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Zohran Mamdani y yo tenemos una seria disputa. Es implacable. Sus ataques vienen de todas partes, cuando menos los espero. Encanto, buena apariencia y astucia; algunos de los atributos que lo han convertido en el alcalde más joven de Nueva York en una generación, así como en una figura política nacional con el poder de sacudir el Congreso y negociar con el presidente, son armas en sus hábiles manos. Ahora siento su peso por una simple razón: soy un orgulloso seguidor del Chelsea Football Club.
“¿Qué te hizo ser hincha del Chelsea? ¿Te encanta el Clearlake Capital?”, me pregunta incluso antes de que las cámaras empiecen a grabar en el histórico vestíbulo de Gracie Mansion para la entrevista de Rolling Stone. Se burla del hecho de que mi equipo sea propiedad de una enorme firma estadounidense de capital privado que gastó 1.500 millones de dólares en nuevos jugadores solo para terminar de décimos en la Premier League inglesa esta temporada. El alcalde apoya al Arsenal, un equipo rival de Londres que terminó primero. Mi apoyo a Inglaterra en el Mundial le disgusta de igual manera. “Hermano, ¿por quéééé?”, dice, haciendo una mueca.
Sabía que estas opiniones serían polémicas, pero no estaba preparado para la violencia verbal que desatarían. Protesté en voz alta, criticando el antiguo patrocinio del Arsenal por parte de la infame Emirates Airlines, propiedad de Dubái, y culpando a mi padre inglés de mis preferencias. Nada funcionó. Los hoyuelos en las mejillas de Mamdani me apuntaban como una escopeta de dos cañones. Solo sonreía, sonreía.
Este proceso se repitió varias veces a lo largo de nuestra entrevista, cada vez que salía el tema de los deportes. Empecé a comprender lo que debió sentir el exgobernador Andrew Cuomo en aquel debate del junio pasado al recibir ataques de un alegre socialista democrático con un traje de corte slim. Si Zohran Mamdani quiere tu cabeza, su navaja retórica podría cortar un diamante en dos.
Puedes ver la entrevista completa en inglés aquí:
Desde su contundente victoria sobre Cuomo en noviembre del año pasado, el nombre de Mamdani ha estado en boca de todos. Para la derecha es el coco, la encarnación de sus mayores temores, un hombre moreno que cree en la redistribución radical de la riqueza y a quien temen que imponga la sharía islámica en toda la ciudad. Para la izquierda, Mamdani es un salvador optimista de la disfunción eterna de Nueva York y el catalizador del cambio en un sistema político nacional que ha sido gobernado durante mucho tiempo por demócratas centristas inactivos y una extrema derecha con cada vez más cuel. En los primeros seis meses de su administración, no se ha comportado como la caricatura que ninguno de los dos bandos ha hecho de él. En cambio, ha gobernado llegando a acuerdos con el gobierno estatal, el Ayuntamiento y las poderosas fuerzas del ecosistema político de Nueva York. Y en las elecciones primarias de Nueva York en junio, puso en juego su capital político al respaldar a una lista de candidatos radicales para cargos nacionales y estatales, derrotando a varios titulares y dejando claro que estaba dispuesto a derramar sangre dentro de su propio partido.
Mamdani es, pues, una figura singular en la política demócrata actual. Su carisma es genuino, pero también una herramienta. Sus ideales son sinceros, pero también representan un desafío. Por lo que sé, su equipo lo aprecia mucho, pero no cabe duda del poder que ostenta. Durante la campaña, era conocido como “Z”, un senador estatal que hace poco partició en campañas de otros candidatos. Sin embargo, tras la victoria, ya no hay apodos. Lo llaman “Alcalde”. Nos guste o no, todos los demás tienen que hacer lo mismo.
Vienes de una inmensa jornada de elecciones primarias donde apoyaste a varios candidatos socialistas democráticos experiencia limitada en cargos públicos. De cierta manera, fue un gran riesgo para tu capital político, y saliste victorioso. Cuéntame sobre esa noche del martes. ¿Cómo se compara con la noche del año pasado, cuando ganaste tus propias primarias?
Fue una noche increíble. Ver lo que significó para tantas partes diferentes de nuestra ciudad, viajar (a cada uno de sus eventos), ver que, sin importar el barrio o distrito donde estés, los neoyorquinos anhelaban el cambio. Fue increíble.
¿Tuviste algún momento de déjà vu?
Muchas de las personas que estuvieron en el centro de nuestra campaña le dieron todo a estas contiendas. Esto demuestra que, para muchos de nosotros, nunca se trató de un solo cargo, sino de un movimiento en favor de la clase trabajadora. Por ejemplo, Darializa (Ávila Chevalier, quien derrotó con éxito al líder del Caucus Hispano de la Cámara de Representantes, Adriano Espaillat), fue una de las coordinadoras de campo de nuestra campaña (para la alcaldía). Mientras recorría su distrito, nos encontramos con uno de sus coordinadores de campo, quien me comentó que Darializa lo había capacitado como activista hace más de un año. Eso es lo que buscamos construir; un movimiento que, dondequiera que encuentre una lucha por la clase trabajadora, esté presente en primera línea.
Darializa es una ex activista, y durante su campaña fue criticada por publicaciones pasadas en redes sociales en las que elogiaba la ideología comunista, pedía la abolición de la policía y, en un momento dado, tuiteó: “Que se joda Kamala Harris”. Para muchos, parece ser otro espanto de lo que representa la llegada el socialismo. ¿Qué le dijiste sobre cómo manejar esa reacción negativa?
Primero le dije que esto solo sucede cuando hay posibilidades de ganar. Y esto refleja la desesperación que algunos sienten ante lo que sería un nuevo capítulo en la política de nuestra ciudad. Para la gran mayoría de los votantes que viven en ese distrito, esto no es lo que les preocupa. La gente de Nueva York (del Distrito Congresional 13) quiere saber que tiene un representante dispuesto a luchar por ellos, ante el desafío de vivir en la ciudad más cara de Estados Unidos. Es uno de los distritos congresionales más pobres del país. Gran parte de lo que vimos, la incitación al miedo, el racismo flagrante, fue un intento de desviar la atención del hecho de que Darializa cumpliría exactamente con esa visión para esos mismos trabajadores.
Dijiste que la columna vertebral de tu movimiento ha sido la gente que ha pasado de ser líderes de campo y activistas a postularse para un cargo público. ¿Qué consejo les das a quienes están pensando en hacer esa transición?
Lo que yo diría es que para postularse a un cargo… en el fondo debe estar la pregunta: “¿Por qué lo haces?”. Si la respuesta es “Por la gente trabajadora”, entonces encontrarás que hay mucha más gente dispuesta a apoyarte en esa lucha.
El problema de la desigualdad y la falta de acceso a una vivienda asequible no es exclusivo de la ciudad de Nueva York. Es algo que sienten los estadounidenses en todo el país. Están cansados de una política que, está en bancarrota, ya sea política, moral o económicamente. Y buscan algo que realmente responda a sus necesidades.
Este ciclo electoral fue el más agresivo políticamente que te hemos visto enfrentar. Varios de los apoyos que diste fueron en contra de los deseos del bloque centrista del Partido Demócrata. ¿Por qué pensaste que este era el momento adecuado para tomar esas decisiones?
