Dice que hace pocos planes porque cada vez que los hizo no le salieron del todo. “Así que opté por dejar de hacer planes y confiar en el devenir”, explica Guillermo Piccolini. Inmediatamente, por supuesto, pasa a enumerar una cantidad de… ¡planes!: acaba de publicar un nuevo disco solista, Peor, y lo presentará en el CAFF (Club Atlético Fernández Fierro, Sanchez de Bustamante 772, CABA), el 16 de octubre; sale de gira junto a Pablo Dacal y viaja a España para reencontrarse con la banda que formó en los 80, en Madrid: Los Toreros Muertos. “Bueno, es cierto, grabar un disco es un poco hacer un plan –se queda pensando, en diálogo con Rolling Stone–. Pero se me vinieron encima una serie de situaciones personales, mudanzas, esas pequeñas tragedias, y todo se retrasó muchísimo”.
La trayectoria de Piccolini está cargada, quizás no de planes, pero sí de música. Después de unos movimientos iniciáticos en Buenos Aires, su vida se trasladó tempranamente a Madrid, donde armó Los Toreros Muertos (junto al cantante Pablo Carbonell), el hitero grupo de rock satírico. También tocó con Lions in Love (de Daniel Melingo) y Pachuco Cadáver (dúo post-rock con Roberto Pettinato) e impulsó Venus, ya de vuelta en Argentina.
En 2021, lanzó un tardío, pero celebrado primer álbum solista: Futuro imperfecto. Y ahora acaba de editar el segundo, titulado Peor. “Las canciones son más pesimistas –admite–. Me di cuenta de que usaba la palabra peor tres o cuatro veces a lo largo del disco y llegué a la conclusión de que, aunque parezca difícil, quizás este es un mundo todavía peor que el de cinco años atrás, ¿no?”.
Peor es de lo mejor que ha producido Piccolini: diez canciones minimalistas, beneficiadas por una economía de recursos a rajatabla que empieza como consigna de trabajo y termina por realzar las virtudes de un artista del detalle.
“La idea es la simpleza. No quiere decir que no pruebe un montón de cosas. Pero es poco lo que queda. No me interesa sumar instrumentos haciendo cosas reiterativas. Es como la anti pared de sonido de Phil Spector. ¿Qué haría Spector? Bueno, yo hago lo contrario. Hay momentos en los que uno se entusiasma y agrega. Pero lo que no se negocia es que no que hay batería. Es una limitación autoimpuesta, que te lleva a buscar otras soluciones”.
Y es lo contrario también de Los Toreros, donde siempre suenan un montón de cosas…
Es que, a ver, los Toreros empezamos con Pablo, Manny [Moure] en el bajo y yo, arriba de un escenario de dos por dos, con una caja de ritmos. O sea, básicamente el sonido de Pachuco Cadáver. Yo vengo esquivando la vacuna de la batería desde hace mucho.
Además de decir varias veces “peor”, en el disco también hay un “podrido”, en tu versión del tema de Horacio Fontova [“Me tenés podrido”, el improbable hit del Fontova Trío de 1982]…
¡Claro! El primer disco de Fontova fue muy importante para mí, te diría que comparable con el primero de Los Twist. Cuando me fui a Europa, en 1985, me quedé sin guita inmediatamente y hacía canciones de ese disco de Fontova…
¿Lo escuchabas como un oyente más o tenías relación con Fontova?
No, no, como fan. Lo conocí a Fontova, me lo crucé un par de veces, pero no más que eso. Cuando nos juntamos con Pablo Dacal para hacer un show dijimos de hacer un par de canciones que no fueran mías ni suyas. Él eligió “Cambalache” y yo, “Me tenés podrido”. Terminamos de ensayar, nos quedamos cenando, tomamos un vino y esa misma noche la grabamos.
En el disco también está Daniel Melingo…
Fue lo último que se grabó [el músico falleció el 30 de junio, una semana después de la salida de Peor]. El tema estaba más o menos terminado. Habíamos hablado de grabar un clarinete para hacer esas cosas que nos gustaban, como la música europea de vanguardia de los años 30, 40; esa sonoridad. Y entonces llegó al estudio y dijo: “¿Sabés que me olvidé el clarinete?”. Y se inventó esto de que lo cantemos a dúo. Una genialidad. Agradezco haber tenido una última oportunidad de estar en un estudio con él.
¿Con Melingo se conocieron en Madrid?
No, yo ya lo conocía a Dani y cuando fue a tocar con Charly [García] a Madrid, se quedó por Europa y estuvo también en Marruecos. En ese momento estábamos con un cambio de formación en Toreros Muertos, así que les dije a mis compañeros: “Hay un tipo que puede tocar saxo, guitarra, teclado y percusión, y es genial en todo”. Lo traje, gustó y se quedó con nosotros dos años. Ahí grabamos Mundo caracol, donde hay varios temas de Dani. En ese ínterin se armó Lions in Love, y Daniel me invitó a participar.
¿Cómo es tu relación con Los Toreros ahora?
