When Drake announced plans for FOMO, plenty of theories were floated on social media by rap fans about what to expect. The 6 God’s “not so short film” arrived on Tuesday night (Sept. 15), just four months after his May trifecta of albums.
Lasting just over an hour, Fear of Missing Out is similar to Drizzy’s ICEMAN livestream, which essentially saw him turn portions of the short film into a visual album for tracks from his HABIBTI and MAID OF HONOUR albums.
But that wasn’t it, as Drake completed side missions throughout the clip, which featured appearances from Sexyy Red; Stunna Sandy; his mother, Sandra Graham; NBA star Kevin Durant; model Winnie Harlow; Lena the Plug; his “goth baddie” and more.
He couldn’t put together an event like FOMO without some new music, which saw him debut unreleased collaborations with Don Toliver, PartyNextDoor and Yeat.
In all, there are nine new tracks sprinkled throughout the short film, including his anticipated interpolation of Ella Langley’s “Choosin’ Texas” smash.
Following a premiere of FOMO in Toronto, Drake revealed that he’s set to hit the road again in 2027 for a world tour, which will include his first North American trek since 2023.
“Obviously, tour is coming and there’s other things on the horizon, some big shows,” he said. “We’ll be out 2027 to see everybody again across the world… We’ll see you on tour soon.”
Even after feeding fans three albums, The Boy is still clearly inspired creatively in the studio and has continued working on new ideas, but this feels like more of a care package he wanted to get out, rather than kicking off his next era.
Unfortunately, Drake made FOMO private on his YouTube page after the short film’s debut. Here’s everything we learned from Drake’s short film.
The earliest surviving television appearance of The Seekers, Australia’s most successful music export of the 1960s, has been rediscovered, digitized and shared online.
The eight-minute video captures Judith Durham, Keith Potger, Bruce Woodley and Athol Guy lip-syncing to two of their own songs, “A Closer Walk with Thee” and “Myra,” for an appearance on the Graham Kennedy-hosted live variety show In Melbourne Tonight.
In the clip, Kennedy, the late Australian TV legend remarks: “There’s no gimmicks there, and it’s a great, strong voice, isn’t it?”
That performance beamed out March 23, 1964 on GTV, and hasn’t been broadcast for six decades, according to the National Film and Sound Archive, the organization that collects, preserves and shares Australia’s audiovisual culture.
“This is arguably the tape that kickstarted The Seekers’ international success,” explains NFSA senior curator Simon Smith. “Forgotten for 60 years, it’s now digitized and available for the world to enjoy.”
According to the vault, the folk-pop trailblazers sent the black and white 16mm film as promotional reel to U.K. talent agency The Grade Organisation.
The rest is recorded music history.
With their 1965 song “I’ll Never Find Another You,” The Seekers became the first Australian act to hit No. 1 on the U.K. singles chart.
Later that year, they climbed the U.K. chart summit again with “The Carnival Is Over.” In the space of just two years, they grabbed six U.K. top 10 hits, including their best-known track “Georgy Girl,” which was nominated for an Academy Award for original song and reached No. 2 on the Billboard Hot 100.
In 1967, at the very peak of their powers, the four-piece performed to an audience of 200,000 — still considered the biggest concert crowd in the southern hemisphere — and they were named Australians of the Year.
Durham embarked on a solo career in 1967, and reunited with the band on several occasions, including in 2013, for the Seekers’ 50th anniversary tour. Those best-laid plans, however, took a back seat when Durham suffered a cerebral hemorrhage.
She recovered, and the following year Durham and her bandmates were individually recognized as Officers of the Order of Australia.
The Seekers were inducted into the ARIA Hall of Fame in 1995, they received the Ted Albert Award for outstanding services to Australian music at the APRA Awards in 2013, and they’ve had a stamp issued in their memory. Durham died in 2022, aged 79, after suffering complications from a long-standing lung condition.
The NFSA acquired the footage to mark the 70th anniversary of the launch of television in Australia, a moment that was timed to coincide with the 1956 Summer Olympics in Melbourne. Keith Potger, curator of Judith Durham’s estate memorabilia, donated the rare film.
Read more on The Seekers’ early days and watch the footage here.
