apareció después de las canciones. Pink Pablo comenzó a identificar que seis o siete composiciones compartían temas relacionados con el amor y decidió construir alrededor de ellas un universo común. “Cuando estoy haciendo la música, yo no estoy pensando en nada de eso. Estoy pensando en hacer la mejor canción”, cuenta. “Una vez tengas la canción, puedes crear el universo alrededor de la canción”.
Entre las colaboraciones del EP aparecen Bloodstein y De La Ghetto. Este último participa en ‘creiziiii’, una canción que conecta el universo alternativo de Pink Pablo con una de las figuras más reconocibles de la música urbana puertorriqueña.
La colaboración llevaba tiempo gestándose. Pink Pablo había creado previamente la sección que terminaría interpretando De La Ghetto sin saber todavía quién la cantaría. Uno o dos años después, recibió un mensaje directo del músico y comenzó la conversación.
“Que él lo entendiera, siendo una persona del mundo urbano y yo viniendo de un mundo más alternativo, me hizo sentir que estaba en el camino correcto”, recuerda. Tras enviarle la canción, De La Ghetto aceptó participar.
El encuentro también refleja un momento en el que las fronteras entre distintas generaciones y escenas de la música latina parecen cada vez menos rígidas. Pink Pablo observa que el sonido está cambiando y todavía no existe una dirección completamente definida. Dentro de ese panorama, su aspiración es convertirse en lo que define como un artist’s artist, alguien capaz de inspirar a otros músicos a tomar riesgos. “Espero siempre ser esa persona que tomó ese riesgo”, afirma, “y que está abriendo camino con su sonido”.
Esa búsqueda continuará también fuera de Puerto Rico. El músico planea pasar más tiempo en Ciudad de México, donde quiere conocer nuevos artistas, acercarse al sonido local y desarrollar colaboraciones. “Estoy emocionado porque el sonido se expanda y cambie y se transforme en algo mucho más grande”, dice.
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Durante los últimos meses, Andrew Tate (39 años) y Tristan Tate (38 años), los kickboxers e influencers de la “manósfera”, enfrentan acusaciones de violación, trata de personas y lavado de dinero. Durante más de una década, se han reportado que ha tomado parte en actividades ilícitas de índole sexual, como su negocio de webcam que implicó a menores de edad, acusaciones de maltrato y lavado de activos.
El hermano mayor ascendió a la fama tras su aparición y descalificación del programa de reality, Gran Hermano Reino Unido (2016), por la filtración de un video que lo muestra atacando a una mujer con una correa.
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En 2022, la residencia de los hermanos fue allanada por la policía en Rumania, el país donde llevaban operando desde 2017, como parte de una investigación de trata de personas. Tras “cuestiones de procedimiento”, les quitaron las restricciones de viaje en 2025 y se trasladaron a Miami, Florida, Estados Unidos, donde, según ROLLING STONE, la administración del presidente Trump intervino para que volvieran a acceder a sus dispositivos electrónicos.
El arresto más reciente se llevó a cabo el 18 de julio de este año, la Fiscalía de la Corona (CPS) del Reino Unido presentó cargos adicionales contra los hermanos en relación con “cuatro víctimas más”.
PROSECUTED?
Andrew fue procesado por “siete cargos adicionales de violación, tres cargos de organización o facilitación de trata con fines de explotación sexual, tres cargos de agresión con lesiones corporales y 19 cargos adicionales por delitos relacionados con imágenes indecentes de menores y pornografía extrema”. Tristan fue procesado por “un cargo de agresión sexual, dos cargos de violación y tres cargos de organización o facilitación de trata con fines de explotación sexual”.
La actualización más reciente por Reuters, revela que la fiscalía rumana alega que una de sus víctimas tenía 15 años cuando fue manipulada, coaccionada y forzada a producir contenido pornográfico para el sitio de los hermanos en 2012. Además, se establece que se apropiaron de, aproximadamente, 1.25 millones de dólares, alrededor del 80% del dinero recaudado por la víctima.
De acuerdo con este reporte, “El portavoz de la DIICOT, la unidad de la fiscalía rumana encargada de combatir el crimen organizado que investiga a los hermanos Tate, declaró que no estaba claro de inmediato si dicha unidad solicitaría su extradición desde Estados Unidos (al Reino Unido)”. El caso de Rumania se encuentra en la fase preliminar, un proceso que se realiza para garantizar la legalidad del procedimiento y que puede demorarse hasta 60 días o más. Andrew Tate ha afirmado en múltiples ocasiones que vive en el país de Europa oriental por su legalidad menos estricta que E.E.U.U. o el Reino Unido.
Misoginia, acusaciones en múltiples países e ídolos de la juventud
Además de sus numerosos crímenes de los hermanos británicos para continuar el negocio de explotación sexual, otra maquinaria lleva en funcionamiento durante años.
En 2022, acumuló más de 11.6 mil millones de vistas en TikTok, también, estuvo entre las 10 personas más buscadas en Google ese año. A pesar de que sus cuentas de redes fueran suspendidas, se mantuvo en el ojo público al asociarse con streamers de Twitch y Kick como Adin Ross o Dj Akademics, figuras que ya han dejado atrás dichas colaboraciones, pero que su impacto ha nutrido su imagen e influencia.
