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Tinashe is fully embracing her Popstar era and bringing that same confidence to her latest collaboration with Express. Ahead of the release of her new album, Popstar, on Sept. 25, the singer teamed up with the fashion retailer for their “Too Easy to Look This Good” campaign. Inspired by her 2026 single Too Easy, the collection features XS-XL sizes and complements Tinashe’s own sartorial choices. “My style encompasses a lot of different feelings, whether that be bold and bad bitch or cool, laid-back sporty,” she told me. This isn’t the first time Tinashe has partnered with a clothing brand. In 2025, the singer’s Urban Outfitters collection sold out most of its pieces shortly after they dropped.
For Tinashe, collaborating with a brand that treats her as a creative partner rather than just the face of a campaign was important, and exactly what she got with the Express collection. “I really wanted it to feel real and something I would actually hang out in,” she said. As a dancer, she also knows the right outfit can elevate a performance just as easily as the wrong one can hold it back. That’s why movement was top of her mind while developing this collab, saying, “When I’m choosing what I wear, something that I can move in and that accentuates my movement is just so important. I was really cognizant of that when I was putting these outfits together for this campaign.”
JEANS
Mid Rise Bootcut Light Wash Jeans in Hyper Stretch
Buy 1, Get 1 $20
Tinashe’s favorite piece from the collection, this pair of jeans was styled on the singer by folding down the waistband. “They were very comfortable, and they were easy to move in,” she said.
Designed with a flattering mid-rise waist, these light wash bootcut jeans are fitted through the hip, thigh and knee before opening into a subtle flare. Hyper stretch compression denim minimizes waist gapping while maintaining its shape wear after wear. Available in eight colors and three lengths.
DRESS
Satin Cowl Neck Sleeveless Maxi Slip Dress
$40 Off $120 With Code
As seen on Tinashe in Express’ campaign video.
This satin maxi slip dress features a draped cowl neckline, adjustable straps and a flattering bias cut that skims the body. A side leg slit adds movement while the pull-on design creates an effortless silhouette suited for weddings, parties or evening events.
TOP
Satin Leopard Lace Trim V-Neck Wide Strap Cami
$40 Off $120 With Code
Tinashe posed in the mirror during a montage of outfit changes in this satin leopard print cami.
The top features an allover print with delicate lace trim along the neckline, and the flattering V-neck front and back are balanced by wide straps for added comfort. Pair it with the matching bottoms or style it with denim for an elevated everyday look.
PANTS
Faux Leather High Waisted Wide Leg Pant
Buy 1, Get 1 $20!
Available in short, regular and long lengths.
These high-waisted faux leather pants feature a relaxed wide-leg silhouette with classic five-pocket styling and a zipper and button closure. They pair easily with sweaters, blouses or heels for polished seasonal outfits.
BLOUSE
Leopard Portofino Shirt
Limited Time Offer
Modeled by Tinashe for the fall “Too Easy to Look This Good” Express campaign.
The classic portofino shirt gets an update with a bold leopard print that transitions easily from workdays to weekends. Designed with a lightweight feel and an effortless silhouette, it pairs well with denim trousers or skirts for versatile styling throughout the season.
Express’ “Too Easy to Look This Good” collection also features Cincinnati Bengals wide receiver Tee Higgins wearing the brand’s latest styles for men. In a campaign video promoting the clothing line, the pro footballer can be seen dancing at a house party and checking out Tinashe’s outfits as she walks by.
Soundtracked to Too Easy, the first single from her new album, Express’ campaign video opens with Tinashe DJing in a black bomber jacket before moving through the party in a pair of folded-down jeans and a lace top. Guests at the party, including Higgins, show off more pieces from the collection before Tinashe changes through five different outfits in front of a mirror and closes the video with a dance break.
The song Too Easy offers a sarcastic take on the pressures that come with fame. Asked whether being a pop star really is “too easy,” Tinashe says she takes the bad with the good. “I genuinely enjoy the highs, the lows, the struggle, the bad, the good, the ugly. I really genuinely love it and enjoy all of it.”
The Express collaboration arrives ahead of Tinashe’s Sept. 25 release of Popstar, her first full-length album since 2024’s Quantum Baby. Fans have already heard two songs from the upcoming 16-track project, which she describes as “unapologetic, bold, and playful.” The release follows two consecutive summers of viral success. Nasty became one of 2024’s breakout hits, reaching No. 69 on the Billboard Hot 100, while the Disco Lines remix of No Broke Boys topped Billboard’s Hot Dance/Electronic Songs chart in 2025, cementing Tinashe’s momentum heading into her next chapter.
Shop the rest of the “Too Easy to Look This Good” collection here.
Broken Hill Mundi Mundi Bash has sold out its 2026 edition, with nearly 15,000 people expected to attend the outback Australian music festival later this month.
The three-day camping festival is set for Aug. 20-22 at Belmont Station on the Mundi Mundi Plains, about 35 km north of Broken Hill in New South Wales.
This year’s lineup includes The Teskey Brothers, Jon Stevens, John Butler, Boy & Bear, Baby Animals, Jessica Mauboy, The Whitlams, Leo Sayer, Tim Finn, Troy Cassar-Daley, Chocolate Starfish, Mi-Sex, Furnace and the Fundamentals, Wendy Matthews, The Radiators, Shane Howard and Fanny Lumsden.
The sellout marks a significant result for the regional destination event, which organizers say has reached capacity less than a month out from showtime despite broader cost-of-living pressures and higher travel costs affecting discretionary spending.
“It’s exciting to announce that we’re at capacity — with nearly 15,000 people set to rock the Outback this month,” Greg Donovan, festival founder and managing director of the Outback Music Festival Group, said in a statement. “Thousands of these travellers are already hitting the road and going to join us for our new Lightfest event that will be staged on the streets of Broken Hill in the week leading into the Mundi Mundi Bash.”
For Outback Music Festival Group, the 2026 result extends a sellout streak for the event, which launched during a difficult period for Australia’s live sector and has built its audience around destination travel, camping culture and multi-generational Australian music programming.
“We launched the Mundi Mundi Bash during very tough times for events,” Donovan said. “We survived the Covid years consistently selling out the event, and this year it’s been the fuel crisis and tough economic times that have impacted consumer spending. And yet here we are — announcing a sellout of our biggest event yet.”
He added, “We’re incredibly grateful for our audience who choose to spend their time and money with us, we’re going to repay that support with an incredible party in the desert later this month.”
The 2026 edition will also expand the event’s footprint beyond the festival site with Lightfest, a free prelude event staged in the streets of Broken Hill in the week before the Bash. The three-night activation will feature a large-scale drone light show and street programming for both locals and incoming festivalgoers.
Lightfest is part of the Transport for NSW Open Streets Program: Foundation Events 2026-27, which is designed to bring activity into streets across New South Wales. The program forms part of the NSW Government’s Vibrant Streets Package.