It took just one song for Colombian ARIA VEGA to make her Billboard debut — and go straight to No. 1. “Chévere,” her collaboration with Ryan Castro, rockets 6-1 on the overall Latin Airplay chart dated Sept. 19, giving VEGA her first chart-topper and Castro his second.
“I’m receiving this incredible news from Madrid, where I’m attending Fashion Week with a wonderful Colombian brand,” VEGA tells Billboard. “Soon, I’ll return to Macondo to open for Shakira during her residency at Macondo Park. I am also recording reimagined versions of my songs infused with Colombia’s coastal sounds, including drums and gaita flutes, so I couldn’t be happier!”
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“Chévere,” on AWOO/Warner Latina, hits No. 1 on the overall Latin Airplay chart after a 23% gain in audience impressions, to 6.6 million, earned during the Sept. 4-10 tracking week in the United States, according to Luminate. The song removes Jay Wheeler’s “De Lejitos” after two weeks in charge — it falls to No. TK.
“I’m incredibly excited,” Castro shares with Billboard from Washington D.C, one of the stops on his SENDÉ World tour. “’Chévere’ [which translates to ‘cool’ in English] is a song I sing every night, so seeing it reach No. 1 on Latin Airplay fills me with pride. I’m very grateful to ARIA, my team, and everyone who continues to support my music.”
If we take a closer look at activity surrounding Latin Airplay in 2026, 33 songs have hit No. 1 this year, 23 have been collaborations—including 15 duets. But “Chévere” stands apart, as the only chart-topper by two Colombian artists, and just the sixth No. 1 by soloists from the same country. Other same-nation pairings include Puerto Rico’s Bad Bunny and RaiNao with “Perfumito Nuevo” and Zion and Chencho Corleone with “Caducaste”; Romeo Santos and Prince Royce, representing Dominican Republic, with “Lokita Por Mí” and “Dardos”; and Mexico’s Xavi and Carín León with “La Morrita.”
Beyond its Latin Airplay coronation, “Chévere” also hits No. 1 on Latin Rhythm Airplay, where Castro adds his second champ. Plus, it rises to new peaks on the multi-metric charts Hot Latin Songs and Hot Latin Rhythm Songs, at Nos. 21 and 12, respectively.
“I really love ARIA’s music,” shares Castro. “I sent her a DM because I truly liked what she was doing, and from there, everything came together very organically. The chemistry behind creating ‘Chévere’ felt incredibly natural.”
Calvin Harris will return to Australia early next year for his first-ever headline tour.
The superstar Scottish DJ and producer will go coast-to-coast for a four-city trek next February, his first in these parts as the main man.
Presented by Untitled Group, Full Circle and Live Nation, Calvin Harris – Australia Tour 2027 will get Perth bouncing from Feb. 18, 2027 at Langley Park, then heads east for shows in Brisbane (RNA Showgrounds on Feb. 19), Sydney (The Domain, Feb. 20) and wraps up at Melbourne’s Flemington Racecourse (Feb. 26).
Aussie fans can expect Harris to whip out his anthems, reps say, from “One Kiss” with Dua Lipa, to “This Is What You Came For” featuring Rihanna, “Summer,” “Feel So Close,” “Sweet Nothing” featuring Florence Welch, and “Blame” featuring John Newman.
The Grammy Award-winner last visited Australia as the mainstage headliner for Festival X in late 2022, and has previously performed sets at the Stereosonic in 2011, 2012, and 2014, and the 2010 Big Day Out (Festival X, Stereosonic and BDO are no longer on the festivals calendar).
The towering EDM star (real name: Adam Wiles) boasts 11 No. 1 singles in the United Kingdom, dating back to his 2008 collaboration with Dizzee Rascal, “Dance Wiv Me.” No other dance act has more leaders on the Official U.K. Singles Chart.
His collection of career honors include two Brit Awards, an Ivor Novello Award, he owns the record for the most U.K. No. 1 singles in the 2010s (eight), and has the distinction of being the first British solo artist to pass one billion streams on Spotify.
The general public on-sale for Harris’ tour down under starts next Thursday, Sept. 24 at 1pm local time.
Full event details, pre-sale registrations, and ticketing information can be found here.