Con 10 millones de seguidores en X y un canal de Rumble con más de 2 millones de seguidores, actualmente, sigue siendo una persona pública. Puede que sea menos popular que en años anteriores, pero su influencia radica en los jóvenes que encontraron un modelo a seguir en sus carros de lujo, cigarros y gafas oscuras.
CC: Joe Raedle / Fotógrafo de plantilla
Incluso después de más de 20 cargos adicionales, algunos que, presuntamente, sucedieron desde el 2010, y múltiples años de evadir la ley, se mantiene como ícono de los jóvenes que se encuentran perdidos y aspiran a ser un “Top G” o un “Alfa” para demostrarle al mundo que son lo mejor de lo mejor.
Laura Vásquez Roa de ROLLING STONE en Español explica este fenómeno de la siguiente manera, “Aunque los contenidos que difunden estas personas en videos y publicaciones se presentan como discursos de superación personal o libertad individual, en realidad promueven una visión regresiva de las relaciones entre hombres y mujeres. Su mayor riesgo radica en su popularidad entre audiencias jóvenes, especialmente los varones, que consumen estos contenidos sin filtros críticos, perpetuando estereotipos y resistencias a los avances en igualdad de género, pero que además acentúan formas de ser hombre tan restringidas que también generan dolor, violencia y hasta muerte para los mismos hombres. Como indica el investigador en masculinidades Gary Barker, la violencia, la participación en guerras, la mayor incidencia en accidentes de tránsito y el suicidio son parte de los costos que pagan los hombres que se apegan a la masculinidad tradicional y tóxica.
Los “incels” o célibes involuntarios, un grupo que también forma parte de este ecosistema digital, ilustran la frustración y el resentimiento que pueden surgir en estas comunidades, como lo mostró la serie Adolescencia de Netflix. Ellos, que se describen como incapaces de tener una pareja o una vida sexual a pesar de que quieren estar en una relación, han sido asociados con ataques terroristas y violencias machistas en Canadá, Estados Unidos y Europa”.
En conclusión, el daño psicológico, espiritual y físico causado por estos hermanos no tiene comparación con nada de lo registrado en internet hasta la fecha; puede que él sea reemplazado por otra celebridad similarmente brutal y machista, pero algo queda claro: no podrá eludir la justicia para siempre.
Esta noticia fue actualizada hasta el 8 de septiembre a las 3:00 p.m. (hora de Colombia).
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El espacio. La frontera final. El 8 de septiembre de 1966, y gracias a la comediante Lucille Ball, NBC emitió el primer episodio de Star Trek y puso en marcha una misión que, en teoría, debía durar cinco años. La USS Enterprise recorrería la galaxia buscando nuevas formas de vida y nuevas civilizaciones, y llegaría audazmente donde ningún ser humano había llegado antes. 60 años después, aquella misión continúa. Han cambiado las tripulaciones, los capitanes, los formatos y hasta las maneras de imaginar el futuro, pero la Enterprise sigue allí, navegando como uno de los símbolos más reconocibles de la cultura popular.
Quizá ahí se encuentre una primera respuesta a la pregunta que acompaña cualquier aniversario de esta magnitud: ¿Por qué Star Trek sigue funcionando? Porque nunca ha tratado realmente sobre el futuro. Ha utilizado el futuro para hablar del presente.
Gene Roddenberry imaginó una nave que podía desplazarse a velocidades superiores a la luz, pero su invención más radical no fue tecnológica. Fue social. En plena Guerra Fría, mientras Estados Unidos y la Unión Soviética calculaban su capacidad para destruirse mutuamente, el puente de la Enterprise reunía a un capitán estadounidense, un oficial científico extraterrestre, una mujer negra responsable de comunicaciones, un navegante ruso y un timonel de ascendencia japonesa. La aventura espacial escondía una provocación: quizá la humanidad no estuviera condenada a repetir sus guerras y prejuicios.
Star Trek: Strange New Worlds demuestra que el legado de Gene Roddenberry sigue vivo cuando el optimismo deja de ser mera nostalgia y vuelve a convertirse en una elección frente al presente.
La Federación Unida de Planetas jamás fue perfecta, pero representaba la posibilidad de que nuestra especie sobreviviera a su adolescencia violenta. En Viaje a las estrellas, el progreso científico solo adquiere sentido cuando viene acompañado de una evolución ética. Los motores warp pueden llevarnos hasta las estrellas, pero no pueden decidir qué clase de personas seremos cuando lleguemos allí.
Mundos nuevos y extraños
Para Akiva Goldsman, co creador y showrunner de Star Trek: Strange New Worlds, aquello que debe preservarse de Roddenberry no es una colección de reglas narrativas, sino “la búsqueda diversa, igualitaria, socialmente responsable y comunitaria del bien común”. También existe, añade, “la capacidad y la obligación de defender ese ideal, de luchar por él”. El canon puede cambiar; los personajes pueden adquirir dimensiones que la televisión de los 60 no podía concederles; incluso ciertas reglas que alguna vez parecieron intocables pueden romperse. Lo que no debería desaparecer es esa convicción fundamental.