Yo me fui del grupo de una manera un poco extraña porque, cada tanto, vuelvo y toco. Y es divertido. Voy, veo a los amigos. Me encanta tocar con ellos, pero no quería estar constantemente en un proyecto tan absorbente. Preferí quedarme acá, en Argentina, y remarla con mi proyecto. Como diría Federico Peralta Ramos, a mí me gusta acá. Pablo [Carbonell] sacó un disco con el nombre de Los Toreros Muertos, bastante bueno. Pero no participé, no me siento parte del proyecto hoy como para armar canciones con esa marca. Una cosa es hacer un show y grabar un disco en vivo, y otra es ponerse más serio, a los 60, con el proyecto de los 20. Pero Los Toreros son mis hermanos, me encanta tomar cerveza con ellos, subirnos a la furgoneta, morirnos de risa. Es como juntarse con una ex…
Una ex española. ¿Es muy distinta de tus ex argentinas, es decir de tus colaboraciones con músicos argentinos?
Pablo es un tipo bastante particular. Es genial, nos llevamos bien, pero bueno, está comprometido con una idea musical que es, en algún sentido, burlarse de la música, como dice en muchas entrevistas, ¿no? Yo prefiero la emoción. No sé si me va a salir, pero prefiero hacer el intento.
Los Toreros también tienen sus temas conmovedores, como “Dejadme llorar” u “Hoy es domingo”…
Ahí está, ¿ves? Diste en el clavo. “Dejadme llorar” es justo un tema que Pablo no quiere cantar. Es el favorito de [la Negra] Poli, por otro lado. Y a mí también me encanta, pero no es lo más habitual.
Tu música también tiene una cuota de humor…
Puede ser, sí. Hay una mueca o una risa; una manera de jugar, espíritu lúdico. Volviendo a Dani, algo que nos unía era el gusto por el dadaísmo y el surrealismo. Y ahí había mucho humor también. Forma parte del puchero que uno es… Cuando canto “Sana, sana, patria, madre, hermana, sana sistema bancario internacional”, me doy cuenta de que digo un chiste, pero el espíritu de la canción no es de chiste. Quizás ese sea un problema; sería mejor que fuera completamente seria o completamente graciosa, puede ser. Somos así: acá le ponemos pasa de uva a la empanada.
En Peor participa Julieta Laso, otra artista muy cercana a Melingo.
Es que Dani influyó en muchos músicos y músicas. Su influencia es enorme. No es casual: a Juli la conocí justamente por Melingo, en estos Encuentros Maximalistas que hacía. Me invitó, toqué teclados en un par de temas y nos conocimos con Juli, hablamos un poquito en el camarín. Es una barbaridad la interpretación que hizo.
También toca en el disco Skay Beilinson, otro argentino con el que te cruzaste en Madrid.
Claro, yo los conocí a Skay y a Poli antes de irme a España. Tuvimos una pequeña relación simpática, y de admiración por mi parte. Era muy fan de Los Redondos a partir del 82, cuando los vi por primera vez. Era mi grupo favorito. Y, bueno, no es casual: en el primer disco de Fontova, del que te hablaba antes, toca Skay. Después nos vimos en Madrid y ellos me ofrecieron el puesto de tecladista de los Redondos y tuve que declinar con gran dolor, porque no podía en ese momento. Pero compartimos un viaje por España ese año y Skay subió a tocar con los Toreros un par de veces. Por supuesto que hubo una oferta para que se quedara en Los Toreros. Pero, bueno, creo que hizo bien en no aceptar [risas].
¿Y vos, te arrepentís de algunas decisiones?
Soy muy feliz con la decisión que tomé de dedicarme a esto, y más feliz aún de que me haya sido concedida esa decisión. Porque uno puede tomar la decisión, pero por ahí no tiene la suerte. Se suele decir: “A mí nadie me regaló nada”. Y no es así: la guitarra ya estaba inventada: me la regalaron. Me regalaron a los Beatles, a Cafrune, al Cuchi [Leguizamón], todo me fue regalado en algún aspecto. Los materiales, la realidad en la que vivimos está construida por muertos. El parlante que tengo acá enfrente lo inventó uno que está muerto; el tocadiscos, el sillón y la penicilina, también. Yo agradezco haberme parado del lado del arte. Porque, si bien tenemos nuestros celos y nuestras cuitas, es un mundo bastante colaborativo en el cual consumimos de la que vendemos. E intentamos que no esté muy cortada [risas].
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Suede
Mariana Enriquez tenía 20 años cuando escuchó por primera vez las canciones del grupo inglés y comenzó así un intenso vínculo. Porque demasiado no es suficiente. Mi historia de amor con Suede (Montacerdos, 2023) acaso sea su libro más personal e íntimo, una historia privada de los 90 y dos mil, un relato espléndido sobre generaciones, estrellas y memorias fragmentarias.
Fuimos reyes
“Una historia de amor, locura y muerte”. Así se titula el prólogo que Enriquez escribió para la segunda edición (2021) de Fuimos reyes. La historia completa de los Redonditos de Ricota, de Mariano del Mazo y Pablo Perantuono. “Uno no iba a divertirse a un show de Los Redondos”, sostiene. “Iba a encontrarse con el peligro y con una especie intensa de fiesta, con euforia pero sin sonrisas, porque la dicha no es una cosa alegre”.
