Converse
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Karina is stepping into some stylish new Converse. The K-pop star is currently touring with fellow aespa members, having kicked off the SYNK : COMPLæXITY world tour on August 7, 2026, in Seoul. But despite Karina’s busy schedule — she also performed at Lollapalooza on Aug. 2 — the band’s lead singer had time to squeeze in a collab with Converse by modeling their Run Star Crush and the Chuck 70 X.
The Run Star Crush turns the familiar Chuck Taylor All-Stars into something more playful, with exaggerated proportions, a curved platform and a lightweight build that gives everyday outfits a noticeable lift. The shoes are for anyone who thinks classic sneakers could use a little more attitude.
PLATFORM SNEAKERS
Converse Run Star Crush Black
New Release
Sizes run from men’s 3 to 13 and women’s 4.5 to 14.5
The Run Star Crush in black makes a strong case for giving classic sneakers a little more height. Its durable canvas upper keeps the familiar Chuck look, while a molded foam midsole and separated rubber outsole create lightweight lift and a unique design.
WORN BY KARINA
Converse Run Star Crush Egret
Selling Fast
Comes with with removable OrthoLite insole.
The Run Star Crush in egret is the counterpart of the black version above. Available in sizes 3-13 for men and 4.5 to 14 for women, fit experts say these shoes run a tad on the large side, and recommend getting a half-size smaller than usual.
Karina has also modeled the Chuck 70 X, which keeps the recognizable shape of the original Chuck while giving it a sharper, more modern finish. The upgraded footwear features dual-star accents on the rubber bumper and top eyelets, an updated leather patch logo, subtly aged toe cap and foxing, plus a tongue stabilizer designed for comfort and everyday wear. The collection comes in a variety of colors in both high and low tops. The Chuck 70 X is available now in China and Korea, with a global launch on August 27.
aespa will embark on their North American leg of the SYNK : COMPLæXITY world tour in September. Find tour tickets online here.
Limp Bizkit will headline the 2026 edition of Good Things Festival, the Australian travelling heavy-music event announced Tuesday (Aug. 11), atop a bill of more than 30 acts across nu-metal, pop-punk, metalcore and hardcore.
The lineup also features Simple Plan, Spiritbox, Polaris, The All-American Rejects, Bad Religion, Alexisonfire, Grinspoon, Millencolin, Ministry, MxPx, Neck Deep, P.O.D. and The Devil Wears Prada. The festival runs Dec. 4 at Flemington Racecourse in Melbourne, Dec. 5 at Sydney Showground and Dec. 6 at Brisbane Showgrounds, with all dates 16-and-over. Presale tickets go on sale Aug. 18.
Limp Bizkit headline after appearing at the 2023 festival and playing sold-out sideshows. Formed in Jacksonville, Florida in 1994 and fronted by Fred Durst, the band’s 1999 album Significant Other debuted at No. 1 on the Billboard 200, earned two Grammy nominations and was certified seven-times platinum on the strength of “Nookie” and “Break Stuff.”
Its 2000 follow-up Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavored Water also debuted at No. 1, opening with more than one million U.S. copies — at the time a record for the fastest-selling rock album of the SoundScan era. The band has sold more than 40 million records worldwide.
Elsewhere on the bill, Spiritbox’s 2021 debut Eternal Blue reached No. 13 on the Billboard 200, and its 2025 follow-up Tsunami Sea hit No. 26 while topping the U.K. Independent Albums chart; the Canadian band has earned three Grammy nominations for Best Metal Performance. Simple Plan return for the first time since the 2019 festival, while Australian metalcore band Polaris topped the ARIA Albums Chart with 2023’s Fatalism.
Several acts are marking milestones. Alexisonfire will play their 2006 album Crisis in full for its 20th anniversary, Millencolin will perform 2000’s Pennybridge Pioneers in full, and Bad Religion mark their 45th year. Ministry’s dates have been billed as the industrial band’s final Australian shows. Grinspoon also feature, weeks after frontman Phil Jamieson cancelled a solo tour following a fractured vertebra, alongside a card that includes Speed, Slowly Slowly, Neck Deep, MxPx, Bilmuri and Voice of Baceprot.
