La revista Rolling Stone publicó un nuevo ranking con las 100 mejores canciones de Grateful Dead, elaborado a partir de una encuesta entre históricos seguidores de la banda y figuras vinculadas a su universo, como Jim James, Chloë Sevigny y Al Franken. La selección, difundida durante los llamados «Days Between» —el período comprendido entre el […]

Ver más noticias en Indie Hoy.

Toy Story es una de las películas animadas más entrañables de todos los tiempos. Semanas atrás llegó a los cines la quinta entrega de la saga y, lejos de defraudar al público, se convirtió en una de las más queridas de la franquicia. Por eso, era de esperar que muchas marcas diseñaran merchandising especial para […]

Ver más noticias en Indie Hoy.

Nike mostró los primeros detalles de su próxima colaboración con One Piece a través de una publicación conjunta en Instagram de Nike Tokyo y el departamento .SWOOSH de la marca. El adelanto retoma uno de los elementos más icónicos del manga y anime creado por Eiichiro Oda: el Poneglyph, un gigantesco bloque de piedra inscripto […]

Ver más noticias en Indie Hoy.

Hace casi un año que Netflix estrenó K-Pop Demon Hunters y la fiebre aún continúa. A comienzos de este año, la película ganó dos premios Oscar —a Mejor película animada y Mejor canción original por «Golden»— y cuenta con millones de fanáticos en todo el mundo. Por eso, las marcas más importantes de juguetes no […]

Ver más noticias en Indie Hoy.

Con motivo del 30.º aniversario del videojuego Quake, id Software lanzó una serie de novedades para los fanáticos y también convocó a Trent Reznor, compositor de la música original, para celebrar la fecha en el marco de la QuakeCon, que se lleva a cabo cada año. Por un lado, en colaboración con Nine Inch Nails, […]

Ver más noticias en Indie Hoy.

La industria argentina tiene en Nico Cotton a uno de sus productores favoritos. Su trabajo como compositor, multi-instrumentista e ingeniero de mezcla le ha valido montones de premios que van desde un Grammy Latino a mejor Productor en 2025 hasta una montaña de Premios Gardel. El más reciente, por ejemplo, fue una estatuilla de la celebración nacional de este año a Mejor Álbum de música global por Latinaje, el último lanzamiento de Cazzu. Su nombre va en créditos de discos o canciones tan diferentes a cargo de Soledad, Juanes, Cazzu, Nathy Peluso, Aitana, Jorge Drexler, María Becerra, Conociendo Rusia, Natalia Lafourcade, Nicki Nicole y tantos otros. Cada uno de ellos es un universo en sí mismo que renueva el desafío y el entusiasmo por su labor. 

Puede decirse, entonces, que Cotton encontró la fórmula del éxito. “A esa palabra uno la puede ver como algo negativo, pero en mi caso es algo positivo”, dice sentado en su estudio de Caballito. “Ya sé los truquitos de muchas cosas que quizás cuando empecé no sabía cómo hacerlas. Con el paso del tiempo vas aprendiendo esas fórmulas mágicas de cómo lograr ciertos sonidos o ciertas cosas. Así y todo, cada vez que empiezo un proyecto nuevo me gusta hacer borrón y cuenta nueva y jugar a que no sé nada para empezar a crear un mundo de cero”. 

Sin embargo, dice que los premios no importan tanto, que eso no puede guiar la creación, porque pensar en el resultado viral más que en el proceso de composición no es el camino de la felicidad. “Es que un trofeo no significa mucho, por lo menos para mí”, dice. “Si me pongo más profundo, el verdadero premio es poder vivir de la música, poder conectar profundamente con una canción o con un proyecto, estar en el estudio creando y poder volar con tu cabeza, crear desde cero algo. Y sobre todo poder vivir de esto, poder comprarte instrumentos, poder construirme mi estudio, poder, no sé, comprarme el micrófono que siempre soñé. Todo eso haciendo música. Eso es el verdadero premio, poder vivir de lo que amo”.  