Las Cosas que Perdimos en el Fuego
Hernán Montenegro, escritor y músico marplatense es el líder de Las Cosas que Perdimos en el Fuego, una banda de hardcore que homenajea a la escritora, citando uno de sus libros más leídos. Mariana dio el aval no solo para que le pongan ese nombre al grupo, sino para que puedan usar frases de sus obras y así reinterpretarlas.
El año de la rata
Una crónica gráfica a dos voces, editada en 2020. Desde Ciudad de México, el diseñador e ilustrador argentino Dr. Alderete propone un articulado conjunto de provocativas imágenes que invitan a reflexionar sobre el momento crítico de la humanidad. Desde Buenos Aires, Mariana enriquece este proyecto con su propia narrativa: el terror sobrenatural permeando nuestras vidas cotidianas.
La Virgen de la Tosquera
Basada en los cuentos “Virgen de la Tosquera” y “El carrito”, la película de 2025 dirigida por Laura Casabé y escrita por Benjamín Naishtat, está protagonizada por Dolores Oliverio, Fernanda Echevarría y Luisa Merelas. Según RS Argentina, el film evidencia a Casabé como una de las voces más inquietantes del terror vernáculo.
“Este es el mar”
Mariana Enriquez figura como coautora de la letra de este cuartetazo de Alfonso Barbieri incluido en su disco Nubosidad bailable, construido como un collage de frases tomadas de la novela homónima que incluye en un mismo universo heavy metal, la Mona Jiménez, Pulp, porno californiano y estética Almodóvar.
Stephen King
La influencia germinal. El autor de It (1986) le enseñó que el terror moderno no habita en castillos lejanos, sino en la cotidianidad contemporánea: los pueblos costeros, la adolescencia, el matoneo escolar y el trauma colectivo. De él toma la construcción rica de personajes vulnerables y la fluidez para conectar la cultura pop con el horror.
Beloved
En esta novela, Toni Morrison utiliza la figura del fantasma y el horror sobrenatural no como una simple convención de género, sino como la única forma poética y visceral de narrar el trauma histórico, la esclavitud y las cicatrices del pasado. Mariana ha destacado su influencia en varias oportunidades.
Shirley Jackson
Es una de sus mayores tutoras en el arte del terror doméstico y la claustrofobia psicológica. Enriquez ha celebrado en reiteradas ocasiones cómo Jackson (La maldición de Hill House, Siempre hemos vivido en el castillo) logra que lo ominoso se filtre en la rutina familiar cotidiana, las casas victorianas y los pueblos pequeños.
Una charla con Rosalía
Rosalía y Mariana Enriquez grabaron un especial para Spotify en el emblemático bar Los Galgos de Buenos Aires. Conversaron intensamente, respondieron el cuestionario Proust y reflexionaron sobre el arte, la obsesión y el deseo. Se viralizó la respuesta de Rosalía al ser consultada por su ideal en un hombre: “Que sea gay”.
“Perdida en el fuego”
Santiago Moraes compuso, para Los Espíritus, esta especie de bolero, en un punto intermedio entre Roberto Carlos y Babasónicos, inspirado en Las cosas que perdimos en el fuego.
Manic Street Preachers
Enriquez ha seguido a la banda galesa desde sus inicios en los años noventa, declarando que escucha incluso sus discos menos celebrados con fidelidad de fanática. Una de sus crónicas más célebres detalla su travesía a La Habana orientando sus pasos en sintonía con la banda y la misteriosa desaparición de su guitarrista, anécdota plasmada en Alguien camina sobre tu tumba, su libro de 2013.
Cumbres borrascosas
El romanticismo sombrío y el gótico clásico de esta novela clásica que Emily Brontë publicó en 1847 están en el ADN de sus historias. De ahí proviene su fascinación por las pasiones enfermizas, los paisajes desolados, las maldiciones familiares que atraviesan generaciones y las dinámicas de dominación y deseo.
Possession
Enriquez tiene debilidad por el film que Andrzej Żuławski dirigió en 1981. Le fascina por llevar el drama conyugal al límite de la locura, el body horror y la histeria grotesca, con una actuación desbocada de Isabelle Adjani que encarna perfectamente el descontrol de la psique humana.
Otra vuelta de tuerca
“La traducción de la colección Mis Libros, de Hyspamérica, de Otra vuelta de tuerca, de Henry James, es la mejor de todas las que leí”, señaló en su libro Archipiélago (Ampersand, 2025), evocando sus lecturas de la infancia.
Nick Cave
El maestro de la narrativa macabra, las murder ballads, el gótico sureño y la imaginería religiosa teñida de culpa y redención. La influencia de sus letras y su atmósfera sombría se perciben directamente en el tono bíblico y oscuro de novelas como Nuestra parte de noche.
La ciénaga
Enriquez ha señalado a Lucrecia Martel como uno de sus principales referentes dentro del cine argentino. Esta película de 2001 ostenta un clima opresivo fruto del calor agobiante y retrata la descomposición de la burguesía provincial, los accidentes domésticos y lo siniestro que late debajo de lo cotidiano.
Alien, el octavo pasajero
Mariana suele recomendar (y citar) este clásico absoluto del cine de ciencia ficción y terror espacial. Le atrae la combinación perfecta entre el diseño orgánico/visceral del monstruo (a cargo de H.R. Giger), la claustrofobia industrial y el terror a lo desconocido.
