Hora de Aventura convirtió una premisa aparentemente elemental (un niño y su perro recorriendo un territorio fantástico) en uno de los universos más fértiles de la animación contemporánea. La Tierra de Ooo podía pasar del absurdo a la melancolía, de una batalla disparatada a preguntas sobre la identidad, la pérdida o el paso del tiempo, mientras su mitología revelaba poco a poco que aquel colorido mundo había surgido sobre las ruinas de una catástrofe.

Ese universo continúa expandiéndose con Hora de Aventura: Misiones secundarias (Adventure Time: Side Quests), un spin-off que retrocede hasta una etapa más temprana de Finn y Jake. John DiMaggio vuelve a prestar su voz al perro elástico, mientras Sasha Knight hereda de Jeremy Shada el papel de un Finn más joven, todavía lejos de muchas de las pérdidas y revelaciones que terminarían definiéndolo.

DiMaggio y Knight hablan de esa nueva química, de la relación casi fraternal entre los protagonistas y de cómo regresar a un Finn más inocente permite recuperar el sentido de descubrimiento que estaba en el origen de la serie.

Al igual que Rick & Morty, Hora de Aventura marcó un punto de inflexión en la animación moderna al demostrar que la comedia surrealista podía convivir con la complejidad emocional, las preguntas existenciales y una mitología elaborada. ¿Por qué creen que conectó tan profundamente con el público y continúa haciéndolo entre distintas generaciones?

JOHN DIMAGGIO: Creo que mucho tiene que ver simplemente con la relación entre un niño y su perro. Es algo universal, también esa dinámica de hermano mayor y hermano menor. Creo que la gente se identificó inmediatamente con eso.

Incluso tuvimos a una niña que era fanática de la serie y escribió diciendo: “Me encanta el programa, pero ¿por qué las niñas no tienen más aventuras? Creo que a las niñas les gustan las aventuras tanto como a los niños”. Y entonces se creó algo llamado Fionna y Cake. Descubrimos que había niños que querían eso y dijimos: “Hagámoslo para todos”.

También está la flexibilidad de la Tierra de Ooo y todas las historias que puedes contar allí. La gente responde a eso y, además, son personajes muy divertidos. Es algo arquetípico.

SASHA KNIGHT; Estoy de acuerdo. La Tierra de Ooo es enorme. Hay muchísimos lugares a los que puedes ir y prácticamente distintos universos dentro de un mismo espacio. Pero también están las relaciones. Hay mucho corazón. Aunque todo sea muy fantástico, al mismo tiempo puede sentirse muy real y muy humano.

John, regresas como Jake mientras Sasha hereda de Jeremy Shada el papel de Finn. Es una relación conocida, pero ahora con una química vocal diferente. ¿Qué tuviste que redescubrir de Jake cuando cambió la voz que le responde y, con ella, el ritmo emocional de esa amistad?

JOHN DIMAGGIO: Cuando escuché a Sasha por primera vez pensé: “Wow, esto es perfecto”. Sonaba completamente bien para mí. Pensé: “¿De dónde sacaron a este chico? Esto va a ser genial”.

Así que realmente no hubo una transición de la que tuviera que preocuparme. Fue como volver a montar bicicleta, simplemente regresar y hacer la serie. Eso habla muy bien de los guionistas, de los creadores y de este joven que está aquí. Ha hecho un trabajo fantástico y se siente como se sentía antes, y decir eso realmente significa mucho.

No tuve que hacer grandes ajustes en mi interpretación. Sasha lo consiguió desde el comienzo y simplemente arrancamos.

Sasha, Misiones secundarias regresa a un Finn anterior a muchas de las pérdidas y revelaciones que terminarían transformándolo. ¿Cómo trabajaste esa inocencia sin desconectarlo psicológicamente del personaje en el que sabemos que se convertirá?

SASHA KNIGHT: Lo más importante para mí era mantenerme fiel a Finn, conseguir que siguiera sintiéndose como Finn aunque yo fuera diferente y él fuera más joven.

Para mostrar esa juventud, lo fundamental era su inocencia. Todo le parece divertido y extraordinario porque todavía es muy joven y no sabe lo que le espera ni cómo la vida se vuelve más difícil a medida que creces.