Su camino con la música empezó a sus 10 años, pero desde los 19 se convirtió en un productor profesional, ese al que le pagaban por su trabajo. Hoy tiene 37 y esas herramientas que fue recolectando y vuelca en cada proyecto son el resultado de la teoría de las mil horas, ese know how que se obtiene después de hacer mucho tiempo la misma cosa. El resultado, necesariamente, es la destreza. Sumado a esto y como diferencial, Nico Cotton considera que además supo construir un perfil identitario, algo que al sonar puede sonar a él. “Yo creo que más que un sonido puede ser que tenga una especie de musicalidad”, analiza. “Tengo el estudio lleno de instrumentos y la computadora ocupa un espacio un poco menos importante”. De esa forma, sea con un tema de música urbana o de pop bailable, su impronta de músico siempre asoma con el aporte de diferentes matices de sintetizadores, guitarras o baterías tocadas por él mismo. 

“Trato de ser un artesano del sonido”, dice sonriendo. “Está lo lúdico de poder jugar o poder agarrar un instrumento y hacerlo mierda. Creo que eso es lo que más me gusta y siento que los artistas también buscan eso de mí. También poder grabar. Es algo que me apasiona, la grabación, los micrófonos, la tecnología, entender por qué un micrófono suena así, por qué otro micrófono suena de otra forma. Pasarme tres horas para buscar un sonido de bombo afinando y poniendo un micrófono de cierta manera junto con el ingeniero”. 

Ese dominio del estudio y las diferentes herramientas le generan una validación en el ambiente que los artistas valoran y devuelven en forma de respeto por su trabajo. Lo que sigue desde ese momento es el boca a boca, la forma en la que gente lo recomienda a otra gente y aparecen artistas interesados en trabajar juntos. El primero, y su primer éxito, fue Axel. Juntos ganaron el Gardel de Oro en 2015 por el disco Tus ojos mis ojos y se llevaron tres de los seis premios a los que estaban nominados: Mejor álbum artista masculino pop, canción del año por y Álbum del año. Lo que siguió desde allí fue una temporada de ostracismo hasta que en 2018 apareció Juan Ingaramo y lo convocó para hacer Best Seller, su tercer disco. 

A partir de allí, los trabajos se multiplicaron. A Los Nocheros se les sumaron NIcki Nicole, Conociendo Rusia, Maria Becerra, Nathy Peluso y muchos más. Pero hubo dos en particular que Nico destaca: Soledad y Cazzu. La Sole, por su parte, lo convocó para producirle un disco con las intenciones de acercarse al pop o a ritmos más innovadores de sus propios horizontes. Sin embargo, él no aceptó. “Me planté”, cuenta. “Le dije: ‘Sole, me encanta que me hayas llamado. Te agradezco, pero yo con vos quiero hacer un disco de folklore. Cuando tengas ganas de hacerlo, me llamás’. A los dos días me dice ‘dale, estoy. Hagamos un disco de folklore’”. La advertencia de su parte fue que no sería un álbum con destino del top 50 ni que tendrían viralidad, sino que era algo para que disfruten ellos el hacerlo. “Me quedo con las lágrimas de Sole diciéndome que es el mejor disco que hizo en su vida. Yo eso no me lo borro más. Eso para mí es el premio más grande. También creo que ese disco fue el germen o la semilla que despertó esta vuelta al folklore de otros artistas”. 

Con Cazzu fue diferente. La relación que han construído juntos tiene historia, cercanía y una cuota clave de intimidad y confianza necesaria para tomar riesgos artísticos apoyándose el uno en el otro. “Latinaje fue un proceso muy largo de casi dos años. La semilla la plantamos en un viaje que hicimos juntos a Puerto Rico en 2019. Desde ese momento le dije que tenía que empezar a cantar”, cuenta. En la isla convivieron mano a mano durante un mes. Todas las mañanas, al despertarse, Cazzu ponía música y siempre elegía folclore. Le hacía escuchar diferentes canciones y artistas y eso, de una u otra forma, se metió en el proceso de composición. Un día, casi terminando el disco, él empezó a jugar con la guitarra, ella comenzó a cantar y nació “Piénsame”. Si bien el disco de ese momento era más cercano al trap, esa canción con aires de folklore que sirve como interludio dentro del álbum fue el germen de todo lo que ahora finalmente explotó. 

Para confiar en el otro primero hay que conectar. Y entre ellos hay conexión. “Hicimos dos álbumes, ahora vamos por el tercero y conectamos. Ella quiere trabajar conmigo y yo quiero trabajar con ella. Entonces en esa conexión hay una confianza de ambas partes que permite hacer cosas nuevas”. El concepto del álbum lo propuso ella con la intención de hacer un género por cada canción y eso fue un desafío. La dificultad era hacer convivir todos los ritmos latinos en un álbum y que suena a eso, a un álbum, y no perderse en la heterogeneidad. “Hay una presión ahí de tener que estar a la altura que es lo que a mí me gusta”.  

