UMG y Apple Corps Ltd. anunciaron el lanzamiento de una edición especial ampliada de Rubber Soul, el álbum de 1965 de The Beatles, cuyo lanzamiento está previsto para el 2 de octubre. La reedición presenta el disco con una nueva mezcla estéreo y en Dolby Atmos, junto con la mezcla mono original y la versión […]
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El DJ y productor francés Kavinsky murió a los 50 años. El artista, cuyo nombre real era Vincent Belorgey, fue encontrado sin vida en su domicilio de París, según informó este miércoles la cadena BFMTV. La Fiscalía de París confirmó al mismo medio que inició una investigación para determinar las causas del deceso. Tras conocerse […]
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En pocas semanas abrirá sus puertas en Los Ángeles el Museo Lucas, un espacio dedicado al arte y al cine de George Lucas en particular. Este proyecto nació como una iniciativa del propio cineasta y su esposa, Mellody Hobson, y podrá visitarse a partir del 22 de septiembre. Allí se albergarán más de 1300 objetos […]
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Un gran inventario de propiedad intelectual corporativa conlleva una gran responsabilidad, y Spider-Man: Brand New Day tiene mucho peso sobre sus hombros vestidos de azul y rojo. Viene tras una película del Trepamuros, Spider-Man: No Way Home (2019), que fue un punto álgido de la franquicia, pero que dejó a nuestro amigable vecino y a la narrativa en un lugar extraño (borrados de memoria, MJ anhelando, el multiverso y blá, blá, blá). Tiene que preparar el terreno para la próxima gran apuesta del Universo Cinematográfico de Marvel, la masiva Avengers: Doomsday. Y necesita recordarle a la gente por qué se enamoró inicialmente del gran experimento narrativo del UCM tras varios años de fatiga de superhéroes, sobreexplotación de la marca y demasiados tiros por la culata, además de garantizar la estabilidad financiera de no uno, sino dos estudios propiedad de grandes conglomerados.
Hay algunas otras cosas en la lista de tareas pendientes de Brand New Day, en las cuales no podemos profundizar por razones relacionadas con spoilers, giros de guion y el típico alboroto de sorpresas para complacer a los fans. Lo que sí podemos decir es que todo este ajetreo maníaco, todos los cameos e interreferencias entre franquicias, todos los momentos de contacto humano metidos con calzador y los intentos de conexión emocional entre escena y escena de gran impacto y explosiones no le hacen ningún favor a esta cuarta entrega de Spidey. La película no deja de enredarse en una complicada telaraña creada por ella misma, una que resulta demasiado familiar tras varias décadas de cine de superhéroes consumiendo todo el oxígeno cultural. Llamar a esto Brand New Day (Un nuevo día) parece una broma cósmica. Es la misma tontería de siempre del UCM, saliendo del paso gracias al considerable encanto de sus dos estrellas principales y a un legado de buena voluntad. No hay absolutamente nada nuevo aquí.
Bueno, hay una cosa nueva, pero de nuevo, el decoro impide una discusión abierta sobre un elemento crucial. Antes de que eso lo vuelva todo un caos, podemos colternos por Nueva York con Peter Parker (Tom Holland, haciendo una vez más un gran esfuerzo tanto literal como figurado) y ver cómo una compilación de famosas portadas y páginas dobles de cómics cobran vida ante nuestros ojos. Todo el mundo vive en un estado de amnesia colectiva posterior a No Way Home sobre la verdadera identidad de Spider-Man, lo que le permite llevar una vida de lucha contra el crimen a tiempo completo. Pero también significa que su verdadero amor, MJ (Zendaya), y su mejor amigo, Ned (Jacob Batalon), ya no lo conocen. Esto deja a Parker en un estado de melancolía perpetua cuando no está, por ejemplo, hablando de trabajo con una detectiva de policía llamada DeWolff (Liza Colón-Zayas, de The Bear) o evitando que Scorpion (Michael Mando, de Better Call Saul) cause el caos. Todavía lee continuamente la nota que le escribió a MJ pero que nunca le dio, explicándole cómo alguna vez fueron inseparables. Todavía conserva el vaso de café de papel que le dio su alma gemela en una tienda de donuts.
Sin embargo, están ocurriendo algunos sucesos extraños —con «e» minúscula, no «Extraño» con «E» mayúscula— tanto alrededor como dentro de Spider-Man que son motivo de seria preocupación. Parece estar ocurriendo algún tipo de mutación que implica que la cantidad de hormonas arácnidas en el torrente sanguíneo de Parker se dispare a niveles peligrosos. Los síntomas incluyen migrañas, espasmos musculares, ojos volviéndose completamente negros y una furia tóxica hipermasculina. «La araña está intentando comerse al hombre», dice un personaje, y si Parker no encuentra una manera de inhibir a este «monstruo» interior, corre el riesgo de convertirse en su peor versión posible. Incluso Bruce Banner (Mark Ruffalo), un tipo que ha hecho grandes esfuerzos para controlar su propio id desbocado, está bastante preocupado.
Más preocupante aún es una serie de robos centrados en el Departamento de Control de Daños, una instalación gubernamental dedicada a contener y controlar eventos de súper-humanos, dirigida por un burócrata llamado Metzger. Es interpretado por Tramell Tillman, en lo que solo puede describirse como un gran acierto de casting . El actor se ganó el reconocimiento del público gracias a perfeccionar una mezcla de falsa amabilidad y oscurantismo corporativo en Severance, y esa combinación se aprovecha extremadamente bien aquí. Alguien o algo sigue intentando irrumpir en el edificio con aspecto de fortaleza para encontrar algo. El término «V-Max» no deja de repetirse. A veces hackean los archivos de datos; otras veces se apoderan de un tanque y atraviesan las paredes.