Marttein
El fanatismo compartido por Suede unió los caminos de este artista veinteañero con Mariana, que recita en “Futurista” (Marttein, 2024) un texto que escribió Marttein. “Me encantó su puesta en escena, su despliegue visual y su sonido, bien Atari Teenage Riot. Me copó que tuviera en marcha un disco tan pensado y la ambición de hacer una película que indagaba en la noche, la ciudad y lo tóxico”, explicó.
La historia interminable
“Es complejo explicar la obra maestra de [Michael] Ende, pero leerla es muy fácil y es como un par de grilletes. No te deja soltarla, no te deja dormir”, dice Enriquez. “La historia interminable es, en mi vida, la explosión de las posibilidades y una especie de texto sagrado”.
Alejandra Pizarnik
“En años recientes, es la poesía la que me da alegrías. A diario. Investigar a Alejandra Pizarnik”, dice Enriquez, que en 2011 publicó el perfil biográfico “Alejandra Pizarnik, vestida de cenizas” en el libro colectivo Los malditos (2011), editado por Leila Guerriero. El texto explora la vida, la obra, los terrores nocturnos, la vulnerabilidad y el mito oscuro de la gran poeta argentina.
David Bowie
El Duque Blanco representa el mito de la metamorfosis, el ocultismo, la androginia y la teatralidad del artista. Enriquez ha explorado ampliamente cómo Bowie transformó el cuerpo y la identidad en una obra de arte viva.
Juan Forn
Una profunda amistad y un cruce generacional clave en la literatura argentina contemporánea. Forn, desde su rol de editor en Página/12 y Emecé, fue uno de los padrinos literarios, impulsores y lectores entusiastas de la obra de Enriquez.
Bajar es lo peor
Esta novela marca el debut de Enriquez, escrita cuando tenía apenas 21 años. Ambientada en una Buenos Aires oscura y marginal, narra la historia de un triángulo de jóvenes (Facundo, Carolina y Narval) atrapados en una atmósfera de rock, excesos, nocturnidad y desesperanza adolescente. Se convirtió en una obra de culto de la literatura contestataria argentina.
David Lynch
Aunque abarca la obra completa de Lynch por esa capacidad surrealista de generar pesadillas y extrañamiento, Twin Peaks: Fire Walk with Me, la película precuela sobre Laura Palmer, es una de sus debilidades. Enriquez celebra cómo aborda el trauma, el duelo y el horror que se esconde detrás de las fachadas cotidianas.
Los peligros de fumar en la cama
Un magistral recorrido por el terror contemporáneo ambientado en el conurbano y Buenos Aires. Doce relatos perturbadores en los que Enriquez indaga en los miedos cotidianos, los fantasmas de la historia argentina, la culpa y la descomposición social, donde lo siniestro acecha siempre a la vuelta de la esquina.
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BLACKPINK‘s Lisa comes out swinging on her hard-charging single “SaWaDiKa.” And if you’re not convinced that her return to rap is complete, just check out the first, shouted lines of the song whose title translates into “hello” in Thai, because Lisa is cordially inviting you to bask in her badness.
“Hello Sawadika/ Yeah you know my wrist is cold/ Got this timepiece from Geneva/ If you know it then you know,” she raps at the top of the high-fashion, action-heavy video for the song, which dropped on Friday (Sept. 4) and was shot in the singer’s native Bangkok, Thailand. And, just in case you missed the ice-cold message, there’s one more thing on her mind: “I’m that b–ch on your TV/ And my Ferrari indigo/ La la lisa la diva/ Sawadika there she go.”
The video for the spare, bass-heavy song produced by Thom Bridges (KATSEYE, John Summit) is like an entire Paris fashion week in three minutes, from the black feathered catsuit in the first shot to a spangly, space-age burgundy two-piece with matching, jewel-dripping headphones the K-pop superstar sports as she slinks sideways down a street at night amid her crew of black-clad dancers in the clip directed by Bang Jae Yeob (Stray Kids, Aespa).
She’s in full Las Vegas showgirl mode with a towering black feather headdress soon enough for a rooftop dance shot, then glowing like a futuristic TRON character in a neon blue bikini with matching hair in an underground tunnel and action-ready in a red leather bodysuit with boxing shorts that feature the song’s title in rhinestones across the waist in a bit inspired by Muay Thai boxing.
The punchy song is the first taste of Lisa’s upcoming Press Play EP, which will drop on Oct. 23.
According to Lifestyle Asia, the visual is a tour of Thai landmarks, including stops at the Hua Lamphong railway station, the former central passenger terminal in Bangkok, the Soi Charoen Khet 1 neighborhood and Dib Bangkok, the sleek, contemporary art museum that opened last year.
The single is the first solo effort from the singer/rapper/actress this year, following on the heels of her FIFA World Cup 2026 anthem “Goals” with Anitta and Rema. In addition to an upcoming documentary, Always Lalisa (Oct. 12), Lisa is gearing up for her Viva La Lisa Residency in Las Vegas at the Colosseum at Caesars Palace on Nov. 13, 14, 27 and 28.
Check out the “SaWaDiKa” video below.
And with a click, JISOO is back.
The BLACKPINK star launches the next chapter of her solo career with “CLICK,” a tasty pop treat that’s accompanied with a futuristic music video.