Calvin Harris – Australia Tour 2027:
Thursday, Feb. 18 — Langley Park, Perth
Friday, Feb. 19 — RNA Showgrounds, Brisbane
Saturday, Feb. 20 — The Domain, Sydney
Friday, Feb. 26 — Flemington Racecourse, Melbourne
ADÉLA’s debut full-length studio album PRIMA premieres atop two Billboard album charts, as the set launches at No. 1 on both Top Album Sales and Vinyl Albums (dated Sept. 19). The project also bows at No. 4 on the overall Billboard 200, marking the highest entry for a full-length debut studio album this year.
PRIMA enters the Billboard 200 with 56,000 equivalent album units earned in the United States in the week ending Sept. 10, according to Luminate. Of that sum, album sales comprise 31,000, of which vinyl purchases account for 12,000. (Units comprise album sales, track equivalent albums [TEA] and streaming equivalent albums [SEA]. Each unit equals one album sale, or 10 individual tracks sold from an album, or 2,500 ad-supported or 1,000 paid/subscription on-demand official audio and video streams generated by songs from an album.)
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The 22-year-old Slovakian singer/songwriter gained attention in 2023 when she participated in Dream Academy, the reality competition show that eventually launched KATSEYE. While she was one of the first contestants eliminated from the program, she would drop her debut single “Homewrecked” in 2024, and then “Superscar” soon after. In 2025, she signed to Capitol Records and released her first EP, The Provocateur. She made her Billboard Hot 100 debut in August with the PRIMA track “Ain’t in LA,” which jumps 57-30 on the chart this week, scoring the artist her first top 40-charted hit. She also debuts on the list with the album’s “Nicole Kidman” at No. 45.
ADÉLA leads a busy top 10 on the Top Album Sales chart dated Sept. 19. Ariana Grande’s former No. 1 petal pushes 31-3 after a new deluxe edition with live tracks arrived, Beyoncé’s chart-topping B’Day reenters at No. 4 after the release of its expanded anniversary reissue, MONSTA X’s The Phase bows at No. 7, and PRESIDENT’s Blood of Your Empire enters at No. 9.
“Rajah of Rhinestones” and “Sultan of Sequins” were the two titles given to the legendary nine-time Emmy-winning and three-time Oscar-nominated costume designer Bob Mackie, and they couldn’t have been more fitting. Recognized for being behind some of the most sequined and sparkling outfits in Hollywood, Mackie — who died Monday (Sept. 14) at age 87 — has left an unforgettable mark on pop culture with his timeless work.
Mackie’s career as a costume designer spanned more than half a century. He began designing in 1961, earning his breakout gig through his work as a costume designer on the The Carol Burnett Show. From Cher’s elaborate, head-turning “nude illusion gown” and feathered headpiece at the 1974 Met Gala to Sabrina Carpenter’s iconic three-set archival Mackie look at the 2025 MTV Video Music Awards and its afterparty, the designer has a number of dazzling pieces that have been seen on plenty of music’s biggest stars and inspired the work of countless others.
“It is with a heavy heart that we share the news that Mr. Bob Mackie passed away today,” read the statement shared to Mackie’s social media about his death. “He lived his 87 years to the fullest, fulfilling his dream of being a Fashion and Costume Designer, which is all he ever wanted to do. His genius and extraordinary designs will live on forever, continuing to bring beauty into this world.”
In honor of Mackie’s iconic outfits, Billboard has compiled photos of music artists who have worn some of his intricate and beautifully designed ensembles below.
El mes pasado se cumplió el primer año desde la trágica muerte de Brent Hinds, exguitarrista y cofundador de Mastodon, quien había dejado la banda tan solo unos meses antes del accidente en el que perdió la vida. El aniversario coincidió con el lanzamiento del álbum más reciente de la agrupación de metal, Marrow Deep, un disco en el que Brann Dailor y compañía abordan los pensamientos y emociones que surgen al tramitar una pérdida.
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La banda ha dejado claro que la herida por la partida repentina de Hinds continúa abierta y, tanto en entrevistas como en un video compartido en su perfil de YouTube, sus miembros han hablado sobre la relación compleja que sostuvieron con el difunto músico en los últimos años y cómo su último disco está ligado a él pese a no haber contado con sus contribuciones.