El problema consiste en que el optimismo puede convertirse fácilmente en decoración. Seis décadas después de Roddenberry, una serie que prometiera simplemente que todo estará bien correría el riesgo de parecer ingenua. Strange New Worlds entiende esa dificultad y convierte la esperanza en conflicto.
“La esperanza que no se ha ganado es ingenua”, sostiene Goldsman. Para él, si una historia quiere conducir al espectador hacia el optimismo, primero debe reconocer que, en el mundo actual, la esperanza es una elección. El protagonista —y con él, la audiencia— necesita contemplar la posibilidad de abandonarla para poder escogerla.
Henry Alonso Myers, también showrunner de la serie, encuentra allí uno de los poderes esenciales de la ciencia ficción: imaginar que el presente no constituye el último capítulo. “Existe un futuro mejor para nosotros”, afirma, y las historias pueden permitirnos verlo. Considerar que ya hemos llegado al final, especialmente cuando el mundo parece atravesar uno de sus períodos más sombríos, significa renunciar a la posibilidad de transformarlo.
Ese optimismo ganado es probablemente el puente más sólido entre la serie de 1966 y Strange New Worlds. La nueva producción no intenta reproducir la inocencia de otra época. Sus personajes conocen la guerra, el duelo, el racismo, el prejuicio, la soledad y el miedo. La utopía no consiste en fingir que esos conflictos desaparecieron, sino en mostrar personas que deciden no permitir que tengan la última palabra.
El capitán de la Enterprise revela su secreto
Christopher Pike encarna literalmente esa idea. El capitán interpretado por Anson Mount conoce el terrible accidente que le espera en el futuro. Sabe que quedará gravemente herido y perderá la capacidad de comunicarse de manera convencional. También sabe que intentar escapar de ese destino pondría en peligro a los cadetes a quienes está destinado a salvar. Su heroísmo, por tanto, no depende de derrotar a la muerte, sino de continuar viviendo después de haberla visto.
“No recuerdo otro papel en el que el personaje conozca su tercer acto”, explica Mount. Para Pike, asumir que “el viaje será también el destino” significa permanecer en el presente. Saber cómo terminará su historia no disminuye el valor de sus decisiones: las vuelve más valerosas.
Pike actualiza además otro elemento esencial de Star Trek: la idea del liderazgo. No gobierna la Enterprise como un héroe solitario que posee todas las respuestas. Cocina para sus oficiales, los reúne alrededor de una mesa y convierte el mando en un ejercicio colectivo. Mount recuerda que desde el comienzo entendió que el “superpoder” del personaje consistía en transformar el puente “en un cerebro más grande”. Cuando Pike agota sus ideas puede admitirlo ante su tripulación y pedir una solución mejor. La autoridad deja entonces de consistir en fingir omnisciencia y comienza a construirse mediante la confianza. “La Enterprise siempre ha sido eso: una comunidad antes que una máquina”.
Las mujeres de la Enterprise
Rebecca Romijn encuentra allí el corazón de la franquicia. Para la actriz que interpreta a Una Chin-Riley, la Número Uno, Star Trek consiste en reunir personas procedentes de lugares diferentes y conseguir que colaboren. Esa idea, asegura, adquiere todavía más importancia durante épocas de división. “Le ofrecemos a las generaciones más jóvenes una versión optimista del futuro”, explica. No uno que reciba lo desconocido con miedo y agresividad, sino con curiosidad y voluntad de establecer conexiones.
La propia Una demuestra que Viaje a las estrellas también puede revisar críticamente la utopía que propone. El personaje, nacido en el piloto original de 1965 e interpretado entonces por Majel Barrett, pasó décadas reducido a una promesa. Strange New Worlds le concedió finalmente un nombre, una historia y un conflicto. Una es de origen ilirio y pertenece a una comunidad que utiliza modificaciones genéticas, prohibidas por la Federación. Para ingresar en la Flota Estelar tuvo que esconder su naturaleza.
El episodio ‘Ad Astra per Aspera’ convierte su juicio en una pregunta difícil para una sociedad que se considera tolerante: ¿Qué ocurre cuando el prejuicio aprende a hablar el lenguaje de la ley? Romijn no duda sobre el significado de la historia: “Creo que trata sobre el prejuicio”. Una representa a quienes han sido apartados por ser diferentes y obligados a ocultar su identidad para pertenecer. No es casual que una franquicia de 60 años encuentre parte de su renovación regresando a personajes que originalmente no tuvieron espacio suficiente para existir.
Christine Chapel es otro ejemplo. En la serie clásica, el personaje de Majel Barrett quedó asociado principalmente con su amor no correspondido por Spock. Jess Bush interpreta ahora a una Chapel brillante, ambiciosa, divertida y capaz de correr hacia el peligro. Su relación con Spock continúa siendo importante, pero ya no agota su identidad. Bush considera fundamental esa reconstrucción y señala que los guionistas fueron conscientes de todo aquello que Barrett no había podido desarrollar. “Strange New Worlds no borra el pasado, conversa con sus limitaciones”.