Joseph Kahn (Taylor Swift, Britney Spears, Eminem) directs the cinematic clip, which follows the eternal existence of a cyborg JISOO, left behind in a deserted old theme park. There’s no life to be found in this forsaken place. Not in the human form, anyway.
Our lonely hero brightens her endless day when she activates some robot buddies, including some characters who could’ve lived a past life at a Chuck E Cheese restaurant. A twinkle toed humanoid suitor shows up, dressed to impressed. They were made to click.
Kahn and JISOO take this barren sad world, and convert it to light, with life, movement and friendship, its storytelling recalling Wall-E, Stephen Spielberg’s AI and J.F. Sebastian’s workshop in Blade Runner. At its heart is the CLICK Bear, who represents the presence of JISOO’s fans who come from different countries, speak different languages and live different lives.
It’s been non-stop for the South Korean pop superstar, who teased her new solo chapter last year with “EYES CLOSED,” a collaboration with ex-One Direction star Zayn. The single reached No. 72 on the Billboard Hot 100. With that feat, BLACKPINK became the first girl group to have every member enter the Hot 100 as a solo artist.
BLACKPINK released the DEADLINE EP in February of this year, after completing the group’s Deadline World Tour. DEADLINE opened at No. 8 on the Billboard 200, and marked their first major music release since they hit No. 1 on the all-genres albums tally in 2022 with Born Pink.
“CLICK” follows JISOO’s 2025 debut mini album, AMORTAGE, which included “earthquake” and “Your Love.”
JISOO began her solo journey two years earlier, in 2023, with the release of her debut EP, ME, which became the first album by a female solo artist in South Korea to surpass one million sales. Its single, “꽃(FLOWER),” powered to No. 2 on the Billboard Global 200 in April of that year, and No. 1 on the Global Excl. US chart.
Watch the music video for “CLICK” below.
Alex Warren‘s Wildchild is a menace on the Australian albums chart, where it opens its account at No. 1.
The week’s best-seller on vinyl, Wildchild is the followup to Warren’s debut collection You’ll Be Alright, Kid, which peaked at No. 2 last year and lifts 11-5 on the latest ARIA Chart, published late Friday, Sept. 4.
You’ll Be Alright, Kid housed Warren’s hit “Ordinary,” which led the ARIA Top 100 Singles Chart for the year 2025. “Ordinary” currently sits at No. 4 on the national singles survey. The Californian singer and songwriter is currently in these parts for the Australasian leg of his Finding Family on the Road World Tour 2026, presented by Frontier Touring.
Venerated Australian songsmith Paul Kelly returns to the ARIA Chart with Seventy, which bounces to No. 2 off the back of a deluxe edition. The album opened and peaked at No. 2 last November, becoming Kelly’s 14th top 10 album. The winner of 16 career ARIA Awards, Kelly was inducted into the ARIA Hall of Fame in 1997; received the prestigious Ted Albert Award for Outstanding Services to Australian Music at the 2011 APRA Music Awards; and was appointed an Officer of the Order of Australia (AO) in the 2017 Australia Day Honours. Kelly was a keynote speaker Tuesday (Sept. 1) at the 2026 BIGSOUND conference in Brisbane.
Veteran U.S. heavyweights Mastodon roar onto the ARIA Chart with Marrow Deep, their ninth studio album. It’s new at No. 6, for the rockers’ third top 10 appearance after Once More ‘Round The Sun (No. 3 in 2014) and Emperor Of Sand (No. 7 in 2017).
Close behind is Victorian metalcore band Ocean Sleeper with Peace When I’m Dead, their second studio album. It’s new at No. 7 for their first ARIA Chart appearance.
Homegrown country sweethearts Brooke McClymont and Adam Eckersley make a show at No. 12 with Souls On Show, their third album together. The happy couple reached No. 16 with Adam & Brooke (2018) and No. 26 with Up, Down & Sideways (from 2023). As a member of the McClymonts, Brooke won two ARIA Awards and bagged six top 40 albums, according to ARIA.
Meanwhile, Brisbane-born artist Jem Cassar-Daley cracks the top 20 with her debut studio album, Tattoos Used To Come Off In The Pool. It’s new at No. 18. Cassar-Daley, the daughter of Aussie country great Troy Cassar-Daley and local TV personality Laurel Edwards, performed several showcases this week during the BIGSOUND nighttime program.
Over on the ARIA Singles Chart, Ella Langley lassos her 12th non-consecutive week at No. 1 with “Choosin’ Texas.”
Finally, the late Queen of Country, Dolly Parton, completes a rare podium sweep on ARIA’s On Replay Singles Chart, which ranks tracks that were released two or more years ago. Parton is at No. 1 with “9 to 5,” at No. 2 with “Jolene,” and her Kenny Rogers duet “Islands In The Stream,” written by ARIA Hall of Fame inductees Bee Gees, is at No. 3.
Australia’s prime minister Anthony Albanese was one of the many fans who paid tribute to Dolly, who died Aug. 25 at the age of 80.
Billboard’s Friday Music Guide serves as a handy guide to New Music Friday’s most essential releases each week — the key music that everyone will be talking about today, and that will be dominating playlists this weekend and beyond.
Last week, we featured Olivia Rodrigo, Alex Warren, JENNIE and more.