Another new addition is Bash Choir, which replaces the festival’s previous Nutbush world-record attempt. Taking place Friday, Aug. 21, the choir event will see thousands of attendees gather in the main concert area to learn and perform Tina Turner’s “The Best” — often referred to as “Simply the Best” — in a nod to the festival’s previous Tina Turner-linked Nutbush tradition. The activation will raise funds for the Royal Flying Doctor Service.
Other off-stage programming includes the Big Blue Day map of Australia world-record attempt, raising funds for Beyond Blue; the Mundi Undie Run, also raising funds for the Royal Flying Doctor Service; Mad Max dress-up; camel and helicopter rides; comedy; morning yoga on the plains; and dunny door painting.
The all-ages, dog-friendly and BYO festival is aimed at families, grey nomads, camping and caravanning travelers and destination-event audiences. Ticket holders can bring their own food and alcohol, with food vendors and non-alcoholic beverages also available on site.
The Broken Hill Mundi Mundi Bash is supported by the NSW Government through its tourism and events agency, Destination NSW.
Tan solo unos días después de que Ariana Grande lanzara su nuevo álbum, petal, su representante reveló el domingo pasado que la cantante tomará una pausa después de concluir su gira actual.
Ante las preocupaciones sobre su bienestar físico, un representante de la interprete declaró en un comunicado enviado a la revista People que “Ariana se alejará de la vida pública después de finalizar el Eternal Sunshine Tour”.
“Espera terminarlo con broche de oro, de una manera sana y feliz. Luego, se tomará un merecido descanso del trabajo y las apariciones públicas que han desencadenado una ola de escrutinio público”, añadió. “Este tour ha sido una bella experiencia para ella. Ama a sus fans y ha apreciado muchísimo cada momento de esta gira”.
Como parte de su receso, no actuará en la obra del West End, Sunday in the Park With George de Stephen Sondheim, en la cual se hubiera reunido con Jonathan Bailey, una de sus coestrellas de Wicked. Además, se reveló que la superestrella tampoco aparecerá en la próxima temporada de American Horror Story, sin embargo, su ausencia se debe a conflictos entre las fechas de producción y el tour.
El aviso se divulgó a la luz al mismo tiempo que los fanáticos compartieron sus preocupaciones en redes sobre el estado físico de la artista tras el lanzamiento del video musical de ‘petal’ el viernes pasado. “Es un show físico muy demandante y con mucho atletismo”, dijo una fuente cercana a Grande para People para calmar a los fans, “Ella actúa a un alto nivel, con salud y éxito, noche tras noche”.
La porción norteamericana del Eternal Sunshine Tour se acaba esta semana después de tres shows en Chicago. El recorrido llega a su fin el 1 de septiembre, el espectáculo de cierre de 10 conciertos en la O2 Arena de Londres.
Sin embargo, lo más probable es que Grande no se vaya por completo del ojo público, ya que protagonizará la secuela de La familia de mi novia, La nueva Focker, que saldrá en noviembre.
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Amar es aceptar, desde el primer latido, que existe la posibilidad de romperse. Es lanzarse al vértigo de un sentimiento que no promete permanencia, pero sí intensidad. Es abrazar cada una de sus estaciones —la euforia, la calma, el deseo, la duda— sin conocer el destino. Porque cuando el corazón se desborda, el futuro deja de importar: solo existe ese instante luminoso en el que el amor parece capaz de sostener el mundo. Y, sin embargo, hasta las historias más bellas encuentran su fin. Entonces llegan las emociones que pesan distinto: la rabia que quema, la nostalgia que acaricia las ruinas y la tristeza que aprende a convivir con los recuerdos. Amar es recorrer un sendero incierto que, incluso cuando duele, siempre deja una versión distinta de quien lo atraviesa. Y, con un poco de suerte, ese camino encuentra los mismos pasos una y otra vez, hasta convertirse en una historia compartida con la persona amada para toda la vida.
Chiara Oliver, una de las voces jóvenes más prometedoras del panorama musical español, convirtió ese viaje emocional en el alma de no fue real, su álbum debut. En sus canciones abrió las puertas de su corazón, de su mente y de las heridas que dejó un amor capaz de transformarlo todo. Quizá aquella historia no estaba destinada a durar para siempre, pero sí a dejar una huella imborrable. De sus cenizas nació una artista más libre, más valiente y profundamente honesta. Al desprenderse del miedo al juicio ajeno, encontró una voz que no solo canta: también confiesa, cuestiona y sana. Lo que alguna vez fue una experiencia íntima terminó convirtiéndose en la obra que siempre soñó crear, un disco donde cada verso es la prueba de que, a veces, los amores que no permanecen son precisamente los que nos enseñan a florecer.
Mira aquí nuestra entrevista con la artista española:
Hablemos de tu álbum debut, no fue real. Cuéntame la historia detrás de este material.
El álbum es mi proyecto más personal. Habla de una ruptura y de todas sus fases, desde todas sus perspectivas y de arriba a abajo. Es la consecuencia de una relación compleja. Es cómo lo he analizado yo desde una perspectiva que me dejó verlo desde fuera. De alguna manera, esto me hizo sanar y hacer terapia para procesar una relación pasada que tuve. Al final, hice un cuerpo de trabajo del cual estoy muy orgullosa. Es mi primer álbum y siento que tiene un sentido muy lindo, que me hace mucha ilusión.
Considero que fue un proceso muy catártico, ¿lo sientes así?
Sí, totalmente. Al final, me abrí muchísimo. Me pregunté qué tan preparada estaba para compartir todo esto. Yo escribo por mí y para mí, sobre todo para procesar las cosas. Pero evidentemente las cosas iban a llegar a otro lugar. Esta es mi manera de procesarlo y sacarlo porque era lo que necesitaba. Era un poco la contradicción de que lo necesitaba, pero también me daba miedo abrirme tanto, sobre todo el contar mi vida personal. Al final, salió tan natural y dije: ‘Si no hablo de esto, ¿de qué más voy a hablar?’.
¿Hubo momentos en los que quisiste dar marcha atrás?
Sí y no. Hay 13 canciones en el álbum, pero escribimos como 35 o 40. Muchas de las canciones en las que sentí que eran demasiado, o que salieron de un sitio más de rabia, dije que no eran mi esencia, entonces nunca iban a entrar. Escogí las que contaban mejor mi historia, las que sentí más mías y que eran personales. Estas canciones explican perfectamente el sentimiento, sobre todo con las que las personas se pueden identificar. Con las que me eché para atrás, fueron justo las que no entraron.
Mencionas que los sentimientos de rabia los dejaste fuera, pero, ¿no crees que también son parte del camino?
Total. También están en el disco, en el medio. El material está ordenado. Y estos están en el medio porque son los sentimientos que tienes justo después de terminar una relación, es la típica fase. Después ya te vas más a la parte de nostalgia. Todo se ve en el disco. El final es desde un sitio mucho más de gratitud y alegría por lo vivido.
no fue real te ayudó a descubrir quién eres a nivel personal y profesional. ¿Qué encontraste a lo largo de este material?