Algo semejante ocurre con Nyota Uhura. La presencia de Nichelle Nichols en el puente de la Enterprise fue revolucionaria no solo por el célebre beso interracial con Kirk, sino por algo quizá más importante. Cada semana, millones de espectadores veían a una mujer negra trabajando como oficial competente en el futuro. Celia Rose Gooding hereda esa historia y transforma la habilidad lingüística de Uhura en una filosofía del encuentro.
“La comunicación es aquello que nos vincula y nos une”, dice Gooding. Su Uhura aprende idiomas no para exhibir conocimiento, sino para acercarse a otras culturas. Hablar la lengua de alguien significa intentar comprender la manera en que piensa. La traducción se convierte así en empatía.
Jess Bush llega a una conclusión semejante: buena parte del dolor y el conflicto nacen de los malos entendidos, de modo que la comunicación constituye una herramienta para hacer posibles la empatía y la comprensión. En una franquicia famosa por sus batallas espaciales, quizá una de sus ideas más radicales siga siendo que hablar con el otro puede resultar más heroico que destruirlo.
Erica Ortegas ocupa literalmente el lugar desde donde la Enterprise avanza hacia ese otro. El personaje interpretado por Melissa Navia posee además una curiosa conexión con los orígenes de Star Trek. Entre los primeros tripulantes concebidos por Roddenberry figuraba José Ortegas, un navegante suramericano que nunca llegó realmente a la pantalla. Casi seis décadas después, el apellido regresó convertido en una piloto nacida en Barranquilla, Colombia.
“Yo vuelo la nave”, suele decir Ortegas, pero Navia entiende que la navegación es también una responsabilidad filosófica. Pilotar significa conducir físicamente a la tripulación hacia aquello que desconoce, conservar la calma cuando todos pueden morir y continuar avanzando, aunque exista miedo. Para ella, navegación, ciencia y comunicación son inseparables.
Un viaje ético y moral
Ese principio atraviesa toda la Enterprise. Joseph M’Benga, interpretado por Babs Olusanmokun, representa una contradicción que Star Trek ha examinado desde sus orígenes: ¿Cómo defender una sociedad pacífica cuando el universo obliga algunas veces a utilizar la violencia?
M’Benga es médico y veterano de guerra. Sus manos saben salvar vidas y también saben quitarlas. Olusanmokun define esa tensión como “la dualidad del ser humano”. Después de conocer los horrores del conflicto contra los Klingon, el personaje intenta mantenerse conectado con su primera misión: sanar. En ocasiones apenas conserva una luz de optimismo, pero decide protegerla. La paz, sugiere su historia, no pertenece necesariamente a quienes nunca han conocido la violencia; puede ser también la elección de quienes la conocen demasiado bien.
Montgomery Scott ofrece otra puerta hacia una preocupación especialmente contemporánea: Nuestra relación con la tecnología. Scotty siempre ha sido el hombre que consigue que las máquinas hagan lo imposible, pero nunca porque las máquinas sustituyan su inteligencia. Martin Quinn, primer actor escocés que interpreta al personaje en pantalla, reconoce inevitablemente la resonancia del ingeniero en tiempos de inteligencia artificial. Su esperanza es que el futuro de Viaje a las estrellas represente una relación en la que la tecnología continúe siendo “una extensión de nosotros mismos” y no aquello que tome nuestro lugar.
Pelia, la longeva ingeniera interpretada por Carol Kane, completa esa reflexión desde otro ángulo. Ha vivido durante siglos, pero la experiencia no ha eliminado su curiosidad. Para Kane, esa longevidad obliga al personaje a preguntarse continuamente qué importa, cuándo importa y dónde todavía existe esperanza. Pelia se acerca además a la ingeniería como una artista; “Los manuales contienen respuestas conocidas, pero explorar exige encontrar soluciones que todavía no han sido escritas”, dice.
La lógica y la emoción van de la mano
Spock ha encarnado durante 60 años una variante diferente de la misma tensión entre conocimiento y humanidad. Leonard Nimoy convirtió al vulcano en el corazón secreto de la serie original: un hombre que parecía gobernado por la lógica mientras libraba una batalla permanente entre la educación de Vulcano y la humanidad heredada de su madre.
Ethan Peck interpreta al Spock anterior a esa aparente serenidad. Todavía ama, siente celos, se equivoca y experimenta emociones que no sabe cómo integrar. Peck considera que su recorrido consiste en descubrir la utilidad de aquello que inicialmente le produce vergüenza: su lado humano. No cree, sin embargo, que Spock llegue a sentirse completamente perteneciente a ninguno de sus mundos. Su familia termina siendo la tripulación.
James T. Kirk también necesita ser liberado de seis décadas de mitología. William Shatner creó un personaje cuya imagen terminó simplificada por imitaciones y parodias: el capitán impulsivo, seductor y dispuesto a romper las reglas. Paul Wesley interpreta al hombre antes de la leyenda y reconoce que inicialmente el peso del personaje se convirtió en ruido: ¿debía imitar a Shatner o alejarse por completo?