Hace poco más de un año les prometí a los neoyorquinos que usaría todas las herramientas a mi alcance para cumplir con una agenda de asequibilidad. Cuando luchas por los marginados, siempre hay riesgos. Siempre será más fácil abandonar la lucha.
A menudo pienso en las palabras de Tim Walz sobre el capital político. Parafraseándolas: ¿De qué sirve tenerlo si no se usa para ayudar a la gente trabajadora? Eso fue lo que me vino a la mente en ese momento. La coherencia, la claridad y la convicción que caracterizaron estas tres contiendas (para el Congreso) me impulsaron a tomar esa decisión.
La batalla nacional entre demócratas centristas e izquierdistas ha cobrado inmenso protagonismo. El expresidente del Comité Nacional Demócrata, Jaime Harrison, tuiteó la noche de las elecciones: “Lo digo sin mala intención ni animosidad. Si odias al Partido Demócrata, por favor, no te presentes a nuestra nominación”. No te mencionó a ti ni a ninguno de estos candidatos por su nombre, pero parece una crítica bastante directa. ¿Cómo respondes a eso?
Normalmente, si alguien dice: “Esto no lo digo con mala intención ni animosidad”, lo que está a punto de decir sí que está cargado de mala intención y animosidad. Pero mira, la pregunta a la que vuelvo es: “¿Qué es el Partido Demócrata sino sus votantes?”. Si observas por quién votan los demócratas en los distritos 13, 7 y 10 de Nueva York, y dices que eso no representa al partido; puede que no represente lo que se terminó convirtiendo nuestro partido, que está dirigido por consultores bien pagados y grandes intereses capitales. Pero sí representa lo que los propios demócratas quieren ver. Esto refleja el hecho de que en este país solo hay una mayoría, y esa es la clase trabajadora.
Por supuesto, hay una diferencia entre las promesas de campaña y lo que uno realmente puede cumplir. ¿Qué te ha resultado mucho más difícil de lograr desde que asumió el cargo de lo que pensaba durante la campaña?
A menudo se enmarca la discusión en decir que hacer campaña es fácil y gobernar es difícil. Sin embargo, en una campaña, uno le pide a la gente que crea en algo a pesar de sus propias experiencias. Lo que valoro de gobernar es que ofrece la oportunidad de cumplir.
En los últimos seis meses, hemos transformado algo que era una mera pregunta conceptual, “¿Cómo sería gobernar una ciudad con socialismo democrático?”, en una realidad. Hemos reparado más de 165 mil baches. Hemos devuelto decenas de millones de dólares a inquilinos que fueron víctimas de abusos por parte de sus arrendadores. Llevamos encaminado a nuestra ciudad hacia la provisión universal de guarderías, lo que ha supuesto un ahorro de más de 20 mil dólares anuales para los padres. Logramos todo esto al tiempo que hemos logrado el mayor decrecimiento de cifras de homicidios y tiroteos registrado en la historia de la ciudad de Nueva York, junto con el compromiso de impulsar la agenda de vivienda asequible más ambiciosa que hemos visto en generaciones.
De acuerdo. Pero he visto críticas que recibes incluso de algunos de tus seguidores más a la izquierda, ya que has tenido que moderar algunas de estas propuestas y promesas. ¿Hay momentos en los que sientes que tienes que ceder en áreas que no querías?
El trabajo es difícil en esencia. Se busca cumplirle a ocho millones y medio de personas, muchas de las cuales han experimentado la política como una fuente de decepción en diversas etapas. Mi estrella polar es pensar en aquellos que han sido expulsados de esta ciudad por el alto costo de la vida. Lo que he descubierto es que se puede hacer mucho más de lo que nos han dicho en el pasado.
Nunca diré que este trabajo es fácil o sencillo. Es increíblemente difícil. Sin embargo, hay una manera de cumplir con lo que prometiste en tu campaña. Llevará tiempo, pero lo que hemos demostrado es que, incluso en seis meses, se puede encaminar a la ciudad hacia un rumbo diferente.
Muchas de las ideas que defendiste en tu campaña no habrían sido tan escandalosas para la clase política de la época de Franklin D. Roosevelt (FDR). ¿Por qué crees que ahora se consideran imposibilidades políticas?
Durante mucho tiempo, ese tipo de ideas, lo que el Partido Demócrata puede representar, por lo que puede luchar, solo se encontraban en los libros de historia. Piensa en la síntesis de esta visión en las cuatro libertades (los principios de Roosevelt, extraídos de su Discurso sobre el Estado de la Unión de 1941: que todos los estadounidenses deben vivir con libertad de expresión, libertad de culto, libertad de vivir sin miseria y libertad de vivir sin miedo). Si se presentaran hoy, (las cuatro libertades) se interpretarían como una visión radical de este país, cuando, en realidad, se basan en gran medida en el motivo por el que tantos estadounidenses se sienten orgullosos de ser demócratas; por el que yo me siento orgulloso de ser demócrata. Esto refleja una historia reciente en la que nuestro partido se ha convertido más en un reflejo de una clase de consultores y de intereses particulares que en un reflejo de las necesidades de la clase trabajadora.
“La esperanza es una responsabilidad. Si la compartes con los demás, también es tu deber cumplirla.”
Dices estar orgulloso de ser demócrata. ¿Crees que tu movimiento puede coexistir con la facción centrista del Partido Demócrata, o se trata realmente de una batalla existencial por el futuro del partido?
Creo que todos pertenecemos al gran partido demócrata. La pregunta que tenemos ante nosotros es: “¿Adónde queremos ir y qué queremos que sea este partido?”. Los republicanos parecen poseer una ambición ilimitada por lo que quieren lograr, mientras que nosotros parecemos estar construyendo un techo de posibilidades cada vez más bajo. En 2028, tenemos la oportunidad de ir más lejos de la actual administración federal. Eso plantea la pregunta: “¿Hacia dónde?”. Creo que es hora no solo de tener una visión, sino de llevarla a cabo.
Lo que estamos demostrando, aquí, en la ciudad de Nueva York es que es posible volver a poner a la clase trabajadora en el centro de nuestra política y, al mismo tiempo, cumplirles. Con demasiada frecuencia, a los neoyorquinos se les ha pedido que elijan entre su calidad de vida y la ambición de la ciudad. Es hora de demostrar que, de hecho, ambas cosas pueden lograrse al mismo tiempo.
¿Cómo sería, para usted, un Partido Demócrata nacional ideal?
Sería un partido que se preguntara: “¿Con qué dificultades se enfrentan los trabajadores?”, y que respondiera a esa pregunta con soluciones para facilitarles la vida. Creo que nuestra política debe ir más allá de un ejercicio intelectual y tener un impacto tangible. Si no podemos explicar cómo nuestra política ayuda a la gente a pagar el alquiler, la comida y el cuidado de sus hijos, entonces parecerá un simple pasatiempo que algunos tienen el lujo de permitirse.
Un sentimiento que he visto mucho en internet, en respuesta a tus primeros seis meses en el cargo, es algo así como: “Resulta que Sí se pueden hacer cosas”. ¿Cuál es un logro del que se siente orgulloso que no fue una promesa de campaña?
El primer día de nuestra administración, tras la toma de posesión, me reuní con varios inquilinos de un edificio controlado por una inmobiliaria, donde han presentado queja tras queja. Entré en la casa de una de las inquilinas y me enseñó su baño: el óxido se desprendía de las tuberías y del techo. Le pregunté cuánto tiempo llevaba viviendo así y entonces se giró, señaló a su hijo y dijo: “Más tiempo del que él lleva vivo”. Tenía más de 20 años.