Quería mostrar ese asombro que uno tiene cuando es más joven y, al mismo tiempo, mantenerme fiel a quien es Finn.

La serie original reveló gradualmente que la colorida Tierra de Ooo estaba construida sobre las ruinas de una catástrofe nuclear. En Misiones secundarias, ¿cómo preservan la tensión entre la aventura infantil y ese trauma histórico sin permitir que nuestro conocimiento del futuro oscurezca cada momento inocente?

JOHN DIMAGGIO: Es una gran pregunta, aunque creo que realmente es una pregunta para los guionistas. Cuando interpreto estos guiones no estoy pensando en ese trasfondo apocalíptico que, literalmente, está debajo de todo.

Imagino que eventualmente empezaremos a ver algunas grietas en la superficie del mundo de Ooo que revelarán algo de eso, pero no es algo que afecte directamente mi interpretación, salvo que esté explícitamente en el guion.

SASHA KNIGHT: Yo tampoco pensaba demasiado en eso. Finn no está pensando en ello, así que yo tampoco lo hacía mientras lo interpretaba. Creo que ahí entra el trabajo de los guionistas.

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John, Jake suele funcionar como el hermano mayor de Finn, aunque su código moral improvisado puede ser sabio, irresponsable o maravillosamente absurdo. Al regresar al comienzo de esa relación, ¿qué crees que Finn le enseña a Jake sobre la responsabilidad y no al contrario?

JOHN DIMAGGIO: Nunca lo había pensado exactamente de esa manera. Creo que cuidar al chico es algo que Jake lleva de forma natural, casi escrito en su ADN.

Pero siempre existen pequeños momentos en los que tiene que reconocer: “Amigo, tienes toda la razón”. Los dos aprenden mientras avanzan. A veces es simplemente: “Quizás deberías pensar en esto”. “Sí, tienes razón”. Es una relación en la que ese consejo circula en ambas direcciones.

Es una gran pregunta. Voy a tener que seguir pensándola.

Sasha, el heroísmo de Finn nunca se ha basado únicamente en derrotar monstruos. Surge de su deseo de ayudar a los demás incluso antes de comprenderlos completamente. ¿Cómo utilizaste la voz para diferenciar la impulsividad de un niño de esa empatía más profunda que terminará definiendo al personaje?

SASHA KNIGHT: Finn tiene ese deseo de ayudar a los demás, pero tampoco piensa demasiado las cosas antes de hacerlas. Para mí era importante encontrar desde la voz esa inocencia de la que hablábamos.

Hay algo muy natural en él y en todo lo que hace. No se detiene a pensarlo demasiado; actúa por instinto. Y querer ayudar a otras personas también forma parte de ese instinto. Para Finn es algo completamente natural.

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José Restrepo viene construyendo personajes atravesados por distintas formas de fractura. En Enemigo en el espejo, de Julián Camilo Sánchez, interpretó a Camilo, un guitarrista que pierde la música, la pareja y el respaldo familiar y busca refugio en un culto religioso mientras se enfrenta a la bulimia. En Selva, de Esteban Hoyos García y Juan Miguel Gelacio, fue Julián, un hombre desgastado después de cinco años trabajando en un call center que, tras una llamada inesperada, comienza a recorrer Bogotá como si necesitara encontrar una salida a una vida convertida en rutina.

Ahora, en Les digo “almas”, Restrepo vuelve a interpretar a un personaje enfrentado a una ruptura, aunque esta vez el conflicto abandona el territorio íntimo para entrar directamente en el de la ley, el poder y la responsabilidad individual. Daniel pertenece a una institución que debería protegerlo y termina perseguido por aquello que representaba. Ese desplazamiento convierte su historia en una pregunta moral: ¿qué sucede cuando obedecer la ley deja de coincidir con hacer lo correcto?

Restrepo nos habla de esa transformación, de la impotencia de descubrir que las instituciones pueden convertirse en una amenaza y de un personaje cuyo miedo termina sustituido por algo más peligroso: la sensación de no tener nada que perder. La conversación desemboca además en una reflexión sobre la obediencia y La banalidad del mal, de Hannah Arendt, para plantear hasta qué punto una persona con buenas intenciones puede terminar convertida en instrumento de quienes ejercen el poder.