Lo que es verdaderamente inquietante, sin embargo, es que quienquiera que esté cometiendo estos delitos tiene la capacidad de controlar mentes. Peor aún: puede saltar de cerebro en cerebro, como si estuviera brincando de una plataforma a otra. Cue: un montón de escenas de transeúntes aleatorios que de repente sufren convulsiones, sonríen maníacamente y se burlan de Spidey por su incapacidad para atrapar a quienquiera que los esté poseyendo. La identidad del culpable es un misterio. Todo lo que Spider-Man sabe es que necesita detener a esta persona o personas antes de que vayan tras MJ o, ya sabes, destruyan todo Nueva York en un intento por derribar al departamento.
Hubo una serie de cómics entre los años 70 y mediados de los 80 conocida como Marvel Team-Up, que reunía a Spider-Man con un nuevo compañero superhéroe en cada número. Es difícil no pensar en Spider-Man: Brand New Day como la versión cinematográfica de esa serie, dada la cantidad de otros personajes de Marvel que aparecen y comparten muchísimo tiempo en pantalla con el héroe. O, al menos, preguntarse si el director Destin Daniel Cretton (Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos) y los guionistas Chris McKenna y Erik Sommers cortaron un montón de números de Team-Up, graparon páginas al azar y lo llamaron guion de rodaje. Aquí está Spidey y Hulk. Aquí está Spidey y el Punisher (Jon Bernthal, desaprovechado). Aquí está Spidey y [X]. Aquí está Spidey y [XX]. Spider-Man no solo está en peligro constante debido a la degradación de su ADN y a la lucha contra un villano desconocido, sino que también corre el riesgo de ser reducido a un actor secundario en su propia película.
Dado que gran parte de la acción se reduce a ese peculiar espectáculo de CGI del siglo XXI que de alguna manera se siente a la vez demasiado caro y demasiado cutre, y cómo las numerosas escenas de balanceo de redes parecen más que nunca secuencias de juego pregrabadas de un videojuego —incluso hay cambios ocasionales a tomas en perspectiva de juego de disparos en primera persona—, sentís alivio cuando Brand New Day baja el ritmo para dejar que Holland y Zendaya compartan escenas. Sí, las excusas utilizadas para conseguir finalmente ponerlos en el mismo encuadre van desde lo forzado hasta el “no me jodas”. Sin embargo, cuando logran interactuar, recordás por qué esa relación ha sido la columna vertebral de estas películas. Holland, en particular, ha madurado muy bien en términos de personaje y al expresar la carga que conlleva perderlo todo por hacer lo correcto. El dolor tras el sacrificio de Spidey después del borrado de memoria de la película anterior es el latido de esta, que ocasionalmente se puede escuchar por encima del estruendo.
Y por el amor de Steve Ditko, hay muchísimo estruendo en Brand New Day. Gente famosa se deja caer para soltar grandes parrafadas explicativas. Marisa Tomei adorna unos cuantos flashbacks espectrales. La película se adhiere a la regla de “Los Ninjas de Chéjov”, donde si pones a unos asesinos mortales conocidos como La Mano sobre la repisa en el Primer Acto, más vale que se disparen en el Tercer Acto. Quizás notaste que Sadie Sink figura en la página de IMDb de la película. Podemos confirmar que la estrella de Stranger Things está en la película, y creemos que eso es todo lo que podemos decir legalmente al respecto. El gran giro final apesta cínicamente no solo a fan service, sino a un burdo montaje de escenario, como si toda esta aventura de Spidey fuera simplemente un relleno de tiempo entre migajas para nerds y proyectos más grandes, repletos de estrellas y cruzados entre franquicias. El presente es un prólogo al 100 por ciento aquí. La etiqueta obligatoria posterior a los créditos no podría sentirse más gratuita o inútil. El aviso «Spider-Man regresará» —¡oh, ¿tú crees?!— nunca ha parecido menos una promesa vaga y más una amenaza.
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En tiempos oscuros, de incertidumbre y conmoción, conviene recordar que aún existe espacio para la paz y el amor. Y aunque el mundo esté lleno de idiomas, hay uno que todos entendemos y sentimos de una forma casi imposible de explicar: la música. Ese lenguaje universal nos regala momentos mágicos y sublimes, especialmente cuando se acompaña de un mensaje que resuenan con lo más profundo de nosotros. Hecho En Tiempos De Paz, de Viva Suecia, es una prueba de ello: un álbum que se convierte en refugio y en un lugar donde la serenidad todavía es posible.
Lanzado en 2025, este álbum reúne 11 canciones que condensan emoción, luminosidad y la energía que caracteriza el poderoso sonido en directo de Viva Suecia. A través de estas composiciones, la banda no solo consuela e inspira, sino que reafirma el poder de la música para trascender fronteras, convirtiendo a Hecho En Tiempos De Paz en una obra que merece ser revisitada.
Desde su irrupción en la escena alternativa española, la agrupación ha demostrado una identidad sólida y una sensibilidad artística que la han consolidado como uno de los referentes más importantes del rock en español contemporáneo. En este, su quinto álbum de estudio, exploran experiencias personales, los vínculos humanos y la búsqueda de calma y esperanza en un mundo marcado por la incertidumbre y las constantes preguntas sobre el futuro.
Rafa Val, Alberto Cantúa, Jess Fabric y Fernando Campillo encontraron en Hecho En Tiempos De Paz una nueva dimensión emocional y musical. Sin renunciar a su identidad —marcada por guitarras intensas, letras cargadas de sensibilidad y la energía de sus presentaciones en vivo—, la banda logra llevar su propuesta un paso más allá. Este álbum refleja una evolución tanto artística como personal al abordar uno de los temas más presentes de nuestro tiempo: la búsqueda de paz en medio del caos. Con una producción limpia, luminosa y repleta de matices, el resultado es un trabajo tan íntimo como expansivo, capaz de transitar entre la calma, la rabia, la melancolía, la celebración y la esperanza.