Decidimos interponer una demanda en nombre de esos inquilinos. Con apenas la firma, conseguimos que el siguiente propietario aceptara subsanar todas las irregularidades en ese edificio y en otros pertenecientes a la misma inmobiliaria. Para mí, eso demuestra que vale la pena luchar, porque si no estás dispuesto a luchar, nunca podrás ganar.
Pero también es necesario implementar esas medidas de forma sistémica. Como bien saben ustedes, la NYCHA (Autoridad de Vivienda de la Ciudad de Nueva York, la agencia de vivienda pública de la ciudad) es una de las entidades de vivienda pública con el mayor número de quejas en la ciudad.
A veces, la naturaleza sistémica de un problema se ha utilizado para justificar la inacción a corto plazo. Hemos escuchado a muchos decir: “La NYCHA tiene necesidades de capital por valor de 80 mil millones de dólares. Es responsabilidad federal. Necesitamos que el gobierno federal actúe”. Todo cierto. También sabemos que, independientemente de si se trata de una administración demócrata o republicana, la NYCHA ha tenido esas necesidades de capital. Si vamos a esperar a que (Washington) D.C. actúe, estaremos dejando a cientos de miles de residentes de vivienda pública en una situación precaria durante los años que tardará (Washington) D.C. en finalmente acordarse de esos mismos inquilinos. Vamos a destinar recursos que van más allá de lo que la ciudad ha hecho hasta ahora: prácticamente duplicamos el compromiso de capital de nuestra ciudad con la NYCHA.
Parte de la razón por la que te enfrentas a preguntas como esta es porque te has convertido en el rostro de un movimiento en la política estadounidense. Pero cuando te conviertes en el rostro de algo, empiezas a ser responsable de todo lo que alguien quiera atribuirte. He visto cómo te han atribuido desde el asesinato de Charlie Kirk hasta la anulación por parte de la FIFA de la tarjeta roja del jugador estadounidense Folarin Balogun en el Mundial. ¿Cómo decides a cuáles de esas críticas sientes la responsabilidad de responder?
Si afectan a los trabajadores neoyorquinos. Hay una diferencia entre el discurso y lo que preocupa a la gente de esta ciudad.
Eres bueno.
Gracias.
Todos los que te han visto, te han conocido y te han entrevistado dicen lo mismo: que eres un político talentoso. A veces no se dice como un cumplido. ¿Qué significa para ti ser un buen político?
Creo que significa cumplir. Durante mucho tiempo, ser un buen político ha significado debatir. (Mi administración) quiere que sea algo concreto. Si llamas a la puerta de un neoyorquino ahora mismo y le preguntas qué le preocupa, lo definirá en términos de costo.
¿Cómo te juzgas a ti mismo? ¿Qué te preocupa en privado no poder cumplir?
A menudo vuelvo a pensar por qué tantos neoyorquinos tocaron puertas para nuestra campaña. ¿Qué los impulsó a hacerlo?, Esa esperanza es una responsabilidad. Si la compartes con otros, también es un deber cumplirla.
“Me siento como un tío que abre el armario y siempre encuentra la misma ropa. ¡Un saludo a los trajes! ¡Los aprecio!”
Para mí, cuando hablamos de 2000 plazas de guardería gratuita para niños de dos años este año, 12 000 el año que viene, una plaza para cada niño de dos años al cabo de cuatro años, siempre quiero dejar claro que ese no es mi logro. Es el logro de todos los que subieron esos seis pisos sin ascensor y llamaron a puerta tras puerta tras puerta, diciéndole a la gente que podíamos lograr un mundo donde la guardería no costara 20 mil dólares. Quiero medir nuestra gestión en función de si cumplimos con las expectativas tanto de quien llamó a la puerta como de quien recibió la llamada.
Me intriga saber cómo fue tu infancia, que fue tan neoyorquina como se puede esperar para alguien que llegó aquí a los siete años. ¿Cómo influyó esa educación cultural en tu visión del mundo y en tus ideas políticas? Por ejemplo, tus referencias musicales están por todas partes.
Algunos de mis primeros recuerdos son de Nueva York. Me encantaba ir a Tower Records. Creo que estaba en la calle 66 y Broadway. Tenían pisos enteros repletos de una cantidad increíble de CDs. En ese momento me encantaba The Offspring.
Clásico. Un clásico de esa época.
El primer álbum que me regalaron fue la versión censurada de The Blueprint de Jay-Z. Solían vender CDs piratas justo afuera de Tower Records, y ahí fue donde compré el clásico fundamental de Eiffel 65. Mucha gente solo los conoce por ‘Blue (Da Ba Dee)’. ‘Too Much of Heaven’ es una gran canción.
¿Qué estás escuchando ahora?
Últimamente, he estado escuchando mucho a Radio & Weasel, un dúo ugandés que dominó las listas de éxitos durante muchísimo tiempo. También he estado escuchando a un rapero pakistaní llamado Shamoon Ismail, a quien sigo desde hace algunos años. Si me siento reflexivo, pongo algo de Kacey Musgraves.
El nuevo álbum estuvo genial.
Sigo escuchando Golden Hour.
Siempre me hace gracia oír esas referencias culturales de alguien que se ha obsesionado con llevar traje. Cuéntame sobre esa elección de estilo.
Me siento como un tío que abre el armario y siempre encuentra la misma ropa. ¡Un saludo a los trajes! ¡Los aprecio!
Una de las cosas que más me molestan de los políticos, sin ánimo de ofender, es que se pongan la camiseta encima de la camisa.
Uf. A veces lo hago.
Lo sé, lo sé. Te he visto hacerlo, y no es un ataque personal.
Me lo tomo como tal.
Y claro, sabemos que te encantan los deportes. ¿Cómo te iniciaste en el mundo del deporte?
Tengo que darle las gracias a mi tío. Él me presentó a Arsenal a finales de los noventa, principios de los 2000. Nací en Uganda, en África Oriental. El Arsenal, diría yo, es el equipo con más seguidores en Uganda. Mucho de eso se debe a la historia del talento africano en el equipo: Kanu, Lauren… Kolo Touré, Emmanuel Eboué, Alex Song… Incluso lo mencionaré, aunque siempre me dolerá: Emmanuel Adebayor.
Mi primer recuerdo de un Mundial es probablemente también del 98: me enamoré de Zizou (el capitán franco-argelino de Francia, Zinedine Zidane). ¡Qué jugador! La primera vez que mi padre me dejó llegar tarde al colegio fue cuando Francia jugó contra Senegal (en el Mundial de 2002). Su amor por lo académico no tenía ninguna posibilidad contra el panafricanismo. Nos quedamos en casa y vimos a Papa Bouba Diop marcarle un gol a Fabien Barthez. Ese es uno de mis primeros recuerdos.
¿Cómo utilizas ese conocimiento deportivo para conectar con la gente?
Creo que, para muchas personas, el deporte es prácticamente su primer idioma. Cuando hablas con alguien cuyo inglés es claramente un segundo, tercer o cuarto idioma, en cierto modo estás hablando solo con una sombra de esa persona. Te estás perdiendo la totalidad de lo que es. Y cuando hablas con alguien sobre deportes, ya sea soccer, baloncesto o cualquier otro, es como si finalmente se revelara su esencia.