This week, Miley begins her new era as a mononym with the lead single of her forthcoming album; Beyoncé celebrates the 20th anniversary of B’Day with an expanded 27-track edition (plus B-sides and Spanish-language versions of her songs); and ADÉLA shares her debut album PRIMA… plus much more. Check out all of this week’s picks below:
Miley, “Bass Persuades”
Days after announcing her 10th studio album (and first on new label home Atlantic), Miley — yes, just Miley now — dropped its title track and lead single, “Bass Persuades.” The synthy bass-bumping track is a hypnotic dance-pop song about how “the kids don’t wanna dance” while simultaneously showing them how it’s done. Here, Miley is not only sharing wisdom like the icon she is (“Glued your eyes to the telephone screen…Just look out the window and what do you see?”) but she’s also subtly nodding to that icon status by referencing, well, herself with the line “chaos is king, but you know that you can’t stop, won’t stop.” If a song this catchy (paired with a video that is arguably inspired by Michael Jackson’s “Thriller” dance sequence) doesn’t make the kids wanna dance… well, then that’s on them. — LYNDSEY HAVENS
Beyoncé, “CAN I WATCH YOU (feat. Pharrell)”
To celebrate the 20th anniversary of her knockout second album, B’Day, Beyoncé treated fans to an expanded edition that includes previously-unreleased bonus tracks, and also tacks on “Morning Dew (Donk)” that she surprise dropped on July 4. Of the new material, there’s only two features: Jay-Z on “Welcome to Hollywood” and Pharrell on “Can I Watch You.” The latter is a sultry, R&B-infused indie-rock song on which the question posed in its title is repeatedly answered with a whispered “yes.” — L.H.
ADÉLA, PRIMA
Fast-rising pop artist ADÉLA drops her debut album PRIMA, led by focus single “Nicole Kidman.” The downtempo song opens with a beat that resembles “Bound 2” by Ye, and it lingers in the background until the outro gives it some shine back. Previously-released singles include “KGB,” “Red Bottoms” and “Ain’t In LA,” which earned the Slovakia-born artist her first Billboard Hot 100 entry in August. Read Billboard‘s tracks ranked here, in which Kyle Denis calls PRIMA “one of the most concise, clear-eyed debut pop albums in recent memory.” — L.H.
Medium Build, “It’s Not Easy (Falling In Love)”
On his new album, King Of Having Fun, Medium Build digs deep for what is his sharpest album to date; He really had no choice, after hitting rock bottom following the release of his 2024 album Country. Now in a much better headspace, the artist tells Billboard his latest full-length was made “after getting all the dreams, realizing they don’t satisfy, and then burning out, taking a break, getting sober, getting on meds, changing my life, deciding I do want to live, and I don’t care if music is my life.” Turns out, caring less sounds really great. — L.H.
Ellie Goulding, “For You Entertainment”
“For Your Entertainment” is perhaps the song that best proves the title of Ellie Goulding’s sixth album, I Know Too Much, to be true. Having released her debut single 17 years ago, Goulding has surely learned a lot over the years — and “Entertainment” is her own version of a song like Taylor Swift’s “Mirrorball.” While differently sonically, the two songs tread similar lyrical ground, pulling inspiration from the toll of performing. As Goulding sings with stark honesty: “I’ll be posing all and smiling/ My eyes are like a waterfall, whеn you look away/ Can you see how hard I’m trying just to give it all?” — L.H.
Mau P, “Just A Little Bit More”
Mau P’s second track of 2026 is the slinky “Just A Little Bit More.” A staple of his sets over the last few months, the house production is essentially the Mau P take on ’90s R&B, with the soulful vocals — crisply recorded and deployed — giving the song a throwback feel while the rest of the production keeps it fresh and festive. (The whistles!) “Just A Little Bit More” is out on Interscope Records and drops just ahead of the Dutch producer’s set at ARC Music Festival in Chicago this weekend. — KATIE BAIN
Amelie Lens, Aura
A decade after her first official release, Amelie Lens releases her debut album, Aura. The 13-track project contains the same kind of sharp, throttling and often quite cerebral techno that’s made Lens one of the genre’s leading names, with highlights including the previously release Angèle collab “run” and the relentless “the energy is us.” Lens calls Aura “a moment I’ve been waiting for my whole career,” with the project landing before a set in her native Belgium this weekend and shows in Washington D.C., Denver and Los Angeles later this month. These shows precede another major project from Lens, with the artist due to give birth to her second child this winter. — K.B.
Malie Donn, The Golden Child
Malie Donn’s debut studio album is finally here. Billboard’s Caribbean Up-And-Comer of the Month for August first broke through with 2023’s “V6,” and now he’s dropped a sprawling 20-track set featuring contributions from fellow dancehall stars Byron Messia, Javo Donn, DJ Frass and Squash. From the inspirational, autobiographical title track to the sultry, aptly titled “Rated R,” The Golden Child spans the gamut of all the different sounds and themes Malie Donn does best. — KYLE DENIS
Johnny Venus, “Nightmares”
Johnny Venus, one-half of Grammy-nominated rap duo EARTHGANG, has shared the latest preview of his forthcoming debut solo studio album. Co-produced by Courtlin Jabrae and Poplord, “Nightmares” finds Venus delivering his signature disarming songwriting, zeroing in on the specific anxiety of dreading the loss of a cherished love. The 11th Hour can’t come soon enough! — K.D.