Daniel pertenece a una institución que debería representar la ley, pero termina cruzando una frontera que lo convierte en un perseguido. ¿Cómo construiste ese tránsito sin justificar todas sus decisiones por las circunstancias? ¿En qué momento debe asumir su propia responsabilidad?

Creo que la respuesta está en entender que, para mí —y creo que para gran parte de las personas—, qué está bien y qué está mal no necesariamente es sinónimo de qué es legal y qué no lo es. Muchas veces, a lo largo de la historia, cosas que eran legales no necesariamente eran correctas, y viceversa.

Esa fue la línea de pensamiento que encontré para construir esa transición. Por más claras que tengamos las leyes, existen momentos en la vida en los que nuestra propia conciencia puede decirnos que romper la ley o actuar por fuera del marco legal es lo correcto. Creo que eso es lo que sucede con Daniel: su conciencia, poco a poco, lo va alejando de la ley.

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¿Cómo cambia la psicología de alguien cuando deja de sentirse protegido por la autoridad que representa y empieza a verla como una amenaza?

Creo que es una especie de epifanía. Hay países donde las instituciones funcionan muy bien y generan mayor seguridad, pero muchas veces la realidad de un país como Colombia es que las instituciones o las personas que, en teoría, deberían darnos confianza y tranquilidad pueden ser precisamente aquellas que sentimos que están en contra nuestra.

Para Daniel eso produce, sobre todo, impotencia. Esa palabra está en el centro de la construcción del personaje. Es la sensación de que debería haber gente para curarnos y no nos cura; gente para administrarnos y nos roba; gente que debería protegernos y no nos protege. Lo que queda es una enorme sensación de impotencia.

Crítica: Les digo “almas”

La historia transcurre bajo una presión constante y cada decisión puede resultar crucial. ¿Cómo trabajaste el miedo de Daniel para que no fuera solamente adrenalina o tensión física, sino que también revelara quién es?

Daniel llega a un punto en el que ya no actúa tanto desde el miedo como desde la desesperación. Creo que el miedo aparece cuando uno todavía tiene algo que perder. Cuando el personaje siente que ya no tiene nada que perder, lo que queda es tratar de agarrarse de algo y encontrar cómo detener ese camino que parece completamente destructivo.

Su miedo, de alguna manera, ya se hizo realidad al comienzo de la historia, aunque nosotros solamente lo entendemos casi al final. A partir de ahí vive en un estado de desesperanza en el que incluso la muerte podría convertirse en un descanso. Eso puede hacerlo parecer más osado o más valiente, entre comillas, pero precisamente porque siente que no tiene nada que perder. Y eso no necesariamente es algo bueno.

La película también habla del abuso de poder y del machismo. ¿Hubo comportamientos o formas de ejercer la masculinidad que decidiste incorporar a Daniel como alguien que forma parte de esa estructura?

La historia sí habla mucho del machismo y de cómo se puede abusar del poder, aunque creo que esas preguntas recaen especialmente sobre Rafa y Ana. En el caso de Daniel, me interesaba más aquello en lo que puede convertirse una persona cuando no tiene claro qué está haciendo.

Uno puede tener las mejores intenciones y la mejor visión posible de sí mismo y, aun así, terminar convertido en el idiota útil de personas que sí tienen malas intenciones. Creo que Daniel y varios personajes de la película terminan siendo utilizados precisamente porque no tienen completamente claros sus principios o su filosofía de vida.

Cuando uno no tiene eso claro, por mejores que sean sus intenciones, puede terminar ayudando o siendo cómplice del mal sin que esa haya sido nunca su intención.

Eso conecta con Hannah Arendt y su reflexión sobre cómo la obediencia puede convertir a una persona en instrumento del mal. Después de interpretar a Daniel, ¿te quedó alguna reflexión sobre la obediencia? ¿Hay situaciones en las que desobedecer a una institución puede convertirse en la decisión más ética?

Completamente. Desde hace mucho tiempo pienso que los actores y los artistas en general deberían mantener siempre un pie en la disidencia, no creer demasiado en la academia, las instituciones o la autoridad. Creo que el artista debe mantener cierto grado de rebeldía.