Good Things Festival 2026
Dec. 4 — Melbourne — Flemington Racecourse (16+)
Dec. 5 — Sydney — Sydney Showground (16+)
Dec. 6 — Brisbane — Brisbane Showgrounds (16+)
On Friday, it was announced that Sophia would be taking a step back from KATSEYE to prioritize her “mental health and wellness,” following a similar announcement from her groupmate Manon back in February. Now the six-person global girl group is down to a quartet — and it’s unclear when either member might return to the fold, especially after a six-month absence for Manon.
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The news comes at a particularly busy time for KATSEYE, with their Wild album arriving on Friday and their Wildworld Tour — the group’s first global trek — kicking off in October. On the new Billboard Pop Shop Podcast, Katie & Keith are discussing the announcement and what it means for the group’s future. Will both women return, or might they remain a quartet? Listen to our full conversation below:
Also on the show, we’ve got chart news on how Ariana Grande’s new album petal debuts atop the Billboard 200 chart, while the set’s title track debuts in the top five on the Billboard Hot 100 songs chart. Plus, Ella Langley’s “Choosin’ Texas” continues to hold firm atop the list for a 17th week, fending off a challenge by Grande’s former No. 1 “hate that I made you love me.”
The Billboard Pop Shop Podcast is your one-stop shop for all things pop on Billboard‘s weekly charts. You can always count on a lively discussion about the latest pop news, fun chart stats and stories, new music, and guest interviews with music stars and folks from the world of pop. Casual pop fans and chart junkies can hear Billboard‘s executive digital director, West Coast, Katie Atkinson and Billboard’s managing director, charts and data operations, Keith Caulfield every week on the podcast, which can be streamed on Billboard.com or downloaded in Apple Podcasts or your favorite podcast provider. (Click here to listen to the previous edition of the show on Billboard.com.)
When Landon Barker was offered a spot on The Voice, his dad, Travis Barker, didn’t think it was time to jump at the opportunity.
Instead, the Blink-182 drummer asked his 22-year-old son to consider what kind of artist he wants to be and whether the opportunity actually fits into that vision.
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“My son called me the other day and he’s like, ‘Hey, they offered me to go on The Voice,’” Travis said during an Aug. 8 appearance on The New York Times’ Popcast. “And I was like, ‘Dude, you’re way too cool for that.’”
For Travis, the decision came down to authenticity. He encouraged Landon to look toward the musicians who have influenced him and consider whether they would have pursued the same route.
“You got to think about your idols,” he said. “If your idol is Kurt Cobain, would he ever do The Voice? No.”
This advice comes as Landon is pursuing his own musical career, aiming to establish himself as a singer and songwriter in his own right. Instead of just rushing into trying to capitalize on every available platform, Travis said his son should give himself time to develop the music he actually wants to make.
“I’m in the studio, I hear the songs that he’s creating,” Travis said. “There’s no rush, you know?”
That doesn’t mean Travis is against televised music opportunities across the board. The drummer has appeared on American Idol several times himself, a distinction he pointed out while acknowledging that his advice to Landon could sound contradictory.
“I’m different,” Travis said. “I’m doing fun sh– that’s just fun for me ’cause I’m a drummer and I’m not in the forefront. It’d be different if I was singing with all these people.”
In other words, Travis sees a difference between making a guest appearance as a member of a band and putting yourself into a competition designed to introduce a singer to a mass audience. For Landon, he wants the focus to remain on developing his own sound and identity. “Stay on your own trajectory,” Travis advised his son.
Landon has already had some notable moments in his young career, including joining The Fray on tour. Now, according to his father, there’s no reason to let the pressure to move quickly dictate what comes next.
Travis also reflected on how his own relationship with fame has changed over the years. He recalled once having a much more confrontational attitude toward paparazzi, admitting that he “used to almost get in fights with paparazzi” and “used to have a temper.”
“Nowadays, I’ve realized it’s just all noise,” he said.