Todo parecía andar sin mayores contratiempos hasta que la semana pasada se conoció la noticia de que el patrimonio del guitarrista interpuso una demanda en contra de Mastodon por mala compensación. De acuerdo con el documento oficial presentado ante el Tribunal del Condado de Fulton, en Estados Unidos, la agrupación y su exmiembro no alcanzaron a llegar a ningún acuerdo para que este último cediera sus derechos sobre el proyecto que ayudó a fundar en el año 2000.
La demanda expone que Hinds fue despedido mediante un correo electrónico en donde se le explicaron los términos del fin de la relación laboral y se le informó que el grupo compraría el porcentaje que le correspondía, incluyendo derechos sobre la música y merchandising. No obstante, las partes nunca pudieron llegar a un acuerdo pues el guitarrista murió cinco meses después de su despido.
Su patrimonio alega que Mastodon le hizo llegar un cheque por 80,000 dólares para comprar su parte, pero sin explicar los cálculos detrás de dicha cifra, por lo que tomó la decisión de no redimirlo hasta conocer la justificación. Además, acusa a la banda de aprovecharse de la imagen del músico fallecido para promocionar su más reciente trabajo discográfico al utilizar lo que parece ser su rostro en la portada.
El arte de Marrow Deep, pintado por el artista Paul Romano, es una interpretación de las Moiras de la mitología griega. En conjunto, las tres representan el ciclo de la vida. La última, que tiene rostro de murciélago y sostiene unas tijeras con las que corta la vida, tiene bajo su manto varios rostros y uno de ellos se asemeja a Hinds. “Los demandados seleccionaron y posicionaron una imagen reconocible de Brent en la portada de Marrow Deep y difundieron dicha portada para promocionar, vender y distribuir copias físicas del álbum, descargas digitales, reproducciones, merchandise y demás bienes o servicios”, dice en la demanda.
Antes del lanzamiento del álbum, Mastodon compartió un video de más de media hora en el que aborda las circunstancias que desencadenaron el despido de Brent Hinds. Allí, los cofundadores sobrevivientes Brann Dailor, Bill Kelliher y Troy Sanders explican que los problemas con el alcohol del guitarrista afectaron el desempeño de la banda y su relación de amistad, situación que se reflejó en su LP de 2021, Hushed and Grim. Según mencionan, el difunto músico ignoró sus súplicas de dejar la bebida por su bien, el de su familia y sus amigos.
Aunque la demanda no menciona explícitamente el alcoholismo, sí acusa a los músicos de compartir “detalles de su vida privada que les fueron confiados y que él decidió mantener en privado mientras estuvo con vida”.
La respuesta de Mastodon a la acción legal en su contra llegó poco después en un comunicado breve en el que niega las acusaciones, pero advierte que mantendrá los detalles de la disputa en privado. “Tristemente, una disputa privada con el patrimonio de nuestro querido amigo Brent Hinds se hizo pública”, se lee. “Negamos rotundamente las acusaciones de que actuamos con mala fe y vamos a defendernos en lo que consideramos una demanda improcedente. No hablaremos de esto públicamente pues creemos que esto no honraría la memoria ni el legado del talento musical de Brent”.
Fue en marzo de 2025 que Mastodon dio a conocer la noticia de la salida de su guitarrista y miembro fundador por motivos que, en aquel momento, no fueron revelados. Pese a que el comunicado decía que la relación había terminado por mutuo acuerdo, Hinds luego aseguró que había sido “echado” de la banda. Cinco meses después, el 20 de agosto, el músico de 51 años murió tras chocar una camioneta con su motocicleta. Las primeras hipótesis apuntaron a que la conductora de la SUV había tenido la culpa al hacer un giro imprudente, no obstante, la policía reveló semanas después que Hinds fue el responsable del siniestro al conducir a más de 100 km/h en una zona de 50 km/h.
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Tras su retiro de las fechas restantes de la gira estadounidense de Ed Sheeran, en la que participaba como telonero, luego de pronunciarse en favor del pueblo palestino durante sus presentaciones en Nueva Jersey, Macklemore está de nuevo en el centro de atención.