Lo que planteas me parece muy importante. La banalidad del mal habla precisamente de cómo una persona puede convertirse, sin tener esa intención, en una herramienta del mal. Uno quizá nunca imaginaría por iniciativa propia torturar a alguien o hacerle cosas terribles. Pero si esa orden viene de un superior, puede resultar más fácil pensar: “Bueno, esto es lo que debo hacer”. Si creo que la institución a la que represento busca el bien, ¿por qué voy a dudar de la orden que recibo?

Por eso es importante no asumir que lo legal y lo correcto son sinónimos permanentes. A veces, lamentablemente, incluso pueden ser opuestos. Por eso es bueno mantener el pensamiento escéptico con las personas que están en el poder. Es la forma menos ingenua de vivir en esta sociedad.

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Hayden Panettiere murió debido a los efectos tóxicos del fentanilo y otras drogas. La oficina del forense de Greenville County determinó que la muerte de la actriz fue accidental.

El forense halló fentanilo, rastros de alprazolam (más conocido como Xanax), del relajante muscular, metocarbamol, y de quetiapina, un fármaco utilizado principalmente para tratar la esquizofrenia y el trastorno bipolar, pero que también puede emplearse para tratar la depresión. El comunicado de la oficina del forense, publicado más de un mes después del hecho, reiteró que la autopsia no reveló signos de traumatismo que hubieran contribuido a su fallecimiento.

En el día de su muerte, la policía confirmó que, el 16 de agosto, se acudió a una residencia en Greenville, Carolina del Sur tras recibir informes sobre una “mujer inconciente”. “Al llegar, se le brindó asistencia médica; sin embargo, se declaró el fallecimiento de la persona, identificada posteriormente como Hayden Panettiere, en el lugar de los hechos”. En las grabaciones de las comunicaciones de emergencia obtenidas por la revista People, se escucha a los oficiales hablar de una “sobredosis” y un “paro cardíaco”.

Se abrió una investigación sobre el fallecimiento de la estrella, aunque la policía señaló que “una investigación preliminar no ha indicado indicios de actividad delictiva ni circunstancias sospechosas”.

A pesar de que la declaración del forense aporta nuevos detalles sobre el caso, la investigación oficial continúa en curso. El Departamento de Policía de Greenville ha estado liderando la investigación en colaboración con la Administración de Control de Drogas (DEA). Un portavoz del Departamento de Policía de Greenville no respondió de inmediato a la solicitud para comentar sobre el estado del caso.

En un comunicado enviado a ROLLING STONE a través del representante de la actriz, Skip Panettiere, el padre de la intérprete, dijo, “Compartimos la trágica noticia del fallecimiento de nuestra querida Hayden con profunda tristeza. Ella era una luz y una fuerza de la naturaleza increíble que brindó amor y alegría a todos los que la conocieron, así como a los millones de personas que la vieron en pantalla. Pedimos privacidad mientras nuestra familia se toma un tiempo para asimilar esta pérdida inimaginable”.

A Panettiere se le reconoce por sus diversos roles en el cine y televisión como en Remember the Titans, Raising Helen, Scream 4, Ice Princess y Te Amo, Beth Cooper. En 2006, obtuvo el rol que la impulsó al estrellato; la animadora Claire Bennet en Heroes, la serie de ciencia ficción de NBC. Actuó en el programa durante 4 temporadas, no obstante, su aparición más galardonada fue como Juliette Barnes para Nashville, una serie que se transmitió desde 2012 hasta 2018.

En 2014, admitió haber luchado contra la depresión posparto tras el nacimiento de su hija, Kaya Evdokia Klitschko, su única hija con el campeón de boxeo ucraniano, Wladimir Klitschko. Luego, confesó que padeció de depresión posparto grave, abuso de sustancias y ansiedad.

En su autobiografía de 2026, This Is Me: A Reckoning, confesó que bebía en exceso para lidiar con la situación. Recordaba despertarse temblando y necesitar una botella de alcohol, u opioides que le ayudaran a evitar beber, para enfrentar el día. Escribió que un médico le dijo que “estaría muerta en un plazo de cinco años” si no dejaba de tomar. Reveló, “Lo primero en lo que pensaba al despertar era en el alcohol, no en mi hija, ni en mi trabajo, ni en el resto de mi vida. Necesitaba un trago para funcionar… a las seis de la mañana”.