Lo que no sabía de mí era mi sonido; este proyecto me ayudó a encontrarlo. No lo había encontrado porque es un proceso que tarda, y a veces tarda por años. Sí que he encontrado un sonido con el que me siento identificada por ahora. Ahora puedo decir: ‘Wow, esta soy yo como artista’. Esta fue una de las cosas que descubrí de mí. Otra cosa fue mi crecimiento, tanto escribiendo como viviéndolo. Siento que realmente me ha dado un crecimiento muy grande en mi vida.
Me encanta lo que mencionas sobre tu camino sonoro. Es un pop, pero una vertiente muy dreamy y a la vez tocando el pop rock.
Lo guay es que están todos los tipos de pop que a mí me gustan, que me hacen sentir identificada. Hay pop rock, dreamy pop y también hay indie y folclóricas, hasta country. Fue algo muy divertido.
Amo la nueva ola del pop que está renaciendo, un nuevo aire que es muy diferente a lo que se vió en los 2000.
Totalmente. Es un renacimiento, y ser una pop girly es muy guay. También están saliendo artistas increíbles. Esto también pasa gracias a artistas como Sabrina Carpenter, Olivia Dean, Olivia Rodrigo, Clairo, Chapell Roan, entre muchas otras. Es muy guay como está reviviendo el pop. Estoy muy contenta como fan y como persona que admiro a las chicas pop. También me gusta beber de su influencia, sobre todo entender cómo lo hacen, no necesariamente en su sonido, sino en cómo ellas hacen su trabajo en crear estéticas, un mundo y muchas cosas más. Es increíble como hacen un universo en donde habitan ellas, sus canciones, el estilismo y cómo lo van a comunicar en sus redes sociales, que hoy en día es súper importante. Todo es un arte, no solo es hacer música. Todo lo de crear un mundo y hacer un interés por ti es esto. Las chicas pop lo están haciendo increíble.
Exacto. Y justo como lo mencionas, es una inspiración, no es una copia, porque justo ellas, en su momento, se inspiraron de Hannah Montana, quien fue la pionera de toda una generación.
Claro. Por ejemplo, Addison Rae sigue la inspiración de Britney Spears, pero a su manera. Eso también me parece súper interesante. Es recordar y homenajear a las artistas que nos dieron camino.
Hablamos de influencias actuales, pero, ¿tienes influencias un poco más heritage?
Muchísimas. Desde pequeña, a nivel vocal, he admirado a Mariah Carey, soy muy fan. Stevie Nicks me parece la reina del rock n roll; Norah Jones siento que es una gran predecesora de un momento más melódico y melancólico; Stevie Wonder; también de un montón de grupos de los 70 como The Beatles, Pearl Jam. Siento que en general es encontrar las inspiraciones en lo antiguo, y considero que Chapell Roan súper bien al inspirarse en gente como Kate Bush y todo ese mundo, que al final son referentes.
Al final: ‘Alma vieja en un mundo contemporáneo’.
Yo siempre lo he sido. Desde siempre he tenido una hiperfijación en las Spice Girls. Me encantan y me obsesionan, y no solo por la música que hicieron, sino también por todo lo que marcaron: cómo hicieron su branding, su momento icónico, sus personalidades distintas aún siendo cinco personas, la tropa, sus outfits icónicos, la manera en comunicaste, mil cosas. Me inspiran muchísimo.
Creo que eso lo compartiste en la parte visual de no fue real. Me siento como en un viaje a través del tiempo. Siento que estás presente, y, a la vez, también en el pasado.
Me gusta mucho que digas eso, que lo expliques así. Yo quería hacer un momento más onírico para la parte visual de no fue real. Me inspiro mucho en el pasado, pero también en el tiempo actual. Son muchas cosas. Me inspiro en todo lo que veo: los colores, las canciones que escucho, los lugares, las personas que he conocido, todo.
¿Sientes que al compartir la historia de no fue real te liberas o, de alguna forma, la vuelves a revivir constantemente?
Yo quiero que sea una liberación, 100%. Siempre me dio miedo hablar de este tema, entonces está guay sacarlo y ya está. No hay más, es de la gente. Ellos se podrán sentir identificados, y espero que les guste. Es del mundo. Me hace mucha ilusión quitarme el peso y dárselo al universo.
En la composición estuviste acompañada de nombres como Nina Minguez, Nicole Zignago, Daniela Spalla, Mauro Muñoz, Lusillón y el propio Sabater, entre otros. Cuéntame sobre esto y la experiencia que te llevaste.
Fue una experiencia increíble. Es una cosa que yo nunca había hecho. Comencé a escribir con 14 o 15 años, y a la fecha siempre lo había hecho sola. Mis primeros dos EP los hice sola, después los llevaba al estudio y el productor me ayudaba a acabar algunas partes. Pero ahora, sentarme en el estudio a hacer algo desde cero con alguien es súper guay porque al final hablamos de un tema universal. Todas hemos atravesado una ruptura. Te da para llegar a más cosas a comparación de cuando compones solo. Ha sido increíble, sobre todo cuando tienes la suerte de trabajar con gente a la cual admiro muchísimo. He tenido mucha suerte de trabajar con gente muy cool.
¿Cómo defines la llegada de no fue real en esta etapa de tu carrera?
La defino como mi carta de presentación oficial. Este es mi principio. Es mi pura esencia y mi verdadero yo. Son mis palabras, mis vivencias, mi vida, mis estética soñada y el sonido que siempre he querido que me representara. Este es el disco que siempre había soñado tener en mi discografía. Creo que es lo que siempre soñé desde los 14 años. Es el visual que siempre imaginé cuando soñaba con ser artista. Es bonito haberlo cumplido y conseguido.
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Netflix enfrenta una nueva demanda por 105 millones de dólares. Un productor de cine ha iniciado el proceso legal en contra de la empresa debido a la desaparición de un disco duro que contenía una película inédita de Nicolas Cage. El guionista y productor afirma que la copia de este material fue visto por última vez en los estudios del servicio de streaming en sus oficinas de Sunset Bronson Studios.
La demanda fue presentada el día jueves 30 de julio ante un tribunal federal de California por el guionista y productor Simon Afram, acompañado de su equipo legal. Afirmaron que un productor de la cinta entregó personalmente el disco duro en las oficinas de Netflix en Sunset Bronson Studios por su requerimiento en el mes de junio, conformada por una copia sin cifrar de la cinta Fortitude de la Segunda Guerra Mundial. Los productores y la plataforma se encontraban en negociaciones de compra y venta de la película que se tardó siete años en gestarse, y un aproximado de 45 millones de dólares en la producción.
