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El Diccionario de la lengua española define el “estro” como el período de celo de los mamíferos. De igual forma, este término también se entiende como una “inspiración fervorosa del poeta o del artista”. Es en una suerte de junte entre ambas concepciones donde nace ESTRUS, el sexto álbum de estudio de la cantautora sueca Tove Lo, que parte del ardor sexual y el caos de buscar pareja para sumarlos a las contradicciones propias de la llegada de la adultez.

Según Tove, la idea remite a algo primitivo, casi instintivo: ese momento en el que el deseo toma el control y la razón parece quedar en segundo plano. Desde ahí, la artista lleva el estro al terreno emocional, explorando la vulnerabilidad que aparece cuando dejamos que alguien se acerque a lo más íntimo de nosotros y las certezas empiezan a tambalearse. Como ha hecho a lo largo de su carrera, la cantante —reconocida por temas como ‘Cool Girl’ o ‘Habits’— convierte experiencias íntimas en canciones de pop que no buscan suavizar sus luchas internas. En ESTRUS, sin embargo, explora esas tensiones desde un lugar distinto: el de las preguntas y contradicciones que aparecen al entrar en una nueva etapa de la vida.

Para hacerlo, volvió a trabajar junto a Ludvig Söderberg, su colaborador habitual, con quien ha construido buena parte de su sonido, esta vez recogiendo influencias de The Knife, Robyn y de la escena de música indie sueca con la que creció, filtrando esas referencias por una producción más cruda, enérgica y cercana al thrash.

Parte de ese proceso ocurrió en un pequeño pueblo pesquero de Suecia, donde Lo pasaba los veranos durante su infancia. En ese lugar también trabajó en Dirt Femme (2022), el primer trabajo que publicó como artista independiente. Regresar allí implicó volver a un paisaje asociado con sus primeros años y, con él, recuerdos de distintas versiones de sí misma. El resultado es un álbum que conserva el impulso físico y nocturno que ha acompañado buena parte de su obra, pero que también se detiene en aquello que aparece cuando baja la música.

En charla con ROLLING STONE en Español, Tove Lo habla sobre el instinto y la vulnerabilidad detrás del concepto de ESTRUS, el regreso a sus raíces en Suecia, la coyuntura política actual y el trabajo junto a Söderberg para convertir todas esas contradicciones en música.

Antes de hablar de ESTRUS, me gustaría retroceder un poco. A lo largo de tu discografía —desde Queen of the Clouds hasta Dirt Femme— has construido una identidad artística muy reconocible, pero también has evolucionado mucho en la manera en que abordas el pop, la vulnerabilidad, la sexualidad y el amor. ¿Cómo has construido y fortalecido tu identidad como artista a lo largo de los años?

Buena pregunta. Creo que, para mí, tiene mucho que ver con cómo he evolucionado como persona. Cada álbum se siente como un pedazo de mi vida, una etapa en la que distintos tipos de música me han inspirado y en la que han pasado diferentes cosas. He estado reflexionando sobre distintas experiencias y creo que todo eso termina filtrándose en la música.

Me gusta que, con cada álbum, aunque esté cantando sobre temas similares, tengo que encontrar nuevos ángulos y nuevas maneras de hablar sobre ellos. Siento que con cada disco voy un poco más profundo y pienso: “Sí, esta es una manera de verlo, pero ¿qué pasa si lo miro desde otro punto de vista?”. Es como buscar esas partes de la historia que todavía no he contado. Y creo que es simplemente una progresión natural de mí, de adquirir más experiencia y vivir más.

Ya que mencionas que cada álbum refleja una parte de tu vida, las letras de este nuevo proyecto capturan un viaje entre las incertidumbres de crecer y llegar a la adultez y, por supuesto, el deseo y las inseguridades, que son temas recurrentes en tu carrera. Con eso en mente, ¿cómo fue el proceso de composición de este álbum? ¿Cómo fue escribir canciones capaces de contener tantos temas y emociones diferentes?

El proceso de este álbum fue un poco más largo de lo habitual. Tuve un poco de bloqueo creativo al principio. Cuando empecé, en octubre de 2024, no lograba encontrar el núcleo del álbum. Simplemente no podía entender lo que estaba sintiendo, así que necesitaba tomarme un descanso y empezar de nuevo en Suecia, en marzo de 2025.

Fui a un lugar en Suecia al que solía ir mucho cuando era niña y allí simplemente reinicié el proceso. Fue entonces cuando todo empezó a desbloquearse. Aun así, sentía que estaba en un proceso de descubrimiento: explorando nuevos tipos de melodías y nuevos mundos de producción. Pero a nivel lírico fue realmente catártico.

Simplemente escribía y podía empezar a darle sentido a todas esas emociones tan contradictorias que había estado sintiendo durante el último año más o menos. Las iba atravesando una por una. Fue algo muy emocional, pero también una especie de liberación emocional.

También has descrito ESTRUS como un álbum construido alrededor de contradicciones que no pueden resolverse. ¿Cuándo te diste cuenta de que esas contradicciones estaban realmente en el centro del disco? ¿Qué papel jugó el concepto de estrus —el periodo de receptividad sexual en las hembras de algunos mamíferos— en esa idea?

Creo que, para mí, tiene que ver con ser una mujer que está en un momento de la vida en el que siente que le están diciendo: “Bueno, tu tiempo para ser un desastre, cometer errores y explorarte a ti misma ya se acabó. Ahora tienes que echar raíces, tener todas las respuestas y saber qué se supone que debes hacer”. Siento que todavía no estoy ahí mentalmente.

Todavía quiero ser esta persona desordenada, pero responsable. Y, al mismo tiempo, ese es justamente el asunto: mientras tanto, mi cuerpo también me está diciendo que quizá estoy lista para algo diferente, como tener un bebé o algo así. [Risas]. Así que, básicamente, mi mente y mi cuerpo están teniendo una pelea y no sé quién va a ganar.

Por eso elegí “ESTRUS” como título. Cuando un animal está en celo, está excitado, busca pareja y está listo para reproducirse. Para mí, eso representa de alguna manera un poder femenino muy animal, pero también es un momento en el que emocionalmente se sienten bastante frágiles y vulnerables, un poco ansiosos. Y eso reúne todas las emociones que estaba experimentando mientras hacía este disco.

Ahora que el álbum está terminado, ¿cómo te sientes con respecto a esas emociones después de haberlas expresado?

Creo que me siento mucho más cómoda con ellas. Siento que encontré un hogar dentro de esas emociones. Ya no me asustan tanto, pero sigo sin tener respuestas. [Risas].

‘A lot of feelings, no solutions’ abre el álbum y contiene una frase que parece resumir todo el proyecto. ¿Por qué sentiste que esta era la canción que debía abrir el proyecto y qué establece para el resto del viaje?

Es muy gracioso porque surgió en una de las primeras sesiones. Ludvig y yo estábamos trabajando y estábamos borrachos, básicamente gritándonos el uno al otro. Entonces dije: “Tengo muchos sentimientos, pero no tengo respuestas”, hablando de qué hacer con la canción. Simplemente lo escribí porque pensé: “Esto describe clarísimamente de qué va a tratar todo el álbum”.

Y llevé esa frase conmigo durante todo el proceso. Finalmente, Ludvig y yo la convertimos en una introducción porque pensamos que tenía que estar ahí. Empezar con ‘A lot of feelings, no solutions’ y terminar con ‘Source of Life’ es una trayectoria bastante perfecta.

Empieza con una especie de “no sé” y termina con otro “no sé, pero quizá”. [Risas]. Simplemente establece el tono de todas las emociones diferentes que atravieso a lo largo del disco.

Ahora que mencionas a Ludvig, él ha sido una figura fundamental en tu música durante muchos años. ¿Cómo ha evolucionado su relación creativa durante todo este tiempo y cómo fue trabajar con él en este proyecto?

Es como mi ride or die. Hemos hecho seis álbumes y un EP —Truth Serum (2014)— juntos. Él y yo tenemos una conexión creativa muy especial. Es como la otra mitad de Tove Lo, ¿sabes? Me encanta trabajar con él. Podemos discutir muchísimo, nos divertimos mucho juntos y, en cierto modo, es como trabajar con tu hermano.

Musicalmente, ESTRUS recupera elementos del pop y la música dance de los años 2010, pero los lleva hacia un sonido más oscuro, atmosférico y contemporáneo. Has mencionado a The Knife, Robyn y la escena indie dance sueca como influencias. ¿Qué estabas escuchando mientras hacías este álbum y qué sonidos querías recuperar o transformar?

Nunca intento recrear un sonido. Simplemente dejo que la música que amo se filtre en lo que hago. Volví a escuchar todo lo que hizo que quisiera ser artista en primer lugar. Creo que, como estaba teniendo un bloqueo creativo, empecé a cuestionármelo todo. Me pongo bastante dramática cuando siento que no puedo escribir. Me hace sentir realmente inútil. [Risas].