La respuesta apareció cuando dejó de interpretar el futuro y comenzó a observar el presente del personaje. “Nadie posee una sabiduría innata”, dice Wesley. Los líderes atraviesan buenos y malos momentos, fracasan y solo después adquieren aquello que llamamos experiencia. La precuela permite mostrar precisamente los errores que algún día producirán al capitán que el público cree conocer.
La’An Noonien-Singh enfrenta el problema contrario: no carga con un futuro famoso, sino con un pasado infame. Es descendiente de Khan Noonien Singh y ha pasado su vida temiendo que los demás descubran en ella los rasgos de su antepasado. Además, sobrevivió a la muerte de su familia a manos de los Gorn. Christina Chong entiende que buena parte del valor de La’An nace precisamente del miedo: después de perder a su familia biológica, la Enterprise es la única que le queda. Protegerla la obliga a ser valiente.
Su historia formula otra de las preguntas persistentes de Star Trek: ¿estamos determinados por aquello que heredamos? La’An teme que la sangre de Khan decida quién será, pero su recorrido consiste en aceptar que la historia puede moldearla sin condenarla. Como tantos personajes de Strange New Worlds, debe aprender que la identidad no es simplemente aquello que recibimos, sino aquello que elegimos hacer con ello.
Ahí reside quizá la razón más profunda por la que esta serie funciona como actualización de una franquicia sexagenaria. Strange New Worlds conoce el destino de muchos de sus personajes, pero se interesa por el territorio que existe antes de que ese destino se convierta en historia. Sabemos quién será Kirk. Sabemos quién será Spock. Sabemos qué ocurrirá con Pike. Sin embargo, ellos no viven sus vidas como entradas de una enciclopedia galáctica.
Myers lo resume de una manera sencilla: todos sabemos que, a largo plazo, moriremos, pero la vida sucede entre este momento y aquel. El verdadero territorio dramático está compuesto por los días durante los cuales todavía podemos sorprendernos.
Por eso reducir la longevidad de Viaje a las estrellas a mera nostalgia sería confundir el síntoma con la causa. La nostalgia puede conseguir que una audiencia regrese; difícilmente puede sostener durante 60 años una conversación cultural. La franquicia permanece porque su universo admite una pregunta nueva cada vez que cambia el presente.
En 1966 resultaba audaz imaginar que estadounidenses, rusos, japoneses y extraterrestres podrían compartir un puente. En 2026, la pregunta ya no puede formularse exactamente de la misma manera. Strange New Worlds debe preguntarse qué significa pertenecer, qué ocurre cuando las instituciones progresistas conservan prejuicios, cómo utilizaremos tecnologías capaces de desplazarnos, cómo conviviremos con identidades complejas, qué clase de líderes necesitamos y si todavía podemos defender el optimismo sin cerrar los ojos ante la realidad.
Quizá por eso la Enterprise continúa siendo la imagen definitiva de Star Trek. No por sus motores, sus torpedos de fotones ni su capacidad de atravesar el cosmos, sino por el puente. Allí ninguna disciplina basta por sí sola. El capitán necesita al científico; el médico, al ingeniero; la piloto, la experta en comunicación. Y todos necesitan que alguien sea capaz de decir “no sé” antes de que otro encuentre la respuesta. Sesenta años después, aquella idea puede parecer más fantástica que cualquier teletransportador.
Las conversaciones con Goldsman, Myers y los actores de Strange New Worlds dibujan una misma conclusión desde lugares diferentes. M’Benga conserva su vocación de sanar después de conocer la guerra. La’An se niega a permitir que Khan determine su identidad. Una deja de esconderse. Spock descubre que su humanidad no es un defecto. Kirk aprende que la sabiduría requiere equivocaciones. Uhura convierte el lenguaje en empatía. Ortegas conduce la nave hacia aquello que todavía no comprende. Chapel reclama una existencia más amplia que sus afectos. Scotty insiste en que la tecnología permanezca al servicio de las personas. Pelia defiende la curiosidad. Pike convierte la autoridad en confianza.
El verdadero motor warp de la Enterprise podría no ser la antimateria, sino esa convicción obstinada de que personas radicalmente diferentes pueden sentarse alrededor de una misma mesa, confiar unas en otras y buscar juntas una salida cuando nadie posee todas las respuestas. Viaje a las estrellas ha sobrevivido 60 años no porque haya predicho correctamente el futuro. Ha sobrevivido porque se negó a considerarlo inevitable.
El 8 de septiembre de 1966 comenzó imaginando un mañana en el que la humanidad habría conseguido superar algunas de sus peores pulsiones. Sesenta años después todavía no hemos llegado a ese lugar. Tal vez por eso seguimos necesitando la Enterprise. No solo como una profecía de aquello que seremos, sino como un recordatorio de aquello que todavía podríamos elegir ser.
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La secuela de Heat, el clásico de 1995 protagonizado por Al Pacino y Robert De Niro, continúa incorporando grandes nombres a su reparto. Tras los anuncios de Leonardo DiCaprio, Christian Bale, Adam Driver, Jason Clarke y Odessa Young, ahora se suma Stephen Graham, según informó Variety.