Cada persona encuentra refugio de una manera distinta cuando la vida se vuelve compleja. Viva Suecia comparte el suyo a través de una canción, una amistad, una relación, un recuerdo o la experiencia colectiva de un concierto. Más que un álbum, Hecho En Tiempos De Paz es una celebración de las vivencias que han marcado a sus integrantes y una invitación a reconocer que la serenidad también nace de enfrentar el caos que la precede. En estas 11 canciones, la música se convierte en una luz que guía el camino de regreso cuando todo parece incierto.
“Hecho En Tiempos De Paz es el título de nuestro nuevo trabajo y el deseo urgente de que el mundo cambie. Paz es lo que sientes cuando haces aquello que te apasiona” – Viva Suecia.
El primer adelanto de esta producción fue ‘Dolor y gloria’, una canción que marcó el tono emocional de esta nueva etapa de Viva Suecia con una carga evocadora e introspectiva. Más adelante llegó ‘Deja encendida una luz’, una pieza breve, directa y contundente que habla de la importancia de conservar un punto de referencia cuando todo parece derrumbarse.
A estos sencillos se sumó ‘Sangre’, una colaboración con la banda española Siloé que refuerza el espíritu colectivo del álbum y la complicidad entre dos de los proyectos más destacados de la escena alternativa española. Finalmente, ‘Melancolía’, junto a Samuraï, cierra el disco con una mirada íntima sobre la vulnerabilidad, la compañía y el refugio que encontramos en los demás. Con estos lanzamientos, Viva Suecia anticipó un álbum en el que el rock convive con la emoción y la constante búsqueda de un lugar donde sentirse a salvo.
A lo largo de Hecho En Tiempos De Paz, Viva Suecia deja testimonio de lo que significa sentir, resistir y seguir adelante. En conjunto, el álbum construye un refugio simbólico donde es posible detenerse, respirar y encontrar la serenidad interior. Rockero, luminoso y por momentos bailable, el disco está pensado tanto para la intimidad de una escucha personal como para cobrar una nueva dimensión sobre el escenario, donde cada canción se transforma en una celebración compartida.
La agrupación, con este disco, nos deja una enseñanza para mantenerse en continua reflexión: quizá la música no pueda cambiar el mundo por sí solo, pero sí puede acompañarnos mientras intentamos hacerlo.
Recuerda aquí Hecho En Tiempos De Paz:
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Kavinsky, el DJ y productor francés de música house —cuyas colaboraciones con The Weeknd y Phoenix fueron éxitos mundiales y cuyo tema «Nightcall» aportó una estética elegante y distante a la película Drive—, fue hallado sin vida en su domicilio de París el martes por la tarde, según informó Reuters. El músico, cuyo nombre real era Vincent Belorgey, tenía 50 años.
«Se ha abierto una investigación para determinar las causas y circunstancias del fallecimiento, ya que los equipos de emergencia no hallaron elementos sospechosos en el lugar de los hechos», declaró la Fiscalía de París.
El presidente francés, Emmanuel Macron, rindió homenaje a Kavinsky en las redes sociales con el mensaje: «Kavinsky, orgullo francés para siempre». Por su parte, la ministra de Cultura de Francia, Catherine Pégard, calificó al artista en redes sociales como «una de las voces más singulares del país», añadiendo: «Su música seguirá resonando a través de generaciones y fronteras».
Kavinsky, nacido en Seine-Saint-Denis en 1975, comenzó su trayectoria profesional en el mundo de la actuación. Según Allmusic, se adentró en la música inspirándose en los videojuegos de 16 bits, el house francés y las bandas sonoras de estilo synthwave. Sus inicios musicales se fraguaron gracias a un ordenador Apple desechado —que le regaló el productor Mr. Oizo y que ya incluía el software necesario— y a través del cual empezó a experimentar. Creó el personaje de Kavinsky, dotándolo de una historia de fondo ficticia: el personaje había sufrido un accidente con su Testarossa en 1986 y había resucitado dos décadas más tarde convertido en zombi para dedicarse a la música. Su primer lanzamiento, 1986, se grabó íntegramente utilizando un sintetizador clásico Yamaha DX7.
«Kavinsky es un personaje que creé porque poner mi propia cara en la portada de un disco no es algo que encaje conmigo», declaró en 2007. «Mostrar mi rostro no me interesa en absoluto. Prefiero hacer música y contar una historia, ya que para mí la música está ligada a las imágenes. Cuando compongo, visualizo películas y programas de televisión que me gustaban de pequeño. Por eso ideé esta historia que mezcla todos esos recuerdos».
Aunque había publicado varios EP y sencillos desde 2006 e incluso había salido de gira con Daft Punk, no alcanzó la fama masiva hasta que la película Drive (2011) —protagonizada por Ryan Gosling en el papel de un especialista de cine reconvertido en conductor de fugas— catapultó al éxito el tema «Nightcall». El sencillo se situó entre los diez primeros puestos de las listas en Francia, donde obtuvo la certificación de disco de diamante, y se convirtió en un éxito del pop comercial en el Reino Unido, donde fue certificado como disco de oro.
La canción «Nightcall» tenía su propia historia de fondo. «Un tipo zombi tiene novia antes de morir y ella es la única persona que lo conocía de antes», explicó en 2011. «”Nightcall” trata simplemente de ese zombi que va a casa de su novia y le dice: “Vale, ya no soy el mismo, tenemos que hablar”. Pero ella ya tiene un nuevo novio e hijos; su vida ha cambiado y ya no quiere vivir con él porque tiene un aspecto jodidamente malo. Es decir, es… uf, feo, muy feo, y como está muerto, se siente melancólico. El tipo siente remordimientos e intenta ser un buen hombre, pero no puede porque está muerto y tiene un aspecto terrible».
El primer álbum de larga duración de Kavinsky, OutRun (2013) —que incluía «Nightcall»—, le reportó mayor éxito en Estados Unidos, donde alcanzó el puesto 156 de la lista Billboard 200 y el quinto lugar en la lista de música dance. El sencillo de 2013 «Odd Look», que inicialmente contaba con la colaboración de SebastiAn, fue un éxito en Francia, mientras que otra versión de la canción junto a The Weeknd llegó al puesto 46 de la lista de música dance estadounidense. Varias canciones de Kavinsky también tuvieron una segunda vida gracias a las bandas sonoras de videojuegos.