A one-off concert celebrating the remarkable career of John Farnham will get the big screen treatment.
As previously reported, Melbourne’s Rod Laver Arena will host The Songs Of John Farnham: A Living Legend The Celebration on Sunday, Sept. 20, featuring 120 artists and musicians, and raising funds for Head and Neck Cancer Australia.
The show was a rapid sell-out, organizers say. Now, show producers Cochrane Entertainment and TEG Dainty have struck a deal to broadcast the concert live into HOYTS’ national network of cinemas.
“This is an extraordinary event for Australian music, and the opportunity to take it beyond Rod Laver Arena and into cinemas across the country is unprecedented and incredibly exciting,” comments Paul Dainty, the legendary concert promoter who leads TEG Dainty.
Performers on the night will include Keith Urban, Tina Arena, Jimmy Barnes, Kate Ceberano, Ross Wilson, Human Nature, Richard Marx, Jessica Mauboy and Jon Stevens, with Farnham’s longtime musical director Chong Lim handling musical direction and arrangements. Celine Dion and Hugh Jackman will join in via a satellite feed.
Farnham personally invited each artist appearing at the show, and he has a record-breaking connection with the 15,000-capacity Rod Laver Arena. The veteran singer has performed at the Olympic Park venue on 94 occasions, doing so to more than 1 million total fans.
“The extraordinary response to this concert has shown just how deeply John Farnham’s music continues to resonate with Australians,” adds Cochrane Entertainment founder Tony Cochrane. “We wanted this celebration to be something truly special, and now, through HOYTS, we have the opportunity to share that experience with John’s fans right across Australia.”
With 1986’s Whispering Jack, Farnham engineered one of the all-time great comebacks, Released through Sony Music, the album spent 25 weeks at No. 1, en route to shifting more than one million copies, becoming the first domestic LP to do so. It remains the highest-selling album ever in Australia by a local talent.
Whispering Jack houses Farnham’s signature song, “You’re The Voice,” a top 10 hit in the United Kingdom, and, four decades on, the beloved unofficial anthem of Australia.
The legendary, ARIA Hall of Fame-inducted artist faced his toughest challenge yet in August 2022, when he underwent major surgery to remove a cancerous growth from his mouth. Since then, he has made only a handful of rare public appearances, and in 2024 October was heard for the first time in more than two years by way of an audiobook excerpt for his memoir.
Whispering Jack this year enjoys its 40th anniversary with an expanded edition pairing the original LP with the live recording, Whispering Jack Live In Concert, along with new, numbered vinyl and range of merchandise to mark the special occasion.
ADÉLA’s debut album, PRIMA, has officially arrived — and it’s one of the sleekest pop albums of the year.
Born and raised in Bratislava, the capital (and largest) city of Slovakia, ADÉLA entered the pop scene’s radar in 2023 when she participated in Dream Academy, HYBE and Geffen Records’ joint “global girl group” reality competition show. Though she moved to the United States the year prior, bringing along laser-focused pop ambition and dance training from both the Vienna State Ballet and the English National Ballet School, ADÉLA was one of the first contestants eliminated from what would eventually become KATSEYE.
In 2024, less than a month after the Billboard 200-topping group’s docuseries debuted on Netflix, ADÉLA made her debut with “Homewrecked,” a fiery dance-pop single that presented a gripping affair narrative and laid the foundation for her singular, outsider-breaking-in approach to pop self-mythology. “Superscar,” another early fan-favorite, followed soon after, with the announcement of her signing to Capitol Records and the release of her The Provocateur debut EP landing in 2025.
This year, ADÉLA has released a steady stream of conversation-building singles, while honing her bombastic, dance-driven stage show on the festival circuit and as a support act for Demi Lovato’s arena-filling It’s Not That Deep Tour. During her support set on Lovato’s trek, ADÉLA performed several songs that would eventually end up on PRIMA, including “Ain’t in LA,” the song that made her the first Slovak artist to reach the Billboard Hot 100 (No. 61). ADÉLA co-wrote each of PRIMA’s 11 tracks — alongside contributions from songwriters like Julia Michaels and Theron Thomas, and producers such as Blake Slatkin, Dylan Brady and The Dare — resulting in one of the most concise, clear-eyed debut pop albums in recent memory.
From the second “KGB” raucously kicks off the LP, ADÉLA announces herself as a hungry, at times headstrong and hedonistic pop star who revels in both cynicism and her innate underdog status. She’s a 22-year-old Slovak girl trying to make her American dream — global pop superstardom — a reality while holding on to the idiosyncrasies of her own culture in the face of one of the most domineering and pervasive aesthetics in the world. When she sings of “working the night shift to learn English” on “KGB,” she’s cultivating a touchpoint that connects virtually all immigrants (and their children), leaning into an approach to pop music that invites the listener to participate in her tireless grind, as opposed to forcing them to gawk from the very bottom of the ladder.