Así que volví a escuchar a Robyn, Lily Allen, The Cardigans, Sneaky, The Doves, Kate Boy, The Knife… todo ese pop y dance indie sueco que escuchaba cuando empecé a soñar con ser artista, cuando estaba en el colegio.

Siento que todas esas influencias terminaron apareciendo en el álbum. Creo que esa ola ya estaba llegando de todos modos, pero siento que hicimos un muy buen trabajo utilizando esas referencias y llevándolas hacia algo nuevo.

Yo simplemente necesitaba recuperar esa sensación de por qué amo hacer esto tanto. Y sí, realmente me ayudó volver un poco a la nostalgia. Escuchar a todos mis artistas favoritos.

Una canción que realmente me encanta de este nuevo proyecto es ‘Source of Life’. Es el sencillo principal y la canción que cierra el álbum. Después de un álbum lleno de dudas, contradicciones, deseo y preguntas sobre el amor y la adultez, ¿por qué sentiste que esta canción era la manera correcta de terminar el viaje? ¿Qué significa ‘Source of Life’ para ti?

Fue una de las últimas canciones que escribimos para el álbum. Creo que sentí que había encontrado el momento perfecto para resumir todas esas emociones. Lo escuchas en la letra: “Fail, fragile, aesthetic, sad, euphoria”. Es como reunir todos esos sentimientos contradictorios en la última canción y, aun así, decir: “Pero estoy emocionada por una nueva aventura”, sea cual sea.

Y también está esa idea del poder femenino, de la fuente de vida entre mis muslos. Creo que resume esa belleza de la excitación animal, ¿sabes? Darle un tono más hermoso. Y la canción también tiene algo que, para mí, te toca las fibras del corazón y te hace sentir que algo increíble está a punto de llegar.

No sé. Es una canción muy especial para mí.

¿Hay una intención específica detrás del orden de las canciones?

Sí, definitivamente. Pasé mucho tiempo pensando en eso. Creo que, para mí, el orden terminó siendo bastante caótico porque las canciones son muy diferentes y siento que el álbum contiene, básicamente, todas las emociones que he sentido en mi vida, todas apretadas dentro de un mismo disco. Así que quería que fuera un poco caótico.

Por eso paso de ‘I’m Your Girl’ directamente a ‘If I Could I Would’, que es una canción mucho más íntima y pequeña, y después volvemos a subir con una canción energética. Es casi como hacer rebotar al oyente entre todas las emociones, de la misma manera caótica en que yo las he sentido. [Risas].

También quería hablar de algo más político. Tus canciones suelen tener una representación muy abierta del deseo, la sexualidad y la autonomía femenina. Estamos atravesando un momento en el que los movimientos conservadores están ganando fuerza en distintas partes del mundo y están poniendo los cuerpos y la sexualidad, especialmente los de las mujeres, en el centro del debate político. ¿Cómo te sientes al respecto?

Creo que es terrible ver cómo utilizan a personas que simplemente están intentando vivir sus vidas y hacer todo lo posible por ser felices. No le están haciendo daño a nadie. Solo están intentando vivir en paz y terminan siendo utilizados como objetivos para alguna agenda política que es simplemente de odio.

Me pone muy triste. Es realmente doloroso ver cómo están ganando espacio todas estas posturas y partidos con discursos muy antitrans y homofóbicos. Cada vez aparecen más y más, y realmente espero que podamos encontrar la manera de volver a un lugar mejor.

¿Qué papel crees que juega la música a la hora de combatir estas “agendas de odio”?

Espero que la música pueda unir un poco a las personas. Si alguien va a un concierto y ve a otras personas allí, puede pensar: “Bueno, si todos podemos estar aquí y simplemente existir en paz unos al lado de otros mientras escuchamos música, ¿por qué otras partes del mundo no podrían funcionar así?”.

Solo deseo que la música pueda ayudar a eliminar parte de ese odio y generar más comprensión. Eso espero.

También estás a punto de embarcarte en una nueva gira. ¿Qué quieres que experimente el público durante el concierto?

Solo quiero hacer, como siempre, el mejor espectáculo que pueda hacer. Va a ser algo que yo llamo una especie de “fiesta de art pop”. [Risas]. Como una fiesta que también es una instalación de arte.

Voy a tocar, por supuesto, todos los clásicos, pero también muchas canciones nuevas de ESTRUS. He trabajado muchísimo para que el setlist se sienta realmente dramático y divertido. Y voy a usar unos atuendos increíbles.

Quiero que el público llegue y después se vaya completamente cubierto de sudor, con el corazón hecho pedazos y lleno de brillantina, sin saber de dónde salió. Que simplemente se queden pensando: “¿Qué fue eso?”.

Así que sí, va a ser una experiencia increíble.

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No es un secreto para nadie que Puerto Rico ha sido un lugar clave para el reggaetón y el género urbano latino. Con el desarrollo del movimiento, la isla ganó visibilidad en la escena hispana y encontró un lugar privilegiado en el mapa del mainstream. Sin embargo, ese crecimiento también limitó significativamente cualquier proyecto que buscara nuevos horizontes fuera del dembow y de los patrones constantes y sincopados, cerrándole la puerta a decenas de talentos nacientes con ideas distintas.

A pesar de eso, el estancamiento que ha vivido el género en los últimos años, ya no solo en PR sino, a decir verdad, en toda la región, ha permitido que artistas con propuestas alternativas que no temen mezclar influencias urbanas con corrientes como el R&B, el hyperpop o el indie rock aporten sonidos innovadores al panorama musical boricua.

Es ahí donde una joven de cabello rojo y ropa que transita entre la fantasía luminosa de Disney y la estética gótica de Tim Burton irrumpe sin pedir permiso. Su maquillaje es oscuro, casi fantasmal, y sus dientes pintados de rosa llaman la atención de cualquiera. Se trata de Melodie, una de las personalidades más interesantes del circuito emergente, dispuesta a desafiar todas las concepciones con las que durante años han cargado los cantantes puertorriqueños.

La relación entre Melodie Cristal Rodríguez —su nombre de pila— y la música estuvo presente desde siempre.

Al pensar en sus principales influencias, es imposible para ella no mencionar a su padre, un prodigioso músico chileno asentado en PR.

Aunque no pasó mucho tiempo a su lado, lo recuerda como un hombre excéntrico, inquieto y abierto a todo tipo de influencias. A su alrededor podían convivir con naturalidad las sesiones matinales de violín o piano, discos de música afrocaribeña, funk y sonidos “de nicho”, además de soundtracks de películas. Melodie menciona estos últimos como un estímulo creativo indispensable.

Aún hoy, tantos años después, continúa escuchando los vinilos de metrajes infantiles de Disney y otros filmes para niños que su padre le regalaba. Encuentra especialmente atractivos los movie scores, con esos sonidos que pueden resultar nostálgicos y, al mismo tiempo, ligeramente inquietantes.

Su madre no se queda atrás en este apartado. Fue, sobre todo, a través del cine y el imaginario visual que compartían que terminó dejando una huella profunda en Melodie. Sucker Punch, Lara Croft y Æon Flux, junto con las producciones de Tim Burton que veía desde niña, alimentaron su fascinación por una estética más oscura, alejada de la versión más colorida y amable de la tendencia Y2K de inicios de los 2000.

En lo musical, el panorama era igualmente diverso. La cantante creció principalmente con su madre y, a diferencia de buena parte de su entorno, el reggaetón no formaba parte de la banda sonora cotidiana de su casa.

Con ella escuchaba artistas como Lindsey Stirling y Maná, mientras que de su padre heredó una curiosidad por lo diferente que hoy se refleja en su propia manera de crear. De él tomó especialmente esa necesidad de experimentar y moverse entre géneros sin demasiadas restricciones. “Me convertí en una miniversión de él”, dice.

Esa herencia incluso ha comenzado a aparecer de forma literal en su música más reciente. Mientras intenta comprender mejor el trabajo de su padre, Melodie ha vuelto a escuchar sus discos y ha empezado a samplearlos, buscando descubrir qué había detrás de las ideas que escuchaba de niña.

Pero la música no fue su primer espacio para escribir. Antes de convertir sus pensamientos en canciones, encontró en la poesía una manera de ordenar lo que sentía. Edgar Allan Poe aparece como una de sus principales referencias, aunque su acercamiento a la escritura nunca estuvo demasiado ligado a una tradición literaria específica. Más que estudiar poesía de forma académica, desarrolló el hábito de escribir constantemente: pensamientos, reflexiones o cualquier cosa que pasara por su cabeza. Incluso cuando no está componiendo, suele llevar esas ideas al papel y darles cierta musicalidad.

Ese proceso se mantiene hasta hoy. Sus canciones rara vez nacen desde una hoja completamente en blanco. Primero están las experiencias, los pensamientos y las frases que va acumulando en las notas de su teléfono o libretas; después, cuando llega al estudio, vuelve sobre ese material para encontrar aquello que puede convertirse en una canción. Así, la composición termina siendo una extensión de su vida cotidiana: lo que escribe primero como pensamiento puede transformarse después en una melodía, un verso o incluso en el punto de partida de una nueva etapa de su proyecto.