Según los informes de la demanda, Netflix informó, a través de un correo electrónico, que “alguien robó una buena cantidad de discos duros de sus oficinas de Los Ángeles”, incluido el material inédito de Fortitude. Debido a esta presunta negligencia por parte de la empresa, los productores sostienen que la película perdió su valor comercial, ya que consideran poco probable que un distribuidor quiera adquirir una cinta cuyo contenido podría haber terminado en manos de la piratería.
Según Netflix, en ningún momento afirmó que los discos duros fueron extraídos de sus escritorios, y que los encargados de la lucha contra la piratería ya están al tanto de la situación para trabajar en el caso. También aseguran que el disco duro es poco probable que llegue a manos incorrectas, pues se necesita de un código especial para visualizar su contenido. Sin embargo, Simon Afram alertó lo contrario con: “Netflix sabía que el archivo no estaba cifrado y que podía abrirse, visualizarse, publicarse, copiarse o distribuirse sin necesidad de ninguna clave”.
Con una exigencia a una indemnización por 105 millones de dólares en concepto de daños y perjuicios, los productores afirman que Netflix debió cuidar mucho mejor del material que fue otorgado para su revisión. Además, en su momento, los productores indicaron que la cinta debió ser borrada tras su revisión. “Resulta inconcebible que un comprador sofisticado invirtiera decenas de millones de dólares para adquirir la película —y decenas de millones más para comercializarla— mientras se enfrenta al riesgo constante de que pueda aparecer en línea y ser vista por muchas personas de forma gratuita en cualquier momento”, se lee en la demanda.
Por su parte, Netflix lanzó un comunicado en el que “rechaza cualquier afirmación de que asume el riesgo de pérdida por una película entregada sin las medidas de seguridad estándar de la industria”. “Si bien no poseemos los derechos de Fortitude, nos tomamos muy en serio la seguridad del contenido y hemos tomado medidas adicionales para apoyar al cineasta y a su equipo, incluyendo la investigación del robo y el monitoreo de sitios de piratería para detectar la distribución no autorizada de la película”, añadió la compañía.
Además, la empresa de servicios streaming se negó a colaborar con Afram y a su equipo legal, pues consideran hostiles sus movimientos por querer extorsionar a Netflix en cuestión de dinero, en lugar de actuar de buena fe dada la situación.
Fortitude, bajo la dirección de Simon West, está inspirada en hechos reales y sigue a un grupo de agentes de inteligencia británicos que recurrieron a innovadoras estrategias de engaño para desorientar al alto mando nazi. El elenco está integrado por Nicolas Cage, Matthew Goode, Ed Skrein, Jordi Mollà y Alice Eve.
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Para entender el universo musical de Lucho Pellegrini —baterista, referente del swing local y fabricante pionero de tablas de lavar en la Argentina— hay que trazar una línea temporal que va en reversa. Antes de enamorarse del jazz tradicional, el recorrido rítmico de Lucho empezó, como el de muchos pibes de su generación, en el grunge y el punk. “Yo escuchaba mucho a Dave Grohl tocando la batería en Nirvana”, explica. “Como Grohl nombraba entre sus referentes a John Bonham, me puse a quién era el referente del batero de Led Zeppelin, y así llegué a Buddy Rich. De Buddy Rich salté a Gene Krupa, y de Krupa seguí yendo cada vez más atrás en el tiempo, hasta desembocar en las orquestas de Duke Ellington, Count Basie y Louis Armstrong. Fue un salto hacia atrás buscando la raíz”.
Hoy, a sus 35 años, Pellegrini no solo capitanea proyectos referentes de la escena porteña como Hot Shooters y su New Orleans Party, sino que se convirtió en el gran divulgador local de la washboard (la tabla de lavar adaptada como instrumento de percusión) al frente de su propia marca: Cincinnati.
Les Luthiers no fue el primer conjunto de instrumentos informales de la historia. A comienzos del siglo XX, proliferaron en ciudades del sur de Estados Unidos como Louisville y Memphis las “Jug Bands” (también conocidas como “Washboards Bands”), grupos de afrodescendientes que combinaban instrumentos convencionales (guitarra, banjo, mandolina, armónica) con instrumentos caseros o fabricados con objetos cotidianos. Utilizada originalmente para almacenar bebidas alcohólicas como el whisky o la melaza, la la garrafa -o jarra de cerámica o vidrio- “jug”, era el corazón de ese sonido. El músico hacía vibrar sus labios contra la boquilla con una técnica similar a la tuba o el trombón y actuaba como la línea de bajo de la banda.
El kazoo (o un peine envuelto en papel de celofán) hacía las veces de la trompeta o la corneta, y el ritmo, claro, estaba en las tablas de lavar metálicas que, tocadas con dedales, recreaban el sonido de la batería.
En la Argentina, la tabla de lavar fue adoptado por los bateristas de agrupaciones como la Antigua Jazz Band, la Fénix Jazz Band, la Creole Jazz Band y la Caoba Jazz Band. Era común que en las presentaciones, antes de incorporar el instrumento, dijeran que no les había alcanzado para comprar el lavarropas automático.
El vínculo de Pellegrini con la tabla de lavar se remonta a un recuerdo de su infancia: a los 10 años, vio a un artista callejero en Villa Gesell haciendo un unipersonal de “hombre orquesta” con una tabla. Sin embargo, el reencuentro formal con el instrumento fue en 2014, cuando lo invitaron a tocar con La Familia de Ukuleles.
“Ellos tenían una tabla y me la prestaron”, explica. “Desde el primer momento me enamoré del instrumento por lo accesible que era y lo fácil que resultaba sacarle y ponerle accesorios. Le trasladé todo lo que sabía de percusión.”
Para la presentación del disco de la banda en el Teatro Margarita Xirgu, en 2015, Pellegrini quería su propia washboard, pero en Argentina solo se conseguían modelos integramente de madera, sin la chapa metalica acanalada tradicional. “Llamé a mi primo, que es baterista e ingeniero, y le dije: ‘Necesito ponerle metal a esta madera, ¿me ayudás?’. Así hicimos la primera tabla. Nos quedamos dándole vueltas a la idea porque sabíamos que había un montón de gente buscando el instrumento y nadie lo fabricaba acá. Así nació Cincinnati entre fines de 2015 y principios de 2016. Ni en pedo nos imaginábamos que se iba a convertir en un emprendimiento de diez años”, reconoce.
Lo que empezó como la respuesta artesanal a una necesidad artesanal terminó expandiéndose de forma insospechada. La tabla de lavar rompió los márgenes del jazz tradicional para colarse en el pop, el folklore y el rock de autor.
“Para nosotros la washboard es como el ukulele de la percusión”, argumenta. “Así como podés tocar cualquier estilo con un ukulele y no solo música hawaiana, la tabla se adapta a todo. Silvina Moreno fue una de las primeras en engancharse y usarla en el pop; le gustó tanto que hasta le regaló una a Ed Sheeran por su cumpleaños. También la han usado cantautores, proyectos de bolero y hasta de reggaetón. Y a nivel internacional, nos llegaron fotos e historias increíbles: hoy tienen tablas Cincinnati músicos de la talla de Gustavo Santaolalla, Adán Jodorowsky, Mon Laferte, Fantastic Negrito y hasta Gregg Bissonette, el baterista de Ringo Starr”.