His approach now is considerably simpler: “Be happy. Try not to harm anybody and just be a good person.”
Travis has spent decades navigating the music industry himself, from Blink-182’s late-1990s, early 2000s Billboard 200 dominance to the band’s return to No. 1 with California in 2016.
Watch Barker’s full Popcast interview below:
Nearly four years after the death of Aaron Carter, Hilary Duff found a way to bring a piece of their shared childhood back into the limelight.
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During her Lucky Me Tour stop in Philadelphia on Sunday night, Duff wore a vintage white T-shirt featuring a young Carter, whose image appeared alongside his name on the front of the tee. The understated tribute came as Duff continues her first major tour in years, giving the moment an added significance to the pair’s roots as two young rising stars who came of age in the early 2000s pop culture world.
Duff and Carter were romantically linked from around 2000 to 2003, during a period when both were on Disney Channel and in the pop music space. Carter was making his mark by releasing hit songs like “Aaron’s Party (Come Get It),” which peaked at No. 35 on the Billboard Hot 100 back in 2000. He also made a memorable appearance on Duff’s Lizzie McGuire in 2001.
In the episode “Aaron Carter’s Coming to Town,” Carter plays himself as Lizzie and her friends attempt to get backstage at his concert. The episode concludes with Carter and Duff’s character sharing a kiss, which was an explosive moment that blurred the line between the teen stars’ real-life relationship and their onscreen personas.
More than two decades later, Duff’s Philadelphia tribute was a reminder of just how important Carter was to that period of her life and her career. Following Carter’s death in November 2022, Duff reflected on their relationship in an emotional social media post via Instagram, remembering the “charm” he had and acknowledging how difficult his life had become in the public eye. “Boy, did my teenage self love you deeply,” Duff wrote at the time.
Duff also spoke this year about an unexpected experience that brought Carter back into her life. During an April appearance on the Las Culturistas podcast, she recalled speaking with a psychic who told her that someone named Aaron had emerged during a reading. The psychic eventually identified that Duff and Carter, whom Duff described as her “childhood boyfriend,” were connected.
“It really was a wild experience,” Duff said when speaking about the interaction.
Siempre que una banda saca un disco homónimo que no es su debut, hay algo de declaración de principios. Hasta ahora, la discografía de Racing Mount Pleasant consta de dos LPs: Grip Your Fist, I’m Heaven Bound (2022) y Racing Mount Pleasant (2025). El primero atestigua su proceso de formación: como un grupo de amigos […]
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El 12 de agosto de 2026 la Luna volverá a interponerse entre la Tierra y el Sol para regalarnos uno de esos espectáculos capaces de hacer que millones de personas miren al cielo al mismo tiempo. El eclipse solar total será especialmente visible en Groenlandia, Islandia y el norte de España, mientras que buena parte de Europa podrá observarlo de manera parcial. Un acontecimiento astronómico extraordinario para nosotros; probablemente una excelente oportunidad laboral para Eclipso.
Porque antes de hablar de eclipses en el cine, vale la pena recordar a uno de los villanos más apropiados para la ocasión. Creado por Bob Haney y Lee Elias, Eclipso apareció por primera vez en House of Secrets #61, publicado por DC Comics en 1963. Desde entonces, esta entidad malévola ha hecho de la oscuridad, tanto literal como humana, su lugar favorito para trabajar.
Su historia está ligada a Bruce Gordon, un científico que queda conectado con Eclipso después de un encuentro bastante desafortunado durante una expedición. Cuando las condiciones son propicias, la criatura emerge y Gordon deja de ser precisamente el tipo de persona que uno invitaría a observar tranquilamente un fenómeno astronómico.
A lo largo de los cómics, Eclipso se ha enfrentado a Superman, Batman, la Mujer Maravilla y la Liga de la Justicia, entre muchos otros. Su especialidad no consiste solamente en destruir cosas, algo bastante común entre los supervillanos, sino en encontrar la oscuridad dentro de los demás y utilizarla para corromperlos. Incluso algunos héroes han terminado temporalmente trabajando para él, lo cual seguramente complica bastante las reuniones de la Liga de la Justicia.