Bueno, se suponía que hablaríamos de los temas deportivos vendrían al final. Tenemos que hablar de Trump. Tu reunión con Trump en la Casa Blanca fue uno de los momentos más impactantes del inicio de tu mandato como alcalde. ¿Cómo es su relación ahora?
La relación sigue siendo la misma. Se basa en la ciudad de Nueva York. A pesar de las muchas discrepancias que tenemos el presidente y yo, tenemos algo en común: el amor por esta ciudad.
¿Sientes que tienes que apelar un poco al ego de Trump en esas interacciones para que no se centre en la ciudad? Creo que el temor ha sido que lo que sucedió con ICE y la Guardia Nacional en lugares como Minneapolis o Los Ángeles llegue a Nueva York.
Creo que debo seguir siendo honesto con el presidente, y esa honestidad implica diferir. Le he hablado directamente sobre cómo considero a ICE una agencia cruel que no contribuye en nada a la seguridad pública. Le he expresado mi opinión de que debería ser abolida.
“Es difícil prepararse para las amenazas de muerte. He llegado a aceptarlo como parte del trabajo que realizo.”
¿Qué opinas de qué te diga constantemente lo guapo que eres?
… ¿Gracias?
Lo aceptaremos… supongo…
Su segundo mandato ha afectado más a otras ciudades, pero Nueva York no ha escapado a las repercusiones de las acciones de Trump.
Ya sea que hablemos de atención médica o del programa SNAP, las políticas federales dificultan que la gente pueda costearse la vida en la ciudad. Estamos haciendo todo lo posible para contrarrestar los efectos de estos recortes. Sin embargo, hay un límite a lo que una ciudad puede hacer frente a las políticas federales que buscan desmantelar estos programas. Esto tendrá un impacto real en un número incalculable de neoyorquinos en los cinco distritos.
Otro tema nacional que se ha vuelto cada vez más relevante para todos los políticos de este país es Israel y Gaza. ¿Por qué cree que es importante que el alcalde de Nueva York tenga una postura claramente definida sobre este tema?
Mi postura política no admite excepciones. Cuando hablo de la importancia de la dignidad, el derecho internacional y los derechos humanos, lo hago pensando en que se aplica a todos. Durante mucho tiempo, hemos visto una tendencia a eximir a los palestinos de esos ideales. Cuanto más dispuesto esté uno a excluir a alguien de una convicción, más probable es que pierda esa convicción por completo.
¿Dónde desarrollaste esas convicciones?
Desde una temprana edad, si veía una contradicción entre lo que decíamos creer y lo que estábamos dispuestos a hacer, era algo que simplemente no podía ignorar. Cuanto más te involucras en política, más te dicen que así son las cosas. Y para mí, esa nunca es una respuesta satisfactoria.
Lo menciono porque es uno de los temas más divisivos de nuestra época, y también uno que le ha valido algunas de las críticas más intensas, incluso en su vida personal. Su esposa, la artista Rama Duwaji, también ha sido criticada por sus opiniones sobre Israel y Gaza. ¿Cómo se han adaptado ustedes dos a eso?
Es difícil prepararse para las amenazas de muerte. Es difícil prepararse para recibir una llamada de un fiscal que le diga que alguien de otro estado va a ser acusado por lo que ha dicho y pretendido hacer en tu contra. Cuando uno está dispuesto a alzar la voz por todos, hay consecuencias. Obviamente, ahora que estoy frente a ustedes como alcalde, la situación es diferente. Pero incluso cuando era miembro de la asamblea y hablaba de lo inaceptable que es que enviemos miles de millones de dólares para matar palestinos inocentes, recibía mensajes de voz con amenazas similares.
He llegado a aceptarlo como parte de mi trabajo. Lo que siempre será muy difícil de aceptar es lo que significa para las personas que amo. Uno escucha a los políticos hablar de ello, y al principio suena como un cliché. Cuando uno empieza a vivirlo, comprende plenamente el peso de lo que este trabajo implica para quienes amas y quienes te rodean. Transforma la vida de todos.
Ya que estamos hablando el 6 de julio, quiero abordar el tema que todos han estado esperando: la boda de Taylor Swift, que tuvo lugar hace dos días. ¿Desde cuándo sabían que estaba planeando un gran evento en la ciudad?
Teníamos indicios de que se presentaría una solicitud de permiso, pero no fue hasta justo antes de la boda que se presentó oficialmente.
Así que fue a última hora.
En cuanto a la respuesta de la ciudad, la solicitud se presentó justo antes de la boda. Pero nuestra responsabilidad también es planificar para cualquier eventualidad y asegurarnos de estar preparados para responder.
¿Recibieron algún comentario de las distintas agencias involucradas?
En general, creo que los servicios municipales se desempeñaron muy bien.
Ahí lo tienes. Así que…
Pensé que me preguntabas cómo se lo habían pasado los asistentes. Pensé: “No tengo ni idea.”
Bueno, iba a preguntarte si te invitaron.
No.
Sí, qué lástima. Ella se lo pierde.
*Risas* No, estoy bien.
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Fiona Apple McAfee-Maggart crea música triste, furiosa y erótica. Ese ha sido el sello distintivo de su obra desde que comenzó en los 90, a los 18 años. Decir que es “icónica” sería quedarse corto, dada su influencia que trasciende las ventas de discos y sentó las bases para artistas transgresores y directos en todo el mundo. Ese legado empezó con Tidal (1996).
La portada cuenta la historia de una joven que te mira fijamente desde el disco con sus penetrantes ojos azules; como si te diera permiso para entrar en su mente y alma. La fotografía invita al oyente a explorar sus melancolías y frustraciones a través de pianos intensos, acompañados de baterías contundentes, bajos llenos de Groove e instrumentos coloridos que pintan un breve vistazo, una instantánea borrosa y sobreexpuesta, de la vida y el espíritu de Fiona en su momento.
En una entrevista con Rolling Stone en 1998, “Fiona: The caged bird sings”, se profundiza un poco más en lo que sentía y cómo lidiaba con la presión de sus angustias. Se encontraba ansiosa, exigente, a punto de estallar de ideas y afligida por los acontecimientos de su vida en aquel momento. Movía las velas de su cuarto de hotel y hacía collages en bata de baño, medio dormida, mientras conversaba con Chris Heath sobre detalles que exploraremos al recordar el milagro que fue este primer álbum.
Si bien Apple provenía de una familia de artistas (Brandon Maggart, su padre, trabajó en Plaza Sésamo y fue pintor, actor y cantante; Diane McAfee, su madre, fue actriz de Broadway y apareció en West Side Story en 1968). No fue un camino fácil, como revela su entrevista: sufrió bullying escolar, ha tenido pensamientos suicidas desde pequeña, fue víctima de agresión sexual y creció con padres separados desde los cuatro años.
Existen grabaciones de ella a los ocho años tocando el piano y, como narra Chris, a los nueve, en un intento por crear música tras no poder dormir, se sumergió en la oscuridad que impregna gran parte de su arte y que cautiva a cualquiera que se atreva a mirar ese vacío que devuelve la mirada.