El año pasado Cincinnati Washboards llegó a Broadway. “En Pirates! The Penzanc usaban 24 tablas en escena”, se enorgullece Lucho. “Fueron nominados a los premios Tony e hicieron el show con las washboards en la ceremonia de los premios”.
La puerta de entrada al swing
Aunque se crió en un hogar donde la música siempre estuvo presente —su madre es pianista y profesora— y sus primeros palillos los movió a los 11 años tocando temas de los Ramones, Flema y 2 Minutos con sus primos, el flechazo definitivo con el jazz ocurrió a los 17, mientras cursaba percusión en el Conservatorio Manuel de Falla.
“Lo primero que escuché de jazz tocando la batería fue el disco Kind of Blue (1959) de Miles Davis. Me voló la cabeza. En esa época me estaba comprando mis primeros CDs y conseguí un compilado de Louis Armstrong. Ahí entró todo el swing por un tubo; me enamoré del estilo. Miles fue la puerta de entrada, pero Armstrong fue la gran influencia por la que me dejé llevar”, rememora.
Tras terminar el colegio, Lucho pasó al SADEM [Sindicato Argentino de Músicos] para estudiar la carrera de música popular, donde empezó a armar sus primeros ensambles de jazz y swing con compañeros de cursada.
Actualmente, Pellegrini mantiene una agenda hiperactiva. Lidera la New Orleans Party (un sexteto enfocado en el swing, el rhythm & blues de corte sureño y clásicos de Fats Domino), integra Waller Moods junto al pianista Manuel Fraga, y continúa girando con Hot Shooters, cuarteto vocal con el que ya editó cuatro discos y realizó giras por México y Europa.
Durante todo 2024, Pellegrini asumió el rol de productor artístico —junto a Mariel Gastiarán— de las Swing City Sessions, un ambicioso proyecto independiente que buscó registrar el pulso vivo del jazz en Buenos Aires. “Grabamos 17 discos en total, todos en vivo en Swing City y producidos junto a Amadeo Álvarez en las mezclas. Fue un proyecto hermoso porque le dimos la oportunidad de grabar con gran calidad de sonido a un montón de bandas de la escena de jazz y swing porteña que por temas económicos no podían acceder a un estudio”, explica.
Ese registro, con producción ejecutiva de Daniel Daich, con edición digital del sello RGS, funcionó como una radiografía de una comunidad en plena expansión. Para Lucho, el fenómeno del swing en Buenos Aires no es una moda pasajera, sino un proceso de más de dos décadas apuntalado por la cultura del baile, que empezó como una réplica de la movida del neo-swing en la costa Oeste de los Estados Unidos, a fines de los 90: “Hay una renovación generacional constante. A mí me encanta ver a pibes jóvenes tocando y bailando esta música, porque hace cien años era justamente la música que tocaban y bailaban los jóvenes. Aunque sea música centenaria, está ayornada a la época y mantiene una energía impresionante”.
Lucho inscribe su nombre en un linaje que incluye a nombres importantísimos para el jazz de Nueva Orleans y el swing en Argentina. Un listado caprichoso e incompleto que incluye a Rolando Vismara, Rodolfo Yoia, Carlos Caiati, Cachi Carrizo, Ricardo Esain, Juan Pablo Scenna, Eduardo Manentti y próceres como Lalo Scenna, Enrique Varela, Marito Cosentino, José Medina y Yimo Riportella, entre muchísimos otros.
Como un hilván (no tan) invisible, hay un componente que atraviesa todas sus facetas: la pedagogía y la divulgación histórica.”En todos los shows nos gusta hablar de la historia detrás del ritmo”, explica. “La washboard, por ejemplo, tiene un origen profundamente ligado a los afrodescendientes esclavizados en el sur de Estados Unidos, a quienes no les permitían tener instrumentos y empezaron a hacer música con objetos cotidianos, lo que hoy llamamos cotidianófonos. Explicar eso genera primero sorpresa y después mucha alegría”.
Esa labor difusora lo llevó también a dar clases a distancia a alumnos en Estados Unidos, Europa y China. A la hora de definir su lugar en la música, Pellegrini es claro: “Me encanta ser parte de la tradición del jazz tradicional argentino y hacerla crecer, pero no desde un lugar museístico. No lo pienso como ‘tocar la música tal como fue hace cien años’, sino cómo tomar esas canciones y darles nuestra propia impronta actual”.
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POST MORTEM (2021) fue su debut soñado. Por cesárea (2024), la reivindicación definitiva de su peculiar propuesta. Ahora, tras dos años de “descanso”, Dillom anuncia LA NUEVA VIOLENCIA, su próximo álbum de estudio y el esperado regreso de uno de los artistas más propositivos de la escena latinoamericana contemporánea.
Su descanso fue, en realidad, relativo. Tras el último LP en 2024, el argentino anunció una pausa indefinida de su carrera musical, aunque nunca desapareció del todo del foco mediático. En ese tiempo publicó ‘Rojo profundo’, su único sencillo en solitario desde 2024, coronó un histórico concierto en el estadio Vélez en 2025 y colaboró con artistas como AgusFortnite2008 y Stiffy (‘EL MOROCHO, EL RUBIO Y EL COLO’), Lali (‘33‘) y Six Sex (‘Tócame‘). Además, fue portada de Rolling Stone Argentina.
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Su regreso ha sido, cuanto menos, enigmático. Sin previo aviso, el artista inició una transmisión en vivo en su canal de YouTube bajo el nombre LNV, donde únicamente podía verse una sesión de ensayo. El directo permaneció activo durante poco más de cuatro días antes de ser deshabilitado de la plataforma. Menos de una semana después llegó el anuncio oficial del álbum y de su fecha de lanzamiento, acompañado por una peculiar estrategia de marketing protagonizada por una figura de cartón del propio Dillom vestido con trajes elegantes, evocando en algunos casos la imagen de un presentador de concursos televisivos de las décadas de los ochenta y noventa, recorriendo distintos puntos de Buenos Aires e interactuando con figuras públicas de la cultura argentina.
La escasez de información hizo que las teorías de los seguidores no tardaran en aparecer. Semanas atrás comenzó a circular un supuesto tracklist del proyecto que nunca fue confirmado oficialmente, aunque la reacción de una presunta cuenta secundaria del artista —desde la que el bonaerense se habría “apropiado” del perfil— llevó a muchos a interpretarlo como una validación implícita. Otros, en cambio, recordaron un video de su presentación en Cosquín Rock en el que mencionaba “la nueva violencia” como “lo último de lo último”, una frase que ahora parece cobrar un nuevo significado.