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Aunque aún no se sabe qué papel tendrá el actor, guionista y productor británico —responsable de la galardonada miniserie Adolescence y que se encuentra actualmente en Venecia para el estreno de Bunker, de Florian Zeller—, podría tratarse de una versión más joven del maestro ladrón Neil McCauley (De Niro). Por su parte, se dice que Bale interpretará al detective del Departamento de Policía de Los Ángeles, Vincent Hanna (Pacino), y se espera que DiCaprio interprete al personaje de Val Kilmer y mano derecha de McCauley, Chris Shiherlis, según explicó el medio estadounidense.
En otros detalles sobre el largometraje, este será dirigido por Michael Mann. En cuanto al guion, Mann lo trabajó junto a Meg Gardiner, basándose en el libro Heat 2, publicado en 2022 y que sirve tanto de secuela como de precuela de la historia principal, analizando la juventud de McCauley y Hanna, junto con la historia de Shiherlis después de sobrevivir al atraco al banco que culmina el filme de los 90.
Heat, que narra la historia de McCauley persiguiendo un último golpe mientras el detective Hanna le pisa los talones, fue escrita y dirigida por Mann y producida por él mismo y Art Linson. Distribuida por Warner Bros. y New Regency, la película recaudó más de 187 millones de dólares —una cifra cercana a los 400 millones si se estrenara hoy— en la taquilla mundial e influyó en generaciones de cineastas.
Lo que sigue para la esperada secuela será el inicio de su producción, aún sin fecha.
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Por estos días, Macklemore se encuentra acompañando la gira de Ed Sheeran por Estados Unidos como artista invitado. Durante su debut el pasado viernes 4 de septiembre en Nueva Jersey, el rapero estadounidense aprovechó el espacio para clamar por la libertad del pueblo palestino, un gesto por el que ha sido aplaudido, pero también criticado por ciertos sectores y cantantes.
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Antes de interpretar su canción ‘Hind’s Hall’, dijo: “Todo el día he estado intentando encontrar la manera de decir esto. Una de las razones por las que quería hacer parte de este tour es porque quería pararme sobre los escenarios de estadios a lo largo de Estados Unidos para decir dos palabras que son muy importantes para mí: Palestina libre. Dije, ¡Palestina libre! Quiero que esas palabras se escuchen fuerte y claro para que las personas desde Gaza hasta todos los territorios ocupados en Cisjordania sepan que no las hemos olvidado”.
Sus palabras en el concierto del viernes no fueron bien recibidas por el Consejo Estadounidense Israelí, organización que emitió un comunicado en el que pedía que fuera removido de la gira de Sheeran, argumentando que el evento no tenía carácter político y no debía utilizarse para “promover una agenda política unilateral”. A las críticas se sumó la cantante estadounidense P!nk, quien compartió en sus historias de Instagram un post del grupo StopAntisemitism cuya descripción negaba el genocidio —catalogado así por la misma ONU—, por parte de Israel en Gaza. Boy George, líder de Culture Club que recientemente fue cuestionado por su canción generada por IA a favor de Israel, también arremetió contra el músico, burlándose de él en sus redes sociales.
En el show del sábado, Macklemore respondió a las críticas, reiterando su apoyo a Palestina, pero recordando que el cuestionar el actuar del gobierno israelí no es lo mismo que estar en contra de la comunidad judía. “A todos mis hermanas y hermanos judíos: las críticas a Israel y al apartheid, y el estar en contra del genocidio no es una crítica a ustedes. Mi mensaje es por la paz y el amor para que todos los seres humanos sean tratados con dignidad, respeto e igualdad”, declaró. Enseguida, clamó no solo por la libertad de Palestina, sino de Líbano, Cuba, Congo y Sudán, así como de las personas que “viven con miedo por la organización terrorista que es el I.C.E.”. “Ninguno de nosotros será libre hasta que todos lo seamos”, manifestó. Esta semana, el cantante y compositor replicó su mensaje en redes sociales.
Macklemore ha sido reconocido a lo largo de su carrera por apoyar diferentes causas sociales a través de su música y de las plataformas en las que participa. En 2012, cuando hacía parte del dúo con Ryan Lewis, publicó ‘Same Love’, un sencillo que hablaba sobre el apoyo al matrimonio igualitario que fue legalizado tres años más tarde en todo EE.UU. Pese a la reacción de sectores homofóbicos —incluyendo algunos dentro de la misma comunidad del hip hop— la canción fue aplaudida por su mensaje y nominada al Grammy por Canción del Año.
Años más tarde, en 2024, el músico compartió ‘Hind’s Hall’ en apoyo a los estudiantes de la Universidad de Columbia en Nueva York que pusieron en riesgo sus estudios al pedirle a la institución educativa que cortase todos sus lazos con Israel. El nombre del tema corresponde a la forma en que los manifestantes rebautizaron el edificio Hamilton Hall, inspirados en el nombre de Hind Rajab, una niña palestina de seis años que fue asesinada en Gaza por el ejército israelí en enero de ese mismo año.