Desde que comenzó a lanzar música oficialmente en 2023, Melodie ha atravesado un proceso de exploración que la llevó de experimentar con distintas influencias a construir un universo artístico cada vez más definido. Su EP debut, *67, fue el primer acercamiento a esa identidad: un proyecto en el que ya estaba presente su intención de ser una artista alternativa y multigénero, pero en el que todavía convivían ideas propias con las de las personas que la acompañaban en el proceso creativo.

Después de ese lanzamiento vino un periodo de introspección. Melodie se alejó por un tiempo del ruido exterior para escuchar música, estudiar otros proyectos y observar cómo diferentes artistas construían sus propios mundos. No buscaba fórmulas o algo que imitar. Quería entender qué era exactamente lo que ella quería decir y cómo quería proyectarse. Fue en ese proceso cuando comenzó a reconocer qué elementos realmente le pertenecían y cuáles habían llegado a su música a través de otras personas.

La diferencia se hizo evidente con ‘No Le bajes’, el primer sencillo que lanzó después de su primer EP. Para entonces todavía no tenía completamente definida la dirección que quería tomar, pero ese lanzamiento abrió el camino hacia una etapa en la que la artista comenzó a tener una visión mucho más concreta. Hoy, cada decisión creativa —desde los drums y los movie scores que utiliza como referencia hasta los colores y las películas que comparte con su equipo— responde a una idea mucho más precisa de lo que quiere que sea su universo. “Ahora el proyecto es muy yo”, explica.

Esa claridad también se refleja en su imagen. Si en sus primeros años todavía estaba descubriendo cómo quería mostrarse, ahora abraza una estética mucho más teatral y exagerada, donde el maquillaje y el vestuario funcionan como extensiones de su música. Melodie se reconoce como una theater kid, y esa inclinación por las distintas disciplinas artísticas se ha convertido en una parte fundamental de su identidad.

La nueva etapa, sin embargo, no se limita a una estética. La cantante está construyendo una historia que pretende desarrollar a través de diferentes proyectos, personajes y escenarios, como si cada lanzamiento fuera un capítulo de un mismo libro. En ese universo aparecen Salt y Pepper, dos EP que sirven como la presentación de sus dos extremos.

El primero, que conserva una faceta más hyperfem y sentimental, explora su lado más vulnerable e introspectivo. El segundo le permite explorar una expresión más andrógina y alejada de la imagen excesivamente femenina con la que se había sentido encasillada en su etapa anterior, con un sonido más industrial, caótico y provocador.

La división es deliberada. Melodie no quería condensar ambos lados en un solo proyecto, sino permitir que cada uno tuviera su propia personalidad sin dejar de pertenecer al mismo mundo.

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El performance ocupa un lugar central dentro de esa visión. Melodie ya ha comenzado a llevar ese universo al escenario como telonera de Álvaro Díaz y AKRIILA durante las giras que ambos artistas realizaron recientemente. Sus presentaciones están pensadas como un viaje entre Salt y Pepper, con una narrativa que espera poder desarrollar plenamente cuando tenga la posibilidad de llevar su universo a un espectáculo propio.

Por ahora, esos escenarios le han servido como un primer espacio para experimentar con los personajes, la estética y el componente teatral que quiere convertir en una parte fundamental de sus futuros shows.

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Ese deseo de escapar de las fórmulas establecidas también ha marcado su relación con la industria. Para Melodie, el problema de Puerto Rico no es que exista el reguetón, sino que durante años el panorama urbano se ha movido alrededor de un espectro bastante reducido de sonidos. “Puerto Rico está muy estancado en el género urbano”, dice. Trap y reguetón aparecen, una y otra vez, como los puntos de referencia de una escena en la que todavía son pocas las propuestas que se atreven a tomar otros caminos.

Ella, sin embargo, nunca comenzó a hacer música pensando en qué podía funcionar dentro de una industria. Su aproximación parte de un lugar mucho más personal: hacer aquello que genuinamente le emociona, incluso si eso significa construir una propuesta difícil de encasillar. Esa misma actitud la ha llevado a entender que el espacio para sonidos diferentes no tiene que existir necesariamente de inmediato. Para ella, se está construyendo poco a poco gracias a artistas que han decidido empujar los límites de la música latina.

En esa transformación reconoce a figuras como Rosalía y Álvarito, pero también a artistas más recientes como AKRII y Latin Mafia, a quienes identifica como parte de una generación que está abriendo puertas para propuestas que antes podían parecer demasiado distintas. En ese contexto, entiende su propio proyecto como parte de una conversación más amplia: una que busca ampliar las posibilidades de lo que puede ser la música urbana y, al mismo tiempo, generar más espacio para que otras mujeres puedan desarrollar propuestas propias.

Pero si hay algo que resume mejor que cualquier etiqueta aquello que Melodie está intentando construir, es precisamente su resistencia a las etiquetas. Cuando se le pide que describa su música para alguien que todavía no la conoce, recurre a una idea que atraviesa buena parte de su universo creativo: se considera una artista “anti-pop”. No porque rechace el pop, sino porque quiere habitar su lado más extraño, oscuro y teatral.

Su referencia para explicarlo vuelve a ser Tim Burton. Así como el director construyó un lenguaje propio dentro del cine, Melodie quiere encontrar esa pequeña esquina extraña dentro de la música. “Me encanta ser la Tim Burton dentro de un mundo de otros directores”, explica. Y quizá ahí está la mejor definición de su propuesta: no busca escapar del mundo que la rodea, sino encontrar dentro de él un lugar que se parezca únicamente a ella.

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Después del exitoso lanzamiento de su álbum debut, una nominación y victoria en los Latin Grammys como Mejor Artista Nueva y un inolvidable Auditorio BB, Paloma Morphy está lista para presentar una nueva faceta de su música (que de hecho ya presentó en vivo hace unas semanas).

“Me dio mucha emoción enseñarles el álbum antes que a nadie”, comparte sobre haber tocado su nuevo álbum en vivo, antes de siquiera estar anunciado, en su último concierto. “Me sentí demasiado bien, hicieron un fan project hermoso… Se sentía muy mío y muy íntimo al mismo tiempo. terminó el show y me dolían los cachetes. Me encantó sonreír así como si me hubiera metido molly”, bromeó.

Y es que en él pudimos tener una probadita del nuevo concepto. Sobre eso, Paloma confiesa: “Nos llevamos casi todos los muebles de mi depa: mis zapatos, las lámparas, toda mi ropa estaba tirada por todo el escenario. Casi no se notó mi adicción a la ropa. Nada era rentado. Bueno, un rack de atrás, pero que estaba ahí todo acomodadito. Todo lo que estaba ahí tirado por todos lados era mi ropa”, confiesa. “Nunca se me va a olvidar ese día.”

Con canciones como su recién estrenada ‘si la ves’ y las próximas ‘la tanga’, ‘vasavenir?’, ‘testigo’ y ‘un reggaetón pa’ las nenas, entre muchas otras, Paloma presenta una propuesta bañada de la diversión y honestidad que tanto destaca a su proyecto. Sin embargo, esta vez se podrán escuchar “himnos gays”, mantras para calmarse a sí misma y confesiones nuevas que prometen estar disponibles más pronto de lo que esperamos.

Y es que es inevitable que, detrás de tantos éxitos, aparezcan la presión externa y las expectativas internas. Pero, después de una propia batalla en la que tuvo que atravesar un proceso cansadísimo para finalmente poder gozar de sentirse completamente plena y conforme con su vida.

Para este nuevo álbum, Paloma está creando un universo entero con una historia visual completa. Es así que, un día después de una larga y emocionante noche que vivió grabando 13 videos para esta nueva era, Paloma se reunió con ROLLING STONE en Español para hablar sobre Morphys, su segundo álbum de estudio.

Que, aunque el temor por la famosa “maldición del segundo disco” la hacía entrar en psicosis durante las primeras etapas de producción, hoy Paloma puede decir que se siente más relajada y en paz con las propias voces de su cabeza (quienes a veces puedes llegar a ser muy villanas con ella). 

En entrevista, la cantante comparte su travesía artística después de Au, aconseja la fórmula perfecta para calmar un poco la ansiedad e incluso comparte unas (necesarias) recomendaciones de noodles que provienen de su propio amor por la comida. 

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Paloma, ¿qué nos puedes contar sobre Morphys?

Un fun fact es que todo ese álbum empezó conmigo sintiendo una presión de la verga. Todo el mundo me recordaba que era mi segundo álbum y había mucha tensión después del Grammy. Me hablaban de la maldición del segundo álbum y fue muy fuerte. Yo estaba muy ansiosa al principio, cuando todavía no hacía nada de música para el nuevo álbum. Y luego me entró una idea de que todo el álbum se iba a basar en Dragon Ball. Y yo, trincadísima, volviendo a ver todo Dragon Ball otra vez. 