Con apenas un título, una campaña promocional cargada de simbolismo y casi ningún detalle sobre su contenido, LA NUEVA VIOLENCIA ya se perfila como uno de los lanzamientos más esperados del año en Argentina. Si algo ha demostrado Dillom con trabajos anteriores es que cada uno de sus discos representa un nuevo universo creativo. Ahora solo queda esperar para descubrir cuál será la próxima mutación de uno de los artistas más impredecibles de la música latinoamericana.
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Con el lanzamiento de ‘años, no meses’ junto a Kevin Roldán, Michelle Maciel dio inicio a una nueva era en su carrera artística. El cantante oriundo de Obregón, Sonora ya se prepara para el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, que llevará por título La Gloria. El proyecto promete ser una mezcla de géneros sumamente interesante, con el urbano, los corridos y los boleros conviviendo en armonía.
A unos días de la publicación de su más reciente sencillo y con La Gloria en puerta, Michelle Maciel se reunió con ROLLING STONE en Español para hablar de lo que el público podrá esperar de esta nueva etapa, cómo estará conformada tanto narrativa como sónicamente, la evolución de su conexión con el regional mexicano y mucho más.
Felicidades por este nuevo sencillo junto a Kevin Roldán y por esta nueva etapa. ¿Cómo surgió la idea de desarrollar este tema junto a Kevin?
Hice un camp en Guadalajara el año pasado con gente muy talentosa. Happykid, un productor que para mí es de los mejores con los que he trabajado, si no es que el mejor; Mendoza, que también es un compositor muy bueno y que también tiene su proyecto musical, y muchas personas súper talentosas.
Dije, “En este camp, lo que quiero es hacer música de corazón, música que conecte conmigo y música real”. Surgió esta canción y al inicio el instrumental era totalmente urbano, pero ahora que traigo este disco que se llama La Gloria, tiene boleros, tiene reggaetón y tiene corridos, pero tú lo vas a escuchar y todo se siente dentro de una misma atmósfera. ¿Por qué? Porque nos encargamos de deshacer las canciones y volverlas a hacer para que tuvieran la mantener su esencia, pero acoplar este tipo de música un poquito más clásica, con unos pianos ochenteros y violines. Grabamos con músicos con cuerdas, con Mariachi de Tecalitlán.
Yo sabía que quería un sonido así, pero no sabía cómo hacerlo. Fue prueba y error. A ver, no sabía cómo hacerlo, pero sabía cómo quería que sonara. Mi productor casi me mató porque ya teníamos la canción lista y la estábamos haciendo y deshaciendo.
Siempre me ha encantado el trabajo de Kevin Roldán y creamos contacto cercano porque el año pasado también lo ayudé a hacer un EP de canciones regionales. Tenemos buena comunicación, estamos siempre pendientes y le pasé dos temas, uno de esos ‘años, no meses’, y se montó, le metió su verso y para mí fue un sueño, la neta. Me encanta el trabajo de Kevin Roldán.
Ahorita hablabas precisamente de cómo evolucionó el sonido de la canción y me llama mucho la atención cómo empieza con estos arreglos orquestales que dan paso a un reggaetón que es verdaderamente delicioso. ¿Qué los llevó a comenzar el tema de esta forma y cómo es la conexión entre estos dos géneros que parecen opuestos?
Para mi gusto, creo que se llevan y no te das cuenta de la transición. Yo soy muy fan de la música clásica, la música de la época de mi mamá, donde escuchaban a Luis Miguel, Alejandro Fernández, mis abuelos con el mariachi. Es música que siempre he estado escuchando en mi vida diaria.
Creo que tuvo que influir mucho Bad Bunny y el movimiento de traer la salsa a su disco. A lo mejor no te voy a hacer música clásica totalmente, porque no va a tener la misma repercusión, pero jaló un poquito de la divinidad de aquella música y de lo clásico a lo actual. Pensé, “¿Cómo lo hago a mi modo? ¿Cómo lo hago parte sin que la gente se aburra?”, porque ahorita hay otras tendencias, pero es música que siempre me ha gustado. Así fue como lo hicimos.
De hecho, hay una canción en el disco que se llama ‘Dolencias’, que era totalmente una canción hecha urbana. Yo quité totalmente la instrumental y la mandé a hacer arreglos con el Mariachi de Tecalitlán. Te estoy hablando de 30 músicos grabando en vivo, cuerdas, puras cuerdas, pero con melodías y letras actuales.
También te quiero preguntar por lo que hablamos hace rato de la unión entre estos dos géneros. Desde lo musical, ¿tú por qué crees que estos ambos estilos no sólo coexisten, sino que hacen que una canción pueda crecer en calidad?
Diste totalmente en el clavo: crecer en calidad. Creo que los músicos en vivo es una magia que no me gustaría que se pierda y siento que cada vez se ha ido usando menos o se ha ido computarizando todo. Pero no hay nada como grabar en vivo, que de repente estos desperfectos se vuelven perfectos. Es música clásica, música que suena cara.
Siento que la fusión de la música suena cara y es cara, porque también es caro grabar en vivo. No cualquiera se va a meter al estudio y te va a decir, “A ver, ármame un arreglo con 30 músicos grabando cuerdas”, porque para que se escuche esa calidad es más trabajo, es más tiempo, cuantizar instrumentos, grabación de instrumentos, contrato de contratación de personal. Es por eso que siento que le da ese toque caro, porque realmente sí es algo caro, además de la experiencia de los músicos que hay detrás, que le dan totalmente el toque. Al final de cuentas, creo que se junta lo caro y lo elegante con lo actual, que es cool. Coexisten muy bien.
Este sencillo reflexiona sobre nuestra actualidad, donde lo que domina es la inmediatez. Es un llamado hacia la paciencia, hacia construir las cosas con muchísimo más tiempo y a darnos también nosotros el tiempo de disfrutar ese proceso. ¿Qué te llevó a explorar este concepto?
Justamente en mi disco se llama ‘La Gloria’, porque mi novia se llama Gloria, así que escribí diferentes partes de mi relación. Hay canciones que se hicieron hace dos años, canciones que se hicieron hace tres meses, etc. En cada etapa de mi vida me gusta mucho escribir cómo me siento en el momento y en ese momento me agarró la musa del enamoramiento y el “duremos años y no meses”. Algo romántico, tratando de no caer en lo cursi.
¡Qué chilo! Ahorita me decías que este proyecto tiene canciones desde hace dos años, otras que son de hace tres meses. ¿Cómo es el proceso de hacer esa selección de temas y depurar musicalmente el disco?
En este disco me dejé guiar por las canciones que conectaran. No pensé, “Esta va a pegar, esta no va a pegar”, sino en, “Esta me gusta”, “Con este resueno”, “Es una canción que puedo salir a vender”, “Es una canción que me voy cantando”, porque me di cuenta que a veces hacer música vacía por hacerla y para que a la gente le guste no es el camino. Neta, creo que este año fue ese pensamiento el que me cambió mi forma de ser y de actuar al momento de hacer música. Si yo soy real, va a haber gente real detrás de esas pantallas conectando también. Creo que eso fue lo que me guia a escoger cada canción.