En el concierto del viernes, el rapero explicó la historia detrás de la canción, agradeciéndoles a los estudiantes que “impulsaron un movimiento que se expandió por el resto del mundo” y que “arriesgaron sus diplomas, sus matrículas o sus becas” para levantar su voz.
Hasta el momento, Ed Sheeran no se ha pronunciado al respecto.
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La Oreja de Van Gogh protagonizó uno de los reencuentros más esperados de los últimos años en la música en español y actualmente se encuentra adelantando una gira exitosa que le ha permitido reunirse con sus fans de toda la vida. Como es natural en estos casos en los que las agrupaciones regresan después de un descanso o retoman sus formaciones clásicas, una pregunta que ha rondado su reunión con Amaia Montero es, ¿habrá música nueva?
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En Año Nuevo, la banda ofreció una pequeña muestra con ‘Todos estamos bailando la misma canción’, un single de celebración que marcó su vuelta al estudio con su vocalista inicial tras casi 20 años. Desde entonces, sus miembros han manifestado en varias ocasiones sus ganas de grabar material nuevo, aunque hasta el momento no se han materializado sus deseos.
La semana pasada, durante la ceremonia de los Premios Juventud 2026, el grupo volvió a hablar al respecto en su paso por la alfombra roja. Allí, los músicos afirmaron que, pese a que trabajar en un nuevo disco sí está en sus planes, por cuestiones de agenda no les ha sido posible aún. “Realmente teníamos en mente grabar un disco porque nos marchábamos de gira sin nuevas canciones y, por supuesto, en cuanto nos den un respiro los conciertos y la gira literalmente mundial, nos vamos a poner a ello”, declararon a Los40.
De acuerdo con las afirmaciones de Montero al mismo medio, en el camino han compuesto “muchas canciones” que no han tenido la oportunidad de llevar al estudio, así que, por ahora, quienes quieran escuchar nuevo material de La Oreja de Van Gogh tendrán que esperar un poco más.
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Hay algo particularmente significativo en volver al lugar donde comenzó todo. Para Chino Pacas, ese regreso tiene nombre propio: Que sigan llegando las pacas Vol. 2. Si el primer volumen documentaba los primeros pasos de un artista que apenas comenzaba a descubrir el estudio, esta segunda entrega representa el resultado de varios años de aprendizaje, experimentación y trabajo.
“Muchas experiencias y mucho trabajo que he realizado. Más que nada, la experiencia que tengo al meterme al estudio”, explica Chino al hablar sobre la diferencia entre ambos proyectos. En el primer álbum, recuerda, todavía estaba descubriendo cómo funcionaba el proceso de hacer música. Ahora, después de pasar mucho más tiempo en el estudio, siente que trabaja de una manera diferente: “Ya este que sigue en Que sigan llegando las pacas Vol. 2 es conmigo más experimentado”.
Ese aprendizaje no solamente se refleja en la manera de grabar. También está en la forma en que escucha y evalúa sus propias canciones. Chino cuenta que una de sus principales lecciones ha sido aprender a explorar, investigar y, sobre todo, darse tiempo para escuchar la música antes de decidir que está terminada.
“Cada que hago [una canción], la escucho como unas 80 veces”, cuenta. Si después de tantas reproducciones continúa convencido, la canción avanza. Si encuentra algún detalle que no termina de convencerlo, prefiere dejarla para otro momento, transformarla o volver a trabajarla.
Ese método también ayuda a entender por qué Que sigan llegando las pacas Vol. 2 se siente como un proyecto abierto a distintas posibilidades. El álbum no se limita a una sola fórmula. Chino se mueve entre sonidos y géneros que forman parte de su historia personal, incluyendo hip-hop y hyperpop.
“Son géneros que desde morrito, desde pequeño he escuchado con mi mamá, con mis papás”, explica. Por eso, llevarlos ahora a su propia música tiene un significado especial. No se trata simplemente de experimentar con sonidos diferentes, sino de convertir en canciones influencias que lleva escuchando desde hace años.
“Para mí poder crearlos, menearme en ellos, es algo que es muy bonito para mí porque me encanta crear nueva música, me encanta estar creando”, dice.
Una película alrededor del álbum
La evolución musical también viene acompañada de una evolución visual. Chino describe este como su álbum más cinematográfico hasta la fecha, una dimensión que comenzó a desarrollar junto a sus hermanos y que se convirtió en una parte central de la manera de presentar el proyecto.
Los videos que acompañan al álbum fueron concebidos desde una perspectiva mucho más cercana al cine. Incluso el tráiler del proyecto se aleja deliberadamente del formato tradicional del videoclip: es una pieza visual construida como una película y sin diálogos. “En sí son todas nuestras ideas y ver nuestras ideas de nuestra mente pasarlas a lo visual, pues es algo bien perrón”, cuenta.
La participación de sus hermanos resulta fundamental en ese proceso. Chino no solamente aparece frente a la cámara, sino que participa activamente en la construcción del concepto y en la dirección. Para él, la posibilidad de convertir una idea que existe en su cabeza en una pieza visual terminada es una de las partes más satisfactorias de todo el proceso.