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Por muchos años, la portada del álbum debut de Black Sabbath estuvo rodeada de un misticismo que ayudó a crear la leyenda de la banda. La fotografía tomada por Keith Macmillan tenía un aspecto rústico que acentuó el aura enigmática que emanaba la mujer vestida de negro, quien posaba frente a un molino de agua descuidado en medio de un bosque.

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No fue sino hasta 50 años después del lanzamiento del LP que ROLLING STONE reveló la identidad de “la bruja”, quien en realidad era la modelo londinense Louisa Livingstone. Después de desempeñarse como modelo y actriz en proyectos pequeños, se adentró en el mundo de la música electrónica y adoptó el pseudónimo de Indreba, que es un acrónimo de Incredible Dream Band.

Como era de esperarse, luego de conocerse su identidad recibió atención por parte de los fans curiosos de Black Sabbath, de modo que a inicios de este año compartió dos canciones con un sonido más metal dirigidas a ellos. En ‘Witch Woman’, se pone en personaje y canta desde la perspectiva de la bruja, mientras que en ‘Woman by the Mill’ habla la mujer detrás de la leyenda.

Este acercamiento a la música más pesada dio pie a su más reciente EP, Alice, una breve ópera rock inspirada en los libros de Alicia en el país de las maravillas y la teoría del pansiquismo. Livingstone desarrolló la idea al “hablar” un chatbot de Inteligencia Artificial, conversación que terminó por crear la premisa de que la protagonista del relato se enamora de la IA, pero al final se da cuenta de que todo fue una ilusión.

“He estado experimentando un poco con clonar mi propia voz para ver qué tipo de cosas puedo hacer con ayuda de la IA”, le dijo a principios de septiembre a ROLLING STONE. “Solía criticar todo lo relacionado con la IA como mucha gente, pero es una herramienta que puedes usar para crear pura basura o ‘slop’, como le dicen, o algo muy bueno e interesante. Todo depende del usuario y su visión… Siempre reflejará a la persona que la está empleando, lo bien o mal que lo hace, su gusto musical y conocimiento”.

Livingstone inició el proyecto de Indreba a mediados de la década pasada y ahora vive en España, donde ha tocado la guitarra eléctrica para diferentes bandas. De acuerdo con sus declaraciones y su sitio web, la Incredible Dream Band es producto de su bagaje musical y su exploración de las computadoras como instrumentos.

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No es reggae ni ska. Aunque es jamaiquino y tiene no pocos ingredientes en común con esos otros géneros musicales, al punto que muchos podrían confundirlos. Se lo conoce como rocksteady y tuvo su breve apogeo en 1966, es decir hace sesenta años. Es el eslabón, de ningún modo perdido, pero sí quizás menos escuchado de la música popular jamaiquina. 

“Menos escuchado”, cuando se habla de Jamaica, es una expresión muy relativa. Puede que alguien ni siquiera conozca el término rocksteady, pero seguramente disfrutó de su particular cadencia de manera indirecta, salvo que nunca se haya cruzado con material de The Police, No Doubt, The Clash, Blondie, Los Pericos o tantos otros artistas que recogieron la influencia de ese período particularmente inspirado en la isla. Como el reggae, el ska, el dub y el dancehall, también el rocksteady se propagó por la música pop global, incluso de una manera subliminal. 

El grupo porteño The Hamptons, con casi dos décadas de consumo y difusión responsable del mejor rocksteady, tomó la decisión de celebrar los 60 años de este fenómeno en un concierto junto a un seleccionado de cantantes invitados: Guillermo Bonetto (Los Cafres), Sergio Colombo (El Natty Combo), Boris Bilbraut (cofundador de Cultura Profética), Lara Moon (Los Casettes, Morley Reggae), Flor Bocona, Diega Robson (Robson Bros Co.) y Laura Leya (Santa Fiebre). La cita es el viernes 25 de septiembre a las 20, en Lucille (Gorriti 5520), con producción de Pelagatos, la plataforma de contenidos especializada en reggae. 