Sin embargo, el activismo no es una faceta reciente ni aislada en la carrera de rapero estadounidense. Desde sus primeros años de popularidad, el artista de Seattle ha utilizado sus canciones para hablar sobre asuntos como el matrimonio igualitario, el racismo, el consumo y las adicciones, mientras que en los últimos años ha llevado sus posiciones políticas a un terreno cada vez más explícito. ‘Same Love’, ‘White Privilege II’ y ‘Hind’s Hall’ son algunos de los ejemplos más claros de una obra en la que los grandes éxitos conviven con canciones de protesta.
Por eso, más allá de la polémica, estas son 10 canciones esenciales para recorrer las distintas etapas de la carrera de Macklemore y entender cómo su música se convirtió también en una herramienta para expresar sus convicciones.
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1. ‘Thrift Shop’
Si hay una canción que convirtió a Macklemore y a su compañero Ryan Lewis en un fenómeno global, es ‘Thrift Shop’.
Lanzada en 2012 como parte de The Heist, la canción llegó al número uno en varios países, incluido Estados Unidos, y se convirtió en algo tan particular como comprar ropa de segunda mano en un himno pop. Su éxito también ayudó a demostrar que un artista independiente podía competir en el mainstream sin el respaldo inicial de una gran disquera.
Pero detrás de su humor y de su pegadizo estribillo hay una idea que atraviesa buena parte de la obra de Macklemore: cuestionar la necesidad de demostrar estatus a través del consumo. En lugar de presumir ropa de diseñador, el rapero celebra encontrar prendas baratas y hacerlas propias.
2. ‘Can’t Hold Us’
También perteneciente a The Heist, ‘Can’t Hold Us’ mostró la otra cara del éxito de Macklemore y Ryan Lewis: un rap expansivo, casi epico, construido para grandes escenarios y con una energía que rápidamente trascendió al hip-hop. Con Ray Dalton en las voces, la canción se convirtió en otro de los grandes éxitos internacionales de la dupla.
Su letra gira alrededor de la perseverancia y de la sensación de haber llegado hasta allí contra las expectativas. Después de años intentando abrirse camino en la escena de Seattle, Macklemore encontró en canciones como esta una forma de convertir su propia historia en un himno de superación.
3. ‘Same Love’
‘Same Love’ es probablemente la canción que mejor representa el vínculo entre su música y el activismo social. Publicada en 2012 junto a Mary Lambert, la canción defendía el matrimonio entre personas del mismo sexo en un momento en que el estado de Washington, donde nació, debatía la legalización de estas uniones.
Macklemore aborda además sus propios prejuicios y la homofobia presente históricamente en parte de la cultura del hip-hop. El resultado fue una canción que trascendió su contexto político original y terminó convirtiéndose en uno de los temas más reconocidos de su carrera.
4. ‘Wings’
Antes de hablar abiertamente sobre cuestiones políticas, Macklemore ya utilizaba sus experiencias personales para cuestionar algunos de los valores asociados a la cultura estadounidense. ‘Wings’ parte de su obsesión durante la infancia con los tenis Nike y Air Jordan para hablar de consumo, identidad y necesidad de pertenecer.
La canción funciona como una especie de confesión donde aquello que parecía ser simplemente una fascinación por los zapatos termina revelando hasta qué punto las marcas pueden convertirse en parte de la manera en que una persona construye su identidad.
5. ‘White Privilege II’
Cuatro años después de The Heist, Macklemore llevó su discurso social a un terreno mucho más incómodo. En ‘White Privilege II’, incluida en This Unruly Mess I’ve Made (2016), aborda el que es probablemente el tema más sensible para muchos de sus compatriotas: el racismo.
En este tema, grabado junto a Jamila Woods, reflexiona sobre su posición como artista blanco dentro de una cultura construida principalmente por artistas negros y sobre su relación con el movimiento Black Lives Matter, cuestionando sus propias contradicciones y el lugar que ocupa dentro de las protestas contra el racismo, convirtiendo su privilegio en el objeto central de la canción.
6. ‘Wednesday Morning’
La política estadounidense también entró directamente en su música después de las elecciones presidenciales de 2016. ‘Wednesday Morning’ fue escrita en respuesta a la victoria de Donald Trump y funciona como una reflexión sobre el futuro del país desde la perspectiva de Macklemore como padre.
Derechos de las mujeres, inmigración, racismo y derechos de la comunidad LGBTQ+ aparecen en una canción mucho menos cercana al formato de sus grandes éxitos. Más que buscar un estribillo para corear en un estadio, el rapero utiliza el tema para expresar incertidumbre frente al rumbo político de Estados Unidos.