Luego empecé a ir al estudio justo cuando decidí que quería que todo se basara un poco como en una idea paralela de Dragon Ball. Empecé a hacer algunas canciones y, de hecho, si te fijas en ‘si la ves’, hay ruidos como de efectos especiales de Dragon Ball Z.

No lo había relacionado. Claro. ¡Qué creativo!

Estuvo rarísimo cómo pasan las cosas. Te juro que estaba en mi cama, con un insomnio en la verga. Neta, no me podía quedar dormida y se me ocurrió este concepto de: “Si mi cabeza fuera una tienda, un changarro, no sé cómo decirle, ¿qué sería si yo fuera un lugar?”. Por eso se me ocurrió Morphys, que es este local en el que, por un lado, hay una barra de noodles (que los amo), y por otro lado, hay ropa vintage súper curada. Aparte, hay juegos de mesa y también hay como que una tele y un sillón donde te puedes sentar a echar la reta de Mario Kart o así con tus compas. Y en la parte de atrás hay un estudio de tatuaje súper íntimo. Es un lugar muy cozy, donde se puede janguear, y se siente como si fuera esa casa de tu compa. 

Es una analogía en realidad, a lo que es mi cabeza. Para explicar este concepto, siento que queda súper claro el ejemplo de cuando yo todavía estudiaba Derecho y no sabía qué hacer con mi vida, y pues la neta emocionalmente no estaba bien. Estaba muy deprimida. Ese local hubiera sido un lugar todo gris, con libros tirados por todos lados, trajes, sastres, polvo y mucho desorden. Y como que este álbum habla de esa transición. Au fue como un punto en el que pude reconocer todas esas cosas que me hacían sentirme mal en ese momento, y estaba tratando de darle salida a través de la música. No sé, se dice fácil: “Pasó de abogada a cantante en dos años”, pero al chile fue una friega.

Sí, me imagino.

Tuve que redefinir quién soy, cuestionarme todo, cambié de círculo de amigos, cambié de trabajo, me cuestioné todo de mí para tratar de, neta, ahora hacer las cosas y construir una vida con la que me sienta contenta y plena, y que me sienta yo. Entonces, como que fue todo ese proceso que hoy me ha traído a este punto de mi vida. Hoy estoy feliz. O sea, deja tú todo lo que pasa como de chamba, ya sabes. La neta, estoy feliz, estoy rodeada de gente que amo, estoy dedicándome a lo que me gusta, me la paso bien, estoy motivada, tengo esta emoción del futuro. Regresando al concepto, en esta analogía, estaba la tienda así, hecha un desmadre, patas para arriba, todo gris, y casi que ni abría al público, porque pues justo nadie abría temprano, todo estaba hecho un desmadre, lleno de polvo, ya sabes. Y no fue hasta que neta llegué así, con maquinaria pesada, a limpiar todo. Tiré todo lo que estaba ahí a la basura, lo limpié y lo pulí. Me cuestioné de qué color quiero que sea, cómo quiero que se sienta la gente cuando viene, qué quiero, qué tengo en mi inventario que nunca se va a acabar. Hice toda esta chamba, reconstruí todo, pinté las paredes y lo convertí en este lugar que se llama Morphys.

Que es como tu lugar seguro, por así decirlo.

¡Sí! Y la gente que trabaja en Morphys, para mí, hace referencia a mis hábitos. Tengo que abrir temprano, tengo que limpiar la tienda, tengo que tener todo inventariado… Porque pues si tú no tienes buenos hábitos, pues la tienda no abre.

No funciona igual.

No funciona. Otro ejemplo que doy para mi analogía es que luego es súper importante cuestionarte que de verdad esté en tu tienda porque tú quieres que esté. Chance en mi tienda pasada había un apartado de cosas de tejido, y no porque a mí me guste el tejido, sino porque a mi mamá le gusta tejer y me lo inculcó tanto que yo pensaba que estaba en mi tienda porque a mí me gustaba, pero no. Al chile, nada más es algo con lo que crecí; estaba muy marcada en mi vida. Y eso, pues, para mí habla un buen, porque no siempre las cosas que traemos en nuestro chip son cosas que resuenan con nosotros, sino nada más están ahí por costumbre, por el paso del tiempo, y las adaptamos como si fueran nuestras. Pero te chocan a ti mismo y hay un desequilibrio ahí porque pues no es algo tuyo, pero lo haces como tuyo, y al mismo tiempo te estás fallando a ti. Porque tú ya no resuenas con eso. Nada más es algo que viene de alguien más. Por ejemplo, ahorita sé que a mi novia le gusta mucho patinar y así, anda de skater girl. Entonces, chance ahorita en mi tienda habría un apartado de dos que tres cositas de patinetas. 

Sí, sí, sí, para hacer referencias a las personas que forman parte de ti también, ¿no?

Justo. Hay gente que te impacta de maneras muy heavy, o te pegan mañas. Me acuerdo de chiquita de una amiga mía en primaria le daba mucho asco el plástico, como los platos esos de plástico, así como el topper ese amarillento. Y desde ahí, si veo un plato de plástico y uno de vidrio, siempre prefiero el de vidrio porque le escuché decir esa mamada, sin ninguna razón que lo sustente. Eso también me dio mucha claridad, en el sentido de que hay gente que entra a tu tienda una vez y ya. Hay gente que va a diario a tu tienda, u otra que ve tu tienda y dice: “Esta culera, no me llama”. Y no es porque la tienda esté culera; más bien, no le interesa lo que está vendiendo ahí y no tiene nada que ver con la tienda.

Esto me llama también un montón la atención porque ya sacaste tu primer sencillo, que es ‘si la ves’, que también lo estrenaste hace una semana. ¿Por qué elegir ‘si la ves’ como tu primer sencillo? 

Es que todo eso fue como conceptualmente Morphys, y ahora más como las letras. En Au yo estaba en este lugar más sad de mi vida, y ahorita todo está mejor. Logré construir una vida en la que me siento cómoda y feliz. Pero siento que este álbum se trata de algo que me ha pasado. Muchas veces, cuando no crees si tienes un espacio así seguro, se te quedan estas barreras. Siempre estás con la guardia súper en alto y como a la defensiva, y en ese momento mi cabeza se había acostumbrado a vivir en ansiedad, en este estado de preocupación, angustia y miedo. Ahorita que ya todo está bien, este álbum me refleja a mí misma tratando de hacerme entender que ya está todo bien, que ya puedo bajar la guardia, que ya no es lo mismo, que ya puedo permitirme disfrutar. 

Por eso existe ‘si la ves’, porque esa canción me la escribí a mí misma. Se la escribí a mi ansiedad y a esa voz que me está diciendo “no, cuidado con esto, esto lo hiciste mal y te van a chingar”.

Como a esas voces de tu cabeza que te dicen que siempre algo malo va a salir.

Ajá, o que lo hiciste mal, o que lo pudiste haber hecho mejor, o que no va a ser suficiente, o que se va a acabar, o que nada más fue cosa de un rato. Todo. A esa voz de la cabeza que tiene tanto miedo de perder algo que, pues, al final nada más te está tratando de proteger. Y en ‘si la ves’ soy yo tratando de decirle a mi diálogo interno “hoy elijo no hacerte caso. Te escucho, te escucho, te escucho,  te reconozco, pero elijo hacerle caso a la otra voz”. A la que me está diciendo que ya todo está bien, que todo está chido y que ya no tengo de qué preocuparme. Y aparte soy yo descubriendo quién soy fuera de todo ese dolor.

¿Y qué descubriste, Paloma? ¿Que eras la tienda?

Y yo, “que soylesbiana” [bromea]..

¡Es un gran descubrimiento!

Bueno, es que también en este álbum me enamoré por primera vez de una morra… Yo nunca había tenido novia y sabía que me gustaban también las morras. Y tengo novia, y estoy feliz con ella, y la amo. Y neta, es mi persona favorita de todo el mundo. Entonces también hay varios himnos gay. Y pues sí, es una Paloma sin tanto dolor, la neta es que queda esto que es como más movido, más alegre, más enérgico. tengo canciones ya de amor, que también tienen esos hints de ansiedad y de que, pues, ojalá se quitaran más fácil, pero pues no son gripa. Me encantaría decir que fue este amor perfecto que no duda, que no tiene miedo. Pero me costó un buen aprenderlo, y también habla de eso.

Aún tienes que desaprender un chorro de cosas, ¿no?

Y y yo que venía de pura relación tóxica de la verga, me ha costado.

Justo ahorita se me viene a la cabeza lo que también dijiste hace rato, de todas estas personas que, honestamente, se me hace muy pesado que te hayan dicho eso de la maldición del segundo álbum y de todas esas cosas.

Ay, se mamaron. La neta me dejó con un brote psicótico por toda la depresión que me empezaron a meter.

¿Cómo te sientes ya con este álbum listo? Después de haberlo trabajado tanto. 