Así que, mientras esperamos el eclipse del 12 de agosto y confiamos en que Eclipso tenga otros planes, repasamos diez películas en las que el Sol, la Luna y unos cuantos minutos de oscuridad terminan teniendo consecuencias mucho más serias que sacar el celular para tomar una foto.
10. LARA CROFT: TOMB RAIDER (2001)
Dir. Simon West
Basada en la popular serie de videojuegos desarrollada por Core Design y publicada por Eidos Interactive. La película cuenta con Angelina Jolie en el papel principal como Lara Croft, una intrépida y hábil arqueóloga y aventurera, en su búsqueda de un antiguo artefacto llamado el Triángulo de la Luz, que tiene el poder de controlar el tiempo. Lara se encuentra en una carrera contra el tiempo para encontrar el Triángulo antes que la siniestra sociedad secreta llamada los Illuminati, quienes desean usar su poder para gobernar el mundo, esperando una extraña alineación de planetas acompañada de un eclipse solar
Aunque la película recibió críticas mixtas por su guion y su enfoque en la acción sobre la profundidad del personaje, fue un éxito comercial, lo que llevó a una secuela, Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida, estrenada en 2003 y luego un reboot en 2018 con Alicia Vikander reemplazando a Jolie. Las películas contribuyeron a consolidar la posición de Lara Croft como uno de los personajes más reconocibles en la cultura popular, tanto en los videojuegos como en el cine.
9. JUDY BERLIN (1999)
Dir. Eric Mendelsohn
Aunque esta cinta puede no ser ampliamente conocida fuera de los círculos de cine independiente, sigue siendo apreciada por los cinéfilos por su singularidad y su retrato conmovedor de la condición humana.
Este drama filmado en blanco y negro y protagonizado por Edie Falco (Los Sopranos) como una actriz fracasada, se desarrolla en un día de otoño en Babylon, un tranquilo suburbio de Nueva York en el que sus habitantes van a experimentar un eclipse solar que dura varias horas, y que va a afectar el mundo de varios personajes que deambulan por las calles en busca de recuerdos y de sentido para sus vidas suburbanas.
8. VERÓNICA (2017)
Dir. Paco Plaza
Una película de terror española inspirada en hechos reales ocurridos en Madrid en la década de 1990, conocidos como el “caso Vallecas”, donde una adolescente llamada Estefanía Gutiérrez Lázaro (aquí cambiada por Verónica e interpretada por Sandra Escacena) murió de forma misteriosa tras realizar una sesión de ouija con sus amigas, mientras ocurría el eclipse solar de julio 11 de 1991.
El codirector del clásico de zombies [REC] (2008) nos entrega una cinta de atmósfera inquietante, actuaciones sólidas y dirección efectiva que se destaca por su estilo visual y su capacidad para generar tensión y sustos genuinos sin depender demasiado de los tropos convencionales del género de terror.
7. DOLORES CLAIRBORNE (1995)
Dir. Taylor Hackford
En este drama psicológico y misterioso basado en la novela del mismo nombre escrita por Stephen King, Dolores es una mujer de mediana edad que ha trabajado durante años como ama de llaves para una mujer adinerada en una pequeña isla de Maine. Cuando esta mujer muere en circunstancias misteriosas luego de un eclipse solar, Dolores se convierte en la principal sospechosa de su asesinato. Al mismo tiempo, Dolores debe enfrentar a su propia hija, Selena, quien regresa a la isla para investigar el pasado de su madre y confrontar los demonios que han plagado su relación.
La película utiliza una estructura narrativa no lineal, alternando entre el presente, donde Dolores es interrogada por la policía sobre la muerte de su empleadora, y flashbacks que revelan eventos del pasado que han llevado a la tensa relación entre Dolores y su hija Selena.
Kathy Bates ofrece una actuación destacada como Dolores, mostrando una amplia gama de emociones mientras el personaje lucha contra las acusaciones en su contra y enfrenta el dolor de su pasado turbulento. Jennifer Jason Leigh también brinda una actuación conmovedora como Selena, cuyos recuerdos dolorosos de la infancia y la relación conflictiva con su madre la llevan a una profunda introspección.