That style of pop songwriting is precisely why “Ain’t In LA” has become her ADÉLA’s breakthrough hit — and why the sparse, confessional, early Billie Eilish-esque “Therapy” is the LP’s most arresting track. As her Auto-Tune-drenched voice whisper-sings. “I wanna move my mom out her, but I don’t have that kinda money, so I/ Have to talk to the people that I have to talk to/ They are old white men, and they’re so annoying/ But they hold the keys to my future,” across a despondent piano line, ADÉLA taps into a level of frankness about navigating the music industry that only someone whose journey unfolded on a reality show can. Prima is a brisk listen that leaves quite a bit on the table — it is a debut effort, after all — but it breezes through a slew of vignettes that find her navigating the bitter, lonely end of romantic relationship (“Hitachi”), the fallout of her father’s extramarital affair (“Red Bottoms”) and maintaing control as a young woman in a business dominated by sleazy older men (“I’m the Man”).
Prima certainly houses songs that fail to elevate intriguing individual compositional elements into a complete, memorable record (“Fantasize”) and tracks that offer stale perspective on tried-and-true topics (“Boys”), but those relatively low points barely cast a shadow over the LP. In an era rife with pop singers who don’t really know exactly what they want to say or why they want to make music, ADÉLA has put the entire scene on notice with PRIMA. Vision is everything, and she has one of the most consistent, unique and enthralling ones in the game right now.
Here’s how Billboard ranks every track on PRIMA, ADÉLA’s debut studio album, from worst to best.
SYDNEY, Australia — Pill testing spaces will be a permanent fixture at music festivals in New South Wales, the most populated state in Australia, after a trial was found to reduce drug‑related harm.
The NSW government this week confirmed festival-goers would have access to free, anonymous drug testing services, which would roll out at up to 15 events statewide each year.
The Australian Festival Association welcomed the development, which follows a year-long trial. The AFA “has consistently advocated for better tools to reduce drug-related harm,” reads a statement, “and we’re proud to see years of advocacy result in meaningful change.”
This breakthrough for drugs testing on site is “a strong example of what can be achieved when government, industry and health experts work together with safety as the shared goal,” the AFA statement continues.
Through the initiative, trained forensic chemists will be on hand to test samples of pills, capsules, powders, crystals and liquids intended for consumption. The drugs will be analyzed right there, and the party-goer will be informed on the results, including the main components identified and, where possible, an indication of potency.
These are “life-saving services equipping festival goers with crucial information to make safer choices,” the AFA statement continues.
For those who want to dump their gear, amnesty bins will be made available.
Illicit drugs remain illegal in NSW, the state government insists, though personal details won’t be linked to samples, and phones or cameras are not used within the drug checking space to protect privacy.
The Minns Labor Government began music festival-based pill testing trial in early 2025, to clinically gauge its impact on risks and harms associated with the consumption of blackmarket drugs. Officials contracted the University of Sydney to independently evaluate the trial.
According to a statement, NSW Health will prioritize those trial-supporting fests where the service is “likely to have the greatest harm reduction impact.”
The rules only apply to NSW, but other states, territories and promoters across the country will watch this situation with interest.
Mobile drug checking was trialed in the Australian Capital Territory at Groovin’ the Moo festivals in 2018 and 2019. Then, Queensland’s drug checking services kicked in at selected festivals and two fixed sites from 2024, but were subsequently shut down when the incoming conversative government discontinued funding. A privately funded drug checking service was planned in Queensland but government legislation in September 2025 blocked it. Victoria’s first drug checking service started in December 2024 at key festivals, with an additional fixed-site service which opened in 2025.
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Premios Juventud made its European debut Thursday night (Sept. 3), bringing the youth-focused Latin music awards to the Starlite Auditorium in Marbella, Spain. The 23rd edition marked the first time the show had been staged outside the Americas, turning the Costa del Sol into a meeting point for Latin music’s biggest names and Spanish pop’s homegrown stars.
Under the theme “Conéctate al Vibe,” the ceremony capped the inaugural PJ Fest, a weeklong TelevisaUnivision initiative that stretched from Miami to Houston, Los Angeles and Marbella. The night also honored Antonio Banderas, Marc Anthony, Yandel and La Oreja de Van Gogh as Agents of Change, while early winners included Shakira and Burna Boy, whose World Cup song “Dai Dai” won OMG Collaboration, and Carín León and Alejandro Fernández, who won My Favorite Track for “Me Está Doliendo.”
But the historic setting was only part of the story. The stage delivered cross-generational, cross-Atlantic linkups at every turn: Farruko, Juan Magán and DJ Rous kicked off the festivities with “Marbella Nights,” the event’s new anthem, before Greeicy joined Farru onstage for their Latin Airplay No. 1 EDM collab “Yapaque,” also featuring Steve Aoki. Quevedo then celebrated his Canary Islands roots with Elvis Crespo and Las Cuatro during a medley of “Columbia,” “Al Golpito” and “La Graciosa.”
Elsewhere, a stacked roster including Ángela Aguilar, Camilo, Christian Nodal, Eladio Carrión, Elena Rose, Marc Anthony, Morat, Natanael Cano, Wisin, Xavi and Yandel showcased the breadth of Latin music on one international stage. Check out the full winner’s list here.
From reggaetón reimagined with orchestral flourish to nostalgia-fueled Spanish pop and arena-ready salsa, these were the five performances that made Premios Juventud’s first trip to Europe count.