Más allá de la experiencia, más allá del prestigio, Nico intenta seguir conectado con aquello que lo impulsó a convertirse en lo que es actualmente, uno de los productores favoritos de la industria. “Se está poniendo mucho el foco en los números, en los seguidores, en las reproducciones, en qué top estás, y eso un poco confunde”, dice. “Yo prefiero tener un artista que tiene un millón de reproducciones distribuidas en 20 canciones que una canción con un millón de plays”. Desde adentro, como un engranaje más de toda esa maquinaria que cosecha éxitos y crea personalidades como estrellas, Cotton piensa en la forma de salir de esta dinámica. “Hay que, de alguna manera, no tener miedo a hacer música, perderle el miedo. Hay que mirar para adentro y decir esto me emociona, me conecta, me hace ser feliz. Hacer algo que te permita decir que te emociona y te dan ganas de compartirlo con el mundo”. 

Nico Cotton tiene casi veinte años produciendo discos y canciones. La misma industria lo señala como uno de esos privilegiados que levanta, año tras año, premios y distinciones que lo posicionan como uno de sus favoritos. Su versatilidad a la hora de abordar artistas, su musicalidad en el trabajo y su compromiso con la parte técnica, construyen su identidad profesional. Y mientras valora que el mejor premio no son las estatuillas sino que es vivir de esto, de la música, dice que hay dos formas de existir dentro del negocio. “Una es hacer esto por la música y otra por la plata, por cosas pasajeras. Si lo que construiste te emociona y se termina haciendo popular, es espectacular. Ahí está la magia”. 

The post Nico Cotton, entre el productor estrella y el artesano del sonido appeared first on Rolling Stone en Español.

En 2024, ROLLING STONE en Español publicó un artículo dedicado a los artistas mexicanos alternativos más destacados de la escena. En él, recorrimos el universo sonoro de proyectos que hoy brillan con una identidad inconfundible, como Latin Mafia, Nsqk, Humbe, Emjay, iza tkm y Paloma Morphy, entre muchos otros. En ese momento, varios de estos nombres apenas comenzaban a consolidar su lugar dentro de la música contemporánea. Sin embargo, había algo en su propuesta que nos hizo apostar por ellos desde el primer instante. Entre aquella selección figuraba también un singular dúo de productores: RØZ. Su esencia nos cautivó desde el inicio de nuestra búsqueda. Más allá de las cifras en plataformas o del alcance en redes sociales, lo que verdaderamente sobresalía era una convicción inquebrantable por crear música. Desde entonces, aquellos productores de nicho que componían y daban forma a sus canciones desde la intimidad de sus habitaciones, impulsados por un sueño compartido, han recorrido un camino extraordinario. Hoy, RØZ se ha consolidado como un proyecto de alcance internacional, convirtiendo aquel sueño en una realidad.

Hay historias que confirman que la intuición también forma parte del periodismo musical. RØZ es una de ellas. Después de formar parte de nuestra selección de ‘Artistas alternativos mexicanos que tienes que escuchar’ en 2024, el dúo dejó de ser una promesa para convertirse en uno de los proyectos que hoy elevan el nombre de México dentro de la escena electrónica alternativa a nivel internacional. Lo que entonces nacía entre sintetizadores, computadoras y un sueño compartido encontró rápidamente eco en escenarios cada vez más grandes. Para 2025 llegó un momento que parecía reservado para unos cuantos: su debut en Coachella, uno de los festivales más importantes e influyentes del mundo, compartiendo cartel con artistas de la talla de Sabrina Carpenter, Justin Bieber y Karol G. A ese logro se suma su paso por festivales esenciales de la cultura electrónica como EDC y EDC Las Vegas, donde confirmaron que su propuesta ya no pertenecía al nicho, sino a una conversación global. 

Hoy, con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración, SE ESTÁ HACIENDO TARDE, RØZ celebra el inicio de una nueva etapa. El disco reúne colaboraciones con figuras como J Balvin, Ryan Castro y Peso Pluma, artistas que decidieron sumarse a una visión creativa construida desde la autenticidad y la perseverancia. Ver el camino de RØZ es recordar que los grandes proyectos no siempre comienzan en los escenarios más imponentes, sino en habitaciones donde la música pesa más que las cifras y donde la convicción termina encontrando su lugar en el mundo. Lo que alguna vez fue una apuesta hoy es una realidad: RØZ se ha convertido en uno de los nombres mexicanos con mayor proyección dentro de la electrónica contemporánea.