6. LADYHAWKE (1985)
Dir. Richard Donner
Una encantadora película de fantasía dirigida por el mismo autor de La profecía, Superman y Arma mortal, ambientada en una tierra medieval ficticia y que sigue la historia de dos amantes, Etienne Navarre (Rutger Hauer), y Lady Isabeau d’Anjou, (Michelle Pfeiffer). Ambos están malditos por el obispo de Aquila, (John Wood), quien está enamorado de Lady Isabeau. Durante el día, Isabeau se transforma en un halcón, mientras que, en las noches, Navarre se convierte en un lobo. Están condenados a nunca encontrarse en su forma humana y así vivir separados.
El destino de la pareja cambia cuando conoce a Philippe “el ladrón” (Matthew Broderick), un joven y astuto criminal que se une a ellos en su búsqueda para romper la maldición, la cual tiene que ver con un eclipse. Juntos, planean enfrentarse al obispo y deshacer el maleficio que los separa.
Ladyhawke se destaca por su ambientación medieval detallada, su hermosa cinematografía y su conmovedora banda sonora compuesta por Alan Parsons. Además, la película ofrece una combinación única de elementos de aventura, romance y fantasía, lo que la convierte en un clásico querido por los aficionados al género de Sword & Sorcery.
5. LITTLE SHOP OF HORRORS (1986)
Dir. Frank Oz
Basada en el musical de Broadway del mismo nombre, que a su vez se inspiró en una película de serie B de 1960 dirigida por Roger Corman, esta delirante cinta dirigida por el titiritero británico detrás de Plaza Sésamo, Los Muppets y personajes como Yoda para Star Wars, sigue a Seymour Krelborn (Rick Moranis), un empleado de una floristería en el Skid Row de Nueva York, quien descubre una planta exótica durante un eclipse solar, que nombra Audrey II (con la voz de Levis Stubbs de The Four Tops) en honor a su compañera de trabajo, Audrey (Ellen Greene), por quien está secretamente enamorado. Sin embargo, Seymour pronto descubre que la planta tiene un apetito insaciable por la sangre y comienza a alimentarla con su propia sangre y con la de otras personas, lo que lleva a consecuencias cada vez más mortales y desastrosas.
La tiendita del horror es conocida por su brillantez visual y su ingenioso humor negro. La película presenta números musicales vibrantes y memorables llevadas a cabo por actores como Steve Martin y Bill Murray, y con canciones originales escritas por Alan Menken, el compositor detrás de la música para La sirenita y La bella y la bestia para Disney.
4. A CONNECTICUT YANKEE IN KING ARTHUR’S COURT (1949)
Dir. Tay Garnett
Esta comedia musical de acción y fantasía está basada en la novela del mismo nombre escrita por Mark Twain (el mismo de Tom Sawyer y Huckleberry Finn) y publicada por primera vez en 1889.
El cantante, actor y leyenda Bing Crosby encarna a Hank Martin, un ingeniero de Connecticut, quien sufre un accidente y se despierta en la Inglaterra del siglo VI, en la época del rey Arturo y los caballeros de la Mesa Redonda. Aprovechando su conocimiento del futuro y su ingenio, Hank intenta modernizar la sociedad medieval, introduciendo tecnologías y conceptos avanzados, como la electricidad, el telégrafo y la democracia.
A medida que Hank se gana el favor del rey Arturo y se convierte en su consejero, también se enfrenta a la oposición de los nobles y magos de la corte, que ven sus ideas como amenazas a su poder y autoridad. A lo largo de la película, Hank se ve involucrado en varias aventuras y desafíos, mientras lucha por encontrar una manera de regresar a su propia época y utiliza su conocimiento sobre un eclipse solar inminente para derrotar a sus enemigos. Ha tenido muchas versiones y variantes (como la delirante Army of Darkness), pero esta es quizás la mejor de todas.