Una reedición de «Nightcall» en 2024, que contó con la participación de Phoenix y Angèle, coincidió con la actuación de Kavinsky junto a dichos artistas en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París de ese mismo año. Rolling Stone clasificó la actuación general de Phoenix como la octava mejor actuación musical de la historia de los Juegos Olímpicos.
Su objetivo, desde el principio, era simplemente que la gente se divirtiera escuchando su música. «Creo que ya hay demasiada gente que se toma su música demasiado en serio», dijo en la entrevista de 2007. «No va con mi naturaleza ser una persona seria; no soy así en mi vida cotidiana, así que me sentiría mal presentándome ante el público como un artista serio. No sería auténtico».
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A casi dos meses de la partida del Indio Solari, se inaugura Graciosos y valientes, una muestra colectiva de fotografías de grandes dimensiones que retratan la despedida al cantante de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en la galería a cielo abierto de la Plaza Ucrania, Av. Belgrano y Arenales, en la ciudad de Avellaneda. La cita es este miércoles, 29 de julio, a las 16.30.
La exposición consta de 24 fotografías que permiten observar las microhistorias por detras de la apabullante muestra de cariño que generó el funeral, uno de los más convocantes en la historia argentina.
La curaduría tuvio dos premisas claras: que los autores fueran fotógrafos locales [de Avellaneda] y que las imágenes hubieran sido tomadas exclusivamente durante el día de la despedida del Indio, a excepción de la foto de portada, del reconocido Fabián Resakka, que es una instantánea del cantante sobre el escenario. Los fotógrafos involucrados son Yulian Martínez, Leo Patti, Nicolás Rubinetti, las tomas aéreas del dron de Luciano Espósito y Lucio Saralegui, junto a aportes de fotógrafos del Instituto Municipal de Arte Fotográfico y Técnicas Audiovisuales (IMDafta).
“La muestra surge por iniciativa de los propios fotógrafos del municipio —nuestro cuerpo oficial que retrata la gestión de nuestra actual intendenta, ex jefa de gabinete, Magdalena Sierra—. Tras haber cubierto este hecho histórico, los compañeros se acercaron con la inquietud de hacer algo con el excelente material fotográfico que tenían. A partir de allí, se nos ocurrió renovar la propuesta de la Plaza Ucrania” explica Iñaki Echeverria, Subsecretario de Estrategia y Planificación Comunicacional de la Municipalidad de Avellaneda. “Elegimos ese lugar porque contamos con una galería de arte a cielo abierto ya existente: una estructura de 13 carteles bifaz retroiluminados que nos brinda 26 posiciones de exhibición. Lo que hicimos fue poner en valor esa cartelería, reacondicionar la iluminación, repintar las estructuras y arreglar el aluminio para montar la exposición sobre ese soporte”.
Echeverría destaca el caracter colectivo del proyecto. “Imprimimos las copias pequeñas sobre una mesa y, junto a la diseñadora Tania Sitkov —quien se encargó del retoque de color y de unificar el criterio estético—, fuimos curando y debatiendo la selección. Así armamos un relato visual muy enfocado en la gente y en el público, sumado a algunas postales del interior del predio”.
Echeverría suena exultante: “Para el municipio fue un verdadero orgullo haber sido sede y parte de la organización de la despedida del Indio, en un trabajo conjunto entre el Ministerio de Seguridad de la Provincia de Buenos Aires y la productora contratada. Haber albergado semejante hito histórico solo se puede definir con esa palabra: orgullo”, celebra. “Pero además, es una satisfacción enorme que todo haya salido impecable, frente a todos los pronósticos derrotistas y cargados de mitos o resentimiento que auguraban que esto iba a salir mal, que no se podía organizar o que el público ricotero era conflictivo. Ocurrió todo lo contrario: fue una auténtica misa familiar, pacífica y con un respeto absoluto por la ciudad y entre la misma gente, que tuvo la paciencia infinita de hacer horas de cola, incluso bajo la lluvia. Fue una demostración concreta de que, cuando nos organizamos, se pueden gestionar eventos de millones de personas y hacer las cosas bien”, desarrolla el funcionario.
El texto curatorial señala: “Estas imágenes no pretenden documentar un hecho aislado,sino rastrear los ecos de una identidad compartida. En cada rostro, en cada trapo, en cada abrazo, en cada llanto, en cada uno de los miles y miles que se acercaron a esta casa al sur del conurbano, habita la confirmación de que no estamos solos. Avellaneda, con su historia de lucha y resistencia, se convierte por un instante en refugio de una épica donde el Indio funciona como un faro, un punto de encuentro para aquellos que encontramos en sus versos la crónica de nuestra propia vida. Esta muestra es un testimonio de esa fé, de esa comunión constante. Es una invitación a mirar de cerca cómo, en el ritual del encuentro, la comunidad transmuta su soledad en una fuerza colectiva capaz de detener el reloj, aunque sea por un momento, para recordarnos quiénes somos y a dónde pertenecemos”.
La muestra no está pensada como un hecho aislado. En paralelo, a una cuadra de la Plaza Ucrania, la Clínica de Arte Público, que dicta un taller gratuito de mosaicismo en el Refugio del Arte para vecinas y vecinos de la ciudad, está montando un mural gigante en el bajopuente de la Avenida Belgrano y Paso. Se trata de un retrato del Indio trabajado en mosaicismo y venecitas, flanqueado por su logo solista de un lado y el de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota del otro. “Estimamos que se estará instalando en los próximos 15 días, sumándose a otros murales que venimos desplegando por toda la ciudad”, concluye Echeverria.