RØZ está lejos de ser un proyecto cualquiera. Incluso antes de presentar su álbum debut, el dúo ya había construido una trayectoria marcada por hitos que muchos artistas tardan años —o incluso una carrera entera— en alcanzar. Su evolución habla de una visión clara y de una pasión inquebrantable por la música, impulsadas por una ambición que no se conforma con ocupar un espacio en la escena, sino con redefinirlo. SE ESTÁ HACIENDO TARDE funciona como una carta de presentación que condensa todo aquello que ha distinguido a RØZ desde sus inicios: una estética profundamente emotiva y cinematográfica, colaboraciones que nacen desde la afinidad creativa y un sonido fresco, pero completamente libre de las fronteras que imponen los géneros musicales.

Lee aquí nuestra entrevista completa con Manolo Cabrera y Hugo Lara de RØZ:

¿Cómo se sienten con el lanzamiento de SE ESTÁ HACIENDO TARDE? ¿Qué tal esas emociones? 

Hugo Lara: Emocionados y nerviosos. Hay un miedo ahí, porque obviamente da. 

Me interesa el nombre del álbum debut: SE ESTÁ HACIENDO TARDE. ¿A dónde van tarde? ¿Sobre qué se está haciendo tarde? ¿Por qué este concepto de tiempo y espacio para su álbum debut? 

Hugo Lara: Creo que cuando surgió esto, fue como una frase muy intensa, desde lo pudieras ver: ‘Se te está acabando el tiempo’. También lo podías ver desde otra forma, pero creo que me estoy haciendo bolas [Risas]. Pero creo que básicamente es como una sensación de que se está haciendo tarde para amar, perdonar, reconciliarse, hacer el viaje que siempre habías querido hacer y muchas más cosas. Es como una sensación de urgencia. 

Manolo Cabrera: Es como un mantra de vida. Es una expresión tan mundana. También es como nuestro EP mañana, temprano, que es algo de postergar. Nos gusta agarrar esas frases diarias y que todos dicen. Creo que en el día a día, todo el mundo lo dice. Nos gusta abordar los conceptos tan mundanos y sencillos para encontrarles ese jugo. Si lo piensas bien, se está haciendo tarde para todo. El tiempo está pasando siempre. Si estás pasando un momento bueno o malo en tu vida, se está haciendo tarde para que se acabe o empiece. 

¿En qué, en su vida personal o artística, sentían que se les hacía tarde?

Hugo Lara: [Risas] Para todo. Llevamos dos años desde que empezamos a trabajar este álbum, y ahora ya está listo, solo falta que pase el tiempo y salga. Hasta con simples cosas, como cuando nos daban fecha para entregar el álbum y no lo teníamos listo, o también cosas de nuestro show. Tuvimos que mover un show en Nueva York porque no pudimos llegar. 

Manolo Cabrera: Creo que irónicamente, en nuestra carrera y proyecto, se estaba haciendo tarde para poner esta nueva etapa más madura. Nos gusta mucho tocar DJ, pero ya sentíamos que estábamos en una especie de techo de cristal. Ya habíamos hecho EDC, EDC más grande, EDC Las Vegas. Cuando llegó Coachella, obvio que lo queríamos hacer, pero no como DJ. Llegamos a un límite en nuestras mentes y carreras. Dijimos que si nuestro primer disco era DJ, nos íbamos a encasillar. De forma irónica, se nos estaba haciendo tarde para poner esta nueva era en la calle. A quien le guste, que se quede con mucho cariño, y a quien no le guste, pues también es válido. Tampoco vamos a dejar de sacar canciones club. 

Mencionan que el disco tardó en gestarse dos años. ¿Qué tanto mutó en el proceso?

Hugo Lara: Creo que era muy similar. La idea siempre fue la misma. Lo único que fue cambiando fuimos nosotros, las canciones y las colaboraciones. Al principio, solo éramos Manolo y yo agarrando el micrófono, escribiendo y grabando. La idea es la misma. En dos años aprendimos mucho. Hasta hace dos días, seguimos cambiando las canciones, aunque fueran las primeras que hicimos, porque con el tiempo aprendes más cosas técnicas. Uno solo se hace mejor La idea es exactamente igual, así como el sonido y el concepto. 