3. TOTAL ECLIPSE (1995)
Dir. Agnieszka Holland
El eclipse aquí está solamente en el título, pero sirve como excusa para incluir esta intensa biografía sobre la turbulenta relación entre los poetas franceses Arthur Rimbaud (Leonardo DiCaprio) y Paul Verlaine (David Thewlis). Basada en una obra de Christopher Hampton, la película sigue el encuentro entre ambos escritores en el París de 1871, cuando Rimbaud, con apenas 17 años, irrumpe en la vida de Verlaine y contribuye a convertirla en un desastre sentimental, familiar y alcohólico.
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DiCaprio tenía 20 años durante el rodaje y ya mostraba la intensidad que pocos años después lo convertiría en una estrella. Su Rimbaud es arrogante, provocador, brillante y bastante insoportable, mientras Thewlis interpreta a un Verlaine atrapado entre la fascinación por el joven poeta y una capacidad casi profesional para tomar pésimas decisiones.
Dirigida por Agnieszka Holland (Europa Europa, Franz), está lejos del romanticismo convencional. La relación entre Rimbaud y Verlaine es obsesiva, violenta y autodestructiva. El verdadero eclipse, entonces, no ocurre en el cielo sino entre dos poetas que consiguieron complicarse la existencia sin necesidad de esperar a que la Luna se atravesara frente al Sol.
2. HELLBOY (2004)
Dir. Guillermo del Toro
Una estupenda película de superhéroes basada en el cómic del mismo nombre creado por Mike Mignola y publicado por Dark Horse Comics, protagonizada por un demonio benevolente y poderoso (Ron Perlman) que fue convocado a la Tierra por un conjuro nazi durante la Segunda Guerra Mundial, pero fue encontrado y criado por el profesor Broom (John Hurt), quien lo cría como un agente de la Agencia de Investigación y Defensa Paranormal (AIDP). Hellboy trabaja junto a otros seres sobrenaturales, incluyendo a su compañera piroquinética Liz Sherman (Selma Blair) y al empático anfibio Abe Sapien (Doug Jones), para luchar contra amenazas sobrenaturales y monstruosas que amenazan al mundo y, aquí debe abrir un portal al infierno durante un eclipse lunar.
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La película generó una secuela en 2008, titulada Hellboy II: The Golden Army, también dirigida por Guillermo del Toro. En 2019, se lanzó un reinicio de la franquicia con David Harbour como protagonista, pero, tristemente, no contó con la participación de del Toro ni de Perlman. Luego contó con otro reboot en 2025 con Jack Kesy, pero las entregas de Del Toro siguen siendo las mejores.
1.APOCALYPTO (2006)
Dir. Mel Gibson
Ambientada en la civilización maya durante el período de decadencia, la cinta del director de Braveheart sigue la historia de un joven cazador llamado Jaguar Paw (Rudy Youngblood), quien lucha por sobrevivir después de que su aldea es atacada y su familia es capturada por un grupo de guerreros enemigos Jaguar Paw se embarca en una peligrosa odisea para rescatar a su esposa e hijo de las garras de sus captores y regresar a su hogar. En el camino, enfrenta una serie de desafíos y obstáculos, incluyendo persecuciones, enfrentamientos con animales salvajes y con otros humanos. A esto se suma que los líderes mayas ven un eclipse solar como señal de un dios enojado cuya sed de sangre debe ser saciada por los líderes.
Esta cinta es considerada por muchos como una obra maestra del género de aventuras épicas (el actor Robert Duvall la consideró como todo un clásico del cine equiparable a El padrino y Apocalypse Now). Su impactante cinematografía, así como por las impresionantes actuaciones de su elenco principal, muchos de los cuales son actores no profesionales de origen nativo, aborda de una manera brutal y agreste temas universales como la supervivencia, la familia y la fuerza ante la adversidad, lo que la convierte en una experiencia cinematográfica altamente emocionante y conmovedora.
P.D. ¡Cuidado con Eclipso!
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Nunca serán suficientes los homenajes a Robe Iniesta. Durante su reciente presentación en Sonorama Ribera 2026, Leiva se tomó un momento para sorprender al público con una interpretación de ‘El Hombre Pájaro’, la canción que abre el último álbum que el difunto músico publicó en 2023.