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A veces, Tony Iommi tiene que recordarse a sí mismo que debe componer canciones con un tono algo más animado. “Siempre tiendo a empezar con lo oscuro y pesado”, comenta entre risas el exguitarrista de Black Sabbath durante una llamada telefónica desde su casa en Inglaterra. “Siempre fue así. Me dejo absorber por los riffs sombríos; es una sensación que experimento al tocar algo contundente y poderoso. Aunque, por supuesto, también me gusta la música con un ritmo más ágil”.
“World Alone”, el primer sencillo de From the Dark —el próximo álbum en solitario de Iommi, el primero en más de dos décadas y cuyo lanzamiento está previsto para el 23 de octubre—, tiene un ritmo decididamente enérgico. Sin embargo, mantiene la contundencia característica. En esta canción, el guitarrista (de 78 años) despliega un riff demoledor y un solo feroz que evocan el incisivo álbum Mob Rules de Black Sabbath, pero con un toque moderno y único gracias a la potente voz desgarradora de Jørn Lande y a una letra de corte apocalíptico. Tanto este tema como los otros siete del álbum —que suenan aún más pesados y amenazadores— demuestran cómo Iommi sigue su propio camino al margen del legado de Black Sabbath, manteniéndose fiel, no obstante, a ese universo sonoro oscuro y pesado que comenzó a construir hace casi 60 años.
Durante el último año, desde que Black Sabbath ofreció su última actuación en el concierto de despedida de Ozzy Osbourne —titulado Back to the Beginning—, Iommi mantuvo un perfil mayormente discreto. Esto se debe a que estuvo perfeccionando ideas que venía puliendo desde hacía al menos un lustro. El germen del álbum surgió de dos temas instrumentales: «Scent of Dark» (2021) y «Deified» (2024), grabados originalmente para acompañar el lanzamiento de su propia fragancia de diseño. A medida que las canciones tomaban forma, sintió el deseo de contar con una banda sólida y completa que lo respaldara en este proyecto.
Su primer álbum en solitario fue Iommi (2000) —si no se contabiliza Seventh Star (1986), un disco en solitario que la discográfica de Black Sabbath atribuyó a la banda, ni la serie de álbumes de Sabbath en los que Iommi era el único miembro original—. El álbum Iommi contó con la participación de vocalistas como Billy Corgan y Henry Rollins, además de diversos músicos de apoyo en cada pista; por su parte, tanto The 1996 DEP Sessions (2004) como Fused (2005) incluyeron la voz de Glenn Hughes, exlíder de Deep Purple.
Para From the Dark, álbum coproducido junto a su colaborador e ingeniero de larga trayectoria Mike Exeter, el guitarrista optó por músicos que no gozan de fama masiva. Además de Lande —vocalista noruego de gran expresividad dramática, conocido por sus trabajos con Masterplan y Ark—, From the Dark cuenta con la bajista Becky Baldwin y el baterista Karl Brazil, mientras que Exeter se encarga de los teclados. Brian May, guitarrista de Queen, colabora con un solo en el tema «Death Wake», de atmósfera sombría y pesada. Entre los cortes más destacados figuran «Legacy» y «Stormwatcher», que exhiben el característico sonido oscuro y denso de Iommi.
El guitarrista anunció el álbum el miércoles durante un evento transmitido en vivo en su ciudad natal de Birmingham, Inglaterra, donde estrenó el video de estilo cinematográfico para “World Alone”; sin embargo, ya había hablado con Rolling Stone a principios de julio sobre cómo se gestó el proyecto y todo lo que sucedió desde Back to the Beginning.
¿Por qué era importante para vos hacer un álbum en solitario y no llamarlo “Black Sabbath”?
Bueno, en realidad, Black Sabbath ya terminó como banda. Obviamente, lo último que hicimos fue con Ozzy. Cualquier cosa que hiciera bajo el nombre de Black Sabbath sería solo yo, y no quiero volver a hacer eso. Ya pasamos por eso y ya lo hicimos.
¿Cómo contactaste al vocalista Jørn Lande para este álbum?
Ya habíamos trabajado con él anteriormente. Cuando hicimos el homenaje a Dio tras el fallecimiento de Ronnie, invitamos a Jørn a cantar un par de temas con nosotros y su voz me gustó mucho. Así que pensé: “Bueno, me gustaría contar con él”. Me gustaba su voz. Quiero decir, podrías elegir a artistas famosos, pero eso ya lo hice.
¿Cómo surgió “World Alone”?
Suelo inclinarme directamente hacia el sonido oscuro y pesado (doom), pero pensé: “Bueno, también podríamos hacer algo con un riff de ritmo más rápido”. Una vez que tuve eso y escuché la melodía que él había creado, todo encajó.
¿Cuál era la idea detrás del video?
No quería hacer un video con toda la banda. Para ser sincero, ni siquiera quería hacer un video. Pero lo hicieron. En realidad, es algo así como una película. Yo aparezco un par de veces de pie, tocando. Pero simplemente no quería seguir la vieja fórmula de ver a la banda ahí parada tocando; eso ya se hizo cientos de veces.
De todos modos, no soy muy partidario de grabar vídeos yo mismo porque siempre me veo… bueno, soy aburrido. Simplemente me quedo ahí de pie tocando. No puedo hacer otra cosa. No puedo saltar de un lado a otro ni nada por el estilo. Ya soy demasiado mayor para eso [risas]. Pero creo que los chicos que lo hicieron hicieron un buen trabajo.
¿Le diste a Jørn alguna indicación sobre las letras para el álbum?
No, no le di ninguna idea para las letras. Con un cantante, es bueno que puedan crear su propio material, porque así, a la hora de interpretarlo, logran transmitirlo mejor. Es como pasaba con Ronnie: cuando él escribía las letras, había ciertas palabras con las que realmente lograba una gran fuerza expresiva. Y creo que con Jørn pasa lo mismo.
Algunas de sus letras describen apocalipsis nucleares. ¿Qué te llamó la atención al escucharlas?