Manolo Cabrera: También tuvimos que aprender nuevas formas de escribir y transmitir. Sientes que tienes que escribir lo que sientes o lo que estás viviendo, pero hay veces que hay sentimientos que solo tienes o piensas, pero te dices que estaría chido decir esto o abordar lo otro. Esto fue un reto: desarrollar la pluma. 

¿Cómo han vivido su transformación como proyecto? Recuerdo que en sus primeros conciertos eran ustedes dos en un formato tipo Boiler Room, haciendo un DJ set. En cambio, la última vez que los vi ya habían evolucionado el proyecto: comenzaron a cantar. ¿Cómo fue ese proceso y cómo lo vivieron ustedes?

Manolo Cabrera: [Risas] Eso estuvo muy cagado. Esa canción no va a salir en el disco, pero jurábamos que sí. Era algo que simplemente queríamos hacer, y en el concierto ya teníamos a la gente, y qué mejor que hacerlo con nuestra gente. A mí no me gusta llamarlos fans, pero son parte de nosotros. Si alguien gastó su dinero en nosotros, es porque siente algo con el proyecto y la música, así que les quisimos dar eso ese día. No recuerdo cómo nos fue ese día, pero es difícil porque es algo nuevo. Son momentos más difíciles de agarrar el pedo. 

Hugo Lara: Una cosa es que Manolo y yo cantemos en la regadera o en el estudio, cosas a las que estemos acostumbrados, pero otra muy diferente, es pararte en un escenario y hacerlo en vivo y hacerlo bien. Es otra sensación. Esa vez estuvo muy chistosa. A mí me gustó porque es otra onda, pero obviamente ensayamos. Ya nos hacía falta poner esa parte de nosotros allá afuera. 

Manolo Cabrera: En todo el disco ya cantamos y escribimos.

Ya se estaba haciendo tarde para cantar. 

Manolo Cabrera: Ándale. 

Hablemos del tracklist que conforma SE ESTÁ HACIENDO TARDE. Young Sister, Peso Pluma en una nueva colaboración, J Balvin y Ryan Castro. También me encanta que no se olviden de sus compañeros y artistas que los vieron desde sus inicios, como Natt Calma Cuéntenme cómo se dieron estas colaboraciones y canciones que conforman el disco. 

Hugo Lara: Todo fue muy orgánico. Nos ha tocado esta bendición. Yo sí siento la cuestión de las energías. Nos da mucho gusto que artistas como Balvin, Ryan, Peso, y todas estas personas que están en el álbum, sean artistas que admiramos y que nos gusta mucho su música. Resuenan mucho con la música que hacemos nosotros. No es que nosotros nos sintamos muy grandes, porque somos dos personas súper normales que nos gusta hacer música. Esto es muy loco. Llegaron de una forma muy orgánica y son personas súper chidas. Es increíble. Se dio a lo largo del año. 

Manolo Cabrera: Cada una llegó de una forma distinta. A Peso lo conocimos desde ‘Apaga la luz’, y ya había una amistad y comunicación; a Balvin lo conocimos en Sueños y platicamos muy poco, después nos pasaron una canción para que intentáramos un remix y lo hicimos, pero la verdad quedó muy cabrona y se sentía como una canción nueva y no como un remix. Con Rauw fue un proceso similar, pero esas canciones ya estaban programadas para salir en el verano. Lo de ‘Bengalí’ lo vimos como el ‘Ultimate DJ move’ [Risas], que es hacer un remix de artistas que admiras y meterlo en tu disco. Nunca lo pensamos, pero se nos ocurrió.

Hugo Lara: Es un concepto raro. Metes a un disco cosas desde cero o que sean originales, y esto fue algo raro, pero a todos nos gustó: a Ryan, Balvin, a nosotros, nuestra disquera, todos. 

Manolo Cabrera: Balvin es un tipazo. Me sorprende que es un artista enorme y masivo, pero te contesta en 15 minutos los mensajes. Es enorme. Se portó muy tranquilo con la canción. Fue muy sencillo hacerlo posible. 

Hugo Lara: Se agradece mucho. 

¿Qué tal los sentimientos de experimentar sus sueños cumplidos? Por ejemplo, sus colaboraciones con artistas que idolatran. 