7. ‘Drug Dealer’
La crisis de los opioides en Estados Unidos llevó a Macklemore a abordar otra de las problemáticas sociales que marcaron su vida. En ‘Drug Dealer’, el rapero cuestiona la manera en que los medicamentos recetados pueden conducir a la dependencia y dirige parte de sus críticas hacia la industria farmacéutica y el sistema que permitió la expansión de estos fármacos.
La canción tiene además un componente autobiográfico: el rapero había hablado públicamente de sus propios problemas de adicción y recuperación. El tema fue acompañado por un cortometraje documental en el que conversó con Barack Obama sobre la situación.
8. ‘Kevin’
La adicción también aparece desde una perspectiva mucho más personal en ‘Kevin’. La canción está dedicada a un amigo de Macklemore que murió después de una sobredosis de medicamentos recetados.
Mientras ‘Drug Dealer’ apunta hacia las dimensiones sociales y políticas de la crisis de opioides, este tema se concentra en sus consecuencias humanas. El resultado es uno de los momentos más vulnerables de This Unruly Mess I’ve Made y una muestra de cómo Macklemore suele convertir experiencias cercanas en reflexiones sobre problemas mucho más amplios.
9. ‘Glorious’
Publicada en 2017 como parte de Gemini, su primer álbum de estudio después de la separación creativa de Ryan Lewis, ‘Glorious’ cuenta con la participación de Skylar Grey y abandona buena parte de la carga política de otros momentos de su catálogo.
En su lugar aparece un mensaje de celebración y resiliencia. Es una canción sobre sentirse bien con el lugar que se ha alcanzado y mirar hacia adelante, y sirve también para entender la etapa de Macklemore como solista después de uno de los capítulos más exitosos de su carrera.
10. ‘Hind’s Hall’
En 2024, Macklemore volvió a utilizar su música como una plataforma de protesta con ‘Hind’s Hall’. La canción surgió como respuesta a las protestas propalestinas que se desarrollaban en universidades estadounidenses y tomó su nombre de Hamilton Hall, un edificio de la Universidad de Columbia ocupado por estudiantes y rebautizado por ellos en honor a Hind Rajab, una niña palestina de seis años asesinada en Gaza.
Macklemore cuestiona en el tema el apoyo estadounidense a Israel, la respuesta de las universidades a las protestas y el silencio de parte de la industria musical frente a la guerra. El lanzamiento marcó uno de los posicionamientos políticos más explícitos de su carrera y, años después, ayuda a entender que sus recientes declaraciones sobre Palestina no aparecen de la nada: forman parte de una faceta de protesta que ha acompañado distintas etapas de su música.
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La primera parte acompañaba el nacimiento de Macondo; esta observa cómo se deshace. Tras las guerras del coronel Aureliano Buendía (Claudio Cataño), el ferrocarril conecta al pueblo con el exterior y abre el camino a la compañía bananera. La prosperidad prometida desemboca en explotación, matanza y olvido. Ese recorrido le da a la segunda entrega una tensión histórica más poderosa que la aventura de los primeros capítulos. Cataño, además, encuentra en el coronel una figura cuya autoridad ya no puede ocultar el desgaste de tantos años de violencia.
El cambio de generaciones exige mucho de los actores. Jorge Quintero interpreta en su juventud a los gemelos Aureliano Segundo y José Arcadio Segundo, y Julián Román asume ambos personajes adultos. Román hace especialmente convincente su separación: Aureliano Segundo persigue el placer y la abundancia, mientras José Arcadio Segundo queda ligado al tren, a los trabajadores y a la memoria de la masacre que Macondo se empeña en negar. La solidez de esa interpretación permite que el conflicto político tenga un rostro y no se pierda entre los innumerables Buendía.
Las mujeres sostienen la dimensión íntima de la historia. Úrsula Iguarán (Marleyda Soto) envejece sin dejar de ser el punto de referencia de una familia que se dispersa. Fernanda del Carpio, interpretada primero por Laura Taylor, luego por Carla Baratta y finalmente por Margarita Rosa de Francisco, introduce en la casa una disciplina religiosa que acaba encerrándola también a ella; Baratta hace comprensible su soledad incluso cuando el personaje resulta exasperante.