Lo primero que pensé fue: “Dios, esto es bastante fuerte, pero son cosas que están sucediendo”. En realidad, es lo que ocurre hoy en día en el mundo. Es muy parecido a lo que hacíamos con los viejos temas de Sabbath, como “War Pigs”: eso es algo que sigue ocurriendo hoy. Lo que Jørn plasmó acá, con el tema nuclear y todo lo que está pasando, es realmente bastante sombrío.
¿Los riffs del álbum son nuevos o se trata de ideas que ya tenías guardadas?
No, todos son nuevos. La cuestión es que tengo montones de riffs en CD, casetes y todo tipo de soportes. Pero para cuando vuelvo atrás e intento encontrar algo en ellos, ya se ocurrió algo nuevo.
¿Cómo te ponés en situación para componer? ¿Encendés velas?
A veces enciendo velas, sí [risas]. Por lo general, entro en el estudio y simplemente toco un rato. Y si no surge nada, lo dejo; no me fuerzo. Pero, por lo general, termino sacando algo.
Normalmente, cuando hacés un álbum, trabajás a diario y tenés que terminarlo en un plazo concreto porque estás bajo presión: ya sea porque estás de gira, porque tenés que grabarlo o lo que sea. Pero yo no estoy en esa situación. Pude tomarme mi tiempo y convivir con el material.
¿Tenés que obligarte a componer canciones de ritmo rápido como «World Alone»?
En realidad, no. Pero sí me lo recuerdo a mí mismo [que debo escribirlas]. Cuando escuché [el resto de] lo que teníamos, pensé: «Bueno, necesitamos algunos temas rápidos y alguno de tiempo medio para equilibrar el álbum, la verdad».
Tenía un par de temas acústicos, pero no utilicé. Decidí dejar el álbum tal como está. Y no solo eso: ya es bastante largo. No habríamos podido incluirlos.
Hablando de tocar en acústico, me sorprendió gratamente el solo acústico a mitad de «Legacy».
Me gusta hacer algo que realmente no te esperas. Y, para ser sincero, odio tocar la acústica. No se me da muy bien. Pero en esa parte, simplemente pensé que quedaría bien y que sería algo diferente.
Mi riff favorito del álbum está al principio de «Death Wake». Mantenés una nota y como que tiembla, como madera crujiendo.
Sí, es un riff extraño. Ese tema también me gusta. Me gusta todo lo que sea doom. Por supuesto, conté con Brian May para el solo de esa canción.
Sos amigo íntimo de Brian May desde hace décadas. ¿Cuándo y cómo se conocieron?
A principios de los años setenta; él estaba en un estudio y yo en otro. Y congeniamos enseguida. Somos amigos desde… Dios, casi 60 años.
Estamos en contacto constante. Tocó conmigo en el escenario un par de veces y también hemos colaborado en algunos temas del álbum. Es un amigo muy, muy cercano.
¿Toca en otras canciones del álbum?
No. Le pregunté: «¿Quieres tocar en algo más?». Y él respondió: «No, no. Tus solos están bien. No hace falta que yo toque».
Pero fue genial que lo hiciera. Simplemente le puse un par de cosas y grabó acá, en el estudio de mi casa. Claro que, a veces, tocaba algo y decía: «Vaya, no sé si me convence». Y yo le decía: «A mí me gusta».
¿Hay otros invitados en el álbum?
No, porque quería mantenerlo básicamente como una banda. Quería contar con los mismos músicos.
¿Cómo encontraste al baterista del álbum, Karl Brazil?
Es curioso, la verdad. Tengo una casa en la playa a la que vamos de vez en cuando. Estaba paseando por la orilla cuando un tipo se me acercó y me dijo: «Hola, Tony». Pensé que era simplemente un fan. Pero entonces añadió: «Tenemos un amigo en común. Mike Exeter es mi ingeniero de sonido. Soy el baterista de Robbie Williams». Más tarde, Mike —mi ingeniero— me confirmó: «Ah, sí, Karl es un buen baterista».
Lo incluí en una de mis pistas instrumentales, la que hice para aquel proyecto de perfumes. Luego pensé que sería buena idea contar con él para el álbum, ya que es un buen músico. Además, es de Birmingham, lo cual es genial porque quería mantener el proyecto a nivel local.
Me daba curiosidad saber cómo surgió tu colaboración con Robbie Williams en la canción «Rocket», ya que fue algo sorprendente.
A mí también me sorprendió. Fue curioso cuando me preguntaron si quería tocar en un tema con él. No sabía que lo iba a lanzar como sencillo. Luego quiso hacer un videoclip para la canción, así que lo hice con él. Y salió muy bien. Fue una experiencia muy distinta para mí, pero la disfruté.
¿Qué es lo que te gusta de la bajista Becky Baldwin, que toca en Mercyful Fate y Fury?
Becky vive en Birmingham y es una música excelente. Es una gran admiradora de Geezer [Butler, el bajista de Black Sabbath] y toca siguiendo su estilo. Eso era justo lo que buscaba. Es realmente buena.
¿Habías pensado en trabajar con Geezer en este álbum?
Quería que participara en el disco, pero no pudo ser. Creo que está trabajando en su propio álbum. O quizás surgió algún contratiempo en aquel momento y no pudo viajar a Inglaterra. La verdad es que quería terminar el proyecto y sacarlo a la luz de una vez. Como Becky es fan de Geezer y toca con ese estilo, pensé en probar con ella. Y el resultado fue muy bueno.
Hablando de Geezer, durante el último año se habló mucho de una disputa legal que retrasó el lanzamiento de las primeras grabaciones de Black Sabbath, de la época en que aún se llamaban Earth. Ahora que tenés los derechos, ¿se publicarán?
Saldrán a la luz en algún momento. Es curioso escuchar material de hace tanto tiempo y encontrarse con cosas que ya habías olvidado.
¿Qué te llamó la atención al volver a escuchar las grabaciones después de décadas?