Hugo Lara: Es loquísimo. Somos dos personas que hacían música en sus cuartos, solo porque les gustaba y compartían. De hecho, solo era música para nosotros, no la compartimos o algo por el estilo. Ya con el tiempo, empezaron a salir. Todo comenzó por amor a la música y porque era muy divertido. Gracias a esto, comenzamos a tener una amistad tan fuerte. Tuvimos pláticas como: ‘¿Te imaginas colaborar con J Balvin o Rauw Alejandro? Estaría padre. Sí, bueno’. Y ahora son cosas que están pasando, y no solo eso, son parte de nuestro primer disco. Me vuela la mente. 

Manolo Cabrera: J Balvin le pudo haber pedido el remix a quien sea: Skrillex, Tiësto o David Guetta, pero no, se lo pidió a dos pendejos [Risas]. Fue muy random. Tenemos muy claro a dónde queremos llegar, y desde el inicio lo hemos tenido en mente. Nunca hemos hecho música sin rumbo. Sabíamos que queríamos un equipo fijo, profesional y llegar a hacer grandes cosas. Estamos conscientes que hemos logrado cosas, pero queremos hacer mucho más. Aún no hemos tocado nuestra música en Europa o en Ecuador. Son cosas que queremos hacer. Nos imaginamos haciendo más y más y más. Estamos muy agradecidos por este gran escalón. 

Hablando de todo esto, ¿cómo han vivido estos últimos meses? ¿Creen que todo lo han vivido muy rápido?

Manolo Cabrera: Todo ha ido muy rápido, la neta. Vuelos y vuelos y vuelos. Hacer la maleta para deshacerla y volverla a hacer. En el medio, trabajar. Llegar al estudio y al show es muy cabrón, pero cuando sientes la parte del trabajo, levantarte temprano y el vuelo, sientes el cansancio. En esto se ha resumido el tiempo. 

Hugo Lara: Ha sido un año muy loco. Han pasado muchas cosas, en general, tanto buenas como malas. Cuando nos dijeron lo de Coachella era septiembre y era en abril, y sentía que era mucho tiempo, pero abrí y cerré los ojos y ya estaba en el escenario. Sí siento que hemos hecho cosas muy grandes en poco tiempo, relativamente. El primer show fue en septiembre del 2024, un año después nos dijeron que haríamos un Coachella. Hace dos años, yo ni sabía que iba a comer al otro día. Fue muy drástico. Es padrísimo, pero también está la otra parte, que es la mental en donde no te avisan cómo caen las cosas. Puede ser complicado saber cómo llevar a cabo los cambios porque son significativos. Aquí estamos, muy agradecidos. 

¿Qué es lo que esperan de SE ESTÁ HACIENDO TARDE? ¿Cómo desean que el público vea a RØZ tras su álbum debut?

Manolo Cabrera: Que cuando escuchen ‘RØZ’ no solo se imaginen que estamos detrás de un DJ. Queremos que se imagine que irán a ver un show increíble a nuestras expectativas y capacidades. Somos un proyecto desarrollado en cierto sentido. Estamos donde queremos estar, en cuestión creativa. Estamos haciendo cosas donde nos sentimos cómodos y felices. Siento que eso se contagia de forma indirecta a la gente. El proyecto se siente como algo que queríamos lanzar, al que le metimos un chingo de ganas. 

Hugo Lara: Le metimos un chingo de ganas y refleja mucho nuestra esencia, y creo que es algo muy importante. Espero que la gente se sienta identificada, por lo menos con alguna parte. También queremos que lo disfruten porque es como meterse en nuestras cabezas. 

The post RØZ consolida el éxito de sus inicios en <i>SE ESTÁ HACIENDO TARDE</i> appeared first on Rolling Stone en Español.

La muerte del Indio Solari generó no solo una de las despedidas más multitudinarias que se hayan registrado en este siglo en Argentina, sino que se encargó de recordarnos, una vez más, que los artistas nunca mueren mientras siga viva su obra. Y la de Solari, empezando por los Redondos y culminando en Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado (LFDAA), es una de las obras más ricas y trascendentales del rock local.