Y hablando del sonido de este proyecto, hace rato me hablabas de que van a convivir dentro de este universo reggaetón, corridos, también boleros. ¿Cómo logras que tantos sonidos distintos y cuyas bases musicales son completamente diferentes convivan en un solo álbum y que se sienta que viene de la misma raíz?
Creo que las melodías y la letra son algo que me define mucho. Haga el género que haga, siempre va a tener una esencia porque están mis melodías, mi letra y mi forma de interpretar, además de que también hay una unión a nivel musical; que todos están unidos por las cuerdas y los pianos.
Vas a escuchar una canción y vas a decir, “Bueno, tiene la misma vibra”, y a lo mejor uno está en tres cuartos, pero al final de cuentas es lo mismo, simplemente cambia el instrumental. Porque a veces hago canciones urbanas que se hacen corridos o corridos que se hacen canciones urbanas. Creo que no hay reglas y entre más las rompas mejor. Ya ves a Grupo Frontera, por ejemplo, no se escuchan sus cumbias tan actuales porque Frontera no las hace empezándolas en cumbia. Edgar Barrera dice, si no me equivoco, que él empieza sus canciones como urbanas y luego las traduce a la cumbia. Por eso es que suenan tan frescas. Yo hago lo mismo con mi proyecto. De repente hago una canción urbana, por ejemplo, y luego le meto los instrumentos que son más clásicos o viceversa. A lo mejor se hace clásica y le metes instrumentos actuales.
Creo que se trata de ir encontrando la vibra, pero al final de cuentas las melodías y las letras son las que te dicen que hay una línea que se está siguiendo, que hay una misma persona detrás de todo.
Oye, y con esta exploración de géneros, si bien sigue estando muy arraigado en ti el regional mexicano, obviamente te has alejado en el sentido de que has explorado muchísimos más sonidos y has experimentado con muchísimos elementos de otros géneros, pero ¿cómo ha evolucionado tu relación con la música regional mexicana?
Yo originalmente empecé siendo urbano y el regional fue algo que se me dio en el camino porque vengo de Sonora y toda la vida he escuchado regional —una salida de borracheras y con el norteño, con los corridos— y es bien raro porque se me han abierto puertas muy fácil en el regional y no considero que sea de la misma forma en el urbano, y no es una puerta que me gustaría cerrar, pero tampoco en lo que me gustaría encasillarme.
No sé si es que no he encontrado mi línea o si es que no me quiero casar con una línea. También este disco siento que me va a enseñar mucho a entender qué le está gustando al oyente, porque he visto que gusta casi igual el urbano que el regional, así que quiero encontrar la forma de hacer que coexistan y que la gente no se pierda y digan, “A ver, pero, ¿qué hace Maciel?”,sino que entiendan la vibra, que todo se vuelva parte de un mismo universo y que sea mucho más digerible.
¿Y encuentras una diferencia entre esas dos audiencias o de verdad tu público entero disfruta de los dos géneros?
Qué pregunta tan buena acabas de tocar porque el género del regional mexicano es muy machista. De hecho, si te metes a mi Spotify, te pones a ver artistas en común, te sale Xavi, te salen Los Esquivel, te sale puro artista masculino. No hay un artista femenino que salga como que la gente escuche también aparte de mi música. Creo que son audiencias muy, muy, muy, muy diferentes y que todavía le falta mucho al regional mexicano para que sea algo todavía más de hombres y mujeres, pero también creo que se están abriendo caminos porque ya justo el regional está siendo más romántico.
Eres oriundo de Sonora y su escena ha cambiado mucho. Antes, el camino del artista sonorense era voltear para el norte, ir a Estados Unidos, sobre todo cuando eran temas de regional, y eso ya cambió y cada vez vemos más artistas del noroeste llegar a la Ciudad de México y hacer carrera. ¿Tú cómo ves la forma en la que ha cambiado esta escena?
Está perrísimo que ahora todo el mundo quiere ser norteño, ¿no? Tú dices que eres de Culiacán, de Sonora, de Chihuahua, y dicen, ‘¡Ay, cabrón! A ver, vente para acá, vamos a ver qué hacemos”. Se está haciendo un movimiento también en Monterrey. Hay un chingo de gente bien talentosa, y uno dice, “¿Qué está pasando en esos espacios que está saliendo tanto artista tan bueno?” Ahora decir que eres el norte es un, “Ah, cabrón, ¡qué perro!”
Michelle, y por último, ¿qué es lo que quieres que ellos se lleven de ese nuevo material?
Quiero que se lleven algo que perdure, algo que dure años y no meses, no como la canción de hoy en día, que me atrevo a decir que es muy desechable en su mayoría, la canción de TikTok. Considero que soy un artista que tiene mucho más que dar. Me gustaría que la gente se dé la oportunidad de llorar, por ejemplo, o que digan, “Quero dedicar esta canción que estoy bien enamorado” o “Quiero darme un pinche shot de tequila con todo el gusto del mundo escuchando esta canción”, quiero sacar el sentimiento de la gente a flor de piel, que la gente conecte y que perdure ese sentimiento.
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La espera terminó para los fans de New Order en Argentina. La banda británica regresa al país para ofrecer un único show el próximo 1 de diciembre de 2026 en Mandarine Park. Y, como si eso no fuera suficiente, habrá ingrediente extra de peso: Tricky, figura central del trip-hop de Bristol, será el invitado especial de la jornada.
Tras la muerte de Ian Curtis en 1980, los integrantes de Joy Division Bernard Sumner, Peter Hook y Stephen Morris iniciaron una nueva etapa bajo el nombre de New Order y terminaron redefiniendo para siempre los límites entre el post-punk, el synth-pop y la música electrónica con canciones que se convirtieron en clásicos, como “Blue Monday”, “Bizarre Love Triangle”, “Regret”, “True Faith” y “Temptation”.
La formación actual de New Order para recitales está compuesta por Bernard Sumner, Phil Cunningham y Tom Chapman, tras la salida indefinida de los veteranos miembros Stephen Morris y Gillian Gilbert por motivos de salud.
La presencia de Tricky suma un atractivo adicional a la velada. Integrante del círculo creativo que dio origen a Massive Attack y responsable de álbumes fundamentales como Maxinquaye (1995), el músico británico se convirtió en una de las voces más singulares de los años noventa.
Different When It’s Silent, el primer disco de Tricky en seis años, editado hace apenas dos semanas, funciona como una catarsis atravesada por el duelo por la muerte de su hija y marca su regreso más personal y potente, con nuevas colaboraciones y la decisión de volver a poner su nombre al frente del proyecto.