El sonido y todo lo demás. Madre mía, las habíamos grabado en un estudio pequeño. Pero, la verdad, fue divertido escucharlas. Me senté a escucharlas todas y fue agradable, porque hay cosas con toques de jazz y blues que hicimos improvisando. En muchas de esas improvisaciones todo se basaba en la guitarra, y yo ya había olvidado la mitad de todo eso. Ahora ya no sabría tocar eso.
¿Estás satisfecho con el legado que dejó Black Sabbath?
Sí. El legado fue fantástico, de verdad. Creo que fue un acierto terminarlo cuando hicimos el concierto Back to the Beginning, porque todas las bandas que eran fans de Sabbath participaron en el espectáculo, lo cual fue genial. Fue un gran detalle por su parte esforzarse para venir a tocar en el mismo concierto; no hubo egos ni nada por el estilo. Todos se pusieron manos a la obra y tocaron. Fue estupendo que el broche final de Sabbath fuera reunirnos como la banda original y terminarlo como se debía.
¿Qué sentiste al realizar esa última actuación?
Aquella noche me sentí muy extraño porque, obviamente, nunca habíamos estado en el escenario con Ozzy sentado en un trono. Él siempre estaba saltando de un lado a otro, haciendo muecas y haciéndonos reír a Geezer y a mí. Pero en esta ocasión no podía verlo, ya que estaba sentado en ese trono en la parte delantera.
Como es lógico, llevábamos 20 años sin tocar con Bill [Ward, el baterista de Black Sabbath], así que él quería que yo me colocara cerca de su posición, ya que no estaba seguro de algunos pasajes. Y eso fue lo que hice.
Cuando la vi, me pareció una actuación muy emotiva.
Lo fue. Realmente lo fue. Claro que nadie sabía que Ozzy iba a fallecer poco después. Yo sabía que no estaba bien, pero no esperaba que sucediera tan rápido.
¿Pudiste despedirte?
Curiosamente, me envió un mensaje de texto la noche anterior diciendo que no se sentía muy bien y todo eso. Pero, obviamente, la mayoría de nuestras conversaciones eran del tipo: «¿Cómo te sentís? ¿Qué tal esto? ¿Qué tal aquello?». Así que fue una conversación más. No esperaba que se fuera de la noche a la mañana. Vaya… Fue un impacto tremendo, de verdad.
Él comentó en entrevistas lo mucho que significó para él tu apoyo mientras se recuperaba en los últimos años.
Bueno, mantuvimos mucho el contacto. Él estaba pasando por muchas cosas distintas; entraba y salía constantemente del hospital y se sometía a diversos tratamientos. Y, por otro lado, él estuvo a mi lado cuando me diagnosticaron cáncer. Me llamaba todos los días. Así que nos apoyamos mutuamente. Extraño nuestras conversaciones.
¿Cómo llevaste este último año sin él?
Fue muy extraño. Todavía no siento que se haya ido, porque cuando miro YouTube o lo que sea, siempre hay algo relacionado con Ozzy y lo veo una y otra vez. Es casi como si siguiera acá. Es algo muy peculiar. Lo que pasa es que estábamos en contacto constantemente; eso es lo que extraño.
¿Cómo estás de salud?
Bien, espero. Sigo acudiendo a revisiones periódicas. Hacer este álbum me dio tiempo para ocuparme de otras cosas. Siempre reservábamos los lunes y martes [con Mike Exeter] para trabajar acá, en el estudio de mi casa. Pero justo esos días siempre me tocaba ir al hospital para alguna visita médica; querían hacerme esto o aquello. Siempre parecía coincidir con un lunes o un martes. Aun así, logramos sacarlo adelante.
¿Tenés más material? ¿Podemos esperar otro álbum en solitario como este en un futuro próximo?
Eso espero. Simplemente disfruto haciéndolo. Es lo que he hecho siempre.
No soy de los que se retiran simplemente para quedarse de brazos cruzados sin hacer nada. Tengo que hacer algo, y la música es lo único que sé hacer. Me gusta crearla. Creo que también es bueno para la mente poder inventar cosas y que se te ocurran ideas.
¿Vas a tocar en vivo con tu banda solista?
No hay planes concretos para nada. Ahora simplemente dejo que las cosas fluyan. Eso es lo bueno: podés elegir un poco. “¿Quiero hacer eso? ¿O surgió alguna oferta para hacerlo?”
¿Qué es lo siguiente para vos, entonces?
Bueno, compuse un par de temas instrumentales que pensaba incluir en este álbum, pero al final no lo hice porque no teníamos suficiente espacio. Quizás los publique más adelante en algún disco, pero voy a seguir componiendo y viendo qué pasa. Siempre surgen cosas que hacer —música para películas o cualquier otra cosa que aparezca de repente— y entonces piensas: “Vaya, es una buena idea”. Y te ponés en eso. Aún no estoy listo para retirarme.
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Cuatro mujeres acusaron a Jared Leto de conducta sexual delictiva. Las acusaciones, ocurridas cuando las mujeres eran adolescentes, se relataron en el nuevo documental de la BBC Jared Leto: El oscuro secreto de Hollywood, emitido el miércoles.
Una de las mujeres afirmó haber sido agredida sexualmente por Leto en el baño de un motel cuando tenía 17 años. Otra, que entonces tenía 19, declaró que Leto la amenazó con agresión sexual tras quedarse a solas con él en una habitación de hotel. Una tercera mujer afirma haber tenido relaciones sexuales con Leto siendo menor de edad en California cuando tenía 17 años, lo que en ese estado se consideraría violación. La cuarta mujer afirmó haber sido víctima de manipulación por parte de Leto y lo acusó de abusar de su fama al realizarle repetidas llamadas telefónicas con contenido sexual explícito cuando ella tenía 16 años. (Los representantes de Leto no respondieron de inmediato a la solicitud de comentarios. Leto no respondió a los reiterados intentos de la BBC por contactarlo).