Desde que se confirmó la triste noticia, el viernes 5 de junio al mediodía, se multiplicaron los homenajes espontáneos, las procesiones, las juntadas, los recitales y también las reproducciones en plataformas. El primer homenaje fue involuntario, pero tremendamente significativo. El sábado, al día siguiente de la muerte de Solari, mientras todavía se estaba terminando de definir cómo y dónde se iba a hacer el funeral, su última banda, LFDAA, decidió llevar a cabo el show que tenía programado, con entradas agotadas desde hacía rato, en el Predio Ferial de Comodoro Rivadavia, Chubut.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Losfundamentalistasok (@losfundamentalistasok)

El concierto se transmitió en directo en YouTube y tuvo picos de 230.000 personas conectadas en simultáneo. Conmovido hasta las lágrimas, Pablo Sbaraglia (tecladista, director musical y ocasional cantante), se hizo cargo de emitir las pocas palabras de una noche cargada de emotividad: “Esta vamos a cantársela a él”, dijo, y empezaron a tocar “Había una vez…”, parte del penúltimo disco del Indio y LFDAA, Pajaritos, bravos muchachitos (2013). El recital, como no podía ser de otra manera, terminó con “Ji ji ji”.

Esa misma noche, Skay Beilinson, histórico ladero del Indio en Los Redondos, tenía que tocar en La Segunda Seguros Arena de Rosario, pero el shock de la noticia lo obligó a reprogramar el show. “Hoy es un día muy triste”, se excusó. Unos días después, siempre desde su cuenta de Instagram, el guitarrista anunció otro cambio: su show en La Plata, programado para finales de julio, pasaba del Microestadio Atenas al Hipódromo, sextuplicando la capacidad de aforo de 3.500 personas a 20.000. “Nos quedamos cortos con el lugar”, aclaró en el post.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Skay Beilinson (@skaybeilinsonoficial)

El fin de semana siguiente a la muerte del Indio Solari, La Kermesse Redonda, el proyecto integrado hace más de una década por los músicos de Los Redondos Sergio Dawi (saxo), Semilla Bucciarelli (bajo), Tito Fargo (guitarra) y Hernán Aramberri (batería), ofreció dos shows en Montevideo, Uruguay, que adquirieron, dadas las circunstancias, un significado especial. Las entradas estaban agotadas desde hacía tiempo, aunque en los días previos había incertidumbre por la cantidad de personas que podrían acercarse sin ticket.

“Había una cierta preocupación por cuánta gente iba a caer a intentar entrar con este componente nuevo que se agregó”, dice la periodista uruguaya Belén Fourment, que estuvo presente en la primera noche. Finalmente, el clima jugó a favor. Fue un fin de semana realmente inhóspito, con mucho frío y cayó una especie de aguanieve. “Hubo unas 20 o 25 personas afuera intentando entrar, se vivieron cinco minutos de tensión y todo se descomprimió rápidamente”.

Adentro, la Sala del Museo del Carnaval, ubicada a pasitos de la rambla y también de la terminal de Buquebus, estuvo colmada. Para Fourment, lo que se vivió esa noche fue menos un velorio que una celebración compartida. “La sensación fue de mucha emotividad, pero celebratoria. Era celebrar la vida juntos. Había muchos más abrazos, mucha más conexión en los pogos y en los bailes. Te ponías a saltar con desconocidos, se miraban a los ojos y era como decir: ‘Estamos acá viviendo esto juntos’. Fue como hacerlo por el Indio”, resume la periodista.

La banda, vestida íntegramente de negro para la ocasión, hizo apenas unas breves referencias a Solari durante el concierto. “No se sintió una tristeza profunda, sino gratitud. Como decir: tenemos este regalo, valorémoslo, compartámoslo y sigamos encontrándonos alrededor de estas canciones”, sostiene Fourment. Un mes después, La Kermesse anunció una gira “histórica” por España que recorrerá Barcelona, Madrid, Valencia, Alicante, Málaga y Mallorca durante octubre.

Tal vez para mitigar el dolor, o simplemente para volver a repasar una y otra vez esos versos inmortales, los días posteriores a la muerte del Indio no se dejó de escuchar su música, sino todo lo contrario. El aumento en las reproducciones de sus temas se observa con claridad en los rankings de Spotify Argentina correspondientes a la semana del 5 al 11 de junio. Durante esos siete días, las ocho canciones más escuchadas del país pertenecieron al universo Solari. En el primer puesto quedó “Un ángel para tu soledad”, con 1.458.624 reproducciones. Detrás aparecieron “Ji Ji Ji” (1.367.782), “Un poco de amor francés” (1.348.607) y “La bestia pop”, que además protagonizó el mayor ascenso de toda la semana al escalar 147 posiciones hasta el cuarto lugar.