Las entradas para ver a New Order y Tricky en Mandarine Park se pondrán a la venta a través de Passline el próximo miércoles 5 de agosto a las 12:00, con la posibilidad de acceder a seis cuotas sin interés para clientes de Banco Galicia.
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Ariana Grande brilla más cuando conecta con emociones fuertes, y en Petal no oculta como se siente. La cantante describe el álbum como “feral” la tiempo que explica, “Lo escribí desde un lugar que no suelo explorar: la ira sin filtro”. En el tema más pegajoso, ‘oh well’, dice, “Te deseo suerte en tu camino hacia el infierno”, que complementa a la perfección el siguiente verso, “No te preocupes, porque seguirás recibiendo canciones sobre ti”.
Dicha furia se encuentra a lo largo y ancho de Petal. Igual, funciona muy bien para su estilo musical porque Ariana siempre se destaca y es más auténtica cuando abraza lo nuevo y sigue adelante sin importarle la opinión de otros. Hasta la portada hace parte de su manifiesto: luce su pelo suelto. El hecho de que abandone su cola de caballo es igual de icónico que cuando George Michael prendió fuego a su chaqueta de cuero. Para algunos de nosotros, no hay Ariana que se compare con la Ariana enfadada.
La primera muestra del proyecto fue ‘i hate that i made you love me’. La pista llegó al número uno en las listas de los éxitos, aunque, termina jugando un papel menor en el disco completo. El sencillo funcionó como una advertencia sobre cómo se siente la cantante por estos días. Sin embargo, dirige sus críticas más hacia la cultura que a algún examigo o examante en específico. “¿Por qué odian ver a las mujeres resistir?”, declara. “¿Es realmente mi culpa que me dieran sus corazones sin que lo pidiera?”.
Ariana arremete contra la maquinaria de rumores que no le ha quitado las garras de encima últimamente, pero ella siempre se ha caracterizado por utilizar este conflicto con la prensa y las redes para impulsar su arte. Esto se repite a lo largo del proyecto, con versos como “Prácticamente me ahogo en bendiciones” (como dice en ‘petal’) o, “Todos los rumores me alimentan” (como dice en ‘like i do’). El odio que recibe la motiva.
Para su retorno de 2024, lanzó Eternal Sunshine, un ciclo musical marcado por su complejidad. Apenas sacó el LP, parece que decidió escapar del centro de atención, como si le asustara la profundidad de lo que reveló en esas canciones. Entonces, optó por revivir su carrera de Hollywood con la saga de Wicked en vez de volver a la rutina usual de promoción musical. Parecía que se sentía más segura en la tierra de Oz ante la ruptura amorosa que narró en ese disco.
En este momento de su carrera, los titulares discutían su romance con su compañero de set Ethan Slater, situación que inspiró ‘yes, and?’, el hit que pregunta “¿Qué les importa con quien me acueste?”. En Petal, trae ganas similares de callar a aquellos que esparcen los rumores. Primero, terminó silenciosamente su relación con Slater, después, volvió con Ricky, uno de los ex que menciona en ‘thank u, next’, su canción de 2018 en la que canta, “Escribí canciones sobre Ricky / Ahora las escucho y me río”. Durante su gira actual, Eternal Sunshine Tour, ha cambiado esa segunda parte de la letra por “Y ahora son más bonitas”, “Y sé que aún me respalda” o “Siempre nos encontramos”.
Después de todo, tiene toda la razón, ‘thank u, next’ aún sigue siendo una canción al igual que las canciones más iracundas de este álbum. ‘oh well’ llega con fragmentos de sintetizadores estilo Eurodisco y percusiones de drum and bass mientras Ari trata de echar a la basura los hábitos disfuncionales y personas tóxicas de su vida, “Mis amores fallidos se convocan disfrazados de amigos”. Al final, se compromete a cambiar, declara “La gente mala se puede ir al infierno”.
Las pistas de Petal se presentan con una vibra de medio tiempo, más reducida y calmada antes que algo más grande y espectacular. La intérprete coescribió y coprodujo el proyecto entero junto a Ilya Salmanzadeh, la productora sueca que la ha acompañado desde ‘Problem’, y Max Martin, quien aportó su talento para tres canciones. El tema con la mejor producción es ‘freak’, el cual contribuye sintetizadores ochenteros —que rememoran a Upstairs at Eric’s de Yaz— que colorean el sonido con chasquidos y capas de harmonías.
Grande reflexiona sobre las ironías presentes en la vida del estrellato, transformando sus experiencias personales en éxitos. “Dicen que el artista requiere lágrimas para escribir más”, dice casi después de una década desde que publicó ‘no tears left to cry’. A veces se pregunta si el desamor que sufre se justifica por la calidad de la música que inspira e imagina una audiencia cínica que le murmulla que eso no importa “siempre y cuando resulte en una ovación”.
Petal reúne estos dilemas mientras los confronta de una vez, pues anhela las canciones al igual que desea el romance. “Todas mis historias favoritas terminan en catástrofe”, confiesa. “No necesito que me salven / Que esta música no morirá, y yo tampoco”.
‘warning signs (interlude)’ desempeña un papel similar a ‘Silver Springs’ de Stevie Nicks; imagina a su ex siendo atormentado por su voz que emerge de las ventanas de los taxis que pasan por ahí. “Mi dolor música para ti”, canta con una intención burlona. “No me mereces / Tú lo sabes, nunca lo has hecho / Pero quiero que me sientas”. En ‘kiss me’, cita al Dr. Hunter S. Thompson (“Compra el tiquete, haz el viaje”), se lanza a la lujuria obsesiva y suplica, “Bésame, como si fueras consciente de que es la última despedida / Agárrame como si mi vida dependiera de ello”.
En la recta final del tracklist, habla sobre la renovación emocional que produce volver a iniciar una relación sólida con ‘nowhere, nobody’ o ‘never get over me’, donde canta, “El pasto es más verde / Desde que estoy debajo de ti”. En “big feelings”, un tema saturado de R&B noventero, celebra, “Puedes culpar a las estrellas o a tu signo zodiacal / El buen sexo te hará llorar”. Dicho romance tiene un peso espiritual pero se siente ligero al mismo tiempo pues dice, “Debes haberme merecido históricamente” y, “Te amo terapéuticamente”.
Eternal Sunshine y su expansión, Brighter Days Ahead, significaron grandes hitos en su evolución creativa, pero lo que hace de Petal más especial es que muestra un lado más suelto y espontáneo. “Viene de un lugar tímido, un rincón que, por ser amable, no había tocado [creativamente] antes”, confesó. “Esto se siente como, ‘mandarlo todo a la mierda’”. Sí, claro, Ariana, nada dice “tímida” y “amable” como una diva del pop que regaló al mundo ‘break up with you girlfriend, i’m bored’. De cualquier modo, esa actitud irreverente sale a relucir en Petal y es lo que le permite sacar lo mejor de sí misma.
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