Se suele definir al rocksteady como un ritmo más lento que el ska (su antecesor inmediato), pero más rápido que el reggae (su hijo pródigo y famosísimo). Cuenta el mito fundacional que todo derivó de un verano extremadamente caluroso, en 1966, en el que no era fácil bailar al ritmo frenético del ska, que dominaba Jamaica desde su declaración de la Independencia del Reino Unido (en 1964). Puntualmente, el big bang se ubica en el modesto estudio donde el cantante Hopeton Lewis intentaba grabar un ska, que le quedaba demasiado rápido. Pidió que la banda bajara un poco los bpm y de allí surgió la particular cadencia y el inédito protagonismo del bajo de “Take It Easy”, muy probablemente el primer rocksteady de la historia, cuya letra no casualmente es un llamado a tomarse las cosas con calma. Aquella banda era lideraba por el guitarrista Lynn Taitt, algo así como el prócer mayor del rocksteady, que definió las reglas de oro para su instrumentación y ejecución. 

Los Hamptons son un caso singular en la escena porteña porque ubican al frente un trío vocal, a la manera de clásicos jamaiquinos como los primeros Wailers, The Heptons, The Paragons y The Pioneers, entre muchos otros “The”. “Al rocksteady le siento un dejo de melancolía. Y eso es algo que me sienta muy bien; será porque soy porteño”, dice Donato Bellitti, una de las voces de Los Hamptons (junto a Gastón Laspoumaderes y Nahuel Castro). “Tiene notas de melancolía en las armonías y en la cadencia. Es muy raro porque, al mismo tiempo, es un género festivo. Pero esas sensaciones conviven produciendo un estado de felicidad con un dejo de melancolía. Puesto en términos musicales, es como disponer de más armónicos. Así que, como trío vocal, el rocksteady es un traje que nos queda perfecto”. 

Los Hamptons compartieron escena y armonías con visitantes ilustres como Derrick Harriott, Pat Kelly y Brinsley Forde (ex Aswad). “Me gusta toda la música de raiz jamaiquina, pero del rocksteady me atrae en especial eso que genera el tempo lento, el groove pesado y el sonido –detalla Esteban Descalzo, baterista de Los Hamptons, productor e ingeniero de sonido en Kingston Factory, un estudio de grabación especializado en sonidos jamaiquinos, aunque ubicado a pocas cuadras de la Plaza Flores. “También me gusta esa reivindicación de los tríos vocales como lideres, al frente, algo que es parte de la identidad sonora de Los Hamptons. Y, en cuanto a la historia, me vuela la cabeza lo prolífico que fue este género en los pocos años que tuvo de desarrollo”. 

Efectivamente, la Era Rocksteady en la saga de la música jamaiquina, se reduce a 1966-1968. Y, sin embargo, su catálogo de maravillas en vinilos de 7 pulgadas es casi interminable, algo que vuelve locos a los coleccionistas. De ese rico legado, Los Hamptons e invitados recrearán nada menos que treinta joyas del tenor de “The Tide is High” (The Paragons, my conocido por la versión de Blondie), “Ah It Mek” (Desmond Dekker), “Feel Like Jumping” (Marcia Griffiths), “Moving Away” (Ken Boothe) y “The Loser” (Derrick Harriott).  

“Sin la semilla del rocksteady nunca hubiera florecido el reggae”, dice Marcos Álvarez, fundador y portavoz de Pelagatos. “Cuando los músicos bajan el tempo del ska, como dice el mito, esos fueron los pacitos de bebé del reggae. Pero, la verdad, las líneas divisorias entre géneros son muy delgadas. Al final, este show es más que nada una manera diferente de celebrar el reggae”.

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Fito Páez habló de la figura y el legado de Charly García, al que considera su maestro, durante su paso por Otro día perdido (Eltrece), el programa de Mario Pergolini.

En un pasaje de la extensa charla, el músico rosarino recordó cuando, muy joven, se integró al universo de García, una experiencia que describió como una verdadera escuela. Pergolini aprovechó la oportunidad para preguntarle sobre una particularidad, cuando aparecía tocando de espaldas al público.

“Hay que preguntarle a Charly. Nunca lo dijo. Pero más allá de ello, era hermoso; hay que pensar que Charly, aparte de ser un compositor increíble, es un performer y un director”, señaló Fito. Según recordó, la idea buscaba reforzar la puesta en escena de la banda y terminó convirtiéndose en una experiencia de aprendizaje fundamental para él. “Me sirvió porque aprendí un montón”, aseguró.