Hacia la mitad de su set, el músico madrileño tomó su guitarra acústica y les pidió a los casi 50,000 asistentes que guardaran el silencio que más les fuera posible, pues interpretaría una canción muy especial y particularmente difícil para él. Fue entonces cuando comenzó a tocar los acordes iniciales del tema y muchos no pudieron evitar cantarla al unísono. El momento quedó registrado en Internet y se ha convertido en uno de los más especiales que ha dejado esta temporada de festivales.
Esta no es la primera vez en que Leiva le pone su sello a ‘El Hombre Pájaro’, ya que en Año Nuevo fue el encargado de homenajear al líder de Extremoduro durante el resumen de 2025 de RTVE. Al igual que la versión que presentó en directo, el cantautor le imprimió un estilo más íntimo y sensible, digno de un gran amigo y admirador del músico de Extremadura.
Sin saberlo, Leiva incluyó en Gigante —su álbum de 2025—la que sería la última grabación musical de Robe en ‘Caída libre’. En entrevista con ROLLING STONE en Español a inicios de este año, el artista declaró la colaboración como “un regalo de la vida”. “No me parece que tenga un valor positivo, sino lo contrario, eso quiere decir que ya no está con nosotros”, meditó. “Pero lo tomo como un regalo de la vida porque, en sus últimos tiempos, la vida me regaló que me cruzara con él y que tuviera la generosidad de subirse a mi caballo, generar juntos música y dejarme algo de una belleza enorme. Tengo la sensación de tener mucha suerte de haber podido compartir tiempo y música con Robe. Y eso me queda en el corazón”.
Robe Iniesta murió el 10 de diciembre de 2025 a los 63 años y aunque en sus últimos años de vida padeció de algunos problemas de salud, no se supo de la causa exacta de su deceso. Su arte dejó una gran marca en la historia del rock español y a día de hoy continúan los tributos hacia su persona.
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Una de las vocalistas principales de KATSEYE se tomará un descanso del grupo
Sophia Laforzeta compartió un mensaje en redes que se tomara un hiatus para centrarse en su salud mental. Compartió que “Tomar esta decisión no fue fácil, pero estoy aprendiendo que la salud viene primero. Estoy dándome cuenta de que si no cuido mi mente y cuerpo ahora, no podré continuar haciendo lo que amo durante más tiempo”.
Los gestores del grupo, HYBE, también sacaron un mensaje oficial en nombre de la cantante de 23 años, “Aunque Sophia quisiera volver a tocar con las otras miembros, la salud, seguridad y bienestar a largo plazo de nuestros artistas siempre será la prioridad Número Uno”. La compañía añadió que “Continuaremos monitoreando cercanamente su progreso y le brindaremos apoyo en el camino. Apreciamos sinceramente la comprensión y apoyo [de los fans] para Sophia. Esperamos con ansias su regreso a KATSEYE”.
El patrón se repite para el grupo. En febrero, se reveló que otro miembro, Manon Bannerman, se tomaría una pausa temporal de salud mental. La estrella suiza aún no ha regresado a la agrupación y ha estado ausente de las más recientes apariciones y alfombras rojas.
En su mensaje, Laforteza resaltó que ella continuará el trabajo duro para llevar a cabo su proceso de sanación. Después de múltiples presentaciones veraniegas como el festival Head in the Clouds de 88rising en Los Ángeles, el pasado 8 de agosto, KATSEYE realizará su debut del Tonight Show el 12 de agosto.
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El 10 de agosto de 1996, hace exactamente 30 años, Oasis llegó a Knebworth Park para ofrecer uno de los conciertos más importantes de su carrera y, con el tiempo, uno de los momentos definitivos de la historia del rock británico. Al día siguiente, la banda volvería a subir al escenario frente a otra multitud. En total, cerca de 250.000 personas asistieron a las dos fechas para ver a Liam Gallagher, Noel Gallagher, Paul Arthurs, Paul McGuigan y Alan White en el punto más alto de su ascenso.