El documental presenta a un total de 10 mujeres que hablan sobre sus presuntas experiencias con Leto. Nueve de ellas se pronuncian públicamente sobre estos incidentes por primera vez. Todas describen encuentros con Leto —que ahora tiene 54 años— ocurridos entre 2002 y 2016, cuando él tenía entre treinta y cuarenta y tantos años.
Desde hace años existen múltiples acusaciones contra Leto. El año pasado, la DJ Allie Teilz, de Los Ángeles, afirmó en las redes sociales que había sido agredida por el actor cuando tenía 17 años, lo que llevó a otras mujeres a presentar denuncias similares. El medio Air Mail publicó un artículo el pasado mes de junio en el que se relataban nueve acusaciones, todas ellas negadas por Leto.
En el documental, las mujeres describen encuentros problemáticos con Leto en diversas ciudades de todo el mundo. En 2006, un colaborador de Leto se acercó a una joven de 17 años entre bastidores durante un concierto de Thirty Seconds to Mars y le pidió su número de teléfono para el músico, que entonces tenía 34 años. Ella afirma haber mantenido relaciones sexuales con él en su casa de California.
«Me dijo: "Me gustaría que me llamaras papi"», declaró ella a la BBC. «Era cuestión de fingir ser una niña pequeña o "su niña pequeña"». Comentó que era «muy ingenua y vulnerable» y que no tenía noción de cuán «normal» era ese comportamiento. «Solo con el paso del tiempo fui comprendiendo cada vez más lo aterrador que era aquello en realidad», afirmó, añadiendo que Leto «restó importancia» a sus inquietudes sobre la edad de consentimiento.
Una de las mujeres recordó haber conocido a Leto en un festival de música en 2005, cuando tenía 14 años. Cuando le tendió una camiseta para que la autografiara, él firmó «sobre mis pechos y me dijo: "Tienes un buen par de tetas"», relató. «Le pidió a su guardaespaldas que me llevara al backstage. Ni siquiera me preguntó si quería ir».
Además de las acusaciones de conducta sexual delictiva, cinco mujeres que aparecen en el documental afirmaron haber recibido llamadas telefónicas de índole sexual y extraña por parte de Leto. Varias de ellas aseguran que el abogado de Leto les pidió firmar acuerdos de confidencialidad. El documental también incluye testimonios de dos hombres que trabajaron con la banda de Leto durante muchos años; ambos describieron sentirse incómodos ante la forma en que Leto interactuaba con chicas adolescentes. «Creo que todo el mundo pensaba que la diferencia de edad era excesiva», comentó uno de ellos.
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OCESA, la empresa de entretenimiento en vivo líder en México, pone en acción sus planes para realizar eventos que permiten una experiencia segura, amena y sostenible junto a Harry Styles en su residencia de 6 conciertos en Ciudad de México.
Históricamente, la industria de los viajes y los eventos se basa en muchas prácticas que perjudican tanto al medio ambiente como al consumidor. Según Christopher Pleydell, un profesional con más de 35 años de experiencia en el sector de cultura y eventos en vivo, afirma que uno de estos eventos emite alrededor de 117 toneladas de dióxido de carbono, la industria produce aproximadamente 550 millones de toneladas de basura y consume más de 120 mil millones de litros de petróleo al año. Además, sucesos de deshidratación, la falta de medidas para acoger a fanáticos con discapacidades y el desafío logístico del transporte de ida y vuelta, constituyen problemáticas que arruinan la experiencia para muchos que buscan apoyar a sus artistas favoritos.
Frente a estos desafíos, se realizaron ajustes para mejorar el impacto ambiental y la experiencia de todos los que atenderán a la residencia en el Estadio GNP Seguros. Durante los conciertos, los asistentes encontrarán estaciones gratuitas de hidratación y podrán ingresar con botellas reutilizables. Se ofrecerán opciones de alimentos basados en plantas distribuidas en todo el recinto, utensilios degradables y reciclables, alternativas de movilidad como Ticket2Ride, estacionamiento para bicicletas y transporte público, además de espacios como la Zona de Padres y otras acciones orientadas a fortalecer la accesibilidad y el bienestar de los asistentes.
Gracias a la renovación del estadio en 2024, se adaptó el espacio para manejar recursos de manera eficiente, incorporó infraestructura orientada a un uso más eficiente de los recursos, incluyendo sanitarios de bajo consumo, mingitorios secos y una cubierta de más de 13,000 m² que sirve para proteger al fan del sol y lluvia.
Estos esfuerzos se complementan con iniciativas implementadas en otros recintos del grupo, como la planta de tratamiento de agua de Centro Banamex, los sistemas de iluminación LED y soluciones de energía solar en el Autódromo Hermanos Rodríguez, así como programas permanentes de eficiencia hídrica y energética en el Palacio de los Deportes.
Este compromiso hace parte de una estrategia transversal. Dicho modelo busca producir espectáculos desde 5 grandes ejes: infraestructura preparada para el futuro que aproveche los recursos y fortalezca la eficiencia operativa, economía circular centrada en el reciclaje, compostaje, eliminación de plásticos de un solo uso; innovación tecnológica para optimizar la operación de eventos, generar alternativas de movilidad y vivienda para contribuir a operaciones más eficientes que permiten aprovechar el tiempo sobre el escenario y entretenimiento incluyente para que todos, sin excepciones, puedan disfrutar del acto (este último eje se hace realidad mediante la iniciativa VIBRA, que trae intérpretes de lengua de señas mexicana y chalecos sensoriales; y Anfitrión Incluyente, un programa de acompañamiento personalizados para aquellas personas con discapacidades).
OCESA contribuye a la transformación de la industria de la música en vivo para consolidar a México como un mercado relevante para giras y un referente de prácticas sostenibles para la producción responsable de eventos. Por eso adapta estándares internacionales como la certificación ISO 20121. Todo para mejorar la experiencia de aquellos que buscan disfrutar del show de su artista favorito.
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