“Era simplemente otra joven talentosa, un poco peculiar, a la que le gustaban las medias que no combinan, la ropa sin costuras y su colección de animales de cristal.” Chris Heath
Un poco de suerte
Digo que el álbum fue un milagro no solo por los desafíos personales que enfrentó desde una temprana edad, sino porque su producción fue una cuestión de estar en el lugar y el momento correcto. Una cinta, demo de tres canciones que grabó con su padre en Los Ángeles, llegó a manos del ejecutivo Andrew “Andy” Slater a través de un amigo mutuo que trabajó como niñera para el publicista… o al menos eso dicen los rumores. Luego, firmó con Epic Records, filial musical de Sony, realizó su álbum con una banda y Andy como productor.
Lo más interesante del desarrollo de este álbum fueron las historias del proceso de composición y creación, por ejemplo, ‘Criminal’, el mayor éxito de su carrera hasta el momento y la canción que le dio un Grammy en 1998, se escribió en una pausa de almuerzo de 45 minutos porque la disquera “necesitaba un sencillo principal”, la manera que impresionó a sus colaboradores con la honestidad de sus letras en canciones como ‘Never Is a Promise’, la cual escribió cuando tenía 14 años (dicha canción hizo parte de ese mítico demo inicial) y la pausa que tuvo que suceder en medio de producir el LP por su desorden alimenticio; ella explica que, además de la ayuda profesional, fue Lenny Kravitz quien le ayudó a sentirse escuchada y a salir adelante en ese periodo de caos interno.
Las innegables influencias del jazz y el hip hop, que le enseñaron a crear música (aprendió a tocar con “The Real Book”, una recopilación de artistas como Billie Holiday y Ella Fitzgerald), brillan en su sonido azul y lleno de un cansancio melancólico pero hambriento de hacerse escuchar. En las letras expresa su miseria en temas como ‘Sullen Girl’, que se adentra en el sentimiento que deja un hombre cuando te hace naufragar, se roba “tu perla” y te abandona como una concha vacía.
En la entrevista con Rolling Stone, Heath escribe “Todavía tiene pesadillas terribles y violentas. Siente lo mismo, pero con gente diferente. A veces, gente que conoce. Durante años, los hombres mayores la ponían nerviosa. Incluso cuando grabó su álbum, se negó a sentarse junto a ninguno de los músicos ni a Andy Slater, su productor y mánager. Es lo suficientemente honesta como para establecer otras conexiones: ‘Tuve novios muy malos durante mucho tiempo que tenían un ligero parecido físico con el hombre que me violó’.”
Un poco de fama
La época en la que lanzó Tidal no estaba preparada. En verano de 1996 se escuchaba música cómo ‘La Macarena’ de Los del Río y ‘One Sweet Day’ de Boys II Men y Mariah Carey, la economía estadounidense estaba bien y aún existía ese optimismo de la posguerra fría y los avances en la tecnología. El público se dividió al ser expuesta de este nuevo “prodigio” que a la vez veían como “malcriada” porque no le importaba lo que los demás pensaran de ella o de su música. Fiona Apple llegó para quedarse y nadie estaba preparado para eso.
Como era la antítesis de la música comercial, encontró una parte clave de su éxito en los videos musicales. En este disco, grabó tres videoclips para las canciones ‘Shadowboxer’, ‘Sleep to Dream’ y ‘Criminal’. ‘Sleep to Dream’ le brindó el premio MTV Video Music Award de 1997 a “Mejor artista nuevo”. Su discurso generó controversia, afirmó, entre otras cosas, que “este mundo es una mierda” y abogó por que la gente fuera ella misma sin importar lo que dijeran los demás. Nuevamente, cautivó la atención de muchos, y la admiración de otros artistas como Kanye West, otro “loco” de la industria que admitió que Tidal fue una gran inspiración para él y soñaba con ser “la versión rap” de ella, por lo que trajo a Jon Brion, quien ayudó a la producción de Tidal, para su proyecto del 2005, Late Registration.
Chris Heath cuenta que cuando Apple leyó su primera mala reseña del álbum ella “empezó a rascarse la muñeca izquierda con las uñas de la mano derecha. Era un tipo de Boston que decía que era la respuesta de Sony a Alanis Morissette, que tenía mucho que aprender y que la instrumentación la había salvado. (También dijo que era ‘precoz’. Ella, por alguna razón, lo malinterpretó y pensó que había dicho ‘pretenciosa’, lo que empeoró las cosas).
Se rascó y se rascó, hasta llegar al brazo. Todavía tiene algunas manchas oscuras en la muñeca, donde más se rascó. ‘Me molesta un poco’, dice con franqueza. ‘Es algo común’.”
Como a muchas y muchos otros antes y después, las críticas fueron feroces y el público acabó metiéndose en su vida privada. Algunos críticos la llamaron “una mala Joni Mitchell”, y su imagen de “la rebelde, provocativa, dramática y desenfrenada” la inspiró para la creación de su siguiente pieza When The Pawn… de 1999, (El nombre completo dice “Cuando el peón llega a los conflictos, piensa como un rey. Lo que sabe da los golpes. Cuando va a la pelea, ganará todo antes de entrar al ring. No hay nadie a quien golpear cuando tu mente es tu poder, así que cuando vayas solo, toma tu propia mano y recuerda que la profundidad es la mayor de las alturas, y si sabes dónde estás parado, entonces sabes dónde aterrizar, y si caes no importará, porque sabrás que tienes razón.” En su momento fue el álbum con el nombre más largo del mundo… hasta que en 2008 Cumbawumba le quitó el trono)
Y mucha pasión
Recordar a Tidal es volver a aquella época en la que una joven inexperta y frustrada, con mucho que decir, aprovechó la oportunidad de hacer historia en la música “como nadie más”. En sus primeros conciertos se puede apreciar el fuego que la impulsaba; ya fuera ira, indignación o simple autocompasión, siempre lograba dominar el escenario y disfrutar de lo que hacía al 100%.
Este debut fue una advertencia para algunos y una promesa para muchos de que seguiría mejorando a medida que madurara y encontrara su propio estilo. Como ella misma lo expresó en 1997: “Tenía algo en mente y simplemente lo dije. Y eso es realmente el presagio de toda mi carrera y de toda mi vida. Cuando tengo algo que decir, lo digo”. Hoy podemos confirmar que esa meta se cumplió.
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Virtuoso. Esa es una de las calificaciones más recurrentes cuando se menciona al notable guitarrista norteamericano Al Di Meola, que vuelve a presentarse en Buenos Aires en septiembre. La cita es es el sábado 12 y domingo 13 en La Trastienda, Balcarce 460, en el barrio porteño de San Telmo. Entradas acá.
Además de ser un auténtico héroe de la guitarra, es un prolífico compositor. Su discografía como solista ronda los 30 álbumes, además de otra docena de colaboraciones que incluyen el supergrupo de fusión Return to Forever (junto a Chick Corea, Stanley Clarke y Lenny White), el célebre trío de guitarras acústicas (Guitar Trio) con los también virtuosos John McLaughlin y Paco de Lucía, y el trío Rite of Strings con el bajista Stanley Clarke y el violinista Jean-Luc Ponty.
Pero más allá del virtuosismo y de su técnica deslumbrante tanto en la guitarra acústica como en la guitarra eléctrica, Di Meola es un músico singular, que ostenta una notable sensibilidad tanto en su interpretación, como en sus composiciones.