Knebworth no fue simplemente un concierto multitudinario. Fue la consecuencia natural de una escalada que, en apenas unos años, había convertido a Oasis en la banda más grande del Reino Unido. Desde la publicación de Definitely Maybe en 1994, el grupo de Manchester había pasado de tocar en clubes pequeños a encabezar festivales y llenar estadios. Pero fue What’s the Story Morning Glory?, publicado en octubre de 1995, el disco que terminó de transformar esa popularidad en un fenómeno masivo.
Canciones como ‘Wonderwall’, ‘Don’t Look Back in Anger’, ‘Champagne Supernova’ y ‘Some Might Say’ habían convertido a Oasis en algo mucho más grande que una banda asociada al britpop. Su música estaba en todas partes y los hermanos Gallagher se habían convertido en protagonistas permanentes de la conversación cultural británica. Knebworth fue, en muchos sentidos, la materialización física de ese fenómeno.
La escala del evento era difícil de imaginar incluso para los estándares de los grandes conciertos de la época. Más de dos millones y medio de personas solicitaron entradas, pero solo unas 250.000 pudieron asistir. El escenario fue construido especialmente para las presentaciones y el recinto de Knebworth Park se transformó durante aquellos dos días en una enorme celebración de la cultura británica de mediados de los noventa.
El cartel también ayudaba a dimensionar el momento. Oasis estuvo acompañado por artistas como The Charlatans, Manic Street Preachers, The Prodigy, Ocean Colour Scene y Kula Shaker, entre otros. Pero todo estaba diseñado alrededor de una sola idea: Oasis era la banda del momento y Knebworth era su gran coronación.
La presentación del 10 de agosto comenzó con ‘Columbia’ y continuó con un repertorio que recorría los dos primeros discos de la banda. ‘Acquiesce’, ‘Some Might Say’, ‘The Masterplan’, ‘Wonderwal’’ y ‘Whatever’ formaron parte de una noche que terminó con ‘Champagne Supernova’ y ‘I Am the Walrus’. Al día siguiente, el grupo repitió prácticamente el mismo recorrido ante otra multitud.
Más allá del tamaño del público, lo que convirtió a Knebworth en un acontecimiento histórico fue el momento en el que ocurrió. Oasis todavía estaba en la cima. La tensión entre Liam y Noel Gallagher que posteriormente marcaría buena parte de la historia de la banda aún no había alcanzado sus niveles más conocidos, mientras que el grupo todavía conservaba la sensación de peligro, arrogancia y espontaneidad que había definido sus primeros años.
También era el momento en que el britpop alcanzaba su máxima expresión. Oasis había sido colocado en el centro de una rivalidad mediática con Blur, pero para cuando llegó Knebworth la conversación ya había trascendido aquella competencia. La banda había conseguido algo más difícil: convertir canciones de rock en himnos generacionales.
Tres décadas después, las imágenes de Knebworth conservan precisamente esa dimensión. Liam Gallagher frente a una multitud que parece extenderse hasta el horizonte, Noel tocando la guitarra mientras miles de personas cantan cada palabra y una banda que todavía parecía estar descubriendo hasta dónde podía llegar. Es el registro de Oasis antes de que la historia comenzara a desmontar aquella versión de sí misma.
Knebworth tampoco fue el final de Oasis, aunque con el paso del tiempo adquirió inevitablemente ese carácter de punto culminante. La banda continuaría grabando discos, llenando escenarios y atravesando cambios de formación durante más de una década, hasta su separación en 2009. Pero nunca volvería a ocupar exactamente el mismo lugar cultural que había alcanzado durante aquel verano de 1996.
En 2026, 30 años después, Knebworth permanece como una fotografía de un instante irrepetible: el momento en que Oasis dejó de pertenecer únicamente a sus seguidores para convertirse en parte de la historia del rock. Porque pocas bandas han tenido la oportunidad de mirar desde un escenario hacia una multitud de ese tamaño y saber, incluso en ese momento, que estaban viviendo algo que probablemente nunca volvería a repetirse.
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