Petra Cotes (Ángela Cano y Licinia Alzate) encarna una relación más libre con el deseo, mientras Renata Remedios, conocida como Meme (Juanita Molina), descubre cuánto pueden costarle a una hija las prohibiciones de su familia. Remedios la Bella (Daniella Reyes) pertenece a otro registro. Su ascensión es una de las imágenes más bellas de la temporada, aunque también muestra el límite de una adaptación que convierte en una escena definida aquello que el lector podía imaginar de muchas maneras.
Carlos Moreno imprime a sus episodios un ritmo directo y conduce con oficio las distintas líneas de la historia; Laura Mora trabaja con una intención y audacia más marcada. En la masacre de los trabajadores y en el largo capítulo final, decide cuándo apartar la cámara, cuándo dejar hablar al silencio y cuánto tiempo permanecer en una casa que se derrumba junto a sus habitantes. Es una realizadora con propósito, capaz de tomar riesgos cuando la historia se lo permite. El guion, sin embargo, dispersa con frecuencia esa energía entre situaciones y pasajes narrados con excesiva reverencia al libro. Mora encuentra momentos de gran fuerza, pero debe abrirse camino a través de una escritura que insiste en explicarlos.
El episodio final merece atención por sí mismo. Dura 104 minutos y se concentra en los últimos habitantes de una casa que ya parece venirse abajo con ellos. Fernanda del Carpio (Margarita Rosa de Francisco) llega a su vejez aferrada a las reglas que gobernaron su vida; José Arcadio (Emmanuel Restrepo) regresa a un hogar que ya casi no reconoce; Amaranta Úrsula (Estefanía Piñeres) intenta devolverle alegría a lo que queda de Macondo. Pero en el centro está Aureliano Babilonia (Sebastián Osorio), cuya lectura de los pergaminos de Melquíades reúne el pasado de la familia con su destrucción. Osorio lleva el descubrimiento sin perder al hombre detrás de la profecía, y la breve presencia de Margarita Rosa de Francisco condensa años de aislamiento. Son las interpretaciones y el estado de la casa los que hacen sentir el final antes de que la insistente voz narrativa vuelva a explicarlo.
Ahí persiste la dificultad de la serie. Su fidelidad a García Márquez se traduce en una narración que acompaña y redunda demasiado en lo que ocurre. Incluso el largo cierre, con momentos capaces de sostenerse visualmente, acaba sometido al peso de una obra que sus responsables parecen temer alterar. Los dieciséis capítulos se sienten fatigados por la obligación de pasar por cada estación de la novela.
A esa cautela se suma la asepsia habitual de muchas producciones de Netflix. Hasta cuando Macondo se deteriora, se percibe un Caribe cuidadosamente compuesto, cercano por momentos al de la cinta animada de Disney Encanto y distante de la tierra, el sudor y la vida desordenada que alimentan la escritura de García Márquez. El dinero levanta un pueblo inmenso, pero no consigue que respire. Adaptaciones recientes de clásicos de la literatura como La vorágine y La casa de los espíritus recuerdan que la escala de producción sirve de poco cuando la relación con los personajes y el territorio no alcanza la misma intensidad.
Esta segunda parte supera a la primera por su elenco, por la matanza de los trabajadores y por un final que finalmente deja ver la ruina de los Buendía en sus cuerpos y en su casa. También agota…y mucho. Macondo desaparece entre imágenes grandiosas, mientras la serie insiste en decirnos qué debemos sentir ante ellas.
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Sydney Sweeney protagoniza el nuevo comercial de Novig, la startup estadounidense de apuestas y predicciones deportivas. La empresa opera como un mercado de predicciones que permite a los usuarios comprar y vender posiciones en función de posibles resultados deportivos. El nuevo anuncio ha generado polémica a nivel internacional debido a la caracterización de la actriz, señalada por recurrir a la desnudez y a una representación hipersexualizada de las mujeres en el ámbito deportivo.