A ver, creo que son días. De la nada entran los miedos y como el: “¿Será que sí está chido?” y “¿Será que les va a gustar?”. Luego, ya sabes entra mi yo sabia diciendo: “Solo importa que te guste a ti y ya. Lo que pase con el álbum ya está fuera de tus manos”. Entonces, de repente es mucha emoción y luego mucho nervio, pero hoy, así en este instante, estoy muy feliz y estoy muy orgullosa de mí. De este álbum, lo amo mucho y estoy orgullosísima de todo el trabajo y de todo el equipo. Neta, no podría estar más contenta. Aunque el álbum sea un flop, estoy disfrutando tanto el proceso. Hacerlo fue mágico, con Pablo y con todo el equipo que armamos alrededor de este álbum. Hay personas impresionantes detrás de todo esto. Se va a sentir, porque no sabes cuánto corazón le estamos poniendo todos. Es una cosa muy loca. Me siento demasiado feliz y honrada de ver a tanta gente tan motivada y dándolo todo por este proyecto. De verdad, es muy mágico. Me está dando mucha vida. Últimamente me han salido muchos TikToks de que el resultado es lo que más vale verga, lo que importa es cuánto disfrutas el proceso, porque al final lo único que tenemos realmente es el proceso. Nunca dejas de estar en el proceso. Cada vez me enamoro más de este trabajo, de la música, de todo el equipo y de toda la gente que he conocido gracias a esto. A cada una de las personas que lo escuchan, no me quedan más que palabras de agradecimiento.

Y a ver, obvio, de repente me dan nervios, como el síndrome del impostor. Porque aparte amo Au, siento que es muy especial porque lo hice sin saber qué mierda estaba haciendo. No tenía ni idea de qué estaba haciendo. Y dos, sin saber que lo iba a sacar. Esas canciones nomás las hice y pues traté de conservar eso y apegarme a lo que hice, aunque fue hablar desde el corazón, sin pelos en la lengua, y usar la composición, como un desahogo.

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Siento que es como una verdad muy juguetona. O sea, que lo dices justo sin pelos en la lengua, pero al mismo tiempo de una forma muy divertida. Incluso aquí con ‘si la ves’, tienes una manera muy inteligente de jugar con las palabras. Más por el que dices de que “dile que ya sé que ella me engaña”, pues tú obvio lo lees al inicio y piensas que hablas de una relación, pero ya con la explicación como que lo entiendes. Y creo que tienes un manejo muy especial de la lírica en ese aspecto.

Muchas gracias. Y este álbum me ha ayudado un buen. Te lo juro que cada vez que me daba así ansiedad y me empezaba a hablar medio feo, ponía ‘si la ves’ o “cosas malas de mí” y me cambiaba todo el chip.

¿En serio?

Sí. Te lo recomiendo. Si alguna vez te estás tirando a ti misma pon ‘si la ves’. No sé cómo, cómo ni por qué, pero ayuda. 

¿Sabes cuál también siento que ayuda un montón? La que tienes con EMJAY, la de “qué ves en mí?”, por el final, de “No sé por qué sigo dudando de mí / sí lo que sea que soy / eso me trajo hasta aquí”. Es un buen mantra.

No, literal, yo también lo pensé. Por eso en el show quise que lo repitieran mil veces, hasta que se les clave en el psique de que “we’re doing fine”. Todos estamos viendo qué verga con la vida por primera vez. Bueno, aunque luego hay gente que se le nota que llevan catorce mil vidas.

¿Tú cuántas vidas crees que llevas, Paloma?

Yo siempre he dicho que siento que voy justo en la mitad. Siento que lo fragmentada que estoy me hace creer que justo en la mitad. Porque no existe el gris en mí. O estoy así de que extasiada, feliz, o me está llevando a la mierda. No hay un gris. Es muy fuerte.

No, pero está genial que vivas con tanta intensidad. A la gente le falta eso.

Vivo con mucha intensidad.

Está genial que seas así. Ya la gente es muy nonchalant en estas épocas. 

Es muy fuerte. Pero es que, ¿sabes qué? Ahí te va un factote. Yo creo que la gente que vive así en ese gris es porque le da miedo sentir lo negativo. Si tú no te permites navegar esas emociones que no son tan chidas, pues con ese mismo filtro y protección vas a navegar las positivas. Es como un miedo a sentir generalizado que creen que nada más los protege de lo malo, pero también te priva de sentir lo bueno igual de intenso.

Total, completamente. 

Aparte, cuando te atreves a sentirlo y lo lloras, y lo gritas, y le das como que salida, te das cuenta de que ya te acabas de terminar de llorar como degenerado y ya no estuvo tan peor.

No pasó nada. 

No pasó nada después y ya estás más tranquilo. Son emociones, ninguna es como que para siempre.

Sí, completamente. Oye, ¿y qué nos puedes contar ahorita de los trece videos que grabaste ayer?

Están fumadísimos, neta me mamó. El team de Sony me conectó con una directora que se llama Odile y nunca me había sentido tan entendida y escuchada. Te lo juro, que cada idea que me iba diciendo me hacía tanto sentido. Yo tengo esta idea de que la vida no es tan seria, me gustan estos storylines más locas. En estos videos van a ver mamadas muy bien pensadas y muy cool. Se trata de que hay un gato que me ve cantar y le conmueve muchísimo y se suscribe a Cats Got Talent y manda su audición. Luego se queda jetón y empieza a soñar con unas que les llueven pescados. También hay unos bichitos que se enamoran y no sé, neta, está muy fumado.

Como de esos sueños en los que despiertas y dices: “¿Qué acabo de soñar?”.

Ajá. Son cosas muy divertidas. Qué cool trabajo y que me pueden decir así: “¿Qué quieres?”. Y neta, al Chile, yo: “Quiero salir yo montada en una paloma de tres metros y de la nada llega Godzilla, agarra la paloma, la avienta por la ventana, aparezco en una playa, llega un cangrejo gigante, se empieza a pelear con Godzilla y yo vuelo por encima en una paloma, que de la nada cae un meteorito y te das cuenta que estamos todos en la pelusa de un panzón”. ¿Quién desaprovecharía esta oportunidad de convertir tus sueños más pendejos en realidad? Neta, esto que descubrí con Odi lo voy a exprimir toda mi carrera. Te lo juro que todos los videos van a ser así.

Qué cool. ¿Alguna vez viste Victorious?

¡Sí! Ándale, es muy eso. Y Odi sacaba idea tras idea muy así, que son los tipos de ideas que al principio dices como: “Verga, ya me voy a mamar con lo que voy a decir”, y yo: “Odi, es lo mejor que he escuchado. Eres una genia”. 

Ay, ¿por qué las mujeres son tan buenas? 

No, y eso también se me mamó. Todo el crew de ayer, o sea, éramos en su 80% mujeres. La directora mujer; la productora era mujer, todo. Qué hermoso se trabajó. También de que la vibra de los videos, todo, todo mundo estaba feliz y de buenas, y no sé, creo que va a quedar demasiado cool. Muy hermoso. Me encantó trabajar con todas ellas. La productora se llama Violeta, que también como que apoya muchísimo a proyectos de mujeres. Neta están en otro nivel. Ddejaron muy claro el nivel de trabajo que hacen. Yo creo que neta se rifaron. Nunca había estado tan feliz con unos videos.

Qué emoción, Paloma. Y ya casi para finalizar, ¿cómo fue la noche que recibiste tu Latin Grammy? ¿Qué pasó por tu mente? ¿Qué hiciste?

Me acuerdo que cuando me dijeron mi nombre me trabé y me quedé así en shock, y me tuvieron que decir: “Wey, sube a recibir el Grammy, no mames”. Yo neta, así trabada, sentada, pensando: “Ni de pedo, ni de pedo, ni de pedo, ni de pedo”, sin poderme mover. Luego subí, entré como que en un piloto automático. No me acuerdo bien qué dije. Y luego vi a Karol G, la saludé, y yo: “Hola, Karol G”. Y luego, en el segundo en el que me bajé del escenario, empecé a llorar como Magdalena a moco tendido y todo. Y de la nada: “Perfecto, esto está ideal para una entrevista”. Y hay unas entrevistas mías, neta, berreando así, con el moco escurrido, sin poder hablar, y así, once cámaras enfrente de mí. Yo de que: “Wey, esto llorando”. No, no me acuerdo ni qué dije en esas entrevistas. Fue un shock. Pero fue muy bonito. Ayudó un poco a que se callaran las voces. Porque pues todavía me entraba esa duda. O sea, a ver, obvio, todavía me entra. No es como que las curó, pero como que me daban muchas dudas de si sí estaba en lo correcto, o sea, a ver, si sí se iba a armar, y si sí estaba haciendo las cosas bien, y así. Yo tomo ese Grammy como una confirmación de que sí estoy haciendo lo que vine a hacer a este mundo.

Qué lindo, Paloma. ¿Y ya qué otros sueños tienes, o qué otros planes tienes de ahora en adelante?

Ella lo quiere todo. 

Todo, todo va a ser tuyo.

Mi nueva meta es conquistar Japón.

Acabas de ir, ¿no?