Más allá de las anécdotas, el tramo más emotivo llegó cuando Páez puso el foco en la vigencia de la obra de García y en el lugar que ocupa dentro de la cultura argentina. Contó que tiempo atrás organizó un concierto dedicado exclusivamente al repertorio de Charly y se encontró con una situación que lo preocupó: gran parte del público no conocía varias de las canciones. “Una ciudad que no recuerde a Charly es muy fuerte. No es un episodio pasajero”, lamentó.

Para Páez, la tradición musical argentina forma parte de una misma trama que une a figuras como Atahualpa Yupanqui, Gardel, el Cuchi Leguizamón, Litto Nebbia, Luis Alberto Spinetta y Charly García, entre otros. “La música es la memoria emocional de un pueblo”, afirmó, y definió a esa tradición como una “máquina emocional” que atraviesa generaciones y constituye una parte esencial de la identidad cultural argentina.

También cuestionó la idea de una supuesta “batalla cultural” y sostuvo que la discusión debería centrarse en preservar y fortalecer un patrimonio artístico construido durante décadas. “Hay un edificio que es la cultura argentina”, sintetizó.

“Tenemos que empezar a juntarnos un poco más entre todos y decir: ¿qué hacemos para que esto esté bien?”, reflexionó. Y concluyó con una propuesta tan simple como directa: mostrarles a los más jóvenes la riqueza de esa tradición musical para que puedan incorporarla y mantenerla viva.

Páez también advirtió sobre los efectos culturales de la época contemporánea y cuestionó ciertos consumos que, según su visión, alejan a las personas de una experiencia más profunda del arte. En medio de una reflexión sobre la memoria cultural argentina, sostuvo que desde fines del siglo XX aparecieron “géneros o subgéneros musicales que después fueron usados para detener el alma humana” y aseguró que seguirá defendiendo la belleza como un valor central de la creación artística. “Voy a pelear hasta el último día de mi vida para que la belleza siga reinando en el mundo”, afirmó ante la ovación del estudio.

El cierre de la noche fue con Páez sentado al piano interpretando clásicos de su repertorio en un formato íntimo. Y para ponerle aún más Charly al asunto, hizo “Desarma y sangra“.

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Cristian “Pity” Álvarez permanece internado en el Hospital Tornú luego de haber protagonizado un choque leve en una estación de servicio de Villa General Mitre. Según informó La Nación, el exlíder de Viejas Locas y Intoxicados fue ingresado durante la madrugada con un cuadro de deterioro cognitivo y permanece bajo observación médica.

De acuerdo con los primeros trascendidos, la internación estaría vinculada a un problema de salud asociado con la hipertensión. Sebastián Queijeiro, uno de sus abogados, aseguró que el cantante se encontraba muy afectado por los acontecimientos recientes y explicó que, tras el incidente vial, su hermana le retiró las llaves del vehículo. “La presión se le fue por las nubes y le sangraba mucho la nariz“, señaló el letrado en declaraciones televisivas.

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Fuentes citadas por La Nación indicaron que Álvarez se encuentra estable y que se están realizando gestiones para trasladarlo a una clínica correspondiente a su cobertura médica.

La situación ocurre en medio del juicio oral en el que el músico está acusado por el homicidio de Cristian Díaz en 2018 en Villa Lugano. Este miércoles estaba prevista una nueva audiencia ante el Tribunal Oral en lo Criminal y Correccional N.º 29, en la que debían declarar cuatro testigos propuestos por la defensa, entre ellos Cristina Congiu, madre del artista. A raíz de la internación, los abogados pidieron suspender la audiencia, pero el pedido fue denegado.

El episodio que reavivó la preocupación por su situación ocurrió durante la madrugada del martes, cuando Álvarez chocó contra otro automóvil que se encontraba cargando combustible en una estación de servicio de la avenida San Martín al 2400. El impacto fue menor y no dejó personas heridas.

En las últimas horas, Queijeiro volvió a manifestar públicamente su preocupación por la salud mental y el consumo problemático de sustancias que atraviesa Pity.

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