La polémica del comercial no radica únicamente en que Sweeney aparezca desnuda o semidesnuda, sino en la manera en que se representa a la mujer dentro del ámbito deportivo. La aparición de la actriz ha generado críticas porque, durante años, las mujeres han luchado por alcanzar igualdad y equidad en el deporte, así como por obtener reconocimiento y respeto por sus logros dentro de sus respectivas disciplinas, más allá de su apariencia física. En este sentido, el anuncio ha sido señalado como una reafirmación de la sexualización de la mujer en el deporte y, para algunos sectores, como un retroceso frente a los avances que el deporte femenino ha conseguido a lo largo de su historia.
En el anuncio de Novig, Sydney Sweeney realiza una simulación de distintas disciplinas deportivas, entre ellas tenis, básquetbol, fútbol americano y hockey. A lo largo del comercial, la actriz aparece desnuda y utiliza diferentes elementos del equipamiento deportivo para cubrir sus partes íntimas. La representación generó indignación entre miles de mujeres alrededor del mundo, especialmente entre aquellas vinculadas al deporte desde hace años, como atletas olímpicas y deportistas de alto rendimiento. Para ellas, la forma en que Sweeney es presentada en el anuncio vuelve a poner sobre la mesa el debate acerca de la sexualización de las mujeres dentro del ámbito deportivo.
Ariarne Titmus, nadadora australiana y ganadora de cuatro medallas de oro olímpicas, expresó su indignación ante el comercial y señaló que existe “una gran diferencia entre lucir sexy por hacer deporte y usar el sexo para vender deporte”. A sus críticas se sumó Brianna Throssell, nadadora profesional australiana que representó al DC Trident en la Liga Internacional de Natación y participó en los Juegos Olímpicos de la Juventud de Verano de 2014, donde consiguió siete medallas de bronce. La deportista compartió en sus redes sociales un video en el que mostró diferentes perspectivas de cómo luce realmente una mujer mientras practica deporte, acompañado del mensaje: “¡Esto es el deporte de mujeres!”.
Entre las reacciones también destacó la de Bree Rizzo, velocista olímpica y exatleta australiana de beach sprint, quien señaló que “las mujeres en el deporte son mucho más que su apariencia física”. Para la deportista, el verdadero valor de las atletas reside en su fuerza, habilidad, dedicación, resiliencia, confianza y en todo aquello que son capaces de lograr. Rizzo también hizo énfasis en la importancia de los referentes femeninos para las nuevas generaciones: “Quiero que las niñas que ven a mujeres deportistas vean lo que sus cuerpos pueden hacer, lo poderosas que son y todo lo que pueden alcanzar”.
Otras atletas también alzaron la voz. Skye Nicholson, boxeadora profesional, lanzó a través de sus redes sociales un mensaje contundente dirigido a las marcas, a las que pidió dejar de sexualizar el deporte femenino. Por su parte, la surfista Felicity Palmateer calificó la campaña como “perjudicial” y cuestionó el impacto que este tipo de representaciones puede tener en la percepción de las mujeres dentro del deporte.
Ante la polémica, Sydney Sweeney compartió en redes sociales una recopilación de portadas de revistas internacionales en las que distintas atletas han posado desnudas o con poca ropa, entre ellas Serena Williams y Megan Rapinoe. Sin embargo, la comparación no fue bien recibida por críticos y usuarios de redes sociales. Quienes cuestionaron la publicación señalaron que se trata de contextos distintos: las deportistas mencionadas tienen una trayectoria consolidada en sus respectivas disciplinas y, en esas sesiones, decidieron mostrar sus cuerpos como una representación de la fuerza, resistencia y capacidad física que exige el deporte, al mismo tiempo que compartían sus historias personales y profesionales. En contraste, sus críticos consideran que la aparición de Sweeney responde a una estrategia de hipersexualización utilizada para promocionar una empresa de apuestas deportivas, por lo que, desde esta perspectiva, ambas situaciones no pueden equipararse.
La controversia no se limitó a las deportistas de alto rendimiento. Mujeres que practican distintas disciplinas deportivas de manera cotidiana también alzaron la voz en redes sociales para compartir sus experiencias y cuestionar la sexualización que enfrentan en distintos ámbitos de la vida. Sus testimonios pusieron nuevamente sobre la mesa una problemática que persiste en la sociedad: el acoso y la sexualización de las mujeres incluso en espacios y actividades que no deberían estar relacionados con su apariencia física, como la práctica deportiva.
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