Sí, y me enamoré de Japón. Es que, de verdad, qué hermoso lugar. Quiero estar yendo mucho a Japón, quisiese conquistar Japón. Pero yo voy a seguir haciendo mi música y poniéndole mucho corazón, y chameando mucho, y todo. Y pues fluir hasta donde tope. Yo solo sé que quiero hacer esto el resto de mi vida.

Oye, ¿hay una razón detrás del animal print en tu nueva era?

No, la verdad es que no. Yo creo que es por mi neuro divergencia pero luego me clavo muy fuerte con cosas. Cuando empecé a hacer música, yo estaba segura de que toda mi onda iba a ser así como que con cuadritos. Y me compré, neta, todo un clóset de cuadritos de Temu y luego me entró esta época de las caricaturas y me clavé. Es que tú ves mi clóset: tengo once chamarras de Los Looney Tunes, me tatué a Piolín. Me clavé durísimo con las caricaturas.

Luego haznos un tour de tu clóset, de tus chamarras.

No, total. Y eso estaría chido, porque nunca hemos hecho un contenido así de enseñar el clóset. Estaría padrísimo.

Sí, yo lo vería.

Y ahorita me clavé durísimo con el animal print. Tengo el tenis, la gorra, el pantalón, la falda, el vestido, la boina, la bufanda… Lo que tú digas de animal print, lo tengo. Y se me hace muy cool.

Me encanta esta onda. Empecé a incursionar todavía más con la moda, para todo este proyecto estoy siendo mi propia stylist.

Eso está genial porque aparte, como que ya están agarrando tus fans también, la onda. Ya están cachando tú estilo. 

Amo, los amo. Neta, yo vi unos outfits el sábado, y dije “güey, qué chido”. Traían así ropa de segunda mano y upcycling. Yo amo la moda profundamente, es mi segunda pasión después de la música y la comida. Descubrí que amo más la comida que la música en Japón.

Justo te iba a preguntar: ¿qué restaurante de noodles recomiendas aquí en la ciudad?

Ah, ¿aquí en la ciudad? Ya te iba a decir uno en Japón, bien mamoncita yo. La que fue una semana a Japón. No mames, hubo uno que neta, te cagas los noodles. Está en la San Miguel, Chapultepec, se llama Sukai. Tiene de los mejores noodles que yo he probado en esta ciudad. Pero sí, ahorita mi obsesión del momento solo es el animal print.

Qué cool. ¿Algo más que quieras agregar? 

Nada, que se la laven con agüita y con jabón y me guarden el agua para las gárgaras. No es cierto.

Que muchas gracias por el tiempo. Gracias a Rolling Stone por la entrevista, siempre, por todo el apoyo que le han dado a este proyecto. Y pues a toda la gente que esté escuchando, que gracias, que los amo. Que de verdad no me cabe, no me cabe lo bonito que siento. Y gracias por todo el amor que le están dando a ‘si la ves’. Le está yendo súper bien. Nunca la he oído tan bien una canción mía. Entonces gracias, que ahí sigan escuchando, que la pongan cuando les agarren más voces y que los amo, y que aquí vamos a andar, y que se viene nueva música más pronto de lo que creen. Los amo. Siempre estoy agradecida con ellos.

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Érase una vez un chico de 17 años de San Luis de Potosí, México, al que se le cumplió el deseo, tras años de crear su propia música en su habitación o con amigos para SoundCloud, tuvo un éxito viral con ‘SEXTO SENTIDO’, una canción de amor que, hasta la fecha ha acumulado más de 26 millones de reproducciones en Spotify. Luego de sacar numerosos sencillos, 008RACCA, Emilio Jordán Rodríguez Rodríguez, le regaló al mundo su primer EP, Si mañana me muero me voy contento. Hoy tiene 18 años, se graduó de la escuela y está que se come al mundo de un bocado.

Su trayectoria y el concepto que trae en este proyecto se sienten frescos y auténticos, algo que se evidencia desde la portada, la cual consiste en una foto de su infancia en la que se halla el pequeño Emilio pegándole un dibujo a su padre que solo intenta comer tranquilo. Es esa inocencia sincera de un niño que se ve reflejada en el sonido de las 6 pistas. A pesar de su corta duración de 17 minutos, todo funciona como un símbolo insuperable de la disrupción que trae al mundo musical y de su entusiasmo pegadizo que garantiza una experiencia sónica inolvidable.

¿Qué estabas haciendo en la portada? Cuéntame un poco de esa foto.

En esa foto estábamos comiendo y yo le puse un dibujo en la frente a mi papá mientras está comiendo. Eso es, para mí, muy representativo. Por eso elegí esa portada porque mi papá solo quiere comer tranquilo y yo estoy ahí poniéndole mi arte en la frente.

Esa portada es muy simbólica para mí. 

¿Cómo es la dinámica dentro de tu familia?

Mira, yo soy el hermano del medio, o sea, yo soy el sándwich. Creo que eso me ha dado una gran perspectiva. Porque cuando estás en el medio puedes mirar para los dos lados. Creo que, de mis hermanos, siempre he sido una persona que piensa mucho antes de actuar, que analiza las cosas y luego hace.

Me encanta observar, me encanta retroalimentarme de lo que la gente hace y más de mi familia que mi familia siempre fue muy amorosa. Realmente, siempre sentí el apoyo de todos ellos, de mi mamá, de mi papá.

Nunca me faltó apoyo, nunca me faltó amor, compañía. Mi infancia fue muy feliz, no me faltó nada nunca. Siempre que hablo de lo que he hecho, lo que he logrado, todo, siempre se lo atribuyo a mis papás porque si yo hubiera tenido otros papás, creo que yo no hubiera sido lo que soy hoy. Gracias a ellos, yo estoy aquí haciendo, viajando y cantando en todos lados, por la crianza que ellos me dieron. 

Ya llevas una semana desde que esta obra de arte salió al público ¿Cómo han estado?

Están muy orgullosos, por parte de mi familia, creo que están muy felices. Mi papá el otro día vio el post de ROLLING STONE donde sale la portada y él está en la portada. Entonces, lo vio, me lo enseñó y yo le dije, “¡Papá, estás en ROLLING STONE!”. Estuvo gracioso, me la pasé muy bien. Acá hicimos un evento en San Luis, muchos de mis amigos estuvieron ahí. Me he sentido muy acompañado en este lanzamiento más que nada.

¿Cómo empezó tu afición por la música y cuándo te diste cuenta de que tenía potencial de volverse algo más grande?

Fue con ‘SEXTO SENTIDO’ que, de hecho, fue la primera canción que saqué.

Entonces fue muy repentino, muy complicado, porque uno espera que el boom sea después de… O sea, sea gradual, ¿no? Empiezas en ceros y poco a poquito te vas haciendo de una comunidad, de gente que te conoce, pero yo cuando saqué ‘Sexto sentido’, esa canción ya estaba pegada antes de que saliera.

Salió, mucha gente la empezó a escuchar y todos empezaron a reconocer a ‘SEXTO SENTIDO’, pero me tenían muy… pues, nadie me conocía porque siempre estuve muy lowkey en redes en ese momento. A partir de esa canción me empezó a buscar gente, empecé a ver dinero.

Fue como algo que yo nunca me había esperado. Yo esperaba que esa canción tendría 700 vistas en YouTube y hasta ahí. A partir de ahí, primero a uno le entra la presión de “ahora tengo que sacar una canción igual de buena” Pero me lo tomé con calma.

Después de ‘SEXTO SENTIDO’, ha sido un ritmo difícil de acostumbrarse. Pero, creo que lo he tomado bastante en serio desde el inicio, desde esa canción. Algo en mí cambió y dije, “Guau, esto no solo es un hobby”.

¿Por qué dices “la última generación” en ‘SEXTO SENTIDO’, ‘ZAPATOS’ y ‘MOV00445’?

Ah, qué buena pregunta. Cuando yo estaba grabando ‘SEXTO SENTIDO’, me acuerdo que estaba grabando el intro y yo decía, “Pues aquí tengo que decir algo”. ¿Sabes? Como los reggaetoneros que dicen como… que tienen su tag que avientan mil y una cosas.

Entonces en ese momento yo quería formar mi tag. Me quedé pensando, lo analicé un rato y “la última generación”, le hallé significado en que yo pertenecía a la última generación de jóvenes que estaba haciendo música tal cual la conocíamos, uniendo cosas de lo que sigue.

Para mí la última generación representa un límite entre la música que conocemos y lo que vamos a conocer. Porque creo que, hoy en día, la música está teniendo muchos cambios, ya no es lo mismo que era antes. Afortunadamente, yo conocí ese mundo gracias a mis papás, yo conocí la música de antes y tengo esas herramientas para usarlas y pues darle a la gente a lo mejor un sonido fresco

¿Qué música escuchaban tus papás y cuáles son sus artistas favoritos? 

Híjole, de artistas no te podría decir por nombres de canciones o algo así, pero sí géneros. Escuchan cumbias, norteñas y todo ese estilo, no sé cómo se le llama, creo que puede ser pop.

Para ti, ¿Qué significa morir contento?