El Top 8 se completó con “Todo un palo”, “Esa estrella era mi lujo”, “Había una vez…”, de Indio Solari y LFDAA, y “Vencedores vencidos”. En total, esas ocho canciones acumularon más de 10,2 millones de reproducciones. Además, en el ranking de artistas, Los Redondos desplazaron a Bad Bunny y se ubicaron como los más escuchados de la Argentina. LFDAA treparon del puesto 95 al 3, mientras que Indio Solari como solista escaló del 115 al 4. Por primera vez, tres proyectos diferentes vinculados al mismo artista ocuparon tres de los cuatro primeros lugares del ranking nacional. Además, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota extendió a 243 semanas consecutivas su permanencia en el chart de artistas.

En cuanto a discos, Lobo Suelto trepó al número uno y alcanzó 291 semanas consecutivas en el ranking. Luzbelito fue el disco que más creció en todo el país al subir 119 posiciones hasta el puesto 9, mientras que Momo Sampler, el último álbum de estudio de Los Redondos, protagonizó el ingreso más alto de la semana al debutar en el puesto 25.

El fenómeno también potenció al circuito siempre activo de las bandas tributo. Rey Garufa y sus Timadores, formada en 2008 en Tandil (ciudad bonaerense que, años más tarde, albergaría tres de los shows más recordados del Indio Solari y LFDAA), es una de las agrupaciones homenaje más convocantes del circuito ricotero. Su popularidad creció especialmente tras su participación en el documental Piedra que late (2013), donde compartieron escenario con Gaspar Benegas y Pablo Sbaraglia de LFDAA.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Rey Garufa y Sus Timadores (@reygarufaok)

El 4 de julio, la banda dio un concierto en C Art Media, el segundo de su carrera en ese importante venue de Buenos Aires, en el que recreó En Directo, el recordado disco en vivo de Los Redondos editado en 1992. Este viernes 7, los integrantes de Rey Garufa cruzaron el charco para presentarse en la Sala Rincón de Montevideo, con entradas agotadas.

“Esto es un humilde tributo a la mejor banda de rocanrol de la Argentina”, reza la bio de Instagram de Superlógico, otra agrupación que recorre el país y que lleva más de dos décadas reviviendo “los clásicos de siempre”, como dicen sus flyers de rigurosa estética redonda. Sus presentaciones ya son un clásico en el Teatro Flores, encabezando cada edición de la Fiesta Ricotera XXL. La próxima es el sábado 15 de agosto y las entradas, claro, ya volaron.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por suPeRlógico | El Tributo Redondo (@superlogicooficial)

También proliferaron los conciertos dedicados a la obra de Solari, aunque no necesariamente desde el mismo lenguaje. Walter “Chino” Laborde y el Dúo Ranas presentaron en vivo su proyecto Tangos Redondos, un álbum con doce versiones en tango, vals y milonga de canciones de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. El trabajo cuenta con la participación de Sergio Dawi, Semilla Bucciarelli y Tito Fargo y retoma una vieja frase del propio Indio: “Pienso que muchas de mis letras se podrían hacer tangueras con mucha tranquilidad”.

Por su parte, el músico y productor Juku Ares anunció Chau Indio, un recital que se llevará a cabo el 14 de agosto en el Teatro Vorterix con la participación de distintos músicos invitados y cuya recaudación será destinada a ACEPAR (Párkinson Argentina), la asociación que trabaja con la enfermedad que el propio Solari hizo pública en 2016. “No como una despedida triste, sino como una noche para cantar con el corazón, celebrar su obra y recordar por qué esas canciones siguen significando tanto”, dice la convocatoria.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Juku Ares (@jukuares)

Al día siguiente, el 15 de agosto, en el Teatro Margarita Xirgu (donde tocaron Los Redondos en… ¡1979!) se presentará una edición especial de Una Obra Redonda, propuesta que combina música en vivo, actuación y material audiovisual para reconstruir cronológicamente la trayectoria de la banda entre 1976 y 2001. Es cierto, el Indio se fue. Pero su legado está más vivo que nunca.

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida por Una Obra Redonda (@unaobraredonda)

Indio Solari: El hombre inasible, el artista de todos

The post Después del Indio Solari: recitales agotados, cifras récord en streaming y un legado imparable appeared first on Rolling Stone en Español.