Su palmarés incluye unos seis millones de discos vendidos en todo el mundo, cinco álbumes de oro en Alemania y diversos galardones, entre ellos un Doctorado Honoris Causa del Berklee College of Music, el Premio Honorífico Miles Davis otorgado por el Festival de Jazz de Montreal, un Premio a la Trayectoria de la BBC presentado por Sir George Martin en 2008, el Premio Lyra de la Fundación Húngara de Artes Escénicas, así como numerosas nominaciones y premios Grammy.
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El cine autobiográfico suele caminar sobre un filo peligroso. Puede convertirse en un ejercicio de exhibicionismo o, por el contrario, alcanzar una honestidad tan radical que termine hablando de todos nosotros. Lo que comienza como una película sobre una familia termina transformándose, casi frente a nuestros ojos, en el registro del nacimiento de una nueva identidad.
Durante siete años, Gal S. Castellanos filmó aquello que creía era el duelo por la muerte de su padre y el inesperado viaje de su madre a Turquía para reconstruir una vida que nunca había podido vivir plenamente. Sin embargo, mientras la película se iba armando, también lo hacía su director. La cámara terminó registrando un proceso que ninguno de los involucrados había previsto: la transición de Gal hacia su identidad transmasculina. Este es uno de esos documentales que tiene la fortuna (o el vértigo) de modificar su propio sentido mientras está siendo filmado.
Sabiamente, la cinta evita convertir la transición en un manifiesto o en un acto de explicación permanente. Su identidad aparece como una consecuencia emocional de una búsqueda mucho más profunda, que es la de comprender el origen del propio cuerpo, las herencias familiares y las formas invisibles con las que aprendemos quiénes creemos ser. La película entiende que la identidad nunca nace en el vacío; siempre dialoga con el presente y con las generaciones anteriores.
Por eso resulta tan poderosa la figura de María del Pilar. En realidad, el documental termina proponiendo dos procesos de transición igualmente revolucionarios. Mientras Gal descubre que el cuerpo que habita nunca representó plenamente quién era, su madre comprende que durante décadas tampoco había vivido para sí misma. Viuda, decide abandonar México para perseguir un amor en Turquía y, más importante aún, descubrir la posibilidad de existir sin ser únicamente esposa, madre o hija de alguien. Ambos relatos se reflejan constantemente hasta confundirse. Uno transforma el género; la otra transforma la libertad.
La película encuentra además una hermosa metáfora en su propio título. Las “centellas” dejan de ser únicamente la referencia a la centella asiática utilizada para cicatrizar la mastectomía. Son también las pequeñas heridas que permanecen encendidas durante años hasta encontrar una forma de sanar. Cada cicatriz se convierte aquí en una cartografía emocional.
Castellanos abraza el carácter artesanal del proyecto. La película mezcla archivos familiares, grabaciones domésticas, videollamadas, fotografías, videocartas y registros capturados durante varios años. Esa heterogeneidad visual nunca se siente improvisada. Por el contrario, reproduce la manera fragmentaria en la que funciona la memoria. La edición de Andrea Rabasa logra convertir materiales muy distintos en una narración sorprendentemente orgánica, mientras la fotografía de Bruno Santamaría y el delicado trabajo sonoro privilegian siempre la intimidad sobre el espectáculo.
La voz en off no funciona únicamente como narrador, sino como la evidencia física de la transformación. Escuchar esa voz recorrer imágenes del pasado introduce una tensión profundamente cinematográfica. El presente reinterpreta constantemente el archivo, demostrando que las imágenes nunca permanecen fijas, sino que cambian junto con quien las observa.
Mi pecho está lleno de centellas nunca reduce la experiencia trans a un proceso médico ni a un discurso identitario. Habla del duelo, maternidad, expectativas familiares, el peso de la memoria, las oportunidades perdidas y del derecho, a cualquier edad, de empezar otra vida. La cinta confirma que el mejor cine documental no registra únicamente la realidad, la transforma. Y, en ocasiones extraordinarias como esta, también transforma a quien sostiene la cámara.
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Pocas experiencias transforman tanto a una persona como convertirse en padre o madre. El cuerpo cambia, la identidad se reorganiza y el amor convive constantemente con el miedo, el agotamiento y la incertidumbre. Nightborn, la nueva película de Hanna Bergholm, parte de esa realidad para construir un relato de horror corporal donde el monstruo nunca es únicamente una criatura sobrenatural, sino también la materialización de las inseguridades, la culpa y el desgaste que acompañan la crianza. Tras la extraordinaria Hatching, la directora finlandesa vuelve a convertir un conflicto profundamente humano en una pesadilla física donde el verdadero terror nace de aquello que muchas veces resulta imposible decir en voz alta.
Seidi Haarla (Rompehielos) y Rupert Grint (Harry Potter) nos hablaron sobre la maternidad como una experiencia caótica, la dificultad de aceptar emociones consideradas “prohibidas”, el papel de la negación dentro del amor y por qué Nightborn nunca intenta ofrecer respuestas sencillas sobre aquello que significa formar una familia.
Seidi, Saga no teme realmente a lo desconocido. Lo que más la aterra es descubrir que sus propios instintos podrían estar diciéndole la verdad. ¿Qué fue lo que más te perturbó de esa idea?
SEIDI HAARLA: Creo que todos podemos identificarnos con esa sensación. Como seres humanos necesitamos creer que tenemos el control de nuestras vidas. Queremos saber qué está ocurriendo, distinguir claramente qué es real y qué no lo es.
Pero tener un hijo destruye esa ilusión. La maternidad es un portal hacia el caos. Te obliga a renunciar al control y a abrirte a un desorden que también existe dentro de ti. Y aceptar ese caos, más que combatirlo, termina siendo parte del proceso de convertirse en madre.
Rupert, Jon quiere proteger a su familia, pero al mismo tiempo necesita convencerse de que todo tiene una explicación racional. ¿Crees que la negación también puede ser una forma de amor?
RUPERT GRINT: Sí, creo que esa es una lectura muy interesante. Jon vive una situación muy complicada. Ha abandonado completamente su vida para instalarse en un país cuya lengua ni siquiera domina. Se siente aislado y prácticamente toda su estabilidad emocional depende de Saga. Por eso hace todo lo posible por mantener esa relación funcionando.
El problema es que simplemente no tiene las herramientas para comprender lo que ella está viviendo. Está construyendo la casa, trabaja constantemente, siempre parece estar ocupado con otra cosa y termina sin ver realmente a su esposa. Creo que su corazón está en el lugar correcto. Quiere hacer lo correcto todo el tiempo, pero no encuentra la manera de acercarse a ella.
Además, la película nunca termina de decirnos si todo lo que ocurre pertenece realmente al terreno de lo sobrenatural o si estamos viendo otra cosa completamente distinta. Esa ambigüedad hace muy interesante la relación porque permite que cada espectador complete la historia desde su propia experiencia.
Seidi, la película nunca separa la maternidad del horror. ¿Por qué seguimos sintiéndonos incómodos frente a esa asociación?
SEIDI HAARLA: Porque durante siglos nos han contado una única versión de la maternidad. La madre debía ser siempre buena, amorosa, paciente, protectora. Como si únicamente pudiera experimentar sentimientos puros. Pero esa expectativa resulta profundamente injusta.