Para mí morir contento, o bueno, la frase completa que mencionó que es “si mañana me muero me voy contento” habla como de que yo, en este punto de mi vida, a los 17, ya 18, me siento bastante pleno con lo que hago cada día.

Morir contento significa sentirse pleno cada día para que, si el día de mañana te vas, te vayas agradecido por lo que hiciste, por lo que no hiciste, por lo bueno, por lo malo. Está bien tener esa ambición, querer más y decir, “yo de aquí en 5 años voy a conseguir todo esto.” Pero si no lo logras por alguna u otra cuestión, igual diste tu esfuerzo. Se trata de agradecer eso y cada día saber que estás bendecido; que, tu vida es plena con lo que tienes, con lo que eres, con lo que fuiste, es estar contento contigo mismo. 

¿Sin importar lo que pase?

Sí, sin importar lo que pase.

Háblame de tu canción favorita del LP

El EP lo amo con toda mi alma, pero sin duda, le tengo mucho cariño a ‘MOV’, por ejemplo, creo que es una canción que me representa totalmente. ‘Árboles’, diría que es mi canción favorita, más que nada porque cada vez que la escucho vuelvo a encontrar cosas, nunca deja de sorprenderme. Estoy enamorado de esa canción. 

Creo que ‘para Emilio’ es también mi favorita, el proceso de hacer esa canción, cómo surgió y todo. La letra es hermosa en esa canción. También lloré mucho con esa, que una canción me haga sentir tanto es lo que hace que sea mi favorita.

¿Cuál es la canción de tu catálogo que te gustaría que la gente escuchara más? 

Es que en SoundCloud hay mucha joyita, que la gente no topa. Creo que podría estar entre 0211, el único corrido que existe de mí en plataformas digitales es ese… Y creo que podría ser Cuatro pendientes, esa es una canción que tengo yo y mis amigos, es muy bonita. 

Me sigo acordando de ‘VIRGENCLUB2K’ [Risas] esa fue una que me llamó la atención de tu catálogo anterior porque es un meme completo, una joya de verdad, cuéntame acerca de esa canción, por favor

Es que ‘VIRGENCLUB’ es muy buena. 

La grabamos aquí, literal en este cuarto. Esa época la recuerdo con mucho cariño porque para hacer una cabina parábamos aquí el colchón de mi cama, el sillón que tengo ahí atrás, nos metíamos ahí a grabar y era muy gracioso. Me la pasé muy bien grabando esa rola y pues es con dos de mis mejores amigos, eso es lo que recuerdo, tenemos fotos incluso así de la cabina hecha con cobijas y cosas. 

¿Cómo grabas tus samples?

Usualmente, encuentro bastantes cosas en YouTube, pero me ha pasado que voy por TikTok y encuentro algún video raro, algún sonido extraño y lo guardo, eso después lo puedo ampliar.

También ha habido veces, no es muy común, pero sí ha habido veces que estoy en la calle, escucho algo y lo grabo, pero hace mucho que no hago eso. Lo que sí hago de repente en la calle es que voy caminando, se me ocurre una melodía, o alguna cosa de la nada, me pongo a grabar notas de voz, tarareo lo que se me ocurra y lo guardo para después alguna canción.

Revisando un poco de tu discografía veo que valoras las relaciones con tus amigos, con Hillkid, con Rawlfest, con Blud. ¿Qué otras personas te han acompañado y cómo han influido en tu trayectoria?

Bueno, a mí me tocó la pandemia en primero de secundaria. Entonces, cuando yo entré a la secundaria, entré a segundo y la verdad es que fue una etapa medio complicada. A algunos les toca algo muy bueno y a algunos no tanto.

Creo que yo fui de las personas que la secundaria pasó muy desapercibida, realmente, no tuve amigos para toda la vida. Pero, por fuera de la secundaria, gracias al skate, porque yo patiné, conocí a dos amigos que todavía los veo, con los que empecé a hacer maquetas en Bandlab en el celular.

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Empezamos a hacer canciones en el celular, fue cuando explotó el plugg y esos dos amigos me llenaron de música nueva. Eran esos amigos que cada que los ves traen una canción nueva y te enseñan muchos géneros. Gracias a ellos, descubrí el plugg y otras influencias más que me atrajeron. En mi vida, durante varias etapas, tuve varias influencias, la música de mi mamá, luego la música electrónica, luego el freestyle, luego conocí el plugg, creo que todas esas cosas me fueron sumando y ellos en específico me sumaron mucho. 

Justo en esa etapa de la secundaria empezamos a hacer maquetas. Fueron las primeras personas que yo conocí que hacían música aquí en San Luis. Yo sabía que había, pero fueron las primeras que conocí, con las que me puse a hacer música. Entonces, ellos dos son amigos que valoro mucho. Luego conocí a Yung Pluh, Khhost, Bane, que son parte de la última generación, que, más que un sello, somos amigos haciendo música.

Ellos también me acompañaron un montón, a día de hoy todavía los frecuento, los veo. Tuvimos nuestra época dorada donde todos los días hacíamos música aquí en mi casa.

Ya no en el celular, yo ya había conseguido mi home studio y todo eso, pero sí. Creo que mis amigos son una parte muy relevante de mi proceso. 

¿Y cómo se llamaban esos amigos? 

Sus nombres artísticos son Blud y Little Boss, pero se llaman Mariano y Josué. Ellos dos son grandes amigos.

Creo que ese nombre ni siquiera le gusta ya, ¿sabes? Porque es como justo el pequeño jefe [Little Boss], el bebé en pañales, pero en su momento se lo puso, se le quedó y ya ahora todos lo reconocen así. 

Me mencionaste que te mostraba música nueva, ¿Qué artistas te mostraron?

Yo me acuerdo de que, él escucha mucha música en inglés, me mostró a Cochise y Don Toliver. Creo que también por él conocía al under argentino, todo este movimiento que está pasando en Argentina como a Zell. Esos son los más relevantes que recuerdo.

¿Y qué música electrónica te gustaba? 

Skrillex lo escuché un montón. Sí, escuchaba a Martin Garrix, pero nomás las más pegadas. También escuchaba a Marshmello y a Alan Walker también.

Me lo mostraron unos primos. Recuerdo que unos primos un día llegaron con Skrillex y yo decía “¿Qué es esto?, ¡¿Qué rayos suena?!, ¿Cómo hacen que suene así?”. Eso fue un “búm”, me despertó la curiosidad. Cuando yo descubrí Skrillex tenía como… quizá…10 años, tal vez entre 8 y 10 años. 

Noto que hay una diferencia clave entre tu catálogo anterior y este proyecto, se siente que estás pasando por el proceso de afinar tu sonido, de aterrizar a ese concepto y sacarlo adelante. ¿Cómo ha sido ese desarrollo?

Pues todavía es un proceso que estoy pasando. El definir mi sonido… Por ejemplo, tú comparas ‘MOV’ con ‘Árboles’ y son cosas muy distintas. Primero se avienta este rap, así todo gritado y luego, de repente, está cantando con full autotune. 

Es un proceso que sigo pasando. Pero creo que me ha ayudado mucho el rodearme de gente que ya lo ha hecho, que ya ha estado ahí varias veces, por ejemplo, Hillkid. Me ayudó mucho con su visión cuando me junté con él. 

Es una persona que como productor y compositor le aprendí mucho. Me ayudó a hacer que mis canciones suenen más a canciones y no a experimentos. A que, si bien a mí me encanta experimentar, él me ayudó mucho a seguir ese rumbo y esa línea.

Creo que justo las canciones que hicimos con él fueron las que se sienten más direccionadas. Porque, sí, tienes razón, mis anteriores canciones son experimentos, son cosas que se sienten más como un morro probando cosas. 

Algo de tu música, de tu identidad me da la impresión que has estado conectado a internet, que has vivido en esa tierra de momazos y niños rata [Risas]. Supongo que lo que quiero saber es ¿Te gusta Hatsune Miku?

Sí [Risas].

Creo que no estuve tanto en el auge, pero sí, obvio.

¿Qué partes de internet te han inspirado?

Pues yo estuve mucho en la época de youtubers, como Rubius, Fernanfloo y todo ese rollo. De hecho, antes yo quería ser youtuber. Me acuerdo de que a los 10, más o menos, me hice un canal de YouTube. 

Y ¿Cómo se llama?

No, murió ahí, lo borré. Ni recuerdo cómo se llamaba. No sabría qué decirte, pero sé que sí me tocó esa parte de “internet youtuber” cuando YouTube estaba vivo. Me inspiró mucho para hacer mis cosas o mis videos. Cuando hago algún contenido o algo así me gusta hacerlo más de ese estilo. 

Sí, es que, claramente, hace parte de ti. Por ejemplo, vi que te divertiste mucho en el en vivo que hiciste recientemente.

Sí.

¿Cómo crees que estás representando a la generación Z?

Los entiendo bastante, justamente porque soy joven.