Y hay una razón personal detrás de esa apuesta. El cine es un mundo que siempre le ha interesado y al que también le gustaría acercarse más en el futuro.Paradójicamente, una producción cada vez más ambiciosa nació desde un espacio bastante íntimo. Chino trabajó buena parte del álbum en un estudio casero, acompañado por su hermano.
No necesitó necesariamente un gran estudio industrial para construir el proyecto. Lo importante fue el proceso que desarrollaron entre ambos: escuchar, analizar y tomar decisiones sobre cada canción. “Todas las canciones las analizamos yo y él. Lo que a él no le gustaba lo quitamos, lo que a mí no me gustaba lo quitamos”, explica.
El resultado es un álbum construido durante varios años. Algunas de las canciones comenzaron a tomar forma en 2024, otras llegaron en 2025 y otras fueron realizadas durante 2026. Esa amplitud temporal convierte al proyecto en una especie de fotografía de distintas etapas de su evolución artística.
Pero también hay algo que Chino tiene claro: antes de pensar en lo que el público espera de él, necesita sentirse satisfecho con lo que está entregando.
‘Billetes’ y las canciones que hablan desde otro lugar
Dentro del álbum hay una canción que ocupa un lugar especial para él: ‘Billetes’. No necesariamente porque sea la más comercial, sino precisamente porque siente que representa de manera directa lo que quería decir. “Es la que viene desde mi corazón”, afirma.
Chino escribió la canción completamente por su cuenta y recuerda que el proceso fue especialmente fluido, como si la canción ya estuviera construida en su cabeza antes de llevarla al papel. Incluso después de terminar el álbum, continúa considerándola su favorita.
También destaca ‘I’ll Know How to Get’, una colaboración que representa otra novedad para el artista: es la primera canción que realiza junto a una mujer. Más allá de la colaboración específica, Chino reconoce que siempre le ha interesado la manera en que las mujeres se desenvuelven dentro de la música y que tenía pendiente explorar esa dinámica.
El cambio en su vida personal es quizás la transformación más evidente de todas. Antes de dedicarse completamente a la música, Chino vivía en Tampa, Florida, donde trabajaba en construcción. Ahora su rutina está completamente atravesada por la creación musical.
“Mi vida ha cambiado mucho a bien. Mi estabilidad ha mejorado. También mi estabilidad emocional. Así como económicamente”, cuenta.
El cambio no ha eliminado la presión, pero sí modificó de dónde viene. Chino asegura que no siente que la competencia con otros artistas sea su principal preocupación. Su presión está puesta sobre él mismo: quiere seguir haciendo música nueva, pero sobre todo música que le guste.
Esa misma independencia se extiende a la manera en que ha construido su relación con el público. Las redes sociales fueron fundamentales desde el comienzo de su carrera y siguen siendo una herramienta central para compartir canciones y sonidos.
“Desde que empecé mi carrera supe que era algo importantísimo porque hoy en un día la gente está 100% en el teléfono”, explica.
Música para ponerse las pilas
Hay otra idea que atraviesa Que sigan llegando las pacas Vol. 2: el movimiento. Chino está particularmente enfocado en el ejercicio y en llevar una vida más saludable, y esa energía terminó filtrándose también en el álbum.
Para él, escuchar música puede producir una reacción física inmediata. Algunas canciones invitan a la fiesta; otras, en cambio, producen una sensación que obliga a activarse. Esa es la energía que quería capturar en este proyecto.
“Este álbum es como para enfocarte”, explica. Su referencia es también la música de Fetty Banton, cuya energía asocia con ponerse las pilas y hacer ejercicio.
La idea incluso salió del álbum para convertirse en una experiencia con sus seguidores. Chino prepara un run club en Los Ángeles, una carrera de cinco kilómetros en la que espera reunir a fanáticos, figuras conocidas y colegas de la industria.
El propósito, dice, es sencillo: que la gente escuche su música y encuentre en ella una motivación para moverse, ya sea en el gimnasio, corriendo o haciendo cualquier otra actividad.
“En sí también es para la salud, para que la gente se ponga las pilas”, afirma.
Chino Pacas ya puede mirar hacia atrás y reconocer una transformación profunda: de trabajar en construcción en Tampa a dedicar sus días completamente a la música; de sus primeras experiencias en un estudio a producir un álbum durante varios años; de concentrarse exclusivamente en un sonido a permitirse explorar géneros y lenguajes visuales diferentes.
Que sigan llegando las pacas Vol. 2 representa justamente ese momento de transición. Es un regreso a un nombre asociado con sus comienzos, pero hecho desde una perspectiva completamente nueva.
Y parece que el volumen dos tampoco será el final de esta historia. Cuando se le pregunta qué viene para él durante 2026, Chino deja caer una posibilidad breve pero significativa: “Tal vez otro disco”.
Por ahora, sin embargo, la prioridad está en disfrutar el presente: hacer música, experimentar, llevar sus ideas al cine, entrenar y encontrar nuevas maneras de conectar con quienes han acompañado su crecimiento.
Porque si algo deja claro esta nueva etapa es que Chino Pacas ya no está simplemente aprendiendo a hacer música. Está aprendiendo qué quiere hacer con todo lo que ha aprendido.
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