Es una carga muy pesada para cualquier mujer. Creo que apenas ahora estamos empezando a cuestionar esa imagen perfecta de la madre… (ríe) Perdón… había encontrado una idea y se me acaba de escapar.
(Minutos después, la actriz retomó espontáneamente la respuesta.)
Ahora la recordé. Muchas veces creemos que convertirnos en madres automáticamente nos convierte también en mejores personas. Es una fantasía muy peligrosa. Vivimos pensando que una madre no puede sentir rabia, miedo, frustración o incluso desear ponerse a sí misma por delante de su hijo en determinados momentos. Y eso es profundamente inhumano.
No podemos amputar una parte de nuestras emociones simplemente porque hemos tenido un hijo. La ira, el miedo, el cansancio… todas esas emociones siguen existiendo y necesitan ser reconocidas. Ser madre también significa reconciliarte con la niña que todavía vive dentro de ti. Paradójicamente, la maternidad me ha enseñado mucho más sobre mí misma que sobre mi propia hija. Ese ha sido el aprendizaje más valioso. Y también el más aterrador.
Rupert, Nightborn parece sugerir que, en ocasiones, el amor por sí solo no basta para sostener una relación. ¿Crees que esa es la idea más oscura de la película?
RUPERT GRINT: Sí… creo que podría decirse que sí. Hay muchísimo amor entre Jon y Saga. Nunca dudé de eso. Pero durante los ensayos hicimos un ejercicio muy curioso que terminó ayudándome a entender mejor la relación entre ambos.
Ensayamos durante varias semanas una coreografía de baile y una pelea física al mismo tiempo. Al principio me parecía una idea extraña, incluso me generaba cierta resistencia, pero terminó siendo una experiencia muy útil. Ambas secuencias hablaban exactamente de lo mismo. Nos permitían explorar la intimidad, la cercanía, el conflicto y la reconciliación sin necesidad de utilizar palabras. Todo ocurría a través del cuerpo.
Cuando vi la película terminada comprendí que ese trabajo estaba presente en toda la relación entre Jon y Saga. Hay muchas cosas que ellos nunca consiguen decirse, pero que aparecen constantemente en la manera en que se acercan, se alejan, se tocan o se enfrentan. Fue una preparación muy especial y creo que terminó definiendo buena parte de la película.
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Durante décadas, el cine y la televisión de espías han encontrado su combustible en las conspiraciones internacionales, las persecuciones y las identidades falsas. Ride or Die; Cómplices hasta el final conserva todos esos ingredientes, pero los utiliza para hablar de algo mucho más íntimo: la confianza. Creada por Tessa Coates y protagonizada por Octavia Spencer (The Help), Hannah Waddingham (Ted Lasso) y Bill Nighy (Love Actually), la serie de Prime Video convierte una historia de acción en una exploración sobre la amistad, los secretos y la posibilidad de reconstruir una relación cuando descubrimos que la persona que creíamos conocer nunca fue exactamente quien imaginábamos.
Mientras Debbie descubre que su mejor amiga Judith lleva años ocultándole una doble vida como asesina de élite, el Director (interpretado por Bill Nighy) recuerda que, en el universo del espionaje, incluso quienes parecen mover todos los hilos terminan siendo prisioneros de aquello que decidieron callar.
En conversación con Rolling Stone en Español, los tres actores hablaron sobre la vulnerabilidad, la resiliencia, el peso de los secretos y por qué, detrás de cada gran historia de espías, siempre termina escondiéndose una historia profundamente humana.
Debbie descubre que la persona en quien más confiaba es prácticamente una desconocida… y además alguien extremadamente peligrosa. ¿Qué fue lo que más te interesó de ese terremoto emocional?
OCTAVIA SPENCER: Lo más fascinante es que Debbie lleva amando a Judith prácticamente la mitad de su vida. Descubrir que alguien tan importante nunca fue quien ella creía es profundamente desestabilizador. Además, Judith no es la única relación que empieza a romperse. Debbie también enfrenta problemas con su esposo y con sus hijos. Las tres relaciones fundamentales de su vida entran en crisis al mismo tiempo.
Eso la obliga a preguntarse cómo pudo equivocarse tanto respecto a las personas que más quería. Hay un enorme trabajo interior, pero lo maravilloso es que esa exploración ocurre a través de conversaciones muy honestas con Judith.
HANNAH WADDINGHAM: El nivel de engaño es enorme. Si Debbie fuera completamente sincera consigo misma, probablemente ya intuía que algo no estaba funcionando en su vida. Pero una cosa es sospecharlo y otra muy distinta descubrir que tu mejor amiga lleva una existencia completamente distinta. De repente también tiene que explicarles esa realidad a sus hijos. Todo aquello que sostenía su mundo comienza a derrumbarse al mismo tiempo.
Debbie no está entrenada para el combate, pero termina convirtiéndose en una pieza fundamental de la historia. ¿Qué dice la serie sobre la capacidad de las personas comunes para descubrir una fuerza extraordinaria?
OCTAVIA SPENCER: Yo no creo que Debbie sea una mujer común. Hace falta una persona extraordinaria para dejar atrás su país por amor, reinventarse, graduarse con honores en Yale y decidir poner su propia carrera al servicio del proyecto político de su esposo.
Lo que ocurre es que Judith la arrastra hacia un mundo para el que nunca estuvo preparada y Debbie tiene que adaptarse. Y eso es precisamente lo que hacemos muchas mujeres todos los días.
Por eso también me gusta pensar que Judith representa una metáfora de todo lo que las mujeres son capaces de hacer. Llevan sobre sus hombros responsabilidades inmensas, resuelven problemas constantemente y siguen adelante. Todos los días libran batallas que muchas veces pasan desapercibidas.
HANNAH WADDINGHAM: Eso fue precisamente lo que más me entusiasmó del proyecto. También me daba miedo no estar a la altura del personaje, pero trabajar junto a Octavia, Tessa Coates y Matt Miller desde el comienzo nos permitió construir cuidadosamente qué tipo de serie queríamos hacer.
Además de interpretar a estos personajes, Octavia y yo somos productoras ejecutivas. Somos dos mujeres de más de cincuenta años liderando una serie de acción, y creo que eso también envía un mensaje muy importante. Hay que seguir atreviéndose. Hay que seguir aceptando desafíos. Incluso cuando uno siente miedo.
Y no solamente para las mujeres. También para los hombres. Existe esa idea de la crisis de la mediana edad, pero yo prefiero pensar que cada etapa de la vida es simplemente un nuevo capítulo que uno mismo tiene la responsabilidad de escribir.
Debajo de toda la acción, Ride or Die termina siendo una historia sobre la confianza. ¿Cómo se interpreta un personaje obligado a elegir constantemente entre la honestidad y la supervivencia?
OCTAVIA SPENCER: Creo que, en realidad, así funciona la vida. Cuando alguien entra en nuestra existencia nunca sabemos completamente quién es. Elegimos confiar en esa persona y esperar que aquello que nos muestra sea verdadero. Cuando descubrimos que no era así aparecen todas las emociones posibles: la rabia, la decepción, el dolor. Eso también hace tan interesante nuestro trabajo como actores.
HANNAH WADDINGHAM: Octavia y yo hablábamos mucho sobre eso durante el rodaje. La serie cuestiona constantemente la amistad, la lealtad y la confianza. Todo parece romperse, pero en el fondo Debbie y Judith siguen compartiendo una conexión muy profunda. Aunque esa confianza haya quedado torcida, aunque esté llena de heridas, todavía existe una especie de memoria emocional que termina llevándolas nuevamente la una hacia la otra. Por eso la traición duele tanto. Porque solo puede existir cuando antes hubo un vínculo verdadero.