Creo que muchas veces me han llegado mensajes o historias de personas que me cuentan sus cosas amorosas, alguna anécdota, problema que han tenido y son realmente cosas que a lo mejor ya he visto, ya he vivido, ya sentido. Creo que soy muy empático y soy bueno para reconocer como ese tipo de experiencias y lo que están sintiendo.

Entonces, por ese lado, siento que represento bastante a los de mi generación.

¿Y has sabido ponerles límites a esas relaciones?, como en línea, a veces, las personas adquieren demasiada confianza y a veces se sale de control.

La verdad es que no me molesta, porque al final el que tiene que poner el límite es uno como artista, figura pública. Obviamente, uno está expuesto a que toda la gente le mande mensajes y le quiera contar su vida en 32.000 mensajes, pero yo siempre he tratado de ser una persona común y normal con ellos, porque, al final, eso soy.

Entonces, no me doy las de “artista” y no contesto a nadie o los ignoro, porque también entiendo. Quiero que ellos sepan que yo soy una persona al igual que ellos. Entonces, los mensajes que me llegan muchas veces los contesto, los que puedo, los comentarios los contesto casi siempre. Hay veces que incluso mantengo una conversación de tres cuatro mensajes con un fan.

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Creo que lo he llevado bastante bien. Ha habido alguna que otra cosa o comentario incómodo o gente que realmente se pone a contarme toda su vida y, bueno, no es que no quiera escucharlos, sino que no tengo tiempo. Entonces ahí puedo llegar a apartarme un poco, pero siempre trato de hacerle saber a la gente que los escucho y que soy alguien más como ellos.

Habías mencionado que querías desempeñarte como productor, ¿Piensas ir a la universidad de pronto estudiar música y aprender más acerca de producir? 

La verdad es que sí, o sea, sí me gustaría estudiar. Pero, creo que, al menos este año, pienso dedicarme a trabajar en mi música. Quiero establecerme bien en esto e ir al ritmo al que voy. Quizá el siguiente año sí me gustaría meterme una carrera o, aunque sea, algún curso, estar aprendiendo constantemente, creo que es importante nunca dejar de aprender. 

¿Teoría musical y cosas así? 

Sí, sé muy poco de teoría, realmente, creo que sé lo básico como saberte las notas y eso, pero sí me encantaría aprender teoría.

¿Qué piensas que va a cambiar en tu estilo a futuro?

En términos sonoros, la verdad es que siempre estoy buscando hacer algo diferente, siempre estoy buscando que la gente… Me encanta cuando escucho algo superextraño, que nunca había escuchado antes, que me hace sentir algo que no había sentido antes y me hace decir, “Esto suena como que medio horrible, pero me gusta”. Eso es lo que me encanta hacer. Había escuchado una frase que decía que “La gente no sabe lo que le gusta hasta que lo escucha”. Es lo mismo, por ejemplo, con la comida, no sabes si algo te gusta hasta que lo pruebas. 

Por ejemplo, con el under de Argentina, son canciones muy disruptivas. Tú le pones una canción de ellos a alguien y te va a decir que es eso suena horrible. Pero, si tú le pones esa canción a esa persona por una, dos, tres semanas, de repente, la va a entender, la va entendiendo, y al final le termina gustando. Yo he visto eso con amigos; gustos que le pegas a un amigo que primero te dice, “Eso suena horrible” y a las semanas ya te dice, “Oye, sí estaba buena la canción”. 

Eso es a lo que me gustaría llegar, sonoramente. Quiero construir canciones que suenen diferente, que sea algo que la gente no haya escuchado, algo que ni siquiera estén preparados para ello, pero que les haga un giro de tuerca en la cabeza y logren conectar con esa música que antes nunca habían escuchado.

Eso y, más que nada, consolidar mi sonido, hacer algo que tú escuches y digas, “Ah, eso es RACCA, eso es de RACCA, eso lo hizo él”. 

Aunque yo creo que lo hiciste, si mañana me sale en una playlist una canción tuya, yo digo, “¡ese es Racca!”, tienes un sonido y una voz bien particular.

¡Qué bueno! [Risas]

¿Y qué crees va a permanecer igual?

Creo que lo que no va a cambiar pueden ser mis letras. Se van a volver más profesionales, más acomodadas, puede ser, pero lo que yo escribo es parte de mi pensamiento, de mis valores y cosas que nunca voy a olvidar. Es decir, nunca me vas a ver cantando de mujeres o de fiesta o de alcohol.

El sonido puede cambiar bastante, aunque el rap, la neta, lo pienso mantener. Es un sello mío bastante único.

Puedo hacer canciones de cualquier género, de cualquier estilo, pero siempre volveré al rap para recordarles que vengo del rap y que lo sé hacer muy bien. Luego la gente dice como, “Ay, es que ya no hace canciones como ‘SEXTO SENTIDO’, ‘SEXTO SENTIDO’ es la mejor y así, porque es rap”. Es un rap para demostrarle a la gente que soy muy bueno en el rap, lo sé hacer y lo puedo hacer cuando quiera, pero me encanta hacer otro tipo de música.

Muchos dicen que el futuro de la música es hecho con inteligencia artificial, ¿tú qué piensas al respecto?

Es una cuestión que ni yo he llegado a una conclusión, porque, al final, lo importante de la música es lo que te hace sentir, lo que te transmite, lo que te ayuda. Hay canciones que a mí me han ayudado, que me han hecho llorar, que me han hecho reír. Para eso es la música, para sentirse vivo.

Si tú le pones una canción de IA a las personas, que ya está pasando, sobre todo en las personas mayores, la gente las escucha. Mi mamá escucha canciones con IA; le sale canciones con IA, las escucha ¡y las canta! Estoy seguro de que a ella la hace sentir viva, pero la IA no se siente viva. Es decir, detrás de la música la IA solo está copiando cosas que ya existen, está recopilando datos.

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Sí creo que la IA puede hacer canciones que hagan que las personas sientan algo, pero la IA nunca se va a poder sentir viva. En ese sentido, yo voy a ser canciones que haga que la gente se sienta viva y, al mismo tiempo, yo me voy a sentir vivo por hacerlas, por hacer música. La IA… ¡Es un robot! Nunca va a poder sentir eso, nunca va a poder sentir lo que es escribir una buena barra.

[Risas]

Entonces, creo que, a la vez que el mundo va evolucionando y cambiando, siempre va a haber cosas, frases, muy particulares, que uno escribe que una IA nunca va a poder representar. Si a mí el día de mañana me pasara algo muy particular, muy específico y es una anécdota que quiero compartir y lo digo con palabras como… Porque la IA lo que hace es que usa palabras muy generales, es algo muy general. Creo que si tú lo llevas algo particular, la IA nunca va a poder hacer eso. Ese es mi punto de vista.

¿Qué es lo que pueden esperar tus fans próximamente? 

Pueden esperar mucha música y el álbum. Eso es lo que me encantaría tirar el siguiente año, darle a la gente todo lo que es RACCA.

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Metrika continúa desvelando la historia que ha construido para La Orden, su próximo trabajo discográfico que aún no tiene fecha de lanzamiento. Esta vez es el turno de ‘P0RN0’, un single enigmático en el que la “vampibimbo” retrocede en el tiempo para remontarse a un psiquiátrico en donde su desquicio tiene la capacidad de hacer que el mismo doctor pierda la cordura.

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La canción cuenta con ese sonido urbano alternativo característico de la artista valenciana, el cual se ha ido tornando cada vez más oscuro con cada lanzamiento de esta nueva era musical. Su letra no se queda atrás, pues allí se habla sobre una letal combinación entre la obsesión y el deseo.

El vídeo ha sido dirigido por Víctor Marín, quien ya se había desempeñado como director técnico de los visuales de ‘DEMONIAS MUÑECAS’ y ‘CONTACTO CONTACTO’. El clip enseña a la “Madre Fundadora” siendo internada y dejada en observación, pero rápidamente vemos como sus demonias muñecas llegan para acompañarla. El poder sobrenatural de su paciente es tan intenso que el psiquiatra por poco sucumbe ante la locura.

Poco a poco, Metrika nos va envolviendo en La Orden, su siguiente álbum de estudio del que hasta ahora se conocen tres singles, incluyendo una colaboración con SINAKA. La artista, conocida por su gusto por desarrollar conceptos que se salgan de lo común en la industria, ha compartido en exclusiva con ROLLING STONE en Español su detrás de cámaras en el que se logra ver cómo se materializó el videoclip de ‘P0RN0’.

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Metrika continúa abriendo las puertas de ‘La Orden’. En ‘P0RN0’, la “vampibimbo” se traslada a un psiquiátrico para explorar una historia atravesada por la obsesión, el deseo y una oscuridad que sigue creciendo dentro de su nueva era musical. En exclusiva para ROLLING STONE en Español, Metrika comparte el detrás de cámaras del videoclip y muestra cómo tomó forma este nuevo capítulo de su universo. Conoce más en el link de bio. Videos cedidos por Universal Music Spain en exclusiva para ROLLING STONE en Español . . . #RollingStoneEnEspañol #RollingStoneEspaña #Metrika P0rn0

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