Bill, el Director parece un hombre que toma decisiones con absoluta frialdad. ¿Es alguien que realmente cree en la lealtad o simplemente en la utilidad de las personas?
BILL NIGHY: Esa es una muy buena pregunta. Creo que él se presenta como alguien completamente pragmático, alguien para quien únicamente importa la utilidad. Pero, conforme avanza la historia, uno descubre que las cosas son bastante más complejas. Existe una tensión permanente entre esas dos ideas y prefiero no revelar demasiado porque terminaría arruinando varias sorpresas importantes de la serie. Hay mucho más detrás del Director de lo que parece al principio.
Has mencionado que eres un gran aficionado al género de espionaje. ¿Qué crees que sigue haciéndolo tan atractivo para el público?
BILL NIGHY: Es difícil explicarlo exactamente. Supongo que tiene que ver con que siempre existe un rompecabezas que el espectador intenta resolver. Hay personajes en peligro, secretos ocultos, una tensión constante que mantiene viva la historia.
Además, casi siempre hay una dimensión romántica. Las relaciones suelen estar atravesadas por diferencias políticas, fronteras, lealtades divididas… Todo eso vuelve las emociones mucho más intensas.
También está el hecho de que estas historias viajan por distintos países, muestran culturas diferentes y colocan a los personajes frente a enormes secretos que el espectador conoce antes que ellos. Tienen peligro, misterio, romance… prácticamente lo tienen todo.
Yo mismo soy completamente adicto al género. He leído prácticamente toda la obra de John le Carré y también la de Len Deighton. Si alguien disfruta las novelas de espionaje y todavía no ha leído sus trilogías, realmente se las recomiendo.
La serie está llena de personajes que esconden algo. ¿Qué secreto termina definiendo realmente al Director?
BILL NIGHY: Esa es una pregunta complicada… Porque el Director guarda varios secretos importantes que solo aparecen hacia el final de la temporada y no puedo hablar de ellos sin arruinar la experiencia. Lo único que puedo decir es que existen un par de grandes revelaciones sobre él que cambian completamente la percepción que tenemos del personaje. No es, en absoluto, la figura tan simple que parece durante los primeros episodios.
¿Y qué es lo que menos comprende de sí mismo?
BILL NIGHY: Creo que, hacia el final de la historia, logra abrir una parte de sí mismo que llevaba demasiado tiempo cerrada. Durante años aprendió a vivir ocultando cosas. Es plenamente consciente de todo aquello que debe mantener en secreto. Lo que nunca terminó de comprender fue el precio personal que pagó por hacerlo. Y esa quizá sea la verdadera evolución del personaje: descubrir cuánto de sí mismo perdió mientras protegía esos secretos.
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El género de las películas biográficas ha sido complejo, con filmes que han sido un gran éxito o un fracaso rotundo, pero con el reciente impulso que supuso Michael la industria cinematográfica está dispuesta a seguir apostándole a estas historias. El siguiente artista en la lista que verá su vida llegar a la gran pantalla es Snoop Dogg, pues el proyecto finalmente cuenta con una fecha de estreno.
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Universal Pictures anunció esta semana que Snoop, como se llamará la cinta, llegará a los cines del mundo a inicios de agosto de 2027. La película será dirigida por Craig Brewer (Song Sung Blue y Hustle & Flow), quien reescribió el guion original de Joe Robert Cole, y será protagonizada por Jonathan Daviss (Outer Banks). Brian Grazer de Imagine Entertainment y Sara Ramaker de Death Row Pictures estarán a cargo de la producción junto con el rapero estadounidense.
Son pocos los detalles que se conocen sobre la cinta más allá de que será la “biopic absoluta del artista, magnate e ícono del gangsta rap”, que contará con música del extenso catálogo de Dogg y que, por supuesto, tendrá clasificación para adultos. De acuerdo con recientes declaraciones del músico en la CinemaCon, el largometraje iniciará su rodaje en las próximas semanas.
Snoop será desarrollada por el mismo estudio detrás de Straight Outta Compton (2015), el filme dirigido por F. Gary Gray que relata la historia del grupo de rap N.W.A. y que recibió una nominación a los Premios Óscar 2016 a Mejor Guion Original. Universal Pictures también produjo 8 Mile, la aclamada biopic de Eminem de 2002 que recibió un Óscar a la Mejor Canción Original por ‘Lose Yourself’.
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Elon Musk se suma a la creciente lista de figuras que apuestan por la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento. En esta ocasión, el empresario anunció que su plataforma de IA, Grok Imagine, desarrollará su propia versión de La Odisea.
La noticia se dio a conocer a través de su cuenta oficial de X, donde Musk compartió un video de tres minutos que muestra una escena inspirada en La Odisea, generada con la inteligencia artificial de Grok Imagine. Aunque el material funciona como una demostración de las capacidades de la herramienta, el empresario aseguró que ve un gran potencial para llevar a cabo una adaptación completa de la obra.
“Antes de que termine este año, Grok Imagine hará una película de larga duración de La Odisea que sea históricamente precisa y fiel al arte de Homero”, aseguró Elon Musk.
El usuario que compartió el video de prueba basado en La Odisea aseguró que la inteligencia artificial de Musk mejora día con día, por lo que le sorprendió la calidad de las actuaciones que puede generar un “actor” creado con IA. Además, explicó que para realizar la demostración únicamente dio instrucciones a Grok Imagine como lo haría con un actor durante una producción en un set de grabación.
Otro cibernauta sugirió que Elon Musk ofreciera una cantidad de $100 millones de dólares a Mel Gibson para filmar una adaptación de La Odisea con barcos, armaduras, armas y casting meticulosamente precisos desde el punto de vista histórico. El empresario respondió: “Estoy dentro”.
No es la primera vez que Musk expone su sentir sobre la reciente producción de La Odisea de Christopher Nolan. Hace unas semanas compartió un mensaje que reafirma su inconformidad: “Chris Nolan profanó a Homero y se arrastró de rodillas solo para cumplir con las reglas woke necesarias para ganar un Oscar. Qué gusano”. Asimismo, ha estado debatiendo a través de X la decisión de Nolan sobre el reparto que ha escogido para La Odisea, tachándolo de “racista anti-blanco”.
Grok es el asistente de inteligencia artificial desarrollado por la empresa xAI, fundada por Elon Musk. El chatbot es capaz de mantener conversaciones, responder preguntas, ayudar con tareas de programación, generar imágenes, resumir textos y buscar información en tiempo real tanto en la web como en X (antes Twitter). Desde hace varios meses, Musk utiliza su cuenta de X para anunciar las mejoras y nuevas funciones de Grok, además de explicar cómo sus usuarios pueden aprovechar cada actualización. “Grok Build mejora cada día”, escribió el empresario hace unos días al referirse a la más reciente versión de la herramienta.
Hasta el momento, La Odisea, de Christopher Nolan, ha recaudado más de 264.06 millones de dólares en la taquilla mundial durante su fin de semana de estreno, de acuerdo con datos de Comscore Movies. Con esta cifra, la película se consolida como una de las producciones más